フランス発、2017年に創刊したグラフィックデザイン誌『レヴュ・フェール（REVUE FAIRE）』。本誌は、ヨーロッパ全体、殊にフランスにおいて、グラフィックデザインの形態と活動にまつわる分析に特化した批評的な刊行物が少ない現状を嘆き、鑑みて作られた。グラフィックデザインスタジオ「Syndicat」と出版社「Empire」を主宰するデザイナー・デュオ、サシャ・レオポルド（Sacha Léopold）とフランソワ・ハーヴェゲール（François Havegeer）によって創刊、15冊を1シーズンとして発行している。

第54号は、スウェーデン人キュレーター、ポントゥス・フルテン（Pontus Hultén）を特集し、『The Director, the Graphic Designer, and the Printer』をタイトルに掲げ、1960年から1973年まで「ストックホルム近代美術館（Moderna Museet）」の館長を務めた功績を讃えフルテンが在任期間中に手がけた出版活動に光を当てている。

ストックホルム近代美術館やポンピドゥー・センター（Centre Pompidou）をはじめ、数々の美術館を立ち上げてきた伝説的キュレーターとして知られるフルテンは、そのキャリアを通じて多くの書籍を刊行してきた。1960年代、スウェーデン初の近代美術館の館長に就任したことをきっかけに、彼は展覧会カタログというフォーマットに真正面から取り組み、自らデザインにも深く関わっていく。

美術史家でありキュレーターでもあったフルテンは、ストックホルム近代美術館や、1973〜1981年に館長を務めたポンピドゥー・センター内の国立近代美術館（Musée National d'Art Moderne）など、複数の世界的主要美術館の立ち上げに関わった人物である。彼は、社会批評として、また芸術と生活の境界を曖昧にする全体的な体験として構想された展覧会によって、これらの美術館の歴史に深い爪痕を残し、その国際的な評価を確立した。1960年代のストックホルム近代美術館で開催された幾つかの展覧会は、先駆的なものとして知られている。例えば、ニキ・ド・サンファル（Niki de Saint Phalle）、ジャン・ティンゲリー（Jean Tinguely）、パー・オロフ・ウルトヴェット（Per Olof Ultvedt）による記念碑的な彫刻作品《Hon》は、来場者が巨大な身体の膣部にあたる開口部から内部へと入り込むことができるアイコニックな展示だった。「Modellen – för ett bättre samhälle」展では、子どもたちが美術館空間を探検し、作り変えることが促され、それが社会変革のメタファーとして提示された。同様に、「Poesin måste göras av alla. Förändra världen!」展では、来場者が展示の一部の制作に参加し、プログラムについての意見を伝えるために提示された電話番号へ連絡することができた。芸術をすべての人に開かれたものとし、日常生活に溶け込ませるために、フルテンは美術館の開館時間を延長した先駆的な人物のひとりでもある。料金設定の方針も、開かれた場と民主化への志向の一部を成しており、例えば1968年に同館で開催されたアンディ・ウォーホル（Andy Warhol）展覧会のカタログは、1ドルで販売されていた。

フルテンは、アーティスト、キュレーター、グラフィックデザイナー、出版社、著者、印刷業者を集め、大胆で常識に逆らうプロジェクトに取り組ませることで、自身が率いる美術館の視覚的世界をかたちづくっていった。こうしたコラボレーションは、従来のヒエラルキーを解体し、さまざまな役割を混交させ、ときに再発明し、あるいは単に消失させてしまうものだった。フルテン自身が実際にデザインや印刷を手がけることは稀であったものの、その影響力は創造プロセスのあらゆる局面において感じ取ることができる。彼が継続的に協働した人物には、スウェーデンのグラフィックデザイナーであるフーベルト・ヨハンソン（Hubert Johansson）、ジョン・メリン＆アンデシュ・エステルリン（John Melin & Anders Österlin／M&Ö）、ヨスタ・スヴェンソン（Gösta Svensson）らのほか、のちにはスイス人デザイナー、ジャン・ヴィドメル（Jean Widmer）やポーランド人デザイナー、ロマン・チェシェヴィッチ（Roman Cieślewicz）といった国際的なデザイナーも含まれている。

フルテンは、1つ1つの印刷物にはそれぞれ固有のキャラクターが与えられるべきだと考えていた。かたちは内容だけでなく、それを手がけるデザイナーの個性も映し出し、見えないものに具体的なかたちを与えなければならない。各ドキュメントが持つ「オーラ」は、内容とかたちの緊密な結び付きから生まれる。題材に応じてフォーマットが調整され、伝えたいメッセージに沿って素材が慎重に選ばれ、印刷には当時もっとも先進的な技術が用いられた。そうした関係のなかで、常に「何が可能か」という境界を押し広げようとしていたのである。

フルテンのレガシーを通して一貫しているのは、喜びに満ち、アイロニカルで、自由闊達なアナーキズムであり、それはきわめて創造的でユートピア的な精神でもある。彼はダダイズムから着想を得て、芸術を現実を批評するための場として捉えていた。彼の仕事は、繊細なサインを張り巡らせながら、既存の慣習に問いを投げかける多様な視点を生み出している。

本号の著述はパリを拠点に活動するフリーランスのグラフィックデザイナー、マルー・メシアン（Malou Messien）が担当。彼女のデザイン実践と、印刷物やデザインオブジェへの情熱は、テキストやレクチャー、オンラインでの販売プラットフォームというかたちで共有されるコレクション制作へとつながっている。

フランス語、英語併記。

記事：『Revue Faire』：言行一致のグラフィックデザイン誌（The Graphic Design Review）

Centered on the emblematic figure of Pontus Hultén, this issue of Revue Faire explores the director's publishing work during his time at the head of the Moderna Museet in Stockholm, from 1960 to 1973.

Director and founder of a number of institutions, including the Moderna Museet and the Centre Pompidou, Pontus Hultén published books throughout his career. Beginning in the 1960s when he was appointed director of Sweden's first museum of modern art, he fully embraced the challenge of the exhibition catalog, even becoming involved in its design.

Malou Messien is a freelance graphic designer based in Paris. Her design practice and passion for printed and design objects have led her to create collections that she shares in the form of texts, lectures and online sales platforms.

Faire is a bi-monthly magazine dedicated to graphic design, published from October to June, distributed issue by issue or in the form of anthologies of three or four issues. Created by Empire, Syndicat studio's publishing house, Faire is aimed for undergraduate students as well as researchers and professionals, documenting contemporary and international practices of graphic design, along with the history and grammar of styles. Each issue focuses on a single subject, addressed by a renowned author.

"Critical publications dedicated to the analysis of Graphic design are sadly few and far between today, particularly in France, but also in Europe as a whole. Adopting an analytical and critical posture with regard to the forms and activities of Graphic design, Sacha Léopold and François Havegeer intend to establish a printed publication that deals with these practices. The publication will work with seven authors in its first year (Lise Brosseau, Manon Bruet, Thierry Chancogne, Céline Chazalviel, Jérôme Dupeyrat, Catherine Guiral and Étienne Hervy). This initially limited choice, linked to a desire to propose an experience with a group that has previously participated together in projects, will then allow for the inclusion of foreign authors in the second year of publication."

An art historian and exhibition curator, Pontus Hultén (1924-2006) helped to establish several major museums including the Moderna Museet in Stockholm, which he headed from 1958 to 1973, and the Musée National d'Art Moderne at the Pompidou Centre, whose first director he was between 1973 and 1981. He left his mark on the history of these museums and consolidated their global renown with exhibitions designed both as critiques of society and as all-embracing experiences blurring the frontiers between art and life. Some exhibitions presented at the Moderna Museet in the 1960s were groundbreaking, for example the iconic monumental sculpture titled "Hon" by Niki de Saint Phalle, Jean Tinguely and Per Olof Ultvedt, whose giant vagina visitors thronged to enter. The exhibition "Modellen – för ett bättre samhälle" invited children to explore and reshape the museum space as a metaphor of social change. Similarly, visitors could take part in the creation of part of the exhibition "Poesin måste göras av alla. Förändra världen!" and call a number to express their opinions about the programme. To make art accessible to all and allow it to integrate with daily life, Pontus Hultén was among the first to extend museum opening hours. His pricing policy also formed part of a desire for openness and democratisation: the catalogue for the exhibition "Andy Warhol" (1968, Moderna Museet) was, for instance, on sale for a dollar.
Hultén shaped the visual worlds of the museums he headed by bringing together artists, curators, graphic designers, publishers, authors and printers and setting them to work on bold projects that ran counter to established conventions. These collaborations exploded traditional hierarchies: different roles intermingled, were reinvented, or simply disappeared. Although he rarely designed or printed material himself, Hultén's influence could be felt at each stage of the creative process. Among the people he regularly worked with were the Swedish graphic designers Hubert Johansson, John Melin & Anders Österlin (M&Ö) and Gösta Svensson, and, later on, international figures such as Jean Widmer and Roman Cieślewicz.
According to Hultén, each piece of printed material was entitled to its own individual character. Form must reflect not only content but also the personality of its designer, and it must make the invisible, visible. The "aura" of each document arose from a close relationship between content and form, where the format was adapted to the subject, the materials used were carefully chosen to convey a message, and printing used the most advanced techniques of the time. The idea was to constantly push back the boundaries of what was possible.
The common thread that runs through Hultén's legacy is a joyful, ironic, free-spirited anarchism that is profoundly inventive and utopian. Drawing inspiration from Dadaism, he saw art as a critique of reality. His productions wove a subtle network of signs and created a constellation of questions that defied conventions.