{"title":"SOUND","description":"","products":[{"product_id":"the-sound-of-laughter-isnt-necessarily-funny-by-jonathan-monk","title":"THE SOUND OF LAUGHTER ISN'T NECESSARILY FUNNY by Jonathan Monk","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eイギリス人アーティスト、ジョナサン・モンク（Jonathan Monk）による作品。本作は作者の故郷であるイギリス・レスターにあるデ・モントフォート大学にて開催された同名の展覧会に伴い刊行され、カセットテープに小さなブックレットが添えられた形式を採用したユニークな展覧会図録となっている。作者の作品の特徴として、アート史と自伝を行き来して生まれる相互作用が挙げられるが、本作では個人的な要素がより突出している。展覧会では、作者の家族にまつわる3つの「彫刻作品」– グランドピアノ、祖父の持ち物であった2つの柱時計、バラバラになった人形 – が会場に並べられた。展示された作品は機械仕掛けで動くようになっており、一見場当たり的な意味のない動きで時間の経過を示しつつ、ゴシック的な余韻を孕む。そして自動的にピアノが演奏され人形の目がちらつくたびに人間の存在、気配を示唆する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eThe Sound of Laughter Isn't Necessarily Funny\u003c\/em\u003e is a catalogue in the form of a cassette tape by Jonathan Monk published after the show The Sound of Laughter Isn’t Necessarily Funny held in Monk's home town of Leicester. The catalogue comprises a five panel concertina booklet printed in gold and black with jewel case and prison cassette. In Monk's work there is always interplay between art history and autobiography, in this work the personal takes prominence. Jonathan Monk opened his first exhibition in Leicester, the city in which he was brought up, at The Gallery, De Montfort University. \u003cem\u003eThe Sound Of Laughter Isn't Necessarily Funny\u003c\/em\u003e run from 27 January until 11 March 2017. In this exhibition, three sculptures dominated the space – a grand piano, a pair of grandfather clocks and a dismembered doll that had passed through the artist's family. Each of these was mechanically animated and their actions mark the passing of time in seemingly arbitrary ways. All the objects had a gothic resonance to them. Their animation suggested human presence, as the piano played itself and the dolls eyes flicker opened.\u003c\/p\u003e","brand":"IN OTHER WORDS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":1837001310220,"sku":"978-0-9932238-4-6","price":2640.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/180118_5263.jpg?v=1571703964"},{"product_id":"parallax-symmetry-by-carsten-nicolai","title":"PARALLAX SYMMETRY by Carsten Nicolai","description":"\u003cp\u003eドイツ人アーティストであり音楽家のカールステン・ニコライ (Carsten Nicolai）の作品集。作者はベルリンを拠点とし、1990年代初期からヴィジュアルアート、音楽、自然科学が相互に作用する領域で作品を作り続けてきた。電子音と光によるミニマリズムのインスタレーションやサウンドパフォーマンスを制作し、メディアに形作られた世界のシステムと構造を映し出す宇物理的な現象を提示してきた。アルヴァ・ノト（Alva Noto）という名前で音楽家としても活動し、コンテンポラリー・エレクトロ・ミュージック界を代表する有名アーティストの1人となった。documenta X（1997年）とヴェネツィア・ビエンナーレ（2001、2003年）に参加したことをきっかけに、ヴィジュアルアーティストとしての作品も世界中で展示してきた。 デュッセルドルフのギャラリー「K21」で、このアーティストでありミュージシャンでもある人物に捧げた概説的な展覧会が2019年秋に開催、それと同時に同ギャラリーのある広場では電子音楽のライブコンサートやパフォーマンスが行われた。本書と同タイトルである展覧会「Carsten Nicolai. Prallax Symmetry」は2019年9月28日から2020年1月19日にデュッセルドルフのK21で開催された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eSince the early 1990s, Carsten Nicolai (b. 1965, lives and works in Berlin) has worked along the interface between visual art, music, and the natural sciences. With electronic sound and light material, he generates minimalist installations, sound performances, and presentations of physical phenomenon that reflect upon the systems and structures of a mediatized world.As a musician, Nicolai has become one of the most recognized representatives of contemporary electronic music under the pseudonym Alva Noto. Since his participation in documenta X (1997) and the Venice Biennales of 2001 and 2003, he has exhibited worldwide as a visual artist. Taking place on the piazza of the K21 to accompany Nicolai’s exhibition in the lower level will be a series of electronic live concerts and performances.In autumn, the K21 will be showing a survey exhibition devoted to the artist and musician.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eText by Susanne Gaensheimer, Doris Krystof, Rainer Maria Rilke, Friedrich Kittler, Kathrin Dreckmann, Verena Meis, Linda Walther\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32577760133200,"sku":"978-3-959053-50-1","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/ParallaxSymmetry00.jpg?v=1593010584"},{"product_id":"primal-sound-by-carsten-nicolai","title":"PRIMAL SOUND by Carsten Nicolai","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eドイツ人アーティストであり音楽家のカールステン・ニコライ (Carsten Nicolai）の作品集。『\u003cem\u003eUr-Geräusch（Primal Sound）\u003c\/em\u003e』は1919年に出版された詩人ライナー・マリア・リルケ（Rainer Maria Rilke）のエッセイのタイトルである。作者は2015年にKunstverein Braunschweigで開催した展覧会にこの名をつけた。このエッセイでリルケは、初期の蓄音機であるフォノグラフについて記している。今から140年ほど前の時点で既にフォノグラフは発明されており、レコードプレイヤーに先駆けて登場した、音を再現できる最初の装置だった。この技術革新の類例として、作者は目に見える形で音波を記録・再生する方法を発見した。Kunstverein Braunschweigで展示したインスタレーションでは、女優ジュール・ボウ（Jule Böwe）にリルケの『\u003cem\u003ePrimal Sound\u003c\/em\u003e』を朗読させていた。本作では、ジュール・ボウの声を視覚化した包絡線と印刷した文章を対比させている。インスタレーションの写真は、和装本の内側に「隠しトラック」として目立たないように印刷されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eUr-Geräusch\u003c\/em\u003e”\u003cem\u003e (Primal Sound)\u003c\/em\u003e is the title of an essay by Rainer Maria Rilke, which was published in 1919 and subsequently lent its name to the exhibition by Carsten Nicolai that was mounted last year at the Kunstverein Braunschweig. In the text Rilke wrote about the phonograph, which was invented almost 140 years ago as a precursor of the record player and was the first device capable of reproducing sound. Paralleling this technical innovation, Nicolai finds visual forms for the recording and playback of sound waves. For his installation at the Kunstverein Braunschweig he had Jule Böwe narrate Rilke’s “Primal Sound”. In the artist’s book he contrasts the envelope curve ― the visualized image of her voice ― with the printed text. Pictures of his installations are tucked away as a “hidden track” on the inside of the Japanese binding.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32590127988816,"sku":"978-3-959050-73-9","price":4620.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/PROMALSOUND00.jpg?v=1594912946"},{"product_id":"sounds-like-silence-john-cage-4-33-silence-today-by-inke-arns-dieter-daniels","title":"SOUNDS LIKE SILENCE - JOHN CAGE - 4’33” – SILENCE TODAY by Inke Arns, Dieter Daniels","description":"\u003cp\u003eアメリカ出身の音楽家、作曲家、詩人、思想家、キノコ研究家であるジョン・ケージ（John Cage）の作品集。ケージが作曲した「\u003cem\u003e4’33”（4分33秒）\u003c\/em\u003e」にまつわる一作。ドイツ人キュレーターのインケ・アルンス（Inke Arns）、美術史とメディア理論を専門に教鞭をとるディーター・ダニエルス（Dieter Daniels）による編集。本書のタイトルとその基になった展覧会は二通りに読み解くことができる。一つに、私たちは事実上静寂を「聞く」ことができる。ケージの言葉を借りれば「\u003cem\u003e静寂というものは存在しない\u003c\/em\u003e」ことになる。もう一方で、音が聞こえるためには静寂が必要である。完全な静寂は存在しないとしても、あらゆる音には静寂の概念が付き纏う。不在なくして存在はないということである。『\u003cem\u003eSOUNDS LIKE SILENCE\u003c\/em\u003e』の二重の意味は「聞こえるものが何もない時に聞こえるものは何か」、「私たちはどの程度静寂を求めているのか」、「静寂が存在したとして、私たちはどの程度静寂に耐えられることができるのか」というこのプロジェクトの核をなす問題に直結している。1953年8月29日に初演された画期的な作品「\u003cem\u003e4’33”\u003c\/em\u003e」をテーマに据えた新しい理論研究と作品に加え、この「静寂の音楽」のオリジナルスコア、1952年から1992年にかけてケージが作曲したバリエーション、派生作品、続編を収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe title of this book and the exhibition it documents—\u003cem\u003eSounds Like Silence\u003c\/em\u003e—is ambiguous. On the one hand, silence effectively “sounds”—or as Cage put it, “There is no such thing as silence.” On the other hand, sound needs silence in order to be heard. Even if complete silence does not exist, every sound implicitly conveys the notion of silence: there is no presence without absence. The double meaning of Sounds Like Silence therefore touches upon the central issues at stake in this project: what do we hear when there is nothing to hear; to what extent do we long for silence; and how much silence can we cope with—provided it even exists?John Cage’s \u003cem\u003e4’33”\u003c\/em\u003e (four minutes, thirty-three seconds) premiered on August 29, 1952. This book presents new theoretical writings and artistic works referring to this groundbreaking work, together with original scores and the composer’s own variations, derivatives, and sequels of the “silent piece” in the years from 1962 to 1992.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eText by Inke Arns, Brandon LaBelle, Dieter Daniels, David Toop, Dörte Schmidt, Julia H. Schröder, Jan Thoben\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32611275636816,"sku":"978-3-940064-41-7","price":8030.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200507_0382.jpg?v=1594922224"},{"product_id":"escalier-du-chant-by-olaf-nicolai","title":"ESCALIER DU CHANT by Olaf Nicolai","description":"\u003cp\u003eドイツ人アーティスト、オラフ・ニコライ（Olaf Nicolai）の作品集。どうすれば政治的な出来事を音楽で表現できるのか？一つの歌はどのようにして政治的な曲になるのか？作者は国際的に活躍する11名の作曲家を招き、今彼らに関わり合いのある政治的な出来事に言及する曲を作ってもらった。\u003cbr\u003e事前に告知は行わずに、ミュンヘンのピナコテーク・デア・モデルネで2011年の日曜日に12回に渡り合計58の楽曲がアカペラで演奏された。美術館を訪れた人たちは、ふと気付けば、ほんのつかの間演出されたパフォーマンスの出演者になっていた。曲からの引用と作曲家による解説を58部の楽譜としてまとめた一冊。付属の小冊子にはパフォーマンスの様子を捉えた様々な写真を収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eHow can songs reflect political events? How does a song become a political song? The artist Olaf Nicolai invited eleven international composers to write songs that reference political events which were of current relevance to them. Without prior announcement, a total of 58 songs were performed as a-cappella pieces on twelve Sundays in 2011 on the central staircase of the Pinakothek der Moderne in Munich. Visitors to the museum found themselves as actors in a staged performance for brief instances of time. The publication “\u003cem\u003eEscalier du Chant\u003c\/em\u003e” presents excerpts from the songs and commentaries by the composers in the form of 58 music sheets; the accompanying booklet contains various photographs of the performances. Including songs by Tony Conrad, Georg Friedrich Haas, Georg Katzer, Liza Lim, Samir Odeh-Tamimi, Enno Poppe with Marcel Beyer, Rolf Riehm, James Saunders, Elliott Sharp, Mika Vainio, Jennifer Walshe.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32678346784848,"sku":"978-3-940064-65-3","price":14300.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/all_c5dd2fc3-889a-486b-a334-94be43f9784c.jpg?v=1596124933"},{"product_id":"a-mycological-foray-by-john-cage","title":"A MYCOLOGICAL FORAY by John Cage [THIRD EDITION]","description":"\u003cp\u003e「\u003cem\u003eキノコに熱中することによって、音楽についてより多くを学ぶことができるという結論に至った。\u003c\/em\u003e」- ジョン・ケージ\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eアメリカ出身の音楽家、作曲家、詩人、思想家、キノコ研究家であるジョン・ケージ（John Cage）の作品集。本書『\u003cem\u003eA MYCOLOGICAL FORAY（真菌類学への介入）\u003c\/em\u003e』は、作者の特異体質的な心の奥底に存在する、キノコで覆われた風景へと見る者を惹きつける。2冊組のうち1冊には、作者がキノコを探究している様子や、その間に出会った様々な種類の植物や真菌類の写真や文章を掲載。1983年に公演された『\u003cem\u003eMUSHROOMS et Variationes\u003c\/em\u003e』の完全版スクリプトも収録している。加えて、ファイルのような形をした『\u003cem\u003eMUSHROOM BOOK（キノコの本）\u003c\/em\u003e』は、1972年に作者が制作したポートフォリオを初めて複製したものである。アメリカ人イラストレーターであり同じく菌類を研究していたロイス・ロング（Lois Long）によるイラストと、アメリカ人植物学者のアレクサンダー・H・スミス（Alexander H. Smith）による解説を含む。本作は「JOHN CAGE TRUST」による協力のもと刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eI have come to the conclusion that much can be learned about music by devoting oneself to the mushroom.\u003c\/em\u003e” - JOHN CAGE, 1954\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eJohn Cage: A Mycological Foray\u003c\/em\u003e draws readers across the idiosyncratic, mushroom-suffused, innermost landscape of celebrated American composer John Cage. Upon the remarkable journey with Cage, one encounters assorted photographs, compositions, and contemplations; all in the very same unexpected fashion one encounters various flora and fungi species while mushroom foraging. Volume I encompasses Cage’s mycological-oriented Indeterminacy stories, Diary excerpts, and essays; and the complete transcript of Cage’s 1983 performance, \u003cem\u003eMUSHROOMS et Variationes\u003c\/em\u003e. Volume II offers the inaugural reproduction of Cage’s 1972 portfolio, \u003cem\u003eMushroom Book\u003c\/em\u003e; authored in collaboration with illustrator Lois Long and botanist Alexander H. Smith. Mycological Foray is developed in collaboration with the John Cage Trust.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"ATELIER ÉDITIONS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32850652987472,"sku":"9781733622004","price":11550.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/JOHNCAGE01.jpg?v=1599690600"},{"product_id":"oath-against-minimalism-by-sung-tieu","title":"OATH AGAINST MINIMALISM by Sung Tieu","description":"\u003cp\u003eベルリンとロンドンを拠点として活動するベトナム人アーティスト、スン・ティウ（Sung Tieu）の作品集。本書は、メディアを横断して作品を制作する作者の制作物をまとめたものであり、不可思議ながらも没入感のある空間的状況を生み出す立体作品や、サウンド・インスタレーションが収録されている。豊かで美しい図版とともに、美術史家やキュレーターによる4本のエッセイによって作者の活動を広範囲にわたって紹介し、政治の力学構造、グローバル資本主義、音の心理的効果、そして冷戦の遺産などを背景に制作された作品について深い洞察を与えるものとなっている。本書は作者にとって初となる美術館での展覧会、「\u003cem\u003eZugzwang\u003c\/em\u003e」（2020年\/ハウス・デア・クンスト）と「\u003cem\u003eIn Cold Print\u003c\/em\u003e」（2020年\/ノッティンガム・コンテンポラリー）の開催に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOath against Minimalism documents the multifaceted work of the up-and-coming artist Sung Tieu, whose sculptural and sound installations engender uncanny and immersive spatial situations. Lavishly illustrated and containing four essays by international art historians and curators, as well as an interview with the artist, this wide-ranging publication provides a comprehensive insight into Tieus practice; placing her work against the backdrop of bureaucratic power structures, global capitalism, the psychological effects of sound, and the legacies of the Cold War. This monograph is published on the occasion of Tieu´s first institutional exhibitions: \u003cem\u003eZugzwang\u003c\/em\u003e (2020) at Haus der Kunst in Munich and \u003cem\u003eIn Cold Print\u003c\/em\u003e (2020) at Nottingham Contemporary.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32921788252240,"sku":"9783959054133","price":5500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2009251317.jpg?v=1602160138"},{"product_id":"index-by-christian-marclay","title":"INDEX by Christian Marclay","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eアメリカ人ミュージシャン、アーティストのクリスチャン・マークレー（Christian Marclay）による作品集。コントラストが強い何百枚ものモノクロコピーで構成された本書は、ノートの走り書きのようにも、完成作品に向けた実験の最初の段階のようでもある。ここ数年の間、自身の作品に影響を与えた所謂元ネタを集めた本書には、作者の創作プロセスの一端を垣間見ることができる。デザインは、作者の他の作品集やレコードカバーを手掛けてきたグラフィックデザイナーのローラン・ベナー（Laurent Benner）とのコラボレーションにより行われた。2人に共通する美意識から生まれた美しい本に仕上がっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e私はデッサンがあまり得意ではないからかもしれませんが、アイデアをスケッチして広げていくアプローチとしては、コラージュの方がより自然に感じます。アイデアを素早く試して発展させる方法として、私はイメージを切り貼りし、コピー機を使います。イメージや音を見つけ、サンプリングし、アプロプリエ―ションをし、それらを変化させることが私の作品のテーマです。構想を練ったり、潜在的な考えを再確認したりする時に思考プロセスの引き金を引くのはファウンドイメージであることが多いです。コピーは瞬間的にイメージを成立させ、それから少し距離を置くための方法です。偶然からも多くのことが見えてきます。カメラや動画編集ソフトウェアと同じく、コピー機はツールの1つに過ぎないのです\u003c\/em\u003e」 ―クリスチャン・マークレー（Christian Marclay）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cstrong data-mce-fragment=\"1\"\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eクリスチャン・マークレー \u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003c\/span\u003eトランスレーティング［翻訳する］\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2021年11月20日（土） - 2022年2月23日（\u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e水・祝）\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e休館日： \u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e(2022年1月10日、2月21日は開館 )、年末年始 (12月28日－1月1日 )、1月11日\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：10:00-18:00\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e東京都現代美術館　企画展示室 1F\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.mot-art-museum.jp\/exhibitions\/christian-marclay\/\" data-mce-fragment=\"1\" data-mce-href=\"https:\/\/www.mot-art-museum.jp\/exhibitions\/christian-marclay\/\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eMaybe it’s because I’m not a very good draftsman, collage feels like a more natural approach to sketching and developing ideas. I cut and paste and use my photocopier as a quick way to experiment and develop ideas. My work is all about finding, sampling, appropriating images and sounds, and transforming them. The found image is usually what triggers a thought process—formulating ideas or simply reaffirming latent thoughts. It’s a way to instantly mediate an image and get a little distance from it. Accidents are also often revealing. Like the camera, or any video editing software, the photocopier is just another tool.\u003c\/em\u003e” – Christian Marclay\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eMarclay’s compilation of hundreds of high-contrast black-and-white Xeroxes are like scribblings in a notebook, the first stages of experimentation towards more finished works, a glimpse into the artist’s creative process. This book brings together the source material that has informed Marclay’s practice over the past few years. It was designed in collaboration with Laurent Benner, a graphic designer who has worked with Marclay on various other books and record covers. Their shared sensibility informs this beautiful new book.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39285332869200,"sku":"9783907236086","price":14850.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/INDEX00.jpg?v=1617856481"},{"product_id":"what-we-leave-behind-by-stephan-crasneanscki","title":"WHAT WE LEAVE BEHIND by Stéphan Crasneanscki","description":"\u003cp\u003eフランス人アーティスト、ステファン・クラスニアンスキー（Stéphan Crasneanscki）の作品集。ドイツラジオ文化放送の依頼により、同じくフランス人の映画監督、ジャン＝リュック・ゴダール（Jean-Luc Godard）のアーカイブを題材に制作した重要作品『\u003cem\u003eWhat We Leave Behind\u003c\/em\u003e』を見つめ直し、1冊の本にまとめたもの。箱、コラージュ、静物、メモの4部構成になっている。映画界の巨匠ゴダールのアーカイブを探求するにあたり、作者はゴダールが個人的に収集していた短編映画、オープンリール、歴史的なエフェメラを撮影した。時代を感じさせるメモや参考文献をまとめ上げて散逸を防ぎ、ゴダールの芸術的な思考プロセスを垣間見ることができる断片的な「クリエイティブマップ」を作り上げている。1人の人間の所有物と文化的遺産の両方に向き合う中で、作者はこうしたものに散りばめられたアイデンティティ、トレーサビリティー、時間や空間の広がり、記憶、存在、物質性、史実性といった様々な概念に対する賞賛を表現し、自己の解釈を付け加えている。ミュージシャン、作家、詩人のパティ・スミス（Patti Smith）による序文、映画監督アベル・フェラーラ（Abel Ferrara）との対談、映画評論家、歴史家、編集者であるアントワーヌ・ドゥ・ベック（Antoine de Baecque）によるエッセイを収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003eMOT Plus サウンドウォーク・コレクティヴ \u0026amp; パティ・スミス｜コレスポンデンス\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e会期：2025年4月26日（土）- 6月29日（日）\u003cbr\u003e休館日：月曜日（5月5日は開館）、5月7日\u003cbr\u003e時間： 10:00 - 18:00\u003cbr\u003e開催場所：東京都現代美術館\u003cbr\u003e\u003ca rel=\"noopener\" href=\"https:\/\/www.mot-art-museum.jp\/exhibitions\/MOTPlus-correspondences\/\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eSubsequent to a commissioned sound composition for Deutschlandradio, multidisciplinary artist Stéphan Crasneanscki (b. 1969, French) further examines his significant opus What We Leave Behind, on French film director Jean-Luc Godard’s archive, into book form. The book is divided into four comprehensive sections: boxes, collages, still lifes and notes. When invited to explore the archive of the seminal film director, Crasneanscki photographed Godard’s personal collection of shot film, reel-to-reels and historical ephemera. The notes and references in the book attest to the passing of time, yet being saved from oblivion; as a fragmented creative map of a master film director’s artistic thought process. In addition to working with someone’s personal belongings and its cultural heritage, Crasneanscki also adds his own interpretation and admiration to the material’s constellation of ideas of identity, traceability, temporality, space, memory, existence, materiality and historicity. The book contains a foreword by musician, author and poet Patti Smith (b. 1946, American), a conversation with filmmaker Abel Ferrara (b. 1951, American) and an essay written by film critic, historian and editor Antoine de Baecque (b. 1962, French).\u003c\/p\u003e","brand":"LIBRARYMAN","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39412270071888,"sku":"9789188113450","price":7150.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/WHATWELEAVEBEHIND00.jpg?v=1744804281"},{"product_id":"liquids-by-christian-marclay","title":"LIQUIDS by Christian Marclay","description":"\u003cp\u003eアメリカ人ミュージシャン、アーティストのクリスチャン・マークレー（Christian Marclay）の作品集。本書は、2015年にロンドンのギャラリー「White Cube」での個展開催に伴い刊行された。本展では、展覧会全体を通して水性のモチーフを用い、新作も含み野心的な作品群が展示された。作者の最近の絵画は、行為としてのペインティングを示唆する湿った音を出発点として捉えている。抽象表現主義とポップアートをつなぐこれらの絵画は、画像と音の関係についてのアーティストの長年の実験の継続を表している。本書には、近年のオノマトペ（擬声語）絵画作品の他、映画「Pub Crawl」（2014）と「Surround Sounds」（2014）、そして拾われたガラス製品を用いたインスタレーションビューが収録されている。芸術と音楽の世界で両者を繋ぐ一連の作品で深く尊敬されている作者は、展覧会会場に「London Sinfonietta」が率いる活発な共同音楽パフォーマンスチームを同行させ様々なプランを計画し、ギャラリー内でのオンサイト・レコーディングやプレス印刷、ビニールレコードのスクリーン印刷の環境を作り上げ、その様子は本書に収録されている。展覧会の規模と多様性を反映する為、本書は様々な出版技術や、紙の種類、大きさを組み合わせ、作品集自体がユニークなものとなっている。数多くの出版物で作者と協業をしてきたローラン・ベナー（Laurent Benner）によってデザインされた本書は、多くの異なるメディアを習得する最も創作的で、革新的な現代アーティストの1人の作品の好適な記録である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cstrong data-mce-fragment=\"1\"\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eクリスチャン・マークレー \u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003c\/span\u003eトランスレーティング［翻訳する］\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2021年11月20日（土） - 2022年2月23日（\u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e水・祝）\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e休館日： \u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e(2022年1月10日、2月21日は開館 )、年末年始 (12月28日－1月1日 )、1月11日\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：10:00-18:00\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e東京都現代美術館　企画展示室 1F\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca data-mce-fragment=\"1\" href=\"https:\/\/www.mot-art-museum.jp\/exhibitions\/christian-marclay\/\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis book was published to coincide with the major solo exhibition by Christian Marclay at White Cube Bermondsey in 2015. The presentation, ambitious in its scope, included a range of new work with the aqueous motif introduced with the paintings running throughout the exhibition. The recent paintings of Marclay (born 1955) take as their point of departure wet sounds suggestive of the action of painting. These paintings, bridging Abstract Expressionism and Pop art, represent a continuation of the artist’s longstanding experimentation with the relationship between images and sounds. \u003cem\u003eChristian Marclay: Liquids\u003c\/em\u003e, includes the recent Onomatopoeia paintings, as well as the films \u003cem\u003ePub Crawl\u003c\/em\u003e (2014) and \u003cem\u003eSurround Sounds\u003c\/em\u003e (2014) and an installation of found glassware. Revered in the worlds of art and music for a body of work that bridges the two, Marclay planned a lively program of collaborative musical performances led by the London Sinfonietta to accompany his exhibition and set up facilities for the on-site recording, pressing and screen printing of vinyl records in the gallery, also documented in this volume. To reflect the scope and variety of the exhibition, this publication mixes different printing techniques, paper types and sizes, making it a unique object in its own right. Designed by Laurent Benner, who has collaborated with Marclay on numerous publications, this title is a fitting record of the work of one of the most creative and innovative contemporary artists to master so many different media.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eContributors: Tom Morton is a Scottish writer, broadcaster, journalist and musician.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"WHITE CUBE","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39560538587216,"sku":"978190607295","price":15400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/liquid_01_0706db76-c81a-471a-b492-057b6d94bf74.jpg?v=1636615432"},{"product_id":"screams-by-christian-marclay","title":"SCREAMS by Christian Marclay","description":"\u003cp\u003eアメリカ人ミュージシャン、アーティストのクリスチャン・マークレー（Christian Marclay）による作品集。2017年に香港のギャラリー「White Cube Hong Kong」での初展覧会開催に伴い刊行された。本書には、展示されたモノクロの木版画のシリーズが収録されている。\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e作者は長い間「静止画を音として知覚する」ことを探求してきたが、音と視覚が物理的・文化的に交わる点を探求したこの作品にも、この興味が反映されている。見る者の感情をかき立てる版画のシリーズは、コラージュ、デジタル技術、伝統的な印刷技術を組み合わせて作られている。マンガやコミック本から切り抜かれた叫ぶ顔の断片で構成された新しい顔は、なぜか私たちの心を掴んで離れない、マスクのような雰囲気を漂わせている。泣き顔や汗を滴らせている顔を集めたハイブリッドなキャラクターたちは、感情を迸らせている。そこから発散されている静かでありながら爆発的なエネルギーに、私たちはいくつもの物語を読み取ることができる。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本作は展覧会の記録であると同時に、ポスター／作品としても楽しめる仕様となっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cstrong data-mce-fragment=\"1\"\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eクリスチャン・マークレー \u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003c\/span\u003eトランスレーティング［翻訳する］\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2021年11月20日（土） - 2022年2月23日（\u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e水・祝）\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e休館日： \u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e(2022年1月10日、2月21日は開館 )、年末年始 (12月28日－1月1日 )、1月11日\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：10:00-18:00\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e東京都現代美術館　企画展示室 1F\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca data-mce-fragment=\"1\" href=\"https:\/\/www.mot-art-museum.jp\/exhibitions\/christian-marclay\/\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eServing as both the record of an exhibition and as a poster\/artwork in its own right, this pamphlet is a record of Christina Marclay’s series of black and white woodcuts, exhibited in his first show at White Cube Hong Kong, in late 2017. Exploring the physical and cultural intersection of sound and vision, and reflecting the artist’s ongoing interest in the sonic perception of still images, this series of expressive prints are created through a combination of collage, digital technology and traditional printmaking techniques. Fragments of screaming faces are cut out of Manga books and other comics and collaged into new, composite faces that take on a haunting, mask-like quality. These emotionally charged hybrid cartoon characters, often crying or sweating, emit a silent yet explosive energy with multiple narrative potential. A single work taken from the exhibition is reproduced in full across the full span of one side of the pamphlet, when folded out to its full size.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"WHITE CUBE","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39560545697872,"sku":"9781910844250","price":3850.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/CMScreams_1.jpg?v=1633957969"},{"product_id":"crossfire-by-christian-marclay","title":"CROSSFIRE by Christian Marclay","description":"\u003cp\u003eアメリカ人ミュージシャン、アーティストのクリスチャン・マークレー（Christian Marclay）による作品集。本書は、ロンドンのギャラリー「White Cube」での個展開催に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者は1980年代初期から音とイメージの関係性を探求するユニークな作品を発展させてきた。生き生きとした生命力と知性を感じさせるコラージュで知られ、レコードカバーから映画の場面まで、ありとあらゆる素材を使って絵画、オブジェ、インスタレーションを制作してきた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e展覧されていたビデオインスタレーション『\u003cem\u003eCrossfire\u003c\/em\u003e』では、銃と銃撃のカットが矢継ぎ早に映し出されるモンタージュを4つの巨大なスクリーンに投影し、鑑賞者を取り囲むことにより身体感覚を刺激する空間を作り出している。遠くの国の戦争や地元の犯罪についてのニュースに常に登場し、映画においては物語を語る道具という役割を長らく果たしてきた銃は、メディアで使われるイメージの中でも最も象徴的なものだろう。銃は常に暴力を想起させるが、その一方で外部の脅威から守ってくれるという偽りの安心を与える。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本作で探求されているのは、恐怖と魅惑という双子のような感覚だ。上着をめくってホルスターに収められたごついハンドガンを見せる男、冷たい鉄の銃身を性愛の対象であるかのように撫でる指、リボルバーのシリンダーに弾丸を押しこむ親指など、小さなピストルから猛々しいライフルまで、『\u003cem\u003eCrossfire\u003c\/em\u003e』の登場人物は様々な銃を扱う。やがて銃撃戦が始まり、魅惑に満ちたリズムに合わせて激しくなったり弱まったりしながら脈打つ暴力が鑑賞者を飲みこむ。休むことなく攻撃し続ける銃の音が次第に打楽器のように聞こえてくるように、正確に配置された音とイメージ。作者は、西部劇やギャング映画、戦争映画という素材から奇妙な音楽を引き出してみせるのだ。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cstrong data-mce-fragment=\"1\"\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eクリスチャン・マークレー \u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003c\/span\u003eトランスレーティング［翻訳する］\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2021年11月20日（土） - 2022年2月23日（\u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e水・祝）\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e休館日： \u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e(2022年1月10日、2月21日は開館 )、年末年始 (12月28日－1月1日 )、1月11日\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：10:00-18:00\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e東京都現代美術館　企画展示室 1F\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.mot-art-museum.jp\/exhibitions\/christian-marclay\/\" data-mce-fragment=\"1\" data-mce-href=\"https:\/\/www.mot-art-museum.jp\/exhibitions\/christian-marclay\/\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eFrom Exhibition information:\u003cbr\u003eSince the early 1980s, Marclay has been developing a distinctive body of work that explores the relationships between sound and image. Renowned for his exuberant and witty collages, Marclay has made use of everything from record covers to film clips to construct pictures, objects and installations.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThe video installation 'Crossfire' creates a charged, physical space in which the viewer is surrounded by four large projections playing a rapid montage of guns and gunfire. The gun is perhaps the most iconic image in the media, a constant presence in everything from newscasts about faraway wars and local crimes to its persistent role as a narrative device in movies. While guns always foreshadow violence, they also offer a false promise of safety from an outside threat. Marclay plays with this twin sense of dread and fascination. 'Crossfire' features characters handling a variety of guns, from small pistols to unruly rifles – a man pulls back his jacket to reveal a thick handgun in a holster, fingers caress a steely gun barrel as if stroking a fetish object, a thumb pushes bullets into the cylinder of a revolver. When the shooting begins, the viewer is engulfed by a cadenced, pulsating violence that diminishes and intensifies with mesmerising rhythm. Although the viewer is under a continuous assault, Marclay’s precise arrangement of sound and image allows the gunfire to become a kind of percussion instrument, and Crossfire coaxes a strange music from the Westerns, gangster flicks and war movies that the artist has used as raw material.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"WHITE CUBE","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39560553037904,"sku":"9781906072018","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/CROSSFIRE01.jpg?v=1634477735"},{"product_id":"one-million-years-past-future-by-on-kawara","title":"ONE MILLION YEARS (PAST \u0026 FUTURE) by On Kawara","description":"\u003cp\u003e日本人コンセプチュアルアーティスト、河原温（On Kawara）の6枚のCDが収められたボックス作品。1993年に「ディア芸術センター（Dia Center for the Arts）」のために考案され、1年間展示されたインスタレーションの記録である。本展では、作者がニューヨークで制作した『\u003cem\u003eToday\u003c\/em\u003e』シリーズのほか、ブックアート作品『\u003cem\u003eOne Million Years (Past)\u003c\/em\u003e 』とサウンド作品『\u003cem\u003eOne Million Years (Future)\u003c\/em\u003e 』が展示された。巻のはじめに「For the last one」と刻印された本作は、革製のバインダーとして当初制作された。ディア芸術センターでは、作品が初めてレコーディングとして展示され、1994ADから2613ADまで、1年ずつの年号を、未来に向けて交互に読みつぐ男声と女声が聞こえてくる。本作品は、その後世界中で巡回する本プロジェクトが2013年に\u003cmeta charset=\"UTF-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e「ディア芸術センター（Dia Center for the Arts）」で再度行われた際に収録されたもの。\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eFrom 1994 AD to 2613 AD. In 1993, Dia held the yearlong exhibition \u003cem\u003eOne Thousand Days One Million Years\u003c\/em\u003e, for which Kawara installed paintings from the Today series that had been executed in New York City. The exhibition also included his book work \u003cem\u003eOne Million Years (Past)\u003c\/em\u003e and a sound work, \u003cem\u003eOne Million Years (Future)\u003c\/em\u003e. \u003cem\u003eOne Million Years (Future)\u003c\/em\u003e, which opens with the inscription \"For the last one,\" was originally executed as an edition of leather-covered binders. At Dia, for the first time, it was presented as a recording, with a male and a female voice counting continuously, year upon year, into the future.\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"DIA ART FOUNDATION","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39561155772496,"sku":"","price":88000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/onkawara_01.jpg?v=1634967754"},{"product_id":"beauty-lies-in-the-eye-by-catherine-ceresole","title":"BEAUTY LIES IN THE EYE by Catherine Ceresole","description":"\u003cp\u003eスイス人フォトグラファー、カトリーヌ・セレソール（Catherine Ceresole）の作品集。作者と夫のニコラは、70年代のニューヨークのアンダーグラウンド・ミュージック\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e・\u003c\/span\u003eシーンに魅せられ、1979年にニコラがオーディオ・エンジニアとしての修行を始めるタイミングを見計らい2人で移住した。すぐに数多くのミュージシャンと親しくなり、パンク、ノーウェーブ、アバンギャルド・ミュージック・シーンを、親しさやドラマチックさを感じさせるユニークな写真に収めることができた。ソニック・ユース（Sonic Youth）、リディア・ランチ（Lydia Lunch）、グレン・ブランカ（Glenn Branca）、アート・リンゼイ（Arto Lindsay）、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/christian-marclay\"\u003eクリスチャン・マークレー（Christian Marclay）\u003c\/a\u003e、ビースティ・ボーイズ（the Beastie Boys）など、多くのアーティストたちを親密な距離感で決定的な瞬間を撮影した、視覚的な音楽史ともいえる一冊。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn 1979 Catherine Ceresole and her husband Nicolas moved to New York, where he was to begin training as an audio engineer. In truth, however, the couple went there because they were captivated by the city’s underground music scene. They soon became friendly with a number of musicians who Catherine began to photograph at concerts and in intimate settings. The result was a unique photographic documentary of the New York punk, no-wave and avant-garde music scene during its heyday. With her keen eye for dramatic moments, she captured them all on film: Sonic Youth, Lydia Lunch, Glenn Branca, Arto Lindsay, Christian Marclay, the Beastie Boys and many others. After they returned to Switzerland, Catherine Ceresole continued to photograph musicians and their bands — with an unfailing ear and keen eye. The book is a visual music history of the last decades, presenting the work of this unique photographer to a broad public for the first time.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eTexts by Christian Marclay, Thurston Moore, Rhys Chatham, Mark Cunningham, Lee Ranaldo, Alan Licht, and a conversation between Catherine Ceresole and Emmanuel Grandjean, along with Nicolas Ceresole and Francis Baudevin.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39583300780112,"sku":"9783905929430","price":11550.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/1_c841efbf-80f3-4291-a479-f725663a8057.jpg?v=1645255261"},{"product_id":"translating-by-christian-marclay","title":"TRANSLATING by Christian Marclay","description":"\u003cp\u003eアメリカ人ミュージシャン、アーティストのクリスチャン・マークレー（Christian Marclay）の作品集。2021年11月から2022年2月まで東京都現代美術館で開催された「\u003cem\u003eクリスチャン・マークレー トランスレーティング [翻訳する]\u003c\/em\u003e 」\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e展に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e公式テキストより：\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e現代美術と音楽を繋ぐ、革新的な活動をつづけてきたアーティスト、クリスチャン・マークレー。日本初の大規模個展開催にあわせて編集された、資料的価値の高い一冊。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eクリスチャン・マークレー（1955-）は、70年代末のニューヨークでターンテーブルを使ったパフォーマンスで音の実験を始めて以来、前衛的な音楽シーンの重要人物として活躍してきた。一方で、視覚的な情報としての音や、現代社会において音楽がどのように表象され、物質化され、商品化されているかといったテーマに焦点を当てた活動により、現代美術と音楽を繋ぐ、最も人気があり影響力を持った作家とみなされてきた。レコードやCD、コミック、映画、写真など、幅広いファウンドメディアを再利用しつつ、マークレーはパフォーマンス、コラージュ、インスタレーション、ペインティング、写真、映像などの数多くの領域で作品を生み出している。\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e東京都現代美術館「\u003cem\u003eクリスチャン・マークレー トランスレーティング［翻訳する］\u003c\/em\u003e」では、そうした彼の多様で折衷的な実践を辿る。コンセプチュアル・アートやパンク・ミュージックに影響を受けた初期作品から、イメージと音の情報で構成した大規模なインスタレーション、さらには現代社会に蔓延する不安を映し出した最新作まで、その多岐にわたる活動の全貌を紹介する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e掲載内容：\u003cbr\u003e・インスタレーションビュー・パフォーマンス写真を含む図版\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e・\u003c\/span\u003eマークレーとの鮮烈な出会いを描いた大友良英のエッセイ、マークレーの本質をあばきだす音響文化論を専門とする中川克志、マンガ研究者ライアン・ホームバーグによる論考、本展キュレーターの藪前知子による作品解説などのテキスト\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e・\u003c\/span\u003e過去のインタビュー・論考の初邦訳（デイヴィッド・トゥープ、ダグラス・カーン、刀根康尚、ジャン・エステップ、トム・モートン）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e・\u003c\/span\u003e展覧会歴、パフォーマンス歴、参考文献、ディスコグラフィー\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e・\u003c\/span\u003e日本での活動を追ったアーカイブ（当時のパフォーマンス写真、プライベートフォト、フライヤーなど）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eクリスチャン・マークレー トランスレーティング［翻訳する］\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2021年11月20日（土） - 2022年2月23日（水・祝）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e休館日： (2022年1月10日、2月21日は開館 )、年末年始 (12月28日－1月1日 )、1月11日\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：10:00-18:00\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e東京都現代美術館　企画展示室 1F\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.mot-art-museum.jp\/exhibitions\/christian-marclay\/\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis is a catalogue which was published on the occasion of the exhibition '\u003cem\u003eCHRISTIAN MARCLAY: TRANSLATING\u003c\/em\u003e' at Museum of Contemporary Art, Tokyo, from November 2021 to February 2022.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe first Japanese publication on Christian Marclay, the catalogue features images of exhibited works, artist interviews, conversations and essays by key commentators such as Tone Yasunao, David Toop, and Douglas Kahn, as well as newly written texts by Otomo Yoshihide, Nakagawa Katsushi (researcher in music and sound studies) and Ryan Holmberg (art and comics historian). The catalogue will include a timeline, archival materials and a comprehensive selection of references to Marclay’s artistic activities in Japan.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e-Installation views and plates\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e-Texts “Around the Time I Met Christian Marclay” by Japanese composer and multi-instrumentalist Yoshihide Otomo, “A Revised Theory of Christian Marclay: Interacting with the World,” by sound studies and music researcher Katsushi Nakagawa, “Christian Marclay and the “Oral History” of Comics,” by art and comics historian Ryan Holmberg, and commentary by exhibition curator Tomoko Yabumae\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e-Early artist interview and essays by David Toop, Douglas Kahn, Yasunao Tone, Jan Estep, and Tom Morton\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e-History of Exhibitions, Selected Bibliography, and Discography\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e-Archival material from past exhibitions and performances in Japan – including performance photos, personal photos, and flyers\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"SAYUSHA","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39632112386128,"sku":"9784865280562","price":3960.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/CHRISTIANMARCLAYTRANSLATINGbyChristianMarclay_00.jpg?v=1647930496"},{"product_id":"day-still-night-again-by-anri-sala","title":"DAY STILL NIGHT AGAIN by Anri Sala","description":"\u003cp\u003eアルバニア人アーティスト、アンリ・サラ（Anri Sala）の作品集。2021年7月から10月にオーストリアの「Kunsthaus Bregenz（ブレゲンツ美術館）」で開催された展覧会に伴い刊行された。作者の作品群において音楽的な現象は重要な役割を果たしている。その変革力あるタイムベースト・メディアの美術作品は、音、イメージ、建築の緊密なネットワークの関係性により生み出されている。この展示で繰り返し使用される媒体はフィルムである。従来の映画に対して、作者は厳密な物語や俳優を起用せず、むしろ音楽が作品の主役になるよう作り上げている。ここでは一般的にシネマティックなものから音楽的なものが生じるのではなく、逆に音楽的なものからシネマティックなものが生じ、これによって鑑賞者が視覚的かつ聴覚的な空間体験に没入できるようになっている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本書はレコード盤の寸法に基づいた造本となっており、透明なカラーシートが差し込まれた仕様となっている。今回の大規模展の記録写真が掲載されているほか、ブレゲンツ美術館の館長を務めるオーストリア人キュレーター、トーマス・D・トラマー（Thomas D. Trummer）らが、音とイメージが主役の作者の作品について解説しているエッセイも収録する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eMusical phenomena play a major role in Anri Sala's work. His ransformative, time-based works develop from a dense network of relations between sound, image, and architecture. A recurring medium in the exhibition is film. In contrast to conventional cinema, Sala does not employ a strict narrative or even actors, it is rather musical pieces that become the real protagonists in the works. The cinematic results from the musical and not, as is customary, vice versa, enabling visitors to immerse themselves in a both visual and acoustic experience of the space.\u003c\/p\u003e","brand":"WALTHER KÖNIG","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39757395099728,"sku":"9783960987925","price":10450.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_03f87595-77c5-4fd2-ab0c-bd9769d32aa6.jpg?v=1662177946"},{"product_id":"sound-inscriptions-on-fabric-by-gabriel-de-la-mora","title":"SOUND INSCRIPTIONS ON FABRIC by Gabriel de la Mora","description":"\u003cp\u003eメキシコ人マルチメディアアーティスト、ガブリエル・デ・ラ・モラ（Gabriel de la Mora）の作品集。本書は、ニューヨークのギャラリー「ドローイング・センター（THE DRAWING CENTER）」で2016年に開催された展覧会に伴い刊行された。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e作者は、卵の殻、捨てられた靴といったファウンド・オブジェクト（※註1）から視覚芸術を構成することで最もよく知られている。拾ったものや捨てられたもの、使われなくなったものを集め、その分類のプロセスを通じて各オブジェクトを分解し、写真を撮り、記録するという手法を取っている。この使い古された「物」は、日常生活に関する歴史的な情報が貯蔵された場所である、と作者は表現する。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本展覧会では、拾われたスピーカーのサランネット\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e（※註2）\u003c\/span\u003e55組を用いたインスタレーションを展示した。無数の声、広告、ニュース放送、ソープオペラ、フットボール中継や音楽、そしてノイズ、雑音障害、沈黙までもを録音してきたスピーカーが使用されていた間に、その中を循環した埃や空気によって「描かれた」シミのような痕跡が、それぞれのサランネットに刻まれている。本書は、全展示作品をフルカラーで掲載しているほか、アメリカ人キュレーターのブレット・リトマン（Brett Littman）による新しい学術論文も収録。「\u003cem\u003eGabriel de la Mora: The Readymade Drawing\u003c\/em\u003e」と題し、作者のドローイングに対する独特なアプローチは、アーティストの手による直接的な創造というよりはむしろ、持続的で、レディ・メイド的なものであるとして論考している。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e※註1 一度他の目的に使用された「物」のことで、そのなかでも芸術作品を構成する要素として流用・転用された「物」を意味する。マルセル・デュシャンのレディ・メイド作品など。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e※註2 スピーカーの保護をする網状の部品\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eGabriel De la Mora works with collections of found, discarded, and obsolete objects, such as eggshells and shoe soles, which he describes as caches for historical information about everyday life. Through a classificatory process, De la Mora deconstructs, photographs, and documents each object he accumulates.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003ePublished to accompany the exhibition \u003cem\u003eGabriel de la Mora: Sound Inscriptions on Fabric\u003c\/em\u003e, Drawing Papers 127 features full-color illustrations of each of the exhibited fifty-five pairs of found speaker screens, each of which carries the “drawn” imprint of dust generated by the sound of countless voices, songs, commercials, news broadcasts, and static that passed through the fabric screen during the speaker’s life. Also included are newly commissioned scholarly essays. In his text “Gabriel de la Mora: The Readymade Drawing”, curator Brett Littman explores the artist’s distinctive approach to drawing as durational and readymade rather than an act of immediate creation by the artist’s hand.\u003c\/p\u003e","brand":"THE DRAWING CENTER","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39769734742096,"sku":"9780942324976","price":5500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/SOUNDINSCRIPTIONSONFABRICbyGabrieldelaMora_00.jpg?v=1654156295"},{"product_id":"kinder-dieser-welt-by-hanne-darboven","title":"KINDER DIESER WELT by Hanne Darboven","description":"\u003cp\u003eドイツ人アーティスト、ハンネ・ダルボーフェン（Hanne Darboven）の作品集。1997年7月から9月にドイツの「シュトゥットガルト州立美術館（Staatsgalerie Stuttgart）」で開催された展覧会に伴い刊行された。1990年から1996年にかけて制作されたシリーズ「\u003cem\u003eKinder dieser Welt\u003c\/em\u003e」を収録した1冊であり、このシリーズは、数冊の絵本、おもちゃ、茶色の紙の束、2202点の楽譜から構成される大作である。これまでの作品と異なり、色彩と遊び心にあふれたアプローチで、暦日の数値を主観的に表現するという厳格なコンセプトを変換し、子供のコスモポリタンな世界観を楽観的な新しい始まりの象徴として作り出している。本書では形式的に、多様かつ複雑な箇所をセクションに分けて再現している。本書に収録されている序論では、本作において作者が空間と時間という概念を捉え直し、独自の規則を発見する訴えを探求する。そのほか、1995年の「バーデン・ヴュルテンベルク州国際賞」受賞者である作者の生涯と作品を、注釈入りの作品カタログと詳細な略歴で紹介している。本作に含む楽譜の演奏を収録したCDが付属する。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eFrom 1990 to 1996, Hanne Darboven worked on \u003cem\u003eKinder dieser Welt\u003c\/em\u003e, an extensive opus comprised of several books, toys, brown-paper tablets and 2202 musical \"scores\". In a departure from previous practice, the artist employs coloration and a playful approach to modify the stringency of her concept involving the subjective rendering of calendar information to conjure up a cosmopolitan children's world as a symbol for an optimistic new beginning. The book reproduces the formally quite diverse and complex segments of the work in sections. An introductory essay explores the way in which the artist fundamentally recapitulates her entire concept of space and time in \u003cem\u003eKinder dieser Welt\u003c\/em\u003e, shaping it into an appeal for the discovery of individual rules. An annotated works catalogue and a detailed biography document the life and work of the artist, the recipient of the 1995 International Prize of the state of Baden-Württemberg. \u003c\/p\u003e","brand":"HATJE CANTZ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39774560845904,"sku":"9783893223336","price":6050.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_7fd59991-ef83-40c3-9bd5-2cdf5fd32833.jpg?v=1655797034"},{"product_id":"la-monte-young-an-anthology-by-la-monte-young-second-edition","title":"LA MONTE YOUNG: AN ANTHOLOGY by La Monte Young [SECOND EDITION]","description":"\u003cp\u003eアメリカ人現代音楽作曲家、ラ・モンテ・ヤング（La Monte Young）、ジャクソン・マック・ロー（Jackson Mac Low）ら、「フルクサス（FLUXUS）」と関わりを持つアーティスト25名の作品集。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e「\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eフルクサス\u003c\/span\u003e」は、1960年代に展開した前衛芸術運動である。ラテン語で「流れる、変化する」という意味を持つ通り、演奏やパフォーマンス、マルチプルやオブジェといった様々な形式の作品を制作する芸術家が、領域や地域を超えて構成した国際アーティスト集団である。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e「フルクサス」メンバーであるヤングとマック・ローが編集を担当した本書は、楽譜、視覚詩、コンクリート・ポエトリー（具体詩）、グラフィック、インストラクション・アートやエッセイを含む多様な作品が寄稿されている。ブックデザインは「フルクサス」創始者であるリトアニア系アメリカ人デザイナー、建築家のジョージ・マチューナス（George Maciunas）が手掛けた。本書は、「ニューヨーク近代美術館（MoMA, The Museum of Modern Art）」のコレクションにも加わった貴重な一冊である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eEdited by La Monte Young and Jackson Mac Low, designed by George Maciunas \u003cem\u003eAn Anthology\u003c\/em\u003e contains contributions—including musical notation, visual and concrete poetry, graphics, instruction-based works, and essays—by more than a dozen artists, many of whom would become associated with Fluxus.\u003c\/p\u003e","brand":"DIA ART FOUNDATION","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39774617698384,"sku":"","price":55000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/LAMONTYOUNG-ANANTHOLOGYbyLaMontYoung_00_bc0d5d8f-e9a3-4fe0-8a73-e0d196531814.jpg?v=1659608215"},{"product_id":"opus-17a-by-hanne-darboven-audio-cd","title":"OPUS 17A by Hanne Darboven [AUDIO CD]","description":"\u003cp\u003eドイツ人アーティスト、ハンネ・ダルボーフェン（Hanne Darboven）のオーディオCD。1996年3月から6月にニューヨークの「ディア・チェルシー（Dia Chelsea）」で開催された展覧会に伴い製作された。本作は、作者が「\u003cem\u003eKulturgeschichte 1880–1983, 1980–83\u003c\/em\u003e」を仕上げた直後に作曲したコントラバスのための作品であり、1984年に制作された1,008ページに及ぶ記念碑的作品「\u003cem\u003eWunschkonzert\u003c\/em\u003e」の4部構成のうちの1つである。本作は、作者がいわゆる「数学的音楽（mathematical music）」と述べた、ある音符に数字を割り当て、それを楽譜に置き換えた数学的なシステムから作られた音楽を制作していた時期に作曲された。本作は、1996年5月1日に展覧会のオープニングで初めて発表され、演奏はアメリカ人作曲家のロバート・ブラック（Robert Black）が担当、アメリカ人作曲家であるジョナサン・べプラー（Jonathan Bepler）がアルバムをプロデュースした。収録は、ニューヨークの「Aardvark Studio」で行われた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eHanne Darboven's\u003cem\u003e Opus 17A\u003c\/em\u003e is a work for double bass that the artist composed immediately after finishing \u003cem\u003eKulturgeschichte 1880–1983\u003c\/em\u003e, 1980–83. It was first performed at the opening of Darboven's exhibition at Dia on Wednesday, May 1, 1996. Performed by Robert Black. Produced by Jonathan Bepler. Recorded at Aardvark Studio.\u003c\/p\u003e","brand":"DIA ART FOUNDATION","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39775240159312,"sku":"","price":4400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_e90619fb-54a7-4a37-9ddb-4453340aabc7.jpg?v=1659608293"},{"product_id":"christian-marclay-by-christian-marclay","title":"CHRISTIAN MARCLAY by Christian Marclay","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eアメリカ人ミュージシャン、アーティストであるクリスチャン・マークレー（Christian Marclay）の作品集。2022年11月から2023年2月にかけてパリの「ポンピドゥーセンター（Centre Pompidou）」で開催された展覧会に伴い刊行された。作者は、サンプリング、シャッフル、モンタージュを中心に、1970年代末から音の世界に軸足を置いて活動している。24時間の映像インスタレーション「\u003cem\u003eThe Clock\u003c\/em\u003e」（2010年）でヴェネチア・ビエンナーレ金獅子賞を受賞した作者は、ポピュラー音楽、前衛音楽、ハリウッド映画、実験映画のあらゆる側面に同様に関心を寄せている。フルクサスのヴィジョンやポップな精神を受け継ぎ、アメリカの前衛美術を代表するジョン・ケージ（John Cage）やアンディ・ウォーホル（Andy Warhol）を継承する作者は、40年以上にわたり、コラージュ、アッサンブラージュ、インスタレーション、映像、写真、絵画、版画を通して、視覚芸術のあらゆる可能性と視覚と音の現象の関係性を探求している。またパフォーマーとして、数々の音楽プロジェクトに参加し、レコードとターンテーブルをお気に入りの楽器としている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本書では、その反響と人気が時を経ても衰えることがない、作者の重要かつオープンなマルチメディア作品について深く掘り下げている。1970年代初期のパフォーマンスから、象徴的な作品として挙げられる『\u003cem\u003eGuitar Drag\u003c\/em\u003e』（2000年）、そして『\u003cem\u003eAll Together\u003c\/em\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e』\u003c\/span\u003e（2018年）や『\u003cem\u003eSubtitled\u003c\/em\u003e』（2019年）といった新作の大規模映像インスタレーションまで、レコードとそのジャケット、あらゆるフォーマットの写真、改造楽器、映像、プリントと絵画を組み合わせた作品、オブジェ、「グラフィック・スコア（図案楽譜）」などのアッサンブラージュは、合唱的で断固として多形的な作品群の結合組織であり、絶え間なく進化し続ける。それは、我々の存在の聴覚的な次元を、文字通りのものであれ、静かに呼び起こすものであれ、常に主張し続ける実践である。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eロンドンを拠点とするデザインスタジオ「Zak Group」がデザインを手がけた本書は、翻訳家・作家のポリー・バートン（Polly Barton）、詩人のナタリー・キンターヌ（Nathalie Quintane）、美術史家のミシェル・ゴーティエ（Michel Gauthier）、ポンピドゥセンターのチーフキュレーターを務めるマルセラ・リスタ（Marcella Lista）、デザイン専門家のカトリーヌ・ド・スメット（Catherine de Smet）による新しいエッセイを集め、作者の活動に新たな視点を与える。また、本展のキュレーターを務めたジャン＝ピエール・クリキ（Jean-Pierre Criqui）による包括的な内容を語る作者との対談、クレマン・シェルー（Clément Chéroux）、デニス・クーパー（Dennis Cooper）、ジャン＝ピエール・クリキ（Jean-Pierre Criqui）、ウェイン・ケステンバウム（Wayne Koestenbaum）、デイヴィッド・トゥープ（David Toop）という世界的に活躍目覚ましい作家や美術史家が書き下ろしたテキストの選集を収録するほか、美術史家のアナリサ・リマウド（Annalisa Rimmaudo）による詳細な年表も掲載している。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eWith sampling, shuffling, and montage taking center stage, the practice of Swiss-American artist Christian Marclay (*1955) has been anchored in the universe of sound since the end of the 1970s. An eminent conceptual artist and recipient of the Golden Lion at the Venice Biennale for his landmark 24-hour video installation \u003cem\u003eThe Clock\u003c\/em\u003e (2010), he is equally fascinated by all aspects of popular music and avant-garde music, Hollywood cinema, and experimental film. Drawing on the Fluxus vision of art and Pop spirit, and heir to John Cage and Andy Warhol, Marclay has been exploring all the possibilities of the visual arts and the relationships between visual and sonic phenomena for more than four decades through collage, assemblage, installation, video, photography, painting, and printmaking. Also a performer, he has taken part in numerous musical projects, making the vinyl record and the turntable his favorite instruments.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003ePublished on the occasion of the artist’s major retrospective at the Centre Pompidou, Paris, this volume explores in depth his consequential open and multimedia work, whose echo and popularity have continued to grow over time. From his early performances in the 1970s to his iconic \u003cem\u003eGuitar Drag\u003c\/em\u003e (2000) and his most recent large-scale video installations such as \u003cem\u003eAll Together\u003c\/em\u003e (2018) and \u003cem\u003eSubtitled\u003c\/em\u003e (2019), assemblages of records and their covers, photographs in all formats, altered musical instruments, videos, combined prints and paintings, objects, and graphic scores ensure the connective tissue of this choral and resolutely polymorphic body of work in perpetual evolution—a practice in which the auditory dimension of our existence, whether literal or silently evoked, is constantly asserted.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eDesigned by Zak Group, and extensively illustrated, the publication gathers together new essays by writers Polly Barton and Nathalie Quintane, art historians Michel Gauthier and Marcella Lista, and design specialist Catherine de Smet to bring new perspectives to the artist’s practice. It also features a comprehensive conversation with Christian Marclay by the exhibition’s curator Jean-Pierre Criqui, an anthology of texts from an international array of writers and art historians—Clément Chéroux, Dennis Cooper, Jean-Pierre Criqui, Wayne Koestenbaum, and David Toop—as well as an exhaustive chronology by Annalisa Rimmaudo.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003ePublished on the occasion of the artist’s retrospective at the Centre Pompidou, Paris, from November 16, 2022, to February 27, 2023.\u003c\/p\u003e","brand":"JRP|EDITIONS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39995506425936,"sku":"9783037645970","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_93d85d2d-a9b2-4b2d-b93b-a82f969b4011.jpg?v=1672209089"},{"product_id":"i-expose-the-music-by-nam-june-paik","title":"I EXPOSE THE MUSIC by Nam June Paik","description":"\u003cp\u003eビデオアートの先駆者として知られる、韓国生まれのアメリカ人アーティスト、ナム・ジュン・パイク（Nam June Paik）の作品集。2023年3月から8月にかけてドイツ・ドルトムントの「オストヴァル美術館（Museum Ostwall im Dortmunder U）」で開催された展覧会に伴い刊行された。本書は、作者の作品の中で、これまでほとんど見過ごされてきた特徴であり、作者の創作活動を通して一貫した要素でもある「生の瞬間」に焦点を当てている。観客による直接的な体験や積極的な参加は、作者の作品において極めて重要な構成要素である。本書は、作曲家としての初期の創作活動から始まり、作者の「スコア」、「コンセプト」、「イベント」としての音楽へのアプローチに重点を置いている。パフォーマンス、参加型の作品、生放送への関心、マルチメディア作品など、主要な作品シリーズを参照しながら、作者の創造的思考と手法を紹介する。パフォーマンスの様子を記録した写真では、その生の瞬間の生き生きとした印象を与える。ドイツ人アーティストのアニカ・カース（Anicka Kahrs）、アメリカ人アーティストのオータム・ナイト（Autumn Knight）、日本人アーティストのアキ・オンダ（Aki Onda）、香港生まれのアーティストであるサムソン・ヤン（Samson Young）らが本書のために特別にデザインしたページでは、現代における作者の作品の重要性を強調している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe publication homes in on a feature of the work of media artist Nam June Paik that has been largely overlooked: live moments, a consistent element running all through his artistic career. The immediate experience of the audience and their active involvement are crucial components in Paik’s work. Starting with his early career as a composer, one focus of the book is on the way Paik approaches music as a score, a concept, and an event. His artistic ideas and methods are presented with reference to key series of works — including his performances, his participatory pieces, his interest in live television, and his multimedia works. This richly illustrated chronicle of his performances conveys a vivid impression of these live moments. Specially designed pages created by the artists Annika Kahrs, Autumn Knight, Aki Onda, and Samson Young underscore the relevance of Paik’s work today.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40105136291920,"sku":"9783959057127","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_33e54791-f72e-4432-8525-ba406da40646.jpg?v=1683857931"},{"product_id":"plexus-by-camille-norment","title":"PLEXUS by Camille Norment","description":"\u003cp\u003eノルウェーを拠点に活動するアメリカ人アーティスト、カミーユ・ノーメント（Camille Norment）の作品集。その生涯を通して、マルチメディア・アーティストである作者は「文化的音響心理学（cultural psychoacoustics）」と定義づけた分野のリサーチと探求に勤しみ、特にベル、ハウリング、サイン波という三種類の音が社会的かつ文化的に人を惹きつける力について考えてきた。作者にとってアメリカでの初の出版物となる本書は、時間、精神性と持続低音（ベル）・力の分散、政治的困難とサイバネティックス（ハウリング）・そして純粋性と超越性（サイン波）の個々別々でいながら重なりあう所もある主題群と共鳴する三つの音の現象を分析し解き明かす。すべて半透明な羊皮紙を用いて作られた革新的なブックデザインと共に、作者の音に対する感性を印刷でしか表現できない形で作られた一冊。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eノーメントが作り出す鳴り響き、振動するサウンドシステムは、身体と環境の間にある儚き相互依存を我々に体感させる。\u003c\/em\u003e」－ニューヨークタイムズ\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e「Dia Art Foundation」のディレクターであるジェシカ・モーガン（Jessica Morgan）による序文、キュレーターであり作家のニダ・ガウス（Nida Ghouse）、レガシー・ラッセル（Legacy Russell）、ミュージシャンでありキュレーターのデヴィッド・トゥープ（David Toop）、文化理論家でありであり詩人、批判理論、黒人研究、パフォーマンス研究学者であるフレッド・モーテン（Fred Moten）による寄稿テキスト、アーティストであり「Dia Art Foundation」のアソシエイト・キュレーターを務めるケリー・キヴランド（Kelly Kivland）によるインタビューを収録。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eNorment’s ringing and vibrating sound system lets us experience a fragile interdependence of bodies and environments\u003c\/em\u003e.” –New York Times\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThroughout her career, Oslo-based multimedia artist Camille Norment (born 1970) has probed and explored what she has termed “cultural psychoacoustics,” in particular the socio-cultural valences of three tones: the bell, feedback and the sine wave. Camille Norment: \u003cem\u003ePlexus\u003c\/em\u003e, the first US publication on the artist, unpacks those sonic phenomena, which together resonate with discrete yet overlapping ideas of time, spirituality and the drone (bell); the decentralization of power, political struggles and cybernetics (feedback); and purity and transcendence (sine wave). With an innovative all-vellum design, the book translates Norment’s sonic sensibility into print-specific terms.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eIn addition to a conversation between curator Kelly Kivland and the artist herself, the volume features contributions from curators and scholars Legacy Russell, Nida Ghouse and David Toop, as well as fragmented texts from a conversation between Fred Moten and Norment.\u003c\/p\u003e","brand":"DIA ART FOUNDATION","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40106853859408,"sku":"9780944521984","price":6160.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_bd6485fd-64bb-499a-a6b6-db3a50ad303f.jpg?v=1682994054"},{"product_id":"sense-sound-sound-sense-fluxus-music-scores-records","title":"SENSE SOUND SOUND SENSE - FLUXUS MUSIC, SCORES \u0026 RECORDS","description":"\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eサウンドを通して「フルクサス」の世界的遺産を紹介する一冊。本書は2019年9月から2020年1月までロンドンの「ホワイトチャペル・ギャラリー（Whitechapel Gallery）」で開催された展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eグランドピアノを使って音を生むにはどうすれば良いのだろう。ピアノの蓋を開き、木製のブロックを楽器の内側に並べ、一つが倒れて雑音が出るようにするのか、それとも鍵盤の上に乾燥した豆を落とすのか。「フルクサス」のコンセプチュアル・アーティストであるジョージ・ブレヒト（George Brecht）は、代表作の一つである「Incidental Music」において、一度に何人かの人々がピアノと触れ合う方法を実演するように仲間のアーティスト等に伝えた。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e「フルクサス」の活動は1960年代、日常的な素材を使い実験的な「ハプニング」を演出するアーティスト、ミュージシャン、パフォーマーたちの国際的なネットワークとして世に現れた。反アカデミックであり、平凡であり、全ての人に開かれた創造性というものに向けた立場を共有していた。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/john-cage\"\u003eジョン・ケージ（John Cage）\u003c\/a\u003e、フィリップ・コーナー（Philip Corner）、ディック・ヒギンズ（Dick Higgins）、アリソン・ノウルズ（Alison Knowles）、ジョージ・マチューナス（George Maciunas）、クレス・オルデンバーグ（Claes Oldenburg）、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/yoko-ono\"\u003eオノ・ヨーコ\u003c\/a\u003eを含む、「フルクサス」の音楽やサウンドアーティストたちの興味の対象を、パフォーマンス、楽譜、レコード、そして「ルイージ・ボノット・コレクション（Luigi Bonotto Collection）」品を介して掘り下げる。アーティスト陣による公開イベントは、従来の音楽の形式と内容を再考するものであり、楽譜へのアプローチも同様に画期的であった。伝統的な楽譜の代わりに、グラフィック、詩、ビジュアル・アートに基づいた記譜システムを考案したのである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eReprinted on the occasion of an exhibition at the Whitechapel Gallery in London, this book presents the international Fluxus legacy through sound. With works by John Cage, Philip Corner, Dick Higgins, Alison Knowles, George Maciunas, Claes Oldenburg, Yoko Ono, and others, it explores the interest of Fluxus artists in music and sound through performance, scores, records, and objects from the Luigi Bonotto Collection. Their public events challenged conventional form and content in music, and the approach to music scores was equally radical. Instead of traditional sheet music, they devised notational systems based on graphics, poetry, and the visual arts.\u003c\/p\u003e","brand":"DANILO MONTANARI EDITORE","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40368565256272,"sku":"9788885449398","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_86819f09-777e-4d28-a162-d025231247ab.jpg?v=1703261619"},{"product_id":"live-audio-essays-by-lawrence-abu-hamdan","title":"LIVE AUDIO ESSAYS by Lawrence Abu Hamdan","description":"\u003cp\u003eベイルートを拠点に活動するヨルダン人アーティスト、ローレンス・アブ・ハムダン（Lawrence Abu Hamdan）の作品集。本書は、作者による政治的生活の音風景（サウンドスケープ \/ ※註）に関する不穏なオーディオ・エッセイ・モノローグをまとめた一冊。 \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本書は、音や傾聴に関する政治的かつ文化的な考察で知られる作者によって制作されたパフォーマンスや映像の記録を収録している。2014年から2022年までの7つの作品から抜粋され複雑に練り上げられたモノローグは、時に親密で、ユーモラスで、愉快でありながら、政治的に不穏な啓示を感じさせる。歴史的、現代的な瞬間に根ざした個人的な語り、逸話、大衆メディアや記録を用いて、作者は読者を、聞こえるが見えない犯罪についての調査へと導く。本書は、聴覚記憶、転生した命の反響、壁や国境から漏れる声、戦闘のドローン、映画音響、大気中のノイズ、建物の共鳴周波数、飢餓の音に耳を傾けるための行使である。本書に初めて収録されたテキストは、すべてパフォーマンスの記録から書き起こし、作者とともに編集したものである。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e※註 環境の中において、音を風景として捉え、人や社会が音をどのように認識・理解するかに重きを置いた音環境を指す。\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eAn anthology of Abu Hamdan’s disquieting audio-essay monologues on the soundscape of political life\u003cbr\u003e \u003cbr\u003eThis volume compiles transcripts from performances and films by Beirut-based Lawrence Abu Hamdan (born 1985), an artist known for his political and cultural reflections on sound and listening. Taken from seven works dating from 2014 to 2022, Abu Hamdan’s intricately crafted monologues are at times intimate, humorous and entertaining, yet politically disquieting in their revelations. Utilizing personal narratives, anecdotes, popular media and transcripts rooted in historic and contemporary moments, the artist leads the reader through his investigations into crimes that are heard but not seen. His live audio essays are an exercise in listening to acoustic memories, echoes of reincarnated lives, voices that leak through walls and borders, the drone of warfare, cinematic sound effects, atmospheric noise, the resonant frequencies of buildings and the sound of hunger.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eCollected here for the first time, all the texts were transcribed from performance documentation and edited with the artist.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"PRIMARY INFORMATION","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40368634232912,"sku":"9798987624951","price":4400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_b71986a5-32f4-413a-9069-c862d39410f3.jpg?v=1699372732"},{"product_id":"assembling-a-black-counter-culture-by-deforrest-brown-jr","title":"ASSEMBLING A BLACK COUNTER CULTURE by DeForrest Brown, Jr.","description":"\u003cp\u003eアメリカ人作家、ミュージシャンであるデフォレスト・ブラウンJr.（DeForrest Brown Jr.）の作品集。本書は、テクノやハウス、エレクトロなどの関連する電子音楽についての歴史と批評的な分析を提供し、それらのジャンルが年月を経てどのようにブラック・アメリカの音楽感覚によって形成されてきたかを示している。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e作者は、デトロイトの1980年代のテクノ・シーンを振り返り、「ベルヴィル・スリー（Belleville Three）」などの先駆的なグループに焦点を当て、その後、現代の国際的なクラブ・フロアの起源に飛び込んで、産業化された労働システムと文化の制作の間に重要なつながりを描き出している。その他にも、マッド・マイク・バンクス（Mad Mike Banks）とコーネリアス・ハリス（Cornelius Harris）率いるテクノユニット・レーベル「アンダーグラウンド・レジスタンス（Underground Resistance）」、テクノユニットの「ドレクシア（Drexciya）」、「サイボトロン（Cybotron）」や「モデル500（Model 500）」としても知られる、ホアン・アトキンス（Juan Atkins）、デリック・メイ（Derrick May）、ジェフ・ミルズ（Jeff Mills）、ロバート・フッド（Robert Hood）、ニール・オリヴィエラ（Neil Ollivierra）のソロ・プロジェクト「ザ・デトロイト・エスカレーター・カンパニー（Detroit Escalator Co.）」、「アーバン・トライブ（Urban Tribe）」として知られるDJ スティングレイ（DJ Stingray）、エディ・フォークス（Eddie Fowlkies）、ポピュレーション・ワン（Population One）としても知られるテレンス・ディクソン（Terrence Dixon）、カール・クレイグ（Carl Craig）などのミュージシャンが取り上げられている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本書は、アメリカ人歴史学者、セオドア・ローザック（Theodore Roszak）の著書『\u003cem\u003eカウンター・カルチャーの誕生（英題：Making of a Counter Culture）\u003c\/em\u003e』、アフリカ系アメリカ人の自動車製造労働者であり政治活動家のジェームズ・ボッグス（James Boggs）の著作、そしてアルヴィン・トフラー（Alvin Toffler）の著書『\u003cem\u003e第三の波（英題：Third Wave）\u003c\/em\u003e』の「テクノ・レベルズ」への言及を通じて、作者は黒人の理論的視点からテクノが持つ独自の歴史に迫り、主流の音楽歴史記録における人種差別的で階級主義的な現状を回避し、転覆させようと試みる。その結果、「\u003cem\u003eテクノを再びブラックに（make techno Black again）\u003c\/em\u003e」という説得力ある主張が生まれた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eDeForrest Brown, Jr.’s \u003c\/span\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eAssembling a Black Counter Culture\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003epresents a comprehensive account of techno with a focus on the history of Black experiences in industrialized labor systems—repositioning the genre as a unique form of Black musical and cultural production.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eBrown traces the genealogy and current developments in techno, locating its origins in the 1980s in the historically emblematic city of Detroit and the broader landscape of Black musical forms. Reaching back from the transatlantic slave trade to Emancipation, the Industrial Revolution, and the Great Migration from the rural South to the industrialized North, Brown details an extended history of techno rooted in the transformation of urban centers and the new forms of industrial capitalism that gave rise to the African American working class. Following the groundbreaking work of key early players like The Belleville Three, the multimedia output of Underground Resistance and the mythscience of Drexciya, Brown illuminates the networks of collaboration, production, and circulation of techno from Detroit to other cities around the world.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eAssembling a Black Counter Culture\u003c\/em\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e reframes techno from a Black theoretical perspective distinct from its cultural assimilation within predominantly white, European electronic music contexts and discourse. With references to Theodore Roszak’s \u003c\/span\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eMaking of a Counter Culture, \u003c\/em\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003ewritings by African American autoworker and political activist James Boggs, and the “techno rebels” of Alvin Toffler’s \u003c\/span\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eThird Wave, \u003c\/em\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eamong others, Brown draws parallels between movements in Black electronic music and Afrofuturist, speculative, and \u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eAfrodiasporic practices to imagine a world-building sonic fiction and futurity embodied in techno.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"PRIMARY INFORMATION","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40375247831120,"sku":"9781734489736","price":4840.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_615954b9-160d-47d0-aba9-fc2a8b0b4dff.jpg?v=1699798790"},{"product_id":"medea-by-stephan-crasneanscki","title":"MEDEA by Stéphan Crasneanscki","description":"\u003cp\u003eフランス人アーティスト、ステファン・クラスニアンスキー（Stéphan Crasneanscki）の作品集。 \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者はサウンド、イメージ、テキストを組み合わせた研究を行なっており、本作も例外ではない。このプロジェクトは、自身が創設メンバーである「\u003ca href=\"https:\/\/soundwalkcollective.com\/\" target=\"_blank\"\u003eSOUNDWALK COLLECTIVE\u003c\/a\u003e」とともに黒海を横断し、トルコ、グルジア、ロシア、クリミア、ウクライナ、ルーマニア、ブルガリアの海岸でレコード『\u003cem\u003eMedea\u003c\/em\u003e』のための音素材を記録する旅の間に発展していった。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e10年もの歳月をかけて夕暮れ時に撮影されたクラスニアンスキーの写真は、ギリシャ神話の美しい魔女メーデイアの陰鬱な側面を表現している。復讐に燃える母、女神ヘカテに仕える巫女、キルスの姪であるメーデイアの果てしなく屈折したイメージは、戦争と権力によって分断された地域を横断して神話を追跡する旅の日誌の断片として再構築されている。メーデイアは、まるでブラックボックスから掘り起こされたかのように、かろうじて知覚できる人物、場所、シルエットとして具現化されてこの世に戻ってくる。暗いベールに包まれた光の中に固定された幽霊のイメージは、手がかり、あるいは水没した世界の鏡像として姿を現す。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e反転した光は、形と物質の一時性に対する我々の認識を混乱させる。それは、歴史とメーデイアの苦悩が閉じ込められているかのような黒海流域で今なお繰り広げられている、現代の悲劇を呼び起こすのに必要な混乱である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e分野を横断し活動する作者による序文と作品、シンガーソングライターであり作家、詩人のパティ・スミス（Patti Smith）によるテキストと写真、あわせて映画監督、脚本家のフィリップ・グランリュー（Philippe Grandrieux）によるテキストとドローイングを収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eMOT Plus サウンドウォーク・コレクティヴ \u0026amp; パティ・スミス｜コレスポンデンス\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e会期：2025年4月26日（土）- 6月29日（日）\u003cbr\u003e休館日：月曜日（5月5日は開館）、5月7日\u003cbr\u003e時間： 10:00 - 18:00\u003cbr\u003e開催場所：東京都現代美術館\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.mot-art-museum.jp\/exhibitions\/MOTPlus-correspondences\/\" rel=\"noopener\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn his artistic research, Stéphan Crasneanscki (b. 1969, French) combines sound, image, and text.\u003cem\u003e Medea\u003c\/em\u003e is no exception to this rule: the project developed during a crossing of the Black Sea, where, off the coasts of Turkey, Georgia, Russia, Crimea, Ukraine, Romania, and Bulgaria, he worked with his Soundwalk Collective, to archive the sonic material that would become the record, \u003cem\u003eMedea\u003c\/em\u003e.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eCrasneanscki’s photographs, taken over the course of ten years at nightfall, attend to the somber aspects of the myth of Medea. Endlessly refracted, the figure of the vengeful mother, the priestess Hecate, Circe’s niece, is reconstructed in fragments, those of a logbook that tracks the myth across a region fractured by wars and the powers that be. Medea returns, as if exhumed from a black box, embodied in barely perceptible figures, places, and silhouettes. Transfixed in a dark, veiled light, images of ghosts reveal themselves as clues—mirror images of submerged worlds.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eInverted light unsettles our perception of the temporality of form and matter—a disruption that is necessary to invoke the modern tragedy currently playing itself out in the basin of the Black Sea, where history and Medea’s torments seem trapped.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe book contains a preface and artworks by multidisciplinary artist Stéphan Crasneanscki, a text and photograph by author and poet Patti Smith (b. 1946, American) and a text and drawings by film director and screenwriter Philippe Grandrieux (b. 1954, French).\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"LIBRARYMAN","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40493082640464,"sku":"9789188113689","price":14300.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_f326aa6a-0481-428c-b0a4-b37c5261979c.jpg?v=1708449003"},{"product_id":"identity-pitches-by-stine-janvin-cory-arcangel","title":"IDENTITY PITCHES by Stine Janvin, Cory Arcangel","description":"\u003cp\u003eベルリンを拠点に活動するアーティスト、スタイン・ジャンヴィン（Stine Janvin）と、スタヴァンゲルを拠点に活動するアーティスト、コーリー・アーケンジェル（Cory Arcangel）による作品集。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本書では、両作者がノルウェーの伝統ニット「ルーゼコフテ（Lusekofte）」として知られる網み図に基づき、コンセプチュアルな楽譜をもって作曲した。この普遍的な衣類の中で最も人気なデザイン（セーテスダール、ファナ、正八角形のセルブローズ）を三つ使用し、ヤンヴィンはこれらの編み図を倍音および下方倍音列にマッピングし、ノルウェーの伝統的な楽器のチューニングの原則を組み込んで、ソロとアンサンブルの演奏者のための楽譜を作った。これらの楽譜は、アーケンジェルによってさらに加工され、自身の”ディープフライド”コーディングのスクリプトを使用して、一連のグリッチ画像を作り出した。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本書は、序文とふたりのアーティストによるインタビューが収録され、本作の背景について語っており、ノルウェーの民族音楽のチューニングと「ルーゼコフテ」のニットの歴史、そして過去1000年にわたるこの国の文化的アイデンティティとの交差を掘り下げている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn \u003cem\u003eIdentity Pitches,\u003c\/em\u003e artists Stine Janvin and Cory Arcangel have composed conceptual music scores based on the knitting patterns for traditional Norwegian sweaters known as Lusekofte. Utilizing three of the most popular designs (Setesdal, Fana, and the eight-petal rose of Selbu) of this ubiquitous garment, Janvin creates scores for both solo and ensemble performers by mapping the knitting patterns onto the harmonic and subharmonic series and integrating the tuning principles of traditional Norwegian instruments. These scores are further manipulated by Arcangel using a custom, “deep-fried” coding script to create a series of image glitches.\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eA foreword and an interview between the two artists provides context for the work, delving into the history of Norwegian folk music tunings and the Lusekofte sweater and their intersection with the cultural identity of the country over the last millennium.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eStine Janvin is a vocalist, performer, and sound artist based in Stavanger, Norway. Janvin works with the extensive flexibility of her voice, and the ways in which it can be used to channel physicality of sound. Often drawing from electronic music, folk music, and contemporary media, she creates audio visual works for variable spaces from theaters, to clubs and galleries, and more recently websites and digital platforms. Recent presentations include Performa Telethon, New York; Munch Live and CADS, Munchmuseet, Oslo; Deutschlandradio Kultur, Daadgalerie, and CTM Festival, Berlin; Kunsthall Stavanger, Stavanger; Rokolective, Bucharest; Wiener Festwochen, Vienna; Issue Project Room, New York; and INA GRM,  Paris.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eCory Arcangel is an artist based in Stavanger, Norway. Arcangel explores, encodes, and hacks the structural language of video games, software, and machine learning. In 2014, he established the merchandise and publishing imprint Arcangel Surfware, which opened its flagship store in Stavanger, Norway in 2018. His work has been exhibited in solo exhibitions at the Whitney Museum, New York; Carnegie Museum of Art, Pittsburgh; Barbican Art Centre, London; Reykjavik Art Museum, Iceland; Hamburger Bahnhof, Berlin; and Museum of Contemporary Art, Miami.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"PRIMARY INFORMATION","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40498694520912,"sku":"9781737797913","price":3520.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_b3fbae5f-b171-45d4-ae5c-93db926d2ab0.jpg?v=1708622181"},{"product_id":"pan-daijing-by-pan-daijing","title":"PAN DAIJING by Pan Daijing","description":"\u003cp\u003eベルリンを拠点に活動する中国人サウンド・アーティスト、パン・ダイジン（Pan Daijing）の作品集。作者は、建築的干渉、光、音、動きが相互に作用し、言語を超えたストーリーを語る総合芸術「Gesamtkunstwerke」を作品として、パフォーマンスや展示を編み出している。声や電子楽器のために作られた記憶に刻まれる作品は、オペラとノイズ・ミュージックが融合されて発されている。アーティストであり作曲者でもある作者が静寂と生で感じる活力を考察した作品「\u003cem\u003eMute\u003c\/em\u003e」は、作者にとってこれまでで最大規模の個展であり、ミュンヘンの現代美術館「ハウス・デア・クンスト（Haus der Kunst）」で2024年3月から4月まで展開された。本書は同展覧会の開催に伴い、香港のアートスペース「タイ・クン・コンテンポラリー（Tai Kwun Contemporary）」とのコラボレーションにより刊行、音楽とヴィジュアルアートに跨ったダイナミックな領域に在る作者の作品を初めて包括的に紹介する一冊である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePan Daijing devises performances and exhibitions as Gesamtkunstwerke, total works of art in which architectural intervention, light, sound, and movement interact to tell stories that go beyond language. Her haunting compositions for voice and electronic instruments combine opera and noise music. \u003cem\u003eMute\u003c\/em\u003e—in which the artist and composer examines silence and liveness—is Pan’s biggest solo exhibition to date. This monograph is published in conjunction with the exhibition and in collaboration with Tai Kwun Contemporary is the first comprehensive presentation of Pan’s work in the dynamic zone straddling music and visual art.\u003c\/p\u003e\n\u003c!----\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40737034403920,"sku":"9783959058087","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_c32269c1-6300-41cd-99ec-fae1da7efc53.jpg?v=1716497231"},{"product_id":"shadows-lifted-from-invisible-hands","title":"SHADOWS LIFTED FROM INVISIBLE HANDS by James Hoff [LP]","description":"\u003cp\u003eニューヨーク・ブルックリンを拠点に活動するアーティストであり、出版社「\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/primary-information\" data-mce-href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/primary-information\"\u003ePRIMARY INFORMATION\u003c\/a\u003e」の共同創設者兼ディレクターのジェームス・ホフ（James Hoff）による音楽作品。アメリカ人アーティスト、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/jack-whitten\" data-mce-href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/jack-whitten\"\u003eジャック・ウィッテン（Jack Whitten）\u003c\/a\u003eの作品「\u003cem\u003eMother’s Day 1979 For Mom\u003c\/em\u003e」（1979年）がジャケットを飾る。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本作は、作者が「アンビエント・メディア」（環境音楽ならぬ、環境媒体）と称する4つの曲から成る自叙伝的レコードである。各トラックは、作者自身による、無意識下の聴覚風景から描き出されたソース、殊に音楽的なイヤーワーム（※註）と耳鳴りの周波数で構成されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e明確な「音」でもなければ白昼夢でもないイヤーワーム（もしくは音楽的執着 \/ スタックソング症候群）は商業的形態として存在する音楽を象徴している。商業的な音楽は即効性があり、どこにでも存在し、持続性がある。同様に、耳鳴りは聞こえず、無節操であり、周波数スペクトルにいかようにも現れてくる。このような現象が認知の上で渦巻いていることで、アンビバレントで内的なサウンドトラックが供給され、世界における人の動きをスコア化しているのである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e耳鳴りに悩まされている人や、映画における「耳鳴り効果」に慣れている人にとってはレコードのハウリングなどのノイズは認識できるだろうが、曲ではそうもいかないだろう。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e歪みと凝縮を経て、本作には4曲の商業的ポップスの改変版が収録されている。アメリカのバンド「ブロンディ（Blondie）」の「\u003cem\u003eハート・オブ・グラス（Heart of Glass）\u003c\/em\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e」、イングランド出身のロックミュージシャン、シンガーソングライターであるデヴィッド・ボウイ（David Bowie）の「\u003cem\u003eスペイス・オディティ（Space Oddity）\u003c\/em\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e」、アメリカのシンガーソングライターであるマドンナの「\u003cem\u003eイントゥ・ザ・グルーヴ（Into the Groove）\u003c\/em\u003e」、アメリカのミュージシャン、ルー・リード（Lou Reed）の「\u003cem\u003eパーフェクト・デイ（Perfect Day）\u003c\/em\u003e」がそれにあたる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eこの曲たちに長年悩まされ続けてきた作者は、トラックを調整し、移調し、オーケストラ用に作曲し直した。無意識的なエコーに話を戻すと、このトラック群は、そのソースの解読を難解にするために、さまざまな手を尽くし多くの労力を費やしている。まるでサンプルのように、それぞれのイヤーワームを単純に「改めて紹介する」ような形にしないよう注意が払われている。そうでなければ、意味があるだろうか。誰もそんなストリームを必要とはしないのである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eそして、イヤーワームは音楽ではない。そのように我々は認識してはいる。イヤーワームは内耳の蝸牛ではなく、主観的でも客観的でもない、感情的な力として存在しており、つまり侵略的で異質な現象なのである。これは耳鳴りと同様に、経済的、社会的、環境的な力によって、また同時に、作者自身の感情的な状態、精神的な健康状態、加齢によっても乱れる。作者はこのレコードについて、自身の精神的健康状態との闘いを控えめに語ることはせず、鬱病の長い歴史やここ数年の厳しさについてもそれは当てはまる。それが、この作品の作曲の背景となっているのである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eどんなポップソングも、一生懸命に針を落とすとその下には悲しみがある。根底を覗くと、この作品は、一種の儚い困憊と憂欝を呼び起こすものがある。作者は、オリジナルの楽曲を光と影のような二重性を通して書き直すことで、ポップミュージックの闇としての核に繋がる窓を開いているのだ。その中心には、反響するリフレインの上に構築される安易な高揚感を通して、資本主義が持つ絶望的な謀略が存在する。そのすぐ下で、聴き手は心を通じて踊っている影なる遺物に気づくのである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e※註 歌または音楽の一部分が頭の中で反復され、離れにくくなる現象\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003cbr\u003eShadows Lifted from Invisible Hands\u003c\/em\u003e is an autobiographical record, comprised of four songs that Hoff refers to as ambient media. Each track is composed from sources drawn from his own involuntary aural landscape, specifically musical earworms and tinnitus frequencies.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eNeither sound nor a daydream, the earworm (or stuck song) emblematizes music as a commercial form—immediate, ubiquitous, and persistent. Likewise, tinnitus is inaudible and unscrupulous, manifesting across a spectrum of frequencies at will. The cognitive swirling of these phenomena provides an ambivalent, internal soundtrack that scores a person’s movement through the world.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThose suffering from tinnitus or those who have grown accustomed to the “Tinnitus Effect” in movies will likely recognize the buzzing pitches on the record, but will likely not recognize the songs. Distorted and distilled, \u003cem\u003eShadows Lifted from Invisible Hands \u003c\/em\u003efeatures altered versions of four commercial pop songs: Blondie’s “Heart of Glass,” David Bowie’s “Space Oddity,” Madonna’s “Into the Groove,” and Lou Reed’s “Perfect Day.”\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eHaving been haunted by these songs on and off for years, Hoff tweaks the tracks, transposing and recomposing them for orchestral instrumentation. Speaking back to these involuntary echoes, these tracks go to great lengths to obfuscate their sources; to be sure not to simply re-introduce each earworm, as though they were samples. Otherwise, what’s the point? No one needs another stream.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eBesides, earworms are not music, although we perceive them as such. They are non-cochlear and exist as an affective force that is neither subjective nor objective, which is to say they are an invasive—and alien—phenomenon. Like tinnitus, they are aggravated by economic, social, and environmental forces as well as emotional states, mental health, and aging. Hoff doesn’t underplay his own struggles with mental health in discussing the record—noting a long history of depression and its acuteness over the last few years, which serve as the backdrop to the composition of this record.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eScratch any pop song hard enough and you’ll find sadness underneath it. Subdermal, the songs on this record evoke a type of ephemeral weariness and despair. By recasting the original songs through their shadowy doubles, Hoff provides a window into the dark core of pop music. At the center of which lies capitalism’s desperate attempt to replicate itself through a cheap high built on echoing refrains. Just below the surface the listener finds a hangover of shadows dancing through the mind.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eJames Hoff is an artist living and working in New York. His work encompasses a variety of media, including sound, video, painting, and publishing. Hoff’s multidisciplinary approach begins at the user level—the level at which we interact with consumer technologies, media, and data. He has worked with computer viruses, inaudible data signals, ear worms, culture bound illnesses, dead zones, and hacked google maps as tools and framing devices for works that reimagine and expand the creative potential of digital and cultural networks beyond their economic and corporate-engineered use value. By exploiting and manufacturing technological and cognitive glitches, Hoff illuminates the social, political, and historical context of the software and media that we interact with on a daily basis.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eHoff co-founded Primary Information in 2006 to publish historical and contemporary artists’ books. The organization has published hundreds of titles, including facsimile editions of Art-Rite, Broken Music, Black Art Notes, Cornelius Cardew’s Stockhausen Serves Imperialism, Godzilla: Asian American Art Network, The New Woman’s Survival Catalog, and Womens Work as well as new works by Lawrence Abu Hamdan, DeForrest Brown Jr, Tony Conrad, Dara Birnbaum, Constance DeJong, Alexandro Segade, Martine Syms, and Flora Yin-Wong, among many others.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eHe has exhibited and performed at Artists Space, Bergen Kunsthall, the Carpenter Center for the Visual Arts at Harvard, Contemporary Arts Center (New Orleans), The Centre d’Art Contemporain (Geneva), Hessel Museum of Art, ICA London, The Kitchen, Kunsthall Oslo, The Royal Theatre of La Monnaie, MassMOCA, MoMA\/PS1, Museum of Contemporary Art (Denver), and the Onassis Cultural Center, among many others. \u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAll tracks (c) 2024 James Hoff\u003cbr\u003eMastered by Josh Bonati\u003cbr\u003eDesign by Bartolomé Sanson\u003cbr\u003ePiano on Half-After Life by Marisol Limon Martinez\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eCover Artwork: \u003cem\u003eMother’s Day 1979 For Mom\u003c\/em\u003e (1979)\u003cbr\u003eby Jack Whitten (Photo by Jeff McLane)\u003cbr\u003e(c) Jack Whitten Estate. Courtesy the Estate and Hauser \u0026amp; Wirth.\u003c\/p\u003e","brand":"SHELTER PRESS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40852601634896,"sku":null,"price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/ShadowsLiftedfromInvisibleHands_01.jpg?v=1721968150"},{"product_id":"worldrecords-by-kai-schafer","title":"WORLDRECORDS by Kai Schäfer","description":"\u003cp\u003eドイツ人アーティスト、カイ・シェーファー（Kai Schäfer）の作品集。2018年6月から7月までロンドンのギャラリー「HENI」で開催された展覧会に伴い刊行された。象徴的なレコード盤やプレーヤーに情熱を注ぐ作者が、クラシック・ターンテーブルに音楽史上重要とされる名盤をセットして撮影し、大判サイズの一冊に仕上げている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eレコード盤は、元々再生されていたプレーヤーとともに撮影されており、アナログ・サウンドの美しさを讃えるべく魅惑的なビジュアル・ナラティブを創作している。その美しい構図と懐古により本作は音楽愛好家だけでなく、芸術界をも魅了し、大判に印刷されたイメージは、レコード盤やレコードプレーヤーのディテールやニュアンスを余すところなく表現している。本作は、アナログ・アートのみならず、ポップス界最高の音楽への賛美でもある。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eデヴィッド・ボウイ（David Bowie）の『\u003cem\u003eThe Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars\u003c\/em\u003e』、ジョイ・ディヴィジョン（Joy Division）の『\u003cem\u003eUnknown Pleasures\u003c\/em\u003e』、ドクター・ドレー（Dr. Dre）の『\u003cem\u003eThe Chronic\u003c\/em\u003e』、セルジュ・ゲンスブール（Serge Gainsbourg）の『\u003cem\u003eInitials B.B\u003c\/em\u003e.』、マイケル・ジャクソン（Michael Jackson）の『\u003cem\u003eThriller\u003c\/em\u003e』、ザ・ローリング・ストーンズ（The Rolling Stones）の『\u003cem\u003eExile on Main St\u003c\/em\u003e.』、ザ・クラッシュ（The Clash）の『\u003cem\u003eLondon Calling\u003c\/em\u003e』などを収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eイギリス作家、小説家のマイケル・ブレイスウェル（Michael Bracewell）による作者のインタビューと、イングランド・グレーター・マンチェスター・サルフォード出身のミュージシャンであり、「ジョイ・ディヴィジョン」、「ニュー・オーダー（New Order）」のベーシストとして知られるピーター・フック（Peter Hook）による序文を収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eWORLDRECORDS \u003c\/em\u003ecollects highlights from the photo series ‘worldrecords’ where Kai Schäfer photographs the great albums of music history on classic turntables, presented on oversized prints. The large format allows all the details and nuances of the vinyl and record players to shine. Schäfer’s work is a tribute to the art of the analogue and a celebration of some of pop’s finest music.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAlbums featured include David Bowie’s \u003cem\u003eThe Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars\u003c\/em\u003e, Joy Division’s \u003cem\u003eUnknown Pleasures,\u003c\/em\u003e Dr Dre’s \u003cem\u003eThe Chronic\u003c\/em\u003e, Serge’s Gainsbourg’s \u003cem\u003eInitials B.B\u003c\/em\u003e., Michael Jackson’s \u003cem\u003eThriller\u003c\/em\u003e, The Rolling Stones’ \u003cem\u003eExile on Main St\u003c\/em\u003e and The Clash’s\u003cem\u003e London Calling\u003c\/em\u003e.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAn interview with the artist by Michael Bracewell accompanies the book as well as a foreword by Peter Hook, of Joy Division and New Order fame. Published to coincide with the exhibition \u003cem\u003eWORLDRECORDS\u003c\/em\u003e by Kai Schäfer showcasing a selection of the photographs featured in the book at HENI Gallery from 1 June to 1 July 2018.\u003c\/p\u003e","brand":"HENI PUBLISHING","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40943786983504,"sku":"9781912122134","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/2081.jpg?v=1732652100"},{"product_id":"without-full-disclosure-by-sung-tieu","title":"WITHOUT FULL DISCLOSURE by Sung Tieu","description":"\u003cp\u003eベルリンとロンドンを拠点として活動するベトナム人アーティスト、スン・ティウ（Sung Tieu）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e5歳の時作者は、契約労働者として東ドイツへ1980年代後半に渡った父親を追い、統一後のドイツに渡った。移住という個人的な体験に基づき、我々の社会生活を形成するイデオロギー的、経済的、社会政治的構造について考察する。インスタレーション、彫刻、写真、ドローイング、文章、サウンド、ファウンド・オブジェや思い出の品々など、多様な媒体を駆使してミニマルな作品を生み出している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者は、天然ガスや石油の採掘技術として物議を醸しているフラッキング（水圧破砕）をテーマにした実験的なプロジェクトを展開する。データアナリストであるゲイリー・アリソン（Gary Allison）と協働し、フラッキング作業を記録するアメリカのプラットフォームであるデータベース「FracFocus」の何百万もの入力を処理、それらがもたらす危険性を視野に入れながら分析した。米国におけるフラッキング産業の疑わしき方法とその現場、そしてその不透明な広報活動を補完すべく、ドイツの潜在的な現場についても調査を行い、600枚以上の写真をまとめた。本書は、その写真と1,000ページ以上に及ぶデータを組み合わせ、計り知れない生態系と健康への危険を指摘する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eSung Tieu (b. Hải Dương, Vietnam, 1987; lives and works in Berlin) ranks among the most exciting voices of her generation. At the age of five, she followed her father, who had arrived in East Germany as a contract laborer in the late 1980s, to a reunited Germany. Based on her personal experience of migration, Sung Tieu reflects on the ideological, economic, and sociopolitical structures that shape the life of our society. Her focus is on the critical infrastructures that decide who and what attains visibility. Employing a range of media including installation art, sculpture, photography, drawing, writing and sound, and found objects and mementos, the artist creates minimalist environments.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOn the occasion of her receipt of the Rubenspreis’s 9th emerging artist’s award, Sung Tieu has developed the experimental book project \u003cem\u003eWithout Full Disclosure\u003c\/em\u003e, which delves into the subject of fracking (hydraulic fracturing), a controversial technique serving to extract natural gas and petroleum. Working with the data analyst Gary Allison, Tieu has processed millions of entries in the database FracFocus, an American platform documenting fracking operations, to analyze the sheer quantity and chemical components involved with a view to the dangers they pose. Complementing her engagement with the questionable methods and sites of the fracking industry and its opaque public relations practices in the U.S., she also undertook research on potential sites in Germany, compiling over six hundred photographs. Her artist’s book combines these pictures with the data on more than one thousand pages to point up the incalculable ecological as well as health hazards.\u003c\/p\u003e","brand":"DISTANZ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40957864607824,"sku":"9783954766826","price":14300.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/1_635f45d6-cb8e-4baf-82da-654bdeb13eb2.jpg?v=1732624292"},{"product_id":"terp-interrupted-by-christine-sun-kim","title":"TERP INTERRUPTED by Christine Sun Kim [LP]","description":"\u003cp\u003eベルリンを拠点に活動するアメリカ人アーティスト、クリスティーン・サン・キム（Christine Sun Kim）による音楽作品。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eベルリンを拠点とする独立系出版社である「Ediciones Inauditas」と、同じくベルリンを拠点とする現代美術・言論活動の場として在る「Neuer Berlier Kunsverein (nbk)」とのコラボレーション・シリーズ「n.b.k. Records」の第4弾。同シリーズは様々なビジュアル・アーティストの作品をLPとして発表しており、それ自体が美術作品として作られている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eこのオーディオ・レコーディングは、新しい試みであると同時に、作者が活動初期から探求し続けている道筋を想起させるものでもある。作者にレコード制作を依頼することによって、キュレーター陣は、音声を使った作品への回帰を提案した。それは、振動の感覚と音による身体的体験を特徴とする作品への回帰であり、作者はしばしば声を用いている。「\u003cem\u003e（自分の声を）体の内側で感じることができる。そうすることで、私にとって身近なものになるのです。\u003c\/em\u003e」耳が不自由な人々の文化との具体的な繋がりだけでなく、作者の実践が持つこういった側面は、コンセプチュアル・アートの最も深い部分にまで及んでおり、制作とプレゼンテーションの多くがアイデアと伝達という一つの連なりとして存在している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e一方で、接触する形態の拡大と、耳が不自由である者を作品で可視化を主張するという点で、暗黙のうちに政治的な作品であると指摘する人もいる。そして、このプロジェクトも耳が不自由である者の経験にまつわるものではあるが、（このテキストの恩恵にあずかることなく）直接聴くと、社会主義リアリズムの詩の朗読か、あらかじめ用意された演劇作品のポッドキャストと最初は解釈されるかもしれない。作者によって書かれた台本の中の断片的なテキストの一群は、自身の日常生活の中から抜粋されたものであり、親しい家族、友人、同僚、プロの通訳によって語られる。それは、作者が声を発さずとも作者の声を集めたものであり、あるいは少なくとも耳にすることができる形をした作者の存在の痕跡なのである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan style=\"color: rgb(43, 0, 255);\"\u003e※素材上、パッケージの一部もしくは全体に痛みが生じている場合がございます。レコードをお聴きいただく上での支障はございません。あらかじめご了承ください。\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis audio recording is a new experiment, and simultaneously recalls a line of inquiry from the early practice of Christine Sun Kim. By inviting her to make a record, the curators proposed a return to her work with audio—to a series of artworks that were characterized by\u2028the sensorial vibrations and bodily experience of sound, for which she often employed voice. “\u003cem\u003eI can feel [my voice] inside of my body, and in this way it is accessible to me.\u003c\/em\u003e” Alongside an embodied connection to Deaf culture, this aspect of her practice also reaches into the deepest registers of conceptual art, in that much of its production and presentation exist as a set of ideas and transmissions.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOthers have pointed out that Kim’s\u2028work is implicitly political in that it argues for\u2028the visibility of Deaf people and expanded forms of access. And while this project too is about\u2028Deaf experience, a direct listening (without the benefit of this text) might first be interpreted as\u2028a recitation of social realist poetry or a podcast- ready rendition of a theatrical production. The constellation of fragmentary texts in the script written by Kim are excerpted from moments in her everyday life. They are spoken by Kim’s close circle of family, friends, colleagues and professional interpreters. Together they approximate the collective voice of Kim, or at least the audible traces of her presence.\u003c\/p\u003e","brand":"EDICIONES INAUDITAS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40980028653648,"sku":"9783753306674","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/0_c8f16301-94e2-4991-a8b1-5fb911410a9d.jpg?v=1734898129"},{"product_id":"contes-de-sons-qui-se-prennent-pour-un-autre-by-anri-sala","title":"CONTES DE SONS QUI SE PRENNENT POUR UN AUTRE by Anri Sala [LP]","description":"\u003cp\u003eアルバニア人アーティスト、アンリ・サラ（Anri Sala）による音楽作品。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eベルリンを拠点とする独立系出版社である「Ediciones Inauditas」と、同じくベルリンを拠点とする現代美術・言論活動の場として在る「Neuer Berlier Kunsverein (nbk)」とのコラボレーション・シリーズ「n.b.k. Records」の第3弾。同シリーズは様々なビジュアル・アーティストの作品をLPとして発表しており、それ自体が美術作品として作られている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者の作品は音楽、文学、建築、映画が持つ関係性を掘り下げ、それぞれのメディアの要素を複雑かつ直感的な方法で織り交ぜ、時にあるメディアが別のメディアの特徴を模倣することが多い。レコードをプレーヤーで再生するときに針の摩擦によって生じる音「サーフェイス・ノイズ」から作者は着想を得て本作を制作した。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eレコードを再生したときに、そのメディア自体が持つ物理的な特性、つまりレコードの針によって再生されるレコード盤の静的なザザザ、パチパチという音だけを聴いているようなサウンドトラックを作りたかったのです。しかし、作曲の過程でその音は進化し始め、次第に他の音の形になっていく。パーカッションを仄めかすような音、時には幽霊が奏でている音楽の断片のような遠くの音さえ聞こえてくる。\u003c\/em\u003e」 作者は、サーフェイス・ノイズの音から始まり、徐々に他の音の特徴を上に重ねていく。最初の瞬間、聴き手はレコード自体から発生する実際のサーフェイス・ノイズと、その溝に刻まれたサーフェイス・ノイズの録音が再生している音を混同するだろう。しかしすぐに、常に存在するスクラッチ音、弾ける音、パチパチ鳴る音が、雨や足音、音楽に似てくる。「\u003cem\u003eそれゆえに、レコードが再生されるとき、針が鳴らす音が少しずつ、曲の構成、リズム、旅、そしておそらく物語をも暗示するように発展していくのです。\u003c\/em\u003e」\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eジャケットの内側には作者本人が手がけた作品が印刷されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/ediciones-inauditas.art\/\"\u003e視聴する\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan style=\"color: rgb(43, 0, 255);\"\u003e※素材上、パッケージの一部もしくは全体に痛みが生じている場合がございます。レコードをお聴きいただく上での支障はございません。あらかじめご了承ください。\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis recording by Anri Sala is inspired by surface noise: “\u003cem\u003eI wanted to compose a soundtrack that mostly sounds, when played on the vinyl, like one is only listening to the physical attributes of the medium itself: the sound of the static crackling of the vinyl played by the stylus. As if it was contact music. However, in the course of the composition the crackling starts to evolve, gradually taking the shape of other sounds. One hears hints of percussion and sometimes even distant sounds, like fragments of ghostly music.\u003c\/em\u003e” Sala begins with the sound of surface noise and slowly superimposes characteristics of other sounds upon it. At the initial moment the listener will confuse the record’s actual surface noise with the recording of surface noise inscribed in its grooves. But soon the ever-present scratching, popping, and crackling starts to resemble rain, or footsteps, or music. “\u003cem\u003eHence, when the vinyl will play, the ensuing crackle of the stylus little by little will develop to suggest a composition, a rhythm, a journey, perhaps a tale.\u003c\/em\u003e”\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/ediciones-inauditas.art\/\"\u003elisten\u003c\/a\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"EDICIONES INAUDITAS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40980029636688,"sku":"9783753304960","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/0_45f42b9f-6789-4fc2-b133-a9c4a0612d71.png?v=1734803486"},{"product_id":"instruments-inside-out-by-rosa-barba","title":"INSTRUMENTS INSIDE OUT by Rosa Barba [LP]","description":"\u003cp\u003eイタリア人アーティスト、ローザ・バルバ（Rosa Barba）による音楽作品。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eベルリンを拠点とする独立系出版社である「Ediciones Inauditas」と、同じくベルリンを拠点とする現代美術・言論活動の場として在る「Neuer Berlier Kunsverein (nbk)」とのコラボレーション・シリーズ「n.b.k. Records」の第2弾。同シリーズは様々なビジュアル・アーティストの作品をLPとして発表しており、それ自体が美術作品として作られている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本作は、2021年8月から2022年1月にかけてベルリンの「新ナショナル・ギャラリー（Neue Nationalgalerie）」で開催された展覧会で記録された音を素材としている。自身の展覧会「\u003ca href=\"https:\/\/www.smb.museum\/en\/museums-institutions\/neue-nationalgalerie\/exhibitions\/detail\/rosa-barba-in-a-perpetual-now\/\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003eIn a Perpetual Now\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e」において、ドイツ出身の建築家、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/mies-van-der-rohe\"\u003eミース・ファン・デル・ローエ（Mies van der Rohe）\u003c\/a\u003eが手がけるも実現に至らなかった「\u003cem\u003e煉瓦造田園住宅案\u003c\/em\u003e（\u003cem\u003eBrick Country House project\u003c\/em\u003e）」（1924年）の設計図を模した建築構造の上に、フィルムとプロジェクターを配置し、展覧会場のモダニズム空間を満たした。ギャラリーの周囲に線と面の迷路を作り出したこの金属製のフォルムは、フィルム、オブジェ、改造プロジェクター、スクリーンなど、すべての要素が最終的に相互に作用し合う多層的な音楽を作者が活性化させるための舞台となった。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eこの展覧会を記録した音は「\u003cem\u003eInstruments Inside Out\u003c\/em\u003e」と題され、作品だけでなく、会期中に稼働した機械のパフォーマンスやスペース内の配置のアーカイブも成す。本作は、作品構成全体に対して別の視点を与えることで、知覚の枠組みを音で再現する。展示された目に見える要素から来場者の注意をそらすことで、音の伝播がもたらす拡散効果をとらえ、音、物、声の交わりがもたらす戯れが作品として再構成されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/ediciones-inauditas.art\/\"\u003e視聴する\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan style=\"color: rgb(43, 0, 255);\"\u003e※素材上、パッケージの一部もしくは全体に痛みが生じている場合がございます。レコードをお聴きいただく上での支障はございません。あらかじめご了承ください。\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn her exhibition \u003cem\u003eIn a Perpetual Now\u003c\/em\u003e, Rosa Barba filled the modernist spaces of the Neue Nationalgalerie with her films and projectors deployed on an architectonic structure modelled after Mies van der Rohe’s plans for his unrealized Brick Country House project (1924). Creating a maze of lines and surfaces around the gallery, this streamlined metal form set the stage for the artist’s activation of a polyphonic composition in which all the elements—films, objects, modified projectors, screens—ultimately interacted with each other.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eTitled \u003cem\u003eInstruments Inside Out\u003c\/em\u003e, the audio recording of the exhibition creates an archive of the works but also of the performance of the machines and their location in the space throughout the exhibition period. The soundtrack reenacts the framework of perception by offering another viewpoint on the composition as a whole. By defocusing the visitors’ attention away from the visible elements of the exhibition, Rosa Barba captures the diffuse effects of the propagation of sound and recomposes the play of associations between sounds, objects and voices.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/ediciones-inauditas.art\/\"\u003elisten\u003c\/a\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"EDICIONES INAUDITAS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40980031275088,"sku":"9783753303192","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/0_6a5f84dc-86ea-4bb4-85ec-059b16ad9737.png?v=1734842447"},{"product_id":"poems-written-drawn-selected-and-read-by-jimmie-durham-by-jimmie-durham","title":"POEMS: WRITTEN, DRAWN, SELECTED AND READ BY JIMMIE DURHAM by Jimmie Durham [LP]","description":"\u003cp\u003eアメリカ出身、ドイツを拠点として活動する現代アーティスト、詩人のジミー・ダーラム（Jimmie Durham）による音楽作品。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eベルリンを拠点とする独立系出版社である「Ediciones Inauditas」と、同じくベルリンを拠点とする現代美術・言論活動の場として在る「Neuer Berlier Kunsverein (nbk)」とのコラボレーション・シリーズ「n.b.k. Records」の第1弾。同シリーズは様々なビジュアル・アーティストの作品をLPとして発表しており、それ自体が美術作品として作られている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者がこの世を去る7カ月前の2021年4月1日、ベルリンのスタジオで作者は自身の詩を録音した。自身の作品集から、「\u003cem\u003eColumbus Day\u003c\/em\u003e」（\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e1983年、West End Press）、「\u003cem\u003ePoems that do not go together\u003c\/em\u003e」（2012年、Wiens Verlag \/ Editions Hansjörg Mayer）、「\u003cem\u003eParticles \/ Word Theory\u003c\/em\u003e」（2020年、Wiens Verlag、Editions Hansjörg Mayer）を選んだほか、未発表の詩も数点収録されている。作者の視覚詩作品を印刷した12ページの冊子も付属する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eなぜジミー・ダーラムはアメリカでは一般的に詩人や作家だと思われていないのだろうかと不思議に思うのだが、よく考えてみると、それほど不思議に思うこともない。彼は、というよりそう思われるべきかもしれないのだが、私がよく知る会社と関係があり、しかしその会社はずっと不利な立場にあるようであったからである。ジミーの最初の著書『Columbus Day』が1983年に出版されたときのことを覚えている。この本に出会って、詩と詩学から最も遠いところにいた私でさえ、こう思った。「ああ、ここには何か、何か違うものがある。何か素晴らしい美しさと真実があり、同時に記録、報告、前からの発信のようなもので満たされている。」これ以上何かを求める必要があるだろうか？\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eアミエル・アルカレー（Ammiel Alcalay）によるテキストより抜粋 - \u003cem\u003e詩人ジミー・ダーラムのために\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/ediciones-inauditas.art\/\"\u003e視聴する\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan style=\"color: rgb(43, 0, 255);\"\u003e※素材上、パッケージの一部もしくは全体に痛みが生じている場合がございます。レコードをお聴きいただく上での支障はございません。あらかじめご了承ください。\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOn April 1st, 2021, seven months before his death, Jimmie Durham sat in a Berlin studio recording a selection of his poems. These were selected by him from his books: \u003cem\u003eColumbus Day\u003c\/em\u003e (West End Press, 1983); \u003cem\u003ePoems that do not go together\u003c\/em\u003e (Wiens Verlag, Editions Hansjörg Mayer, 2012) and \u003cem\u003eParticles \/ Word Theory \u003c\/em\u003e(Wiens Verlag, Editions Hansjörg Mayer, 2020) as well as a couple of unpublished poems. The release includes a 12- page insert reproducing Jimmie’s visual poems.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eExcerpt from the Text by Ammiel Alcalay - For Jimmie Durham, Poet:\u003cbr\u003e\u003cem\u003eAlthough I wonder why Jimmie Durham isn’t generally thought of as a poet or a writer in the US, actually, once I start thinking about it, I don’t have to wonder that much, because he is, or should be thought of, in relation to a company I know well, but a company that continually seems to be losing ground. I remember encountering Jimmie’s first book, Columbus Day, when it came out in 1983, and thinking, even then, even for me, steeped in the furthest out of poetry and poetics: “ah, here is something, something different, something of great beauty and truth, but also filled with something like documentation, reports, dispatches from the front.” Need one ask for anything more?\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003ca href=\"https:\/\/ediciones-inauditas.art\/\"\u003elisten\u003c\/a\u003e\u003cem\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c!----\u003e","brand":"EDICIONES INAUDITAS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40980035764304,"sku":"9783753301174","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/0_52d7e13e-c96c-492b-9283-09c50aa412a9.png?v=1734855186"},{"product_id":"it-s-all-breaking-apart","title":"IT’S ALL BREAKING APART by Soundwalk Collective [LP]","description":"\u003cp\u003eベルリンとニューヨークを拠点に活動する現代音響アートを扱うプラットフォームであり実験音楽ユニット、「サウンドウォーク・コレクティヴ（Soundwalk Collective）」による音楽作品。このユニットは、フランス人アーティスト、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/stephan-crasneanscki\"\u003eステファン・クラスニアンスキー（Stéphan Crasneanscki）\u003c\/a\u003eとイタリア人サウンドアーティストであるシモーネ・メルリ（Simone Merli）から成る。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eベルリンを拠点とする独立系出版社である「Ediciones Inauditas」と、同じくベルリンを拠点とする現代美術・言論活動の場として在る「Neuer Berlier Kunsverein (nbk)」とのコラボレーション・シリーズ「n.b.k. Records」の第5弾。同シリーズは様々なビジュアル・アーティストの作品をLPとして発表しており、それ自体が美術作品として作られている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eこのユニットのプロジェクトは、最終的な形になるまで何年もかかることがある。本企画は、ベルリンのクラブ、殊に「ベルグハイン（Berghain）」で録音されたフィールド・レコーディングをベースにしており、金属やコンクリートに直接固定したコンタクトマイク（※註）で捉えた素材、振動、反響を録音するところから始まった。この録音は、2019年に発表されたアルバムとインスタレーション作品「\u003cem\u003eオシレーション\u003c\/em\u003e（\u003cem\u003eOscillation\u003c\/em\u003e）」で使用されただけでなく、結果この6つの新作に用いられる素材となった。モジュラー・シンセサイザー、アンビエント・ノイズ、会話の断片、そして歌と話し声によって新たに作られたヴォーカル・パフォーマンスが加えられたサウンドがブレンドされている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本アルバムには、シンガーソングライターであるアニカ（Anika）、ミュージシャンでありDJのグドゥルン・グー（Gudrun Gut）、即興詩人でありビートプロデューサーであるエルヴィン・ブランディ（Elvin Brandhi）、DJでありプロデューサーのニーナ・クラヴィッツ（Nina Kraviz）とのコラボレーション作が収録されている。またオープニング・トラックの「\u003cem\u003eThe Crowd\u003c\/em\u003e」は、作者と長年にわたるコラボレーターである\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/nan-goldin\"\u003eナン・ゴールディン（Nan \u003cspan style=\"color: rgb(64, 64, 64);\"\u003eGoldin）\u003c\/span\u003e\u003c\/a\u003e\u003cspan style=\"color: rgb(64, 64, 64);\"\u003eとの新たな協働作品であり、ゴールディンが手がけた「n.b.k.」のビルボード・プロジェクト「\u003c\/span\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.nbk.org\/en\/ausstellungen\/nan-goldin\"\u003e\u003cem\u003e\u003cspan style=\"color: rgb(64, 64, 64);\"\u003eThe\u003c\/span\u003e Crowd, Paternò\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e」のために特別に制作された一作である。ゴールディンのパブリック・アート・インスタレーションは2022年にベルリンの公共空間に展示され、ゴールディンはこのアルバムのジャケットにその名を冠した作品を提供している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e『レコーディングの長い夜の間に、』ステファン・クラスニアンスキーは記憶を辿る。『ダンスフロアから離れ廊下や通路、トイレ、バックルームなど、クラブを歩き回って耳にした会話の断片を書き留めることを、当てもなく長い過程の中で思いついたんだ。私はそれをカットアップで集め、グドゥルン・グー、アニカ、エルヴィン・ブランディ、ニーナ・クラヴィズに、思うまま解釈してもらったり、歌ってもらったり、ささやいたり、朗読してもらったりした。』\u003c\/em\u003e」\u003cbr\u003e－ ジャン・イヴ・ルルー（Jean-Yves Leloup）のテキストより抜粋\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e※註 楽器などの音源に直接取り付けて使用する小型のマイクロホン\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/ediciones-inauditas.art\/\"\u003e視聴する\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan style=\"color: rgb(43, 0, 255);\"\u003e※素材上、パッケージの一部もしくは全体に痛みが生じている場合がございます。レコードをお聴きいただく上での支障はございません。あらかじめご了承ください。\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eMOT Plus サウンドウォーク・コレクティヴ \u0026amp; パティ・スミス｜コレスポンデンス\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e会期：2025年4月26日（土）- 6月29日（日）\u003cbr\u003e休館日：月曜日（5月5日は開館）、5月7日\u003cbr\u003e時間： 10:00 - 18:00\u003cbr\u003e開催場所：東京都現代美術館\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.mot-art-museum.jp\/exhibitions\/MOTPlus-correspondences\/\" rel=\"noopener\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe six compositions on Soundwalk Collective’s new album, \u003cem\u003eIt’s All Breaking Apart\u003c\/em\u003e, are based on field recordings from Berlin clubs, particularly Berghain, blended with additional sounds processed through modular synthesizers, ambient noise, fragments of conversations, and new vocal performances, both sung and spoken. The album features collaborations with Anika, Gudrun Gut, Elvin Brandhi, and Nina Kraviz. The opening track, \u003cem\u003eThe Crowd\u003c\/em\u003e, is a collaboration between Soundwalk Collective and legendary artist Nan Goldin, composed specifically for her n.b.k. Billboard project \u003cem\u003eThe Crowd, Paternò\u003c\/em\u003e. This public art installation was displayed in Berlin’s public space in 2022. Goldin, a long-term collaborator of the duo, also provides the album’s cover image with her eponymous work.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/ediciones-inauditas.art\/\"\u003elisten\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"EDICIONES INAUDITAS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40986997555280,"sku":"9783753307381","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/0_b2d711e7-b39e-43d5-b4c1-b250de1f15b2.png?v=1734798399"},{"product_id":"rough-version-the-nts-interviews-with-francesca-gavin-2016-2021-by-francesca-gavin","title":"ROUGH VERSION, THE NTS INTERVIEWS WITH FRANCESCA GAVIN, 2016-2021 by Francesca Gavin","description":"\u003cp\u003eロンドンを拠点に活動するライター、編集者、キュレーター、フランチェスカ・ギャビン（Francesca Gavin）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は、カルト的人気を持つオンラインラジオ局「NTS Radio」において、フランチェスカ・ギャヴィン（Francesca Gavin）が企画・進行を務める番組『Rough Version』の、最初の5年間に収録された率直で開かれたアートと音楽をめぐる対話をまとめたものである。月1回の放送を通じて、本番組は現代アートの国際的な舞台で注目を集める作家や、重要な新進作家たちの音楽的実践や聴覚的インスピレーションを捉えてきた。音楽は、それぞれのアーティストの制作の核心へと至る入口として機能し、彼らの人物像、創作を動かす動機、そして耳を傾け続けてきた音楽を理解するための手がかりを与えてくれる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e収録アーティスト：\u003cbr\u003eアダム・ペンドルトン（Adam Pendleton）、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/alex-da-corte\"\u003eアレックス・ダ・コルテ（Alex Da Corte）\u003c\/a\u003e、アパウ・ジュニア・ボアキエ＝イアドム（Appau Junior Boakye-Yiadom）、アリア・ディーン（Aria Dean）、ベドウィア・ウィリアムズ（Bedwyr Williams）、セリア・ヘンプトン（Celia Hempton）、ドミニク・ゴンザレス＝フォレスター（Dominique Gonzalez-Foerster）、ドージー・カヌ（Dozie Kanu）、エリック・N・マック（Eric N. Mack）、フィオナ・バナー（Fiona Banner）、フローレンス・ピーク（Florence Peake）、フランツィスカ・ランツ（Franziska Lantz）、ガイカ（Gaika）、ジョージナ・スター（Georgina Starr）、グレアム・リトル（Graham Little）、ハナ・ペリー（Hannah Perry）、ハルーン・ミルザ（Haroon Mirza）、イムラン・ペレッタ（Imran Perretta）、ジェレミー・デラー（Jeremy Deller）、ジェレミー・ショー（Jeremy Shaw）、カタリナ・グロッセ（Katharina Grosse）、ケイ・ドナヒー（Kaye Donachie）、ラリー・アチャンポング（Larry Achiampong）、ローレンス・ラク（Lawrence Lek）、リアム・ギリック（Liam Gillick）、リズ・ジョンソン・アートゥア（Liz Johnson Artur）、マデリン・グリーン（Madelynn Green）、マルグリート・ユモー（Marguerite Humeau）、マリアンナ・シムネット（Marianna Simnett）、マーク・レッキー（Mark Leckey）、マーク・ティチナー（Mark Titchner）、マルティーヌ・シムズ（Martine Syms）、メタヘイヴン（Metahaven）、マイケル・ランディ（Michael Landy）、マイク・ネルソン（Mike Nelson）、オスカー・トゥアゾン（Oscar Tuazon)＆\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/gardar-eide-einarsson\"\u003e\u003cspan\u003eガーダー・アイダ・アイナーソン\u003c\/span\u003e（Gardar Eide Einarsson）\u003c\/a\u003e、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/stitched-dreams-by-otobong-nkanga\"\u003eオトボン・ヌカンガ（Otobong Nkanga）\u003c\/a\u003e、P・スタッフ（P. Staff）、ポール・マヘケ（Paul Maheke）、ポール・マクデヴィット（Paul McDevitt）、ポール・ムパギ・セプイヤ（Paul Mpagi Sepuya）、ポール・ノーブル（Paul Noble）、ポール・パーガス（Paul Purgas）、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/philippe-parreno\"\u003eフィリップ・パレーノ（Philippe Parreno）\u003c\/a\u003e、プレム・サヒブ（Prem Sahib）、レイチェル・マクリーン（Rachel Maclean）、レア・ディロン（Rhea Dillon）、リース・コレン（Rhys Coren）、スコット・キング（Scott King）、スコット・トレリーヴェン（Scott Treleaven）、セブ・パターネ（Seb Patane）、セバスチャン・ジェフォード（Sebastian Jefford）、スティーヴ・クレイドン（Steve Claydon）、タイ・シャーニ（Tai Shani）、タノア・サスラク（Tanoa Sasraku）、テナント・オブ・カルチャー（Tenant of Culture）、トニー・コークス（Tony Cokes）、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/trevor-paglen\"\u003eトレヴァー・パグレン（Trevor Paglen）\u003c\/a\u003e、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/wolfgang-tillmans\"\u003eヴォルフガング・ティルマンス（Wolfgang Tillmans）\u003c\/a\u003e。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis book brings together open and frank conversations around art and music from the first five years of the ongoing radio show, \u003cem\u003eRough Version\u003c\/em\u003e, on cult online station NTS Radio.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eConceived and presented by writer and curator Francesca Gavin, the monthly show has captured the musical outputs and aural inspirations of some of the biggest and most interesting emerging names in contemporary art. Here music opens the door to each international artist’s practice, providing insight into who they are, what motivates them and what they love to listen to.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eArtists included: Adam Pendleton, Alex Da Corte, Appau Junior Boakye-Yiadom, Aria Dean, Bedwyr Williams, Celia Hempton, Dominique Gonzalez-Foerster, Dozie Kanu, Eric N. Mack, Fiona Banner, Florence Peake, Franziska Lantz, Gaika, Georgina Starr, Graham Little, Hannah Perry, Haroon Mirza, Imran Perretta, Jeremy Deller, Jeremy Shaw, Katharina Grosse, Kaye Donachie, Larry Achiampong Lawrence Lek, Liam Gillick, Liz Johnson Artur, Madelynn Green, Marguerite Humeau, Marianna Simnett, Mark Leckey, Mark Titchner, Martine Syms, Metahaven, Michael Landy, Mike Nelson, Oscar Tuazon \u0026amp; Gardar Eide Einnarson, Otobong Nkanga, P. Staff, Paul Maheke, Paul McDevitt, Paul Mpagi Sepuya, Paul Noble, Paul Purgas, Philippe Parreno, Prem Sahib, Rachel Maclean, Rhea Dillon, Rhys Coren, Scott King, Scott Treleaven, Seb Patane, Sebastian Jefford, Steve Claydon, Tai Shani, Tanoa Sasraku, Tenant of Culture, Tony Cokes, Trevor Paglen and Wolfgang Tillmans.\u003c\/p\u003e","brand":"AT LAST BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41023693291600,"sku":"9788797261620","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/1_aa598c1c-b107-4f8f-8064-b0146004a152.jpg?v=1735354301"},{"product_id":"fluxus-and-beyond-ursula-burghardt-benjamin-patterson","title":"FLUXUS AND BEYOND: URSULA BURGHARDT, BENJAMIN PATTERSON by Ursula Burghardt, Benjamin Patterson","description":"\u003cp\u003eドイツ人アーティストであるウルスラ・ブルクハルト（Ursula Burghardt）とアメリカ人アーティストであるベンジャミン・パターソン（Benjamin Patterson）の作品集。2024年10月から2025年2月までケルンの「ルートヴィヒ美術館（Museum Ludwig）」で開催されている展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e1960年から1970年代にかけてニューヨークを舞台に世界的に広がり、今なお高い影響力を持つ前衛芸術家集団「フルクサス（Fluxus）」の活動に新たな視点をもたらす一冊。展覧会と本書では、「フルクサス」が広げたネットワークに参画しながらも、その存在は活動周辺のみに留まり作品は今日までにほとんど知られていなかった2人のアーティストに焦点を当てる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e1960年代、ケルンはドイツ西部ラインラント地方において、活気ある芸術活動の核となる場所のひとつであり、国際的に活躍する作家たちが出会える場でもあった。ドイツの公共放送局「西部ドイツ放送（Westdeutscher Rundfunk Köln \/ WDR）内にあった「ケルン電子音楽スタジオ（Studio für Elektronische Musik in Köln）」は世界初の電子音楽スタジオとして重要な磁場であり、「フルクサス」の活動もまた新たな音楽を取り入れた。特に\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/john-cage\"\u003eジョン・ケージ（John Cage）\u003c\/a\u003eの影響を受けたコンセプトから始まった「フルクサス」のアーティストたちが手がけた音楽は、芸術と生活を融合させ、多様なメディアを組み合わせたアクションやパフォーマンスを展開した。音楽、文学、美術、建築を融合させた数々のイベントが、ドイツ人アーティストであるメアリー・バウエルマイスター（Mary Bauermeister）が持つケルンのアトリエで開催された。1960年、ブルクハルトとパターソンはここで出会った。この二人の伝記はその作品で形作られているといっても過言ではなく、「フルクサス」を新たに考察する出発点となる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eFluxus is one of the most influential art movements of the 1960s. Emerging from experimental music concepts, Fluxus evolved into actions and performances that fused art and life and employed diverse media. Numerous events were held in Cologne at the studio of the artist Mary Bauermeister, bringing together music, literature, art, and architecture. It was there that Ursula Burghardt (1928–2008) and Benjamin Patterson (1934–2016) met in 1960. This catalogue focuses on the unique works of these two artists. Their biographies shaped their oeuvres, which serve as the starting point for this reconsideration of Fluxus.\u003c\/p\u003e","brand":"WALTHER KÖNIG","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41047305617488,"sku":"9783753306902","price":9460.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/1_75759904-c559-4d03-b6c7-70ea0e84ae61.jpg?v=1738365709"},{"product_id":"thing","title":"THING","description":"\u003cp\u003eアメリカ人デザイナー、ライターのロバート・フォード（Robert Ford）が手がけた雑誌『\u003cem\u003eTHING\u003c\/em\u003e』全10号を収録した1冊。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e1989年に創刊した本誌は、1990年代初頭におけるクィア・ブラック・ミュージックやアートシーンを代弁する存在であった。ロバート・フォードと編集者たちは、世の中で急速に台頭しつつあったハウス・ミュージック・シーンの一員を担い、シカゴのクィア・アンダーグラウンドで築かれ、フランキー・ナックルズ（Frankie Knuckles）、ジェミニ（Gemini）、ラリー・ハード（Larry Heard）、ル・ポール（Rupaul）、ディーライト（Deee-Lite）など、当時のトップDJやミュージシャンたちがこの雑誌で特集されていた。『\u003cem\u003eTHING\u003c\/em\u003e』は1989年から1993年まで計10号が発行されたが、ロバート・フォードがAIDS（後天性免疫不全症候群）関連の病気でこの世を去り、廃刊となった。このように全10号がまとめられて書籍として刊行されるのは初めての機会となる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e彼女は自分が何者なのかをわかっている（She Knows Who She Is.）\u003c\/em\u003e」をモットーとする。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eStarted in 1989 by designer and writer Robert Ford,\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eTHING\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003emagazine was\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003ethe\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003evoice of the Queer Black music and art scene in the early 1990s. Ford and his editors were part of the burgeoning House music scene, which originated in Chicago’s Queer underground, and some of the top DJs and musicians from that time were featured in the magazine, including Frankie Knuckles, Gemini, Larry Heard, Rupaul, and Deee-Lite.\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eTHING\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003epublished ten issues from 1989-1993, before it was cut short by Ford’s death from AIDS-related illness. All ten issues of\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eTHING\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003eare collected and published here for the first time.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAs House music thrived,\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eTHING\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003ecaptured the multidisciplinary nature of the scene, opening its pages to a wide range of subjects: poetry and gossip, fiction and art, interviews and polemics. The HIV\/AIDS crisis loomed large in its contents, particularly in the personal reflections and vital treatment resources that it published. An essay by poet Essex Hemphill was published alongside the gossip columnist Michael Musto and Rupaul dished wisdom alongside a diary from the March on Washington for Lesbian, Gay, and Bi Equal Rights and Liberation. Joan Jett Blakk’s revolutionary presidential campaign is contained in these pages, as are some of the most underground, influential literary voices of the time, such as Dennis Cooper, Vaginal Davis, Gary Indiana, Marlon Riggs, David Wojnarowicz, and even David Sedaris.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eTHING\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003ewas very much in dialogue with the club kids in New York and other Queer publishing ventures, but in many ways, it fostered an entirely unique perspective—one with more serious ambitions. In a moment when the gay community was besieged by the HIV\/AIDS crisis and a wantonly cruel government, the influence and significance of this cheaply-produced newsprint magazine vastly exceeded its humble means, presenting a beautiful portrait of the ball and club culture that existed in Chicago with deep intellectual reflections.\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eTHING\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003ewas a publication by and for its community and understood the fleetingness of its moment. To reencounter this work today, is to reinstate the Black voices who were so central to the history of HIV\/AIDS activism and Queer and club culture, but which were often sidelined by white Queer discourse. In many ways,\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eTHING\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003eoffered a blueprint for the fundamental role a magazine plays in bringing together a community, its tagline summing up the bold stakes of this important venture: “\u003cem\u003eShe Knows Who She Is.\u003c\/em\u003e”\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe magazine included contributions from Trent D. Adkins, Joey Arias, Aaron Avant Garde, Ed Bailey, Freddie Bain, Basscut, Belasco, Joan Jett Blakk, Simone Bouyer, Lady Bunny, Bunny \u0026amp; Pussy, Derrick Carter, Fire Chick, Chicklet, Stephanie Coleman, Bill Coleman, Lee Collins, Gregory Conerly, Mark Contratto, Dennis Cooper, Dorian Corey, Ed Crosby, The Darva, Vaginal Davis, Deee-Lite, Tor Dettwiler, Riley Evans, Evil, The Fabulous Pop Tarts, Mark Farina, Larry Flick, Robert Ford, Scott Free, David Gandy, Gemini, Gabriel Gomez, Roy Gonsalves, Chuck Gonzales, Tony Greene, André Halmon, Lyle Ashton Harris, Larry Heard, Essex Hemphill, Kathryn Hixson, Sterling Houston, Ishmael Houston-Jones, Gary Indiana, Candy J, Jamoo, Jazzmun, Gant Johnson, Owen Keehnen, Lady Miss Kier, Spencer Kincy, Iris Kit, Erin Krystle, Steve LaFreniere, Larvetta Larvon, Marc Loveless, Lypsinka, Malone, Marjorie Marginal, Terry A. Martin, Rodney McCoy Jr., Alan Miller, Bobby Miller, Michael Musto, Ultra Naté, Willi Ninja, Scott “Spunk” O’Hara, DeAundra Peek, Earl Pleasure, Marlon Riggs, Robert Rodi, Todd Roulette, RuPaul, Chantay Savage, David Sedaris, Rosser Shymanski, Larry Tee, Voice Farm, Lawrence D. Warren, Martha Wash, LeRoy Whitfield, Stephen Winter, David Wojnarowicz, and Hector Xtravaganza.\u003c\/p\u003e","brand":"PRIMARY INFORMATION","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41058205925456,"sku":"9798988573647","price":8800.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/0_22e08f61-f116-438d-8a8b-e90f1c38033d.png?v=1737511639"},{"product_id":"alice-coltrane-monument-eternal-by-alice-coltrane","title":"ALICE COLTRANE, MONUMENT ETERNAL by Alice Coltrane","description":"\u003cp\u003eアメリカ人ジャズ・ミュージシャン、作曲家であるアリス・コルトレーン（Alice Coltrane）の作品集。2025年2月から5月までロサンゼルスの「ハマー美術館（Hammer Museum）」で開催した展覧会に伴い刊行された。ジャズピアニストであるバド・パウエル（Bud Powell）にピアノを師事し、モダンジャズを代表するサックス奏者であるジョン・コルトレーン（John Coltrane）のバンドのピアニストを務め、同時にジョンの妻でもあった作者の遺したものを紐解く一冊。アメリカ人アーティストのラシード・ジョンソン（Rashid Johnson）、アメリカ人映画監督のコーリーン・スミス（Cauleen Smith）らが、20世紀アメリカのジャズ界における真に非凡な人物に敬意を表する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は、音楽家、スピリチュアルな先導を行う者、そして妻、母として生きた作者が文化的に遺したものを解き明かす一冊である。作者が1977年に発表した自伝的著作であり信仰的な一作でもある「\u003cem\u003eMonument Eternal\u003c\/em\u003e（永遠なる記念碑）」から本書のタイトルは由来しており、新たに気づきのあったスピリチュアルな信念、癒し、そして自己発見への道程にまつわる考察を記した内容となっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者は「時代を先取りしていた」人物であり、そして「メインストリームの外へと向かった最初の音楽家の一人であり、自らのスタジオで自身の音楽を録音し、自ら設けた条件のもと音楽をリリースした最初の女性、黒人、アメリカ人ジャズミュージシャンの一人であることに疑いはない」と、息子でありサックス奏者のラヴィ・コルトレーン（Ravi Coltrane）は語る。 本書は、精神的な超越、音響的革新、建築的な親密性といったテーマを探求する。19人の現代アメリカ人アーティストによる作品に加え、手書きの楽譜、未発表の音源、これまでほとんど表で見られてこなかった映像など、作者のアーカイブから発見されたエフェメラなどを示すことで、作家の文化的な功績とその実践を称える。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者は1937年にデトロイトで生を受け、幼い頃から音楽を始め、7歳からはピアノのレッスンに取り組んだ。1967年にジョンからハープを贈られたことをきっかけに「\u003cem\u003eJourney in Satchidananda\u003c\/em\u003e」や「\u003cem\u003eA Monastic Trio\u003c\/em\u003e」といった画期的なアルバムを制作し、ジャズ史において極めて稀なハープ奏者の一人となった。1972年に南カリフォルニアに移住し、スピリチュアル・コミュニティである「サイ・アナンタム・アシュラム（Sai Anantam Ashram）」を設立。ロサンゼルスを拠点に生活と活動を続け、2007年に69歳でその生涯を終えた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eRashid Johnson, Cauleen Smith and others pay tribute to a truly extraordinary figure in 20th-century American jazz\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis volume unpacks the cultural legacy of musician, spiritual leader, wife and mother Alice Coltrane. Accompanying the eponymous exhibition at Los Angeles’ Hammer Museum, the book takes its title from Coltrane’s 1977 autobiography and devotional text, Monument Eternal, in which she reflected on her newfound spiritual beliefs and the path to healing and self-discovery. Coltrane was “ahead of her time,” as her son, saxophonist Ravi Coltrane, says: she was “one of the first people to move outside the mainstream, and certainly one of the first female, Black, American jazz musicians to record her own music in her own studio, and to release music on her own terms.” Alice Coltrane, Monument Eternal explores themes including spiritual transcendence, sonic innovation and architectural intimacy. The project juxtaposes works from 19 contemporary American artists with pieces of ephemera from Coltrane’s archive—including handwritten sheet music, unreleased audio recordings and rarely seen footage—to honor her cultural output and practice. Alice Coltrane was born in Detroit in 1937 and took up music at an early age, beginning piano lessons at seven years old. In 1967 her husband, saxophonist John Coltrane, gifted her a harp, on which she went on to record seminal albums including Journey in Satchidananda and A Monastic Trio, making her one of the very few harpists in the history of jazz. Coltrane moved to Southern California in 1972 and founded the Sai Anantam ashram. She lived and worked in Los Angeles, where she died in 2007 at age 69.\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41060936319056,"sku":"9781636811567","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/2701.jpg?v=1744187924"},{"product_id":"echoes-from-the-borderlands-by-valeria-luiselli-ricardo-giraldo-leo-heiblum","title":"ECHOES FROM THE BORDERLANDS by Valeria Luiselli, Ricardo Giraldo \u0026 Leo Heiblum","description":"\u003cp\u003eメキシコ系アメリカ人作家、ヴァレリア・ルイセリ（Valeria Luiselli）とコロンビア出身の音響、現代クラシック音楽、展示デザインを手掛けるディレクター、リカルド・ジラルド（Ricardo Giraldo）、メキシコ出身の作曲家、プロデューサー、サウンドアーティスト、レオ・ヘイブルム（Leo Heiblum）の作品集。太平洋からメキシコ湾に至るアメリカとメキシコの国境地帯の歴史を探求する、サウンド・スタディーズを記録した一冊。2024年12月から2025年3月までニューヨークの「ディア・チェルシー（Dia Chelsea）」で開催された展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書はアメリカとメキシコの国境、そしてその植物相、動物相、都市と自然の風景の混在を、時宜にかなった憐憫な視点で探求する。作者らは、フィールドレコーディング、アーカイブ資料、インタビュー、巧みな作曲の選択など、深い研究と複数の音の層を駆使して、虐殺、生殖に関する権利、環境破壊など、多様な主題を考察している。冒頭に収録されている「\u003cem\u003eStudy One: Call You When I Get Home\u003c\/em\u003e」では、読者はサンディエゴとティフアナ近郊の太平洋からテキサス西部まで導かれ、先住民、観光客、鉱山労働者、歴史再現者、現代思想家、そして洞察に富んだ指摘を提供する想像上のペルソナと出会う。読者は本書を通じてドキュメンタリーかつフィクションである音響作品を体験でき、埋め込まれたQRコードから音声を再生することで作品に没入して体験できる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA publication chronicling a new sound art project led by the bestselling author of Lost Children Archive and The Story of My Teeth, Valeria Luiselli, with Ricardo Giraldo and Leo Heiblum.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eEchoes from the Borderlands\u003c\/em\u003e is a timely, poignant exploration of the US–Mexico border, its flora, fauna and mix of urban and natural landscapes. In this series of sound studies, Valeria Luiselli, Ricardo Giraldo and Leo Heiblum deploy deep research and multiple sonic layers—field recordings, archival materials, interviews and deft compositional choices—to examine issues such as genocide, reproductive rights, environmental destruction and more. In\u003cem\u003e Study One: Call You When I Get Home\u003c\/em\u003e, readers are taken on a journey from the Pacific Ocean near San Diego and Tijuana to West Texas, encountering Indigenous peoples, tourists, miners, historical reenactors and contemporary thinkers, along with a chorus of imagined personas who provide insightful commentary along the way. Readers can engage with this sonic documentary-fiction through the libretto featured in this chapbook and, for an immersive experience, listen to the audio via an embedded QR code.\u003c\/p\u003e","brand":"DIA ART FOUNDATION","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41097320366160,"sku":"9780944521625","price":3300.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_e97690df-ddcf-4b26-b70f-9ada5d8393a7.jpg?v=1751514224"},{"product_id":"from-the-other-side-of-a-landscape-2024-by-enrique-ramirez-matthias-puech","title":"FROM THE OTHER SIDE OF A LANDSCAPE, 2024 by Enrique Ramirez, Matthias Puech [LP]","description":"\u003cp\u003eチリ人アーティストであるエンリケ・ラミレス（Enrique Ramirez）と、フランス人音楽家でありプログラマーのマティアス・ピュエシュ（Matthias Puech）による音楽作品。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eベルリンを拠点とする独立系出版社である「Ediciones Inauditas」と、同じくベルリンを拠点とする現代美術・言論活動の場として在る「Neuer Berlier Kunsverein (nbk)」とのコラボレーション・シリーズ「n.b.k. Records」の第6弾。同シリーズは様々なビジュアル・アーティストの作品をLPとして発表しており、それ自体が美術作品として作られている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本作は6つのトラックで構成されており、2023年11月にフランスの「ルーヴル美術館ランス別館（Louvre-Lens Museum）」で開催された7時間にもおよぶパフォーマンス「\u003cem\u003eMONDES PARTAGÉS. COMPOSITION N°4\u003c\/em\u003e」から抜粋された作品を収録する。このアルバムには、複数のタイムラインと可能性が共存しているプロセスを結晶化しており、それを一つの直線的なシークエンスに抽出している。時間を流動的かつ拡張的に理解することを受け入れたライブでの一演奏を、同一のループ上で再生できうる一オブジェクトに変換するということが作られている。視覚的でありながら映画的な音の質を維持しながら、ライヴ・パフォーマンスは再構築され、一時的な儚さを別の形に置き換えている。我々はこのアルバムを、絶え間なく進化する風景写真のように感じ取ることができるだろう。無限の可能性を秘めたヴァリエーションのひとつになっていく過程を凍らせて固めたようなイメージなのである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e君は今、巨大で空っぽなガラス張りの部屋に立っている。物体は消え去り、ただ一つ残ったこの音が、耳には聴こえないが外や下に繁茂する植物のノイズと複雑に絡み合っている。生き物の一部であれ、無生物の一部であれ、すべての原子は電磁場に包まれている。すべてのものは本来、電気的なものである。静脈が体内の臓器や組織を繋ぎ、植物の維管束系が光合成を行う層を通して栄養分を運ぶように、ケーブルはある機械から別の機械へと電気信号を伝達する。地球上の歌と響き合うサウンドとシンセサイザーが織りなすこの庭には、自然と人工の間に境界線はない。ラミレスとピュエシュはこの壁を消し去った。彼らの言葉を借りるなれば、「我々は自然の音に魅了されているが、シンセサイザーを使ってそれを再現したかった。人間による最小限のインプットで生成することで。『パヴィヨン・ド・ヴェール（Pavillon de verre \/ ガラス館）』とその庭園の臨床的な人工性に触発され、我々はこの空間がガラスの箱、反転した水槽のようであり、風景の向こう側から演奏しているような逆説的な何かがあることに気づいた」。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e実際のところ、シンセサイザーをベースとしたアルゴリズミックな音作りのアプローチは、時に造園に例えられる。種を選んで蒔き、環境を育て、条件を綿密に調整しながらも、最終的にはコントロールできないほど開花する。このプロセスは、「楽譜の唯一の創造者」として在るアーティストの役割を、「一連のルールやアルゴリズムに基づいて、無限に広がる産物が持つ多様性の中で芸術を生み出すシステムの創造者」へとシフトさせる。手作業で実現することが不可能な音楽の可能性を追求するために計算の力を活用するのだから、創造の可能性は広大である。この構造化された予測不可能性において、ある程度のコントロールが失われることは不可欠なパラメーターとなる。我々は、音楽に対し、静的な物体／直線的な創作プロセスの終着点とする概念から離れ、音楽は生きて呼吸する有機体であるという考え方に向かうのである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e－ ヴァニーナ・サラチーノ（Vanina Saracino）のテキストより抜粋\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/ediciones-inauditas.art\/\"\u003e視聴する\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"color: rgb(43, 0, 255);\"\u003e\u003cstrong\u003e※素材上、パッケージの一部もしくは全体に痛みが生じている場合がございます。レコードをお聴きいただく上での支障はございません。あらかじめご了承ください。\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe six tracks that compose this record were taken form a seven-hour performance that took place in November 2023 in the Louvre-Lens Museum in France. This album crystallizes a process where multiple timelines and possibilities coexisted, distilling them into a linear sequence. This album involves transforming a live act that embraced a fluid and expansive understanding of time, into an object that can be played in identical loops. The live performance was reimagined, translating temporalities while maintaining the visual and even cinematographic quality of the sounds. We can perceive this album like photographs of landscapes in continuous evolution – images that freeze the process of becoming into one of its potentially infinite variations.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eExcerpt from: Vanina Saracino – \u003cem\u003eFrom the Other Side of a Landscape\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eYou’re now standing in an enormous, empty glass room. The objects have vanished, leaving only this sound entwined with the inaudible yet thriving vegetal noise outside and below. Every atom, whether part of living or inert matter, is wrapped in an electromagnetic field: everything is inherently electrical. Just as veins connect organs and tissues in the body, and the vascular system in plants carries nutrients through photosynthetic layers, so do cables transmit electrical signals from one machine to another. In this garden of entangled synths and sounds echoing terrestrial songs, there are no boundaries between the natural and the artificial. Ramírez and Puech have erased these walls. In their words: “We are fascinated by nature’s sound but wanted to replicate them using synths, generating them with minimal human input. Inspired by the clinical artificiality of the Pavillon de Verre (Glass Pavilion) and its garden, we found there was something paradoxical about this space—a glass box, an inverted aquarium—like we were playing from the other side of a landscape”.\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eIn fact, the synth-based algorithmic approach to creating sounds is often compared to the art of gardening: seeds are chosen and sown, the environment is nurtured, and conditions meticulously calibrated, yet the final outcome blooms beyond control. This process shifts the artist’s role as the sole creator of a score to becoming a creator of systems that can produce art within an infinite variety of outcomes based on a set of rules or algorithms. The creative potential is vast because it leverages the power of computation to explore musical possibilities impossible to realize manually. In this structured unpredictability, the loss of a certain degree of control becomes a necessary parameter: we move away from the notion of music as a static object, as the end point of a linear creative process, and toward the idea of music as a living, breathing organism.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"EDICIONES INAUDITAS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41123246702672,"sku":"9783753307640","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/1_c83e3412-c55b-4b16-87ca-83957e26ec5f.jpg?v=1742015508"},{"product_id":"patti-smith-before-easter-after","title":"PATTI SMITH: BEFORE EASTER AFTER by Patti Smith, Lynn Goldsmith","description":"\u003cp\u003eシンガーソングライターであり作家、詩人のパティ・スミス（Patti Smith）とアメリカ人フォトグラファー、リン・ゴールドスミス（Lynn Goldsmith）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書はリン・ゴールドスミスがパティ・スミスを撮影したポートレイトをふんだんに収録した一冊である。2019年に「Taschen」よりサイン入りの数量限定版として発行され、当時は1,000ドルで販売、プリント付き特別版も刊行された。今作は、同作を普及版として新たに蘇らせた作品集である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eリン・ゴールドスミスは、パティ・スミスのアルバム『\u003cem\u003eEaster\u003c\/em\u003e』（1978年）のジャケット・カヴァーを撮影したことでも知られている。本書は、リン・ゴールドスミスが写した、2019年の刊行時までほぼ見ることのできなかった何百枚もの写真を収録したものであり、ロックンロールのアイコンであるパティ・スミスのキャリアにおける変貌の瞬間をとらえた親密な肖像を我々に見せてくれる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eステージ上で演奏する姿だけでなく、舞台裏の素顔やスタジオでの印象的なシーンも合わさり、トップの地位を確立したシンガーが見せる深く個人的な表情を本書は収めている。写真には、1977年のツアー中に起きた人生を変えるほどの事故とその余波、そしてパティ・スミスの自信や文化的な慣例への抵抗、楽に過ごす様子なども垣間見えるほどクローズアップされたポートレートが含まれており、時に読者の共感も呼ぶだろう。我々の心を打つほどの物語が写真で綴られており、加えてパティ・スミスの詩と歌詞がその随所に彩りを添えている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書を手にすることで、音楽史における伝説的な時代を我々は目撃する。この一冊は、革命的な作品を生み出した若いアーティストの記録であると同時に、今なおクリエイティブなコラボレーターであり続ける2人の親友同士が紡ぐ不朽のパートナーシップを称えるものでもある。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003eMOT Plus サウンドウォーク・コレクティヴ \u0026amp; パティ・スミス｜コレスポンデンス\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e会期：2025年4月26日（土）- 6月29日（日）\u003cbr\u003e休館日：月曜日（5月5日は開館）、5月7日\u003cbr\u003e時間： 10:00 - 18:00\u003cbr\u003e開催場所：東京都現代美術館\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.mot-art-museum.jp\/exhibitions\/MOTPlus-correspondences\/\" rel=\"noopener\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA new trade publication of Before Easter After, originally published in a limited edition at $1,000.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eHundreds of rarely seen images by legendary photographer Lynn Goldsmith offer an intimate portrait of rock ’n’ roll icon Patti Smith during a transformative moment in her career. Images of Smith performing on stage combine with candid behind-the-scenes photographs and striking studio shoots to create a deeply personal look at the singer during her rise to fame. The photographs include Smith’s life-changing accident while on tour in 1977 and the aftermath, as well as closeup, empathetic portraits that reveal Smith’s self-assurance, her defiance of cultural norms, and her effortless poise. This poignant visual narrative is punctuated throughout by Smith’s original poetry and song lyrics.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis book is both a glimpse into a fabled time in music history, documenting a young artist creating what turned out to be a revolutionary work, as well as a celebration of an enduring partnership between two close friends who continue to be creative collaborators to this day.\u003c\/p\u003e","brand":"RIZZOLI","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41136061939792,"sku":"9780847874088","price":14300.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/3431.jpg?v=1748937377"},{"product_id":"medea-by-soundwalk-collective-cd","title":"MEDEA by Soundwalk Collective [CD]","description":"\u003cp\u003eベルリンとニューヨークを拠点に活動する現代音響アートを扱うプラットフォームであり実験音楽ユニット、「サウンドウォーク・コレクティヴ（Soundwalk Collective）」による音楽作品。このユニットは、フランス人アーティスト、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/stephan-crasneanscki\"\u003eステファン・クラスニアンスキー（Stéphan Crasneanscki）\u003c\/a\u003eとイタリア人サウンドアーティストであるシモーネ・メルリ（Simone Merli）から成る。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003eMOT Plus サウンドウォーク・コレクティヴ \u0026amp; パティ・スミス｜コレスポンデンス\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e会期：2025年4月26日（土）- 6月29日（日）\u003cbr\u003e休館日：月曜日（5月5日は開館）、5月7日\u003cbr\u003e時間： 10:00 - 18:00\u003cbr\u003e開催場所：東京都現代美術館\u003cbr\u003e\u003ca rel=\"noopener\" href=\"https:\/\/www.mot-art-museum.jp\/exhibitions\/MOTPlus-correspondences\/\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003eSoundwalk is a New York-based sound collective founded by Stephan Crasneanscki, composer for the film \u003ci\u003eAll the Beauty and the Bloodshed\u003c\/i\u003e by Laura Poitras with Nan Goldin, winner of the Golden Lion 2022 at the Venice Film Festival. They have made several albums with Patti Smith and also recently worked with Charlotte Gainsbourg. They also received the Audie Award for their collaboration with Afrika Bambaataa in the Bronx and the Dalton Pen Award for the \u003ci\u003eSonic Memorial Soundwalk\u003c\/i\u003e (2012) with Paul Auster at Ground Zero in New York.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"DIS VOIR","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41136148840528,"sku":"9782914563666","price":7150.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/3051.jpg?v=1745551450"},{"product_id":"disorder-swiss-grit-vol-ii-by-chris-ashworth","title":"DISORDER: SWISS GRIT VOL. II by Chris Ashworth","description":"\u003cp\u003eイギリス人グラフィックデザイナー、クリス・アシュワース（Chris Ashworth）の作品集。真に自身の手で実践を行ってきたデザイナーである作者の功績とキャリアに捧げた初の刊行物となる。1990年代に台頭し、アメリカのオルタナティブ・ロックンロール雑誌でありながらタイポグラフィ、レイアウト、ビジュアル・ストーリーテリングを探求、多くのグラフィック・デザイナーのアプローチに影響を与えた『\u003cem\u003eレイガン\u003c\/em\u003e（\u003cem\u003eRay Gun\u003c\/em\u003e）』誌から、近年の実験的なタイポグラフィーのプロジェクトまで、作者の「\u003cem\u003eスイス・グリット\u003c\/em\u003e（\u003cem\u003eSwiss Grit\u003c\/em\u003e）」を体現するような一作である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者は、引く手数多のクリエイティブ・ディレクターとしてのキャリアと、実験的デザイナー兼タイポグラファーとしての第二のキャリアを今なお両立させている。1990年代初頭、イングランド北部で行われていたクラブのフライヤーデザインからキャリアをスタートさせた。その独創的なグラフィックデザインの手法は、1990年代の音楽雑誌文化の古典とされ、デザイナーであるニール・フレッチャー（Neil Fletcher）と共同制作したイギリスのライフスタイル＆音楽雑誌『\u003cem\u003eBlah Blah Blah\u003c\/em\u003e』、先述の『\u003cem\u003eレイガン\u003c\/em\u003e』での仕事に顕著に表れており、数多くのファンを獲得している。作者のクリエイティブなアプローチは「\u003cem\u003eスイス・グリット\u003c\/em\u003e」と呼ばれ、「\u003cem\u003eスイスのデザイン原理と、魂を吹き込まれたタイポグラフィ的な目線でのストリートの美学を融合させたもの\u003c\/em\u003e」と語る。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者は、技巧をベースとした手作業による自身の作品を、スクリーンでの作業に依存したデジタル文化と対極にある存在として見なしている。コンピューターから離れたクリエイティブの発展には独創性に溢れた希少なメリットをもたらすという見解のあらわれでもある。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は、作者が生み出してきたグラフィックデザインを約500ページにわたり紹介することで、その偉業を称えている。1997年から2024年までに制作された印刷物や刊行物を幅広く紹介し網羅することで、創造性とアナログデザインをもたらす人間の手技、細部、不完全さ、そして偶然性の面白さを考察している。それこそ、「AI不使用（AI-free）」の領域である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eこの作品集は、2024年に\u003ca href=\"https:\/\/vol.co\/collections\/disorder\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eクラウドファンド\u003c\/a\u003eによるサポートのもと、限定かつ正真正銘のオリジナル初版として「UNIT EDITION」と「THAMES \u0026amp; HUDSON」によって刊行、「\u003ca href=\"https:\/\/uniteditions.com\/\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eUNIT EDITION\u003c\/a\u003e」でのみオリジナル版が販売されている。本書の前日譚として、1990年から1997年までの記録をまとめた『\u003cem\u003eSWISS GRIT VOL. I\u003c\/em\u003e』も企画されているという。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe first book dedicated to the career of Chris Ashworth, a truly hands-on graphic designer, charting his \"\u003cem\u003eSwiss Grit\u003c\/em\u003e\" approach from the influential \u003cem\u003eRay Gun\u003c\/em\u003e magazine in the 1990s to his experimental type projects of today.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eChris Ashworth balances a career as a sought-after creative director with a second life as an experimental designer and typographer, a path he first took in the early 1990s, designing flyers for clubs in the north of England. His inimitable hands-on approach to graphic design, exemplified in his work on two classics of ‘90s music magazine culture—\u003cem\u003eBlah Blah Blah\u003c\/em\u003e in the UK (designed with Neil Fletcher) and \u003cem\u003eRay Gun\u003c\/em\u003e in the US—has won him legions of fans. His creative approach, termed “\u003cem\u003eSwiss Grit\u003c\/em\u003e,” “\u003cem\u003eis a blend of Swiss principles fused with a typographic street aesthetic that brings some soul\u003c\/em\u003e,” he says.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAshworth sees his work—craft-based, handmade—as a counterpoint to our screen-dependent digital culture. It’s the manifestation of an alternative view that argues that creative development away from the computer offers unique and precious merits. \u003cem\u003eDisorder\u003c\/em\u003e celebrates this approach to graphic design over nearly five hundred pages. Beginning with his influential work for \u003cem\u003eRay Gun\u003c\/em\u003e and covering a wide range of printed and published work from 1997 to the present day, the book is concerned with the human craft of creativity and analog design, the details, imperfections, and happy accidents. An AI-free zone.\u003c\/p\u003e","brand":"THAMES \u0026 HUDSON","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41145216237648,"sku":"9780500029060","price":17380.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_3776dad6-8a61-46c5-9c30-740f586e31b1.jpg?v=1744337727"},{"product_id":"what-we-leave-behind-by-stephan-crasneanscki-japanese-edition","title":"WHAT WE LEAVE BEHIND by Stéphan Crasneanscki [JAPANESE EDITION]","description":"\u003cp\u003eフランス人アーティスト、ステファン・クラスニアンスキー（Stéphan Crasneanscki）の作品集。ドイツラジオ文化放送の依頼により、同じくフランス人の映画監督、ジャン＝リュック・ゴダール（Jean-Luc Godard）のアーカイブを題材に制作した重要作品『\u003cem\u003eWhat We Leave Behind\u003c\/em\u003e』を見つめ直し、1冊の本にまとめたものであり、2021年に刊行された同作の日本語版である。また本版は、カバーが折り込みポスターとしても楽しめる仕様となっており、日本語タイトルが入れられている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e箱、コラージュ、静物、メモの4部構成になっている。映画界の巨匠ゴダールのアーカイブを探求するにあたり、作者はゴダールが個人的に収集していた短編映画、オープンリール、歴史的なエフェメラを撮影した。時代を感じさせるメモや参考文献をまとめ上げて散逸を防ぎ、ゴダールの芸術的な思考プロセスを垣間見ることができる断片的な「クリエイティブマップ」を作り上げている。1人の人間の所有物と文化的遺産の両方に向き合う中で、作者はこうしたものに散りばめられたアイデンティティ、トレーサビリティー、時間や空間の広がり、記憶、存在、物質性、史実性といった様々な概念に対する賞賛を表現し、自己の解釈を付け加えている。ミュージシャン、作家、詩人のパティ・スミス（Patti Smith）による序文、映画監督アベル・フェラーラ（Abel Ferrara）との対談、映画評論家、歴史家、編集者であるアントワーヌ・ドゥ・ベック（Antoine de Baecque）によるエッセイを収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e日本語版翻訳：吉田育未、堀潤之\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003eMOT Plus サウンドウォーク・コレクティヴ \u0026amp; パティ・スミス｜コレスポンデンス\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e会期：2025年4月26日（土）- 6月29日（日）\u003cbr\u003e休館日：月曜日（5月5日は開館）、5月7日\u003cbr\u003e時間： 10:00 - 18:00\u003cbr\u003e開催場所：東京都現代美術館\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.mot-art-museum.jp\/exhibitions\/MOTPlus-correspondences\/\" rel=\"noopener\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eSubsequent to a commissioned sound composition for Deutschlandradio, multidisciplinary artist Stéphan Crasneanscki (b. 1969, French) further examines his significant opus What We Leave Behind, on French film director Jean-Luc Godard’s archive, into book form. The book is divided into four comprehensive sections: boxes, collages, still lifes and notes. When invited to explore the archive of the seminal film director, Crasneanscki photographed Godard’s personal collection of shot film, reel-to-reels and historical ephemera. The notes and references in the book attest to the passing of time, yet being saved from oblivion; as a fragmented creative map of a master film director’s artistic thought process. In addition to working with someone’s personal belongings and its cultural heritage, Crasneanscki also adds his own interpretation and admiration to the material’s constellation of ideas of identity, traceability, temporality, space, memory, existence, materiality and historicity. The book contains a foreword by musician, author and poet Patti Smith (b. 1946, American), a conversation with filmmaker Abel Ferrara (b. 1951, American) and an essay written by film critic, historian and editor Antoine de Baecque (b. 1962, French).\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe book contains a foreword by musician, author and poet Patti Smith (b. 1946, American), a conversation with filmmaker Abel Ferrara (b. 1951, American) and an essay written by film critic, historian and editor Antoine de Baecque (b. 1962, French).\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eFirst edition of 1,000 copies. First 200 copies come with a fold-out poster as dustcover. Japanese edition of 500 copies. The Japanese edition is identical to the first edition, with the exception that all text is in Japanese. All copies come with a fold-out poster, in Japanese, as dustcover. Published in conjunction with the exhibition \u003cem\u003eWhat We Leave Behind\u003c\/em\u003e by Stéphan Crasneanscki, curated by Libraryman, in Tokyo, Japan at POST.\u003c\/p\u003e","brand":"LIBRARYMAN","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41147991752784,"sku":"9789188113771","price":9900.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/WHATWELEAVEBEHIND_00.jpg?v=1744804289"},{"product_id":"call-and-response-by-christian-marclay-steve-beresford","title":"CALL AND RESPONSE by Christian Marclay, Steve Beresford","description":"\u003cp\u003eアメリカ人ミュージシャン、アーティストであるクリスチャン・マークレー（Christian Marclay）と、イギリス人ミュージシャンのスティーヴ・ベレスフォード（Steve Beresford）による作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eクリスチャン・マークレーは、音楽やサウンドを思いがけない文脈の中に位置づけて作品に落とし込む能力に長け、世界的に高く評価されている。世界が閉ざされてしまった2020年の春、マークレーは、空っぽになったロンドンのストリートを撮影し始めた。その静けさ、つまり街の音が一切無いことに心を奪われ、同時に安らぎをも覚えた。毎日散歩をする中で、マークレーはその風景の中に音楽があるかもしれないと想像し始めた。白いボールを刺して飾った鉄冊の門を見かけた時、マークレーは楽譜を連想した。その風景を写真に撮って友人であるスティーブ・ベレスフォードに送り、こう尋ねた。 「\u003cem\u003eこれをピアノで弾いたらどうなるだろう？\u003c\/em\u003e」ベレスフォードは撮った音で返事をした。その年の春、二人はロックダウンされた街の中で繋がった。マークレーはもっと写真を撮り、ベレスフォードはそれに触発されて曲を書いた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e私の撮った写真はみな囲いの中\u003c\/em\u003e\u003cem\u003eだった。門、フェンス、窓、閉ざされた店。柵の向こうにある世界の景色だ。\u003c\/em\u003e」－ クリスチャン・マークレー、序文より\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eマークレイが撮った20枚の写真とベレスフォードが書いた20枚の楽譜を収めた本書は『\u003cem\u003eコール＆レスポンス\u003c\/em\u003e』と名付けられ、写真と楽譜がセットで時系列に並べられている。楽譜集を思わせる装丁は、上品でシンプルに、手触りよく仕上げられている。とりわけ楽譜が読めない人にとっては、その想像力が静寂を満たし、目で音楽を指揮するかのごとく、魔法かと思ってしまうような写真と楽譜のペアリングである。ベレスフォードの楽譜で曲を想像できる者にとっては、視覚的な世界を聴覚に変換させる音楽的な想像力の可能性に気づくだろう。どちらの場合にせよ、本作は「孤立と隔離の世界でいかに繋がるのか」という問いに対するひとつの答えである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eKnown for his ability to locate music and sound in the most unexpected contexts, artist Christian Marclay began photographing the emptied London streets when the world shut down in the spring of 2020. He found the quiet—the absence of all city sounds—both haunting and peaceful. On his daily walks, he began to imagine that there might be music in the landscape. He snapped a photo of an iron gate adorned with decorative white balls as it reminded him of a musical score, sent it to his friend, the composer Steve Beresford, and asked: “\u003cem\u003eHow would this sound on the piano?\u003c\/em\u003e” Beresford responded with a recording. Over the course of that spring, they connected virtually across the locked-down city: Marclay took more photographs which inspired Beresford to write more music.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn his introduction, Marclay writes, “\u003cem\u003eI realized that all my pictures were of enclosures: gates, fences, windows, closed stores. A view of the world behind barriers.\u003c\/em\u003e” The music both embodies and serves as counterpoint to these images of confinement, expanding space and, in its notation, reconfiguring the visual correspondences between image and sound.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eCollecting twenty of Marclay’s photographs with twenty of Beresford’s scores, \u003cem\u003eCall and Response\u003c\/em\u003e reproduces the pairs of images and scores chronologically in an elegant, pared-down, and tactile volume reminiscent of a music notation book. Particularly for those who cannot read music, they are magical pairings in which the imagination fills the quiet and the eye conducts the music. For those who can hear Beresford’s scores, they reveal the possibilities of the musical imagination translating the visual world into the aural. In both cases, \u003cem\u003eCall and Response\u003c\/em\u003e is one answer to the question of how to connect in a world of dislocation and isolation.\u003c\/p\u003e","brand":"SIGLIO","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41155715596368,"sku":"9781938221309","price":5940.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_b9440076-25ae-455b-9127-bb4b347e59a0.jpg?v=1745475607"},{"product_id":"music-for-today-solo-piano-vinyl-lp-by-michael-snow-numbered","title":"MUSIC FOR TODAY – SOLO PIANO by Michael Snow [LP \/ NUMBERED]","description":"\u003cp\u003eカナダ人ミュージシャン、アーティストであるマイケル・スノウ（Michael Snow）の音楽作品。2019年3月10日にパリの「ジョルジュ・ポンピドゥー国立芸術文化センター（Centre national d’art et de culture Georges Pompidou (CNAC-GP)」で開催された公演を録音した作品を収録、2023年にこの世を去った作者にとって最後のパフォーマンスの機会となった。プリペアド・ピアノによる即興演奏によって全体が構成された本作品は、永続的な実験を芸術的実践そのものであるとした作者の音楽作品を巡った、本当の意味での「旅」である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eカバーには、作者本人が1960年に制作した、178cm 四方の油彩画「\u003cem\u003eLac Clair\u003c\/em\u003e」（カナダ国立美術館（National Gallery of Canada, Ottawa）蔵）で彩られ、内側のスリーブは同じく作者の「\u003ca href=\"https:\/\/www.centrepompidou.fr\/fr\/ressources\/oeuvre\/PM764aX\"\u003e\u003cem\u003eMidnight Blue\u003c\/em\u003e（\u003cem\u003eBleu de minuit\u003c\/em\u003e)\u003c\/a\u003e」（1973-1974年 \/ ジョルジュ・ポンピドゥー国立芸術文化センター蔵）を用いている。アーティストである\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/philippe-decrauzat\"\u003eフィリップ・デクローザ（Philippe Decrauzat）\u003c\/a\u003eとジョナサン・ポティエ（Jonathan Pouthier）が編集を手がける。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者は絵画、彫刻、写真、映画、映像だけでなく、サウンドアート、音楽など多方面で活躍、1956年には初映画を制作し、『\u003cem\u003eWavelength\u003c\/em\u003e』（1967年）の発表によって前衛映画作家としての地位を国際的に確立した。その作品は、多くの主要な国際的アート・イベントで紹介されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eRecorded in 2019 at the Centre Pompidou, \u003cem\u003eMusic for Today\u003c\/em\u003e is the last public performance by Canadian artist Michael Snow, who died in 2023. Entirely improvised on a prepared piano, this musical piece is a true journey through the musical work of an artist who made perpetual experimentation an artistic practice in its own right.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eLimited edition of 300 numbered copies.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eProlific and multidisciplinary, Michael Snow (1929-2023) was a major figure in the fieldsof painting, sculpture, photo, cinema, and video, as well as in sound and music. He made his first film in 1956, while his status as an international avant-garde filmmaker was consecrated in 1967 by \u003cem\u003eWavelength\u003c\/em\u003e. His work features at most major international art events.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITEDBY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41156204462160,"sku":null,"price":6600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_f60e8876-a2d9-4665-8ccd-8af686c7a003.jpg?v=1745547537"},{"product_id":"not-quite-good-enough-to-be-on-tv-harmonies-by-joanne-robertson","title":"NOT QUITE GOOD ENOUGH TO BE ON TV HARMONIES by Joanne Robertson","description":"\u003cp\u003eイギリス人ミュージシャンでありアーティスト、詩人である、ジョアン・ロバートソン（Joanne Robertson）の作品集。オイルパステルで描かれた新作ドローイング作品群をまとめた本書は、ギターのフォルムに向けた賛歌であり、作者の新しい大判絵画作品にも直接結びついている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e音楽と抽象絵画にまつわるものなのです。（...）固定されたイメージはないし、そこにとても興味がある。以前は、私の曲の物語が私の絵画からインスピレーションを受けているように感じたこともあったし、私の絵画が曲にインスピレーションを与えていたこともあった。でも今、それは共に、とても調和しているんです。\u003c\/em\u003e」\u003cbr\u003e－ジョアン・ロバートソン、「\u003cem\u003eペーパー\u003c\/em\u003e（\u003cem\u003ePaper Magazine\u003c\/em\u003e）」誌\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eギターに囲まれて生活していると、時折ギターが視界の端に映りこんできて、部屋の隅でカーブを描いてほとんど折れ曲がっているように見えますよ。\u003c\/em\u003e」作者の作品の幅の広さは、楽器の可能性を物語る。その可能性とは、身体との関係、パフォーマンスと実験、そして親密さと表現対象として存在する位置づけである。作者の絵画作品も音楽作品も、どちらも即興的な表現の瞬間から形成されている。本書の表紙には、2023年に発売された同名アルバムに収録されている楽曲「\u003cem\u003eBlue Car\u003c\/em\u003e」より抜粋したオリジナルの歌詞が用いられている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eThat’s the thing about music and abstract painting […] There isn’t an image that’s fixed and I’m really interested in that. There were times when the narrative of my songs felt much more inspired by my paintings, and maybe my paintings inspired some of the songs, but now they’re really in harmony together.\u003c\/em\u003e”\u003cbr\u003e–Joanne Robertson (Paper Magazine)\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eNot Quite Good Enough to be on TV Harmonies\u003c\/em\u003e is Robertson's ode to the form of the guitar: a suite of new drawings rendered in oil pastel, and directly connected to her new large scale paintings. In the artist's words: “\u003cem\u003eLiving around guitars means they are often just sat in your peripheral vision, curving, almost bent over in the corner of a room.\u003c\/em\u003e” The work's range is a testament to the instrument's potential – its relation to the body, performance and experimentation, and its position as an object of intimacy and expression. The cover of the book features the original lyrics to \u003cem\u003eBlue Car\u003c\/em\u003e, from the 2023 album of the same name.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eJoanne Robertson is a musician, painter and poet. She collaborates regularly with her friends, including Sidsel Meineche Hansen, Dean Blunt, Byron Coley and Jasper Baydala (Kool Music). Her painting and music both form from improvisatory moments of expression. Robertson is based in Glasgow and is represented by Édouard Montassut, Paris and Company, New York.\u003c\/p\u003e","brand":"5B","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41163274256464,"sku":"9781739425159","price":6380.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_e0dc9136-da32-4dae-88d8-66d898a9a3eb.jpg?v=1746071606"}],"url":"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/sound.oembed?page=5","provider":"twelvebooks","version":"1.0","type":"link"}