{"title":"PHOTOGRAPHY - SPECIAL DISCOUNT 2026","description":"","products":[{"product_id":"sugar-paper-theories-by-jack-latham","title":"SUGAR PAPER THEORIES by Jack Latham [SECOND EDITION]","description":"\u003cp\u003eイギリス人フォトグラファー、ジャック・レイサム（Jack Latham）の作品集。本書は、実際に起きた事件に基づき制作されている。1974年、アイスランド南西部で2人の男性が行方不明になった。彼らが失踪した時の状況は、特に変わったところもなく大した情報も残っていない。1人は当時18歳の男性で、真冬のアイスランドにてナイトクラブから家まで10kmある道のりを酔いながら歩いて帰る途中に行方が分からなくなった。その数か月後、ある家族想いの男性は謎の人物と接触したのを最後に家に戻ってこなかった。もしこの二つの失踪事件がどこか別の国、別のタイミングで起きていたとしたら、単なるありふれた行方不明事件として処理され、家族や友人以外からは完全に忘れ去られたことだろう。しかし、このグズムンドゥル＆ゲイルフィンヌル（Gudmundur and Geirfinnur）事件は、大きな物議を醸したアイスランド史上最大の殺人事件捜査へ発展することとなる。1970年代のアイスランドでは、密輸、麻薬やアルコール、海外からの不道徳な影響などに対する不安が常にあり、彼らの失踪もそれに関連しているものとされ、国家の上層部も全く同様の線で捜査を進めていた。しかし結局は、社会の片隅にくすぶっていた数名の若者たちがこの話の主な登場人物であったことが明らかになった。全員が自白をし、その結果起訴され服役しているが、問題となった夜に何が起きたのかを覚えているものは一人もいなかった。その後この事件に公的な捜査のメスが入ったことにより、当時の残忍で未熟な刑事司法制度のために何百日にも渡り昼夜となく繰り返された取り調べの結果、容疑者たちは事件の前後の記憶と実際の体験を全く繋げられなくなってしまったというもう一つのストーリーが白日の下にさらされている。作者は、グズムンドゥルとゲイルフィンヌルが失踪した後にどこでどうしていたのか、容疑者たちが語ったとされる話に出てくる場所や人物を撮り、存命の容疑者や、事件について匿名で情報を提供した者や陰謀説を唱えた者、鑑定の専門家や、目撃者の証言を聞いた。本書では、警察の捜査ファイルの原本からとった資料と作者が撮影した写真を組み合わせることで、実際の記憶と再構築された記憶を可視化している。また、同じく1970年代にイギリスで起きたバーミンガム・シックス事件やギルフォード・フォー事件といった冤罪事件において、実行犯として有罪になった被告たちに対し「記憶不信症候群」を提唱し再審無罪となるのを助けたレイキャヴィーク市元警察官・犯罪心理学者、現ロンドン大学教授ギスリー・グッドジョンソンCBE（大英帝国勲章第三位）が、グズムンドゥル＆ゲイルフィンヌル捜査の中心人物として、この事件に関する記録を提供している。本書は、これまで作品集を出版（自費出版を除く）したことがなく、イギリスでヴィジュアル・アートを学んでいる、もしくは過去5年以内に卒業をしている写真家を対象に「The Photographers' Gallery」と実業家のAmnon Bar-Turによって設立された「Bar Tur Photobook Award」の2015年受賞作品として、「The Photographers' Gallery」とイギリスの出版社「Here Press」との共同発行という形で刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本作は初版が2016年に出版され、2019年10月から11月にかけてThe Royal Photographic Society（RPS）で開催されるイギリスでの初展覧会に伴い第二版が刊行。初版が作られた後の2018年にアイスランドの最高裁判所における上訴ののち、本第二版にグッドジョンソンCBEによる新たなテキストと、控訴をした6名のうちの1人であるErla Bolladóttirによる序文が追記されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOriginally published in 2016, this second expanded edition coincides with an exhibition at The Royal Photographic Society in late 2019, marking the first UK showing of the project. The recipient of the 2016 Bar Tur Photobook Award and shortlisted for the Paris Photo-Aperture Foundation First PhotoBook, the first edition quickly sold out and appeared on many books of the year lists. Incorporating developments that have taken place within the case following an appeal in 2018 in Iceland’s Supreme Court, this second edition features additional text by expert witness Professor Gisli Gudjónsson CBE, and a foreword by Erla Bolladóttir, one of the six prosecuted.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eForty-five years ago, two men went missing in southwest Iceland. The facts of their disappearances are scarce, and often mundane. An 18-year-old set off from a nightclub, drunk, on a 10-kilometre walk home in the depths of Icelandic winter. Some months later, a family man failed to return from a meeting with a mysterious stranger. In another time or place, they might have been logged as missing persons and forgotten by all but family and friends. Instead, the Gudmundur and Geirfinnur case became the biggest and most controversial murder investigation in Icelandic history. In the 1970s, theories about the disappearances fixated on Iceland’s anxieties over smuggling, drugs and alcohol, and the corrupting influence of the outside world. The country’s highest levels of political power were drawn into the plot. But ultimately, a group of young people on the fringes of society became its key protagonists. All made confessions that led to convictions and prison sentences. Yet none could remember what happened on the nights in question. Now a public inquiry is uncovering another story, of how hundreds of days and nights in the hands of a brutal and inexperienced criminal justice system eroded the link between suspects’ memories and lived experience. Jack Latham photographed the places and people that feature in various accounts of what happened to Gudmundur and Geirfinnur after they vanished. He spent time with the surviving suspects, as well as whistle blowers, conspiracy theorists, expert witnesses and bystanders to the case. In ‘\u003cem\u003eSugar Paper Theories,\u003c\/em\u003e’ Latham’s photographs and material from the original police investigation files stand in for memories real and constructed. Professor Gisli Gudjónsson CBE, a former Reykjavik policeman and forensic psychologist whose expert testimony and theory of memory distrust syndrome helped free the Birmingham Six and Guildford Four – and are now central to the Gudmundor and Geirfinnur inquiry – provides a written account of the case.\u003c\/p\u003e","brand":"HERE PRESS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31846747980,"sku":"978–1–9993494–2–4","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/191114_2309.jpg?v=1574650068"},{"product_id":"sobras-by-geraldo-de-barros","title":"SOBRAS by Geraldo de Barros","description":"\u003cp\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eブラジル人アーティストであり、サンパウロ具体芸術運動の創始メンバーのジェラルド・デ・バロス（Geraldo de Barros）による作品集。作家は20世紀後半のブラジルアートシーンにおいて中核を担った一人であり、ペインティング、写真、デザインなど多岐にわたる独創的で実験的な作品で知られている。\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e一連のアーティスト活動を経て、作家は1990年代の終わりに写真へと回帰した。アシスタントの助けを借りながら過去の写真アーカイブを見つめ直し始め、1950年代の作品や家族写真のネガフィルム\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eを切り取りガラスプレートにのせコラージュ制作を開始。2年後、ルートヴィヒ美術館に展示されたその作品が、作家の最晩年にしてもっとも個人的な「Sobras（残り物）」と題されたシリーズとなった。\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e同名を冠する本書は、そのシリーズを世界に向けて出版という形で公開する初めての機会となる。また本書は、一人のアーティストの作品集であると同時に、既にこの世を去った作家への手向けでもある。冬の思い出である雪の眩い白と濃厚な黒のコントラストで織りなすこの世界観に触発された若手ブラジル人作家、バネッサ・バーバラ（Vanessa Barbara）の一風変わった短編小説も収録されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eGeraldo de Barros (1923-98) is one of the major figures of the Brazilian artistic scene during the second half of the 20th century. He was an inventive and experimental artist with a diverse practice that included painting, photography and design, as well as being one of the founding members of concrete art in São Paulo.\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eFollowing a series of strokes, de Barros returned to photography at the end of the 90s. Revisiting his archive with the help of an assistant, he created cuts and collages from old family photographs – making his last and most personal series: « Sobras » (Remains). \u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eThe book « Sobras » is the first international publication devoted to this work, and sits somewhere between a historical tribute and artist book. Vanessa Barbara, a young Brazilian writer, compliments de Barros’ last photographs with a quirky short story inspired by his striking world, in which pitch blacks contrast with the dazzling white snow of his winter memories.\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"CHOSE COMMUNE","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":34479136652,"sku":"979-10-96383-00-9","price":9680.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/170207_couv._2.jpg?v=1571703941"},{"product_id":"blue-period-last-summer-arakinema-by-nobuyoshi-araki-japan-edition","title":"BLUE PERIOD \/ LAST SUMMER : ARAKINEMA  青ノ時代／去年ノ夏：アラキネマ by Nobuyoshi Araki [JAPAN EDITION]","description":"\u003cp\u003e日本人写真家、荒木経惟の作品集。本作は、作者の映像作品「アラキネマ」に焦点を当てた写真集として、NYを拠点とする出版社「\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/session-press\"\u003eSESSION PRESS\u003c\/a\u003e」と「\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/dashwood-books\"\u003eDASHWOOD BOOKS\u003c\/a\u003e」から共同出版された。日本国外でこの映像作品『\u003cem\u003e青ノ時代\u003c\/em\u003e』『\u003cem\u003e去年ノ夏\u003c\/em\u003e』を出版物として発表するのは初めてとなる。作者は「私写真」と称して自身の日常をありのままに撮影した写真作品を制作し、これまで500冊以上の写真集を出版。特に、緊縛、今は亡き妻陽子、花などの静物写真、ヌードは代表的な作品として国内はもとより海外でも周知されているが、80年代中期から約20年間、実験的な映像作品「アラキネマ」を制作し、ライブ上映してきたことはあまり知られていない。本写真集では、ライブの臨場感や雰囲気をできるだけ忠実に再現するために、両作品が上映された際のオリジナルスライドに基づいて編集、制作。『青ノ時代』『去年ノ夏』はともに2005年に発表された作品であり、前者は1980〜90年代に雑誌『写真時代』に掲載された作品でまとめられている一方、後者は2005年前後に撮り下ろされた作品が使用されている。 ヌードとポートレートを軸にしながら、街路の風景や花の写真なども併せて構成された両作品に共通しているのは、オリジナルの写真に手を加えることで力強い効果を生み出しているという点であり、『青ノ時代』では薬品で脱色することで引き出された色褪せたブルーが、まるで夢か消え去っていく記憶の中にでもいるかのような、メランコリックな儚さを作品にもたらしている。また『去年ノ夏』は明るく透明感のある色を写真の上に塗っていくことで、まるで万華鏡が映し出す幻想的な世界を表現している。作家自身も両作品が過去と未来を現す人生そのものであり対にして見られることをインタビュー（アートン：東京、2005年）の中で語っており、本書にも掲載されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"color: #ff00ff;\"\u003e\u003cstrong\u003e2種類のスリップケース展開（JAPAN EDITION \/ US EDITION）\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"color: #ff00ff;\"\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003eJAPAN EDITION　※\u003cspan style=\"color: #ff00ff;\"\u003eUS EDITIONは\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/blue-period-last-summer-arakinema-by-nobuyoshi-araki-us-edition\" style=\"color: #ff00ff;\"\u003eこちら\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"color: rgb(43, 0, 255);\"\u003e※本書はスリップケースに経年劣化による変色やダメージがございます。中身をご覧いただく上で問題はございません。尚、購入後の返品・交換は出来かねますのでご了承ください。\u003c\/span\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"text-decoration: underline;\"\u003eアラキネマ\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003eスライド写真に音楽をつけて投影するライブパフォーマンスであり、第1作の『\u003cem\u003e東京物語\u003c\/em\u003e』は、東京・渋谷にあったシネマライズで1986年に上映された。その後、ライブパフォーマンスとしての「アラキネマ」はセセッション館（ウィーン）、原美術館 、スパイラルホール、読売カルチャーサロン青山、台北市立美術館、東京都現代美術館、パレ・ド・トーキョー（パリ）、バービカン・センター（ロンドン）など世界各国の美術館や関連施設で90年代後半から2000年代半ばにかけて企画、上演。1991年からは「アラキネマ」のコンセプトを映像作品として残すために、映像制作を手がけるクエスト社より2010年までに30本の作品を発表してきた。これらはライブパフォーマンスと同じ手法をとり、スライド写真をオーバラップさせながら投影し、フリーフォームの即興音楽が添えられ、ライブで味わう臨場感に溢れた構成で制作されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOne of the most influential photographers of our time, Nobuyoshi Araki is known for his diaristic style or “shi-shashin” (I-photographs) through the publication of over 500 books throughout his career. His work has become practically synonymous with Japanese photography; closely associated with his work on bondage, his late wife, Yoko, as well as still-lifes and nudes. It is, however, less known that Araki had explored experimental film projects since the mid 80s. In 1986 at Cinema Rise in Tokyo, Araki staged a live performance entitled \u003cem\u003eTokyo Monogatari\u003c\/em\u003e (Tokyo Story). Using two projectors, Araki and his assistants, Nobuhiko Ansai and Shiro Tamiya, selected and sequenced slides to create a succession of overlapping images fading into one another, accompanied by a musical soundtrack. \u003cem\u003eTokyo Monogatari\u003c\/em\u003e became the first in a series of live performances entitled \u003cem\u003eArakinema\u003c\/em\u003e, which he staged until the mid-2000s in museums and art institutions around the world. \u003cem\u003eBlue Period\u003c\/em\u003e and \u003cem\u003eLast Summer\u003c\/em\u003e are made up primarily of nudes and portraits alternating with street scenes and images of flowers. The majority of the work is derived from Shashin Jidai, the important underground sub culture magazine of the 1980s in Japan. We especially feel excited about our publication since these two projects are essential among his film work. As Araki also explained at our initial meeting in Shinjuku last year, “The two films should be seen as a set, since \u003cem\u003eBlue Period\u003c\/em\u003e is about the past and \u003cem\u003eLast Summer\u003c\/em\u003e is about the future. By removing color using a chemical solution, \u003cem\u003eBlue Period\u003c\/em\u003e is about an act of subtraction (past), whereas adding color to the images in \u003cem\u003eLast Summer\u003c\/em\u003e is about an act of addition (future). This project is just like life itself.” Working directly from the 140 original slides used for both projections, the book successfully offers a fresh review of the photographer’s hidden oeuvre and regains the true spirit and atmosphere of the original \u003cem\u003eArakinema\u003c\/em\u003e performances\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"color: #ff00ff;\"\u003e\u003cstrong\u003eThis is JAPAN EDITION cover of slipcase. The US EDITION is \u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/blue-period-last-summer-arakinema-by-nobuyoshi-araki-us-edition\" style=\"color: #ff00ff;\"\u003ehere\u003c\/a\u003e.\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"SESSION PRESS \u0026 DASHWOOD BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47963553036,"sku":"9780996657419","price":13200.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/180118_5138.jpg?v=1571703962"},{"product_id":"walls-bridges-by-gregory-bojorquez","title":"WALLS \u0026 BRIDGES by Gregory Bojorquez","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eロサンゼルス在住のフォトグラファー、グレゴリー・ボホルケス（Gregory Bojorquez）による作品集。LAのギャラリー「LITTLE BIG MAN GALLERY」が主宰する出版社「LITTLE BIG MAN BOOKS」が設立したリトルプレスプロジェクト「LITTLE BIG MAN MINI EDITIONS」の第3弾刊行物。本書は、作者が生まれ育ったロサンゼルス東部で10代の頃から30年にわたり現地のコミュニティーや友人、家族を撮影し続けた「イーストサイダーズ（Eastsiders）」シリーズの膨大な作品群からセレクトしたイメージで構成。被写体である作者の周囲の人々に対する、繊細かつ親密であり私的なまなざしが垣間見える。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eVolume 3 in the Little Big Man MINI series. The works are a small selection from an great extensive series named \"Eastsiders\" Los Angeles born and raised Greg Bojorquez has from his teenage years photographed friends, family and local community of East Los Angeles for more than 30 years. Offering an intimate, sensitive and personal insight to those around him. This publication is hand numbered and offset printed in a limited edition of 350 copies.\u003c\/p\u003e","brand":"LITTLE BIG MAN BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":331458674700,"sku":"","price":4400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/171017_3919.jpg?v=1571703964"},{"product_id":"aya-by-francesca-allen","title":"AYA by Francesca Allen [SIGNED]","description":"\u003cp\u003eイギリス人フォトグラファー、フランチェスカ・アレン（Francesca Allen）の作品集。東京に暮らす若い日本人女性アヤこと、ミュージシャンのアヤ・グルーミー（Aya Gloomy）。作者がアヤと共に過ごした濃密な時間を綴ったこのシリーズは、同じ言葉を話さない二人が写真を唯一のコミュニケーションツールとして友情を育んでいった宝物のような日々の記録である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eアヤと初めて出会ったのは、東京の郊外にある小さなアパート。上の階にはアヤの祖母が住んでいて、時々バルコニーからアヤにお菓子を投げてくれる。ありとあらゆるものが限界まで詰め込まれたアヤの家。あちこちに汚れた食器や洋服がうず高く積み上げられていた。\u003c\/em\u003e」\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e人生で最高に幸せな一カ月を過ごした二人の時間は、疲労の期間でもあった。作者とアヤは何をするのも一緒で、撮影は二の次となっていく。互いを自分の友人に紹介し、夜中まで遊んでは終電を逃し、友人の家に転がり込む。服を脱ぐ時、アヤは恥ずかしがってクスクスと笑う。二人だけの親密な時間を人の目に晒し、その為にありのままの自分を見せるなど誰にでもできることではない。作者のイメージには、初めての体験を嬉々として楽しむ二人の女性の脆さやはかなさが写し出されている。それぞれの人生の似たような地点で出会った1歳違いの二人は、同じようなことを感じているのかもしれない。二人の関係が深まるにつれて、若い女性として花開くという、デリケートであり刺激的な人生の一時期がクローズアップされていく。親しみを込めた視線をアヤに向ける作者は、アヤから溢れんばかりのエネルギーを受け、強さと弱さの二つの面を浮き彫りにする。こうして作品を作る中で、二人の心が結びつき友情が育まれた。アヤは作者が描き出した「テーマ」であるが、アヤのイメージと二人の間に生まれた関係性というレイヤーを通して見ると、表現する側とされる側との区別は希薄になり、観る者は作者のことも少し理解したような気持ちになるだろう。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAya offers insight into the life of a young Japanese woman living in Tokyo. Francesca Allen (b. 1993, British) shares an intimate month spent with musician Aya Yanase, also known as Aya Gloomy. Unable to speak the same language, the series documents a growing friendship using photography as the sole medium of communication.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eWe first meet Aya in the suburbs of Tokyo. Her tiny apartment is beneath that of her Grandma who sometimes throws snacks from her balcony for Aya to catch. Aya’s home is full to the brim of everything one could imagine, with piles of dishes and clothes everywhere.\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe month is simultaneously the happiest but most exhausting time; Francesca and Aya do everything together. Taking photographs becomes almost secondary. They introduce each other to their friends, they stay out too late and miss the train, sleeping at friends’ houses and Aya is shy and giggling when she gets undressed. The personal exposure involved in making the intimate public is tender and rare. This series of photographs enables a window into the vulnerabilities of both women who almost revel in the novelty of the experience. Aya is one year younger than Francesca, and they meet at similar points in their lives, perhaps feeling similar things. As their relationship develops, the book narrows in on a delicate and exciting period of new womanhood. The work builds a sense of belonging and friendship as Francesca turns her gaze adoringly on Aya, harnessing her energy to reveal strength and fragility. Aya is the represented subject, but through her photographs and the relationship that emerges between the two women, the division between representer and subject is diffused and we also understand a little of Francesca.\u003c\/p\u003e","brand":"LIBRARYMAN","offers":[{"title":"サイン入 \/ SIGNED","offer_id":12855119315024,"sku":"978–91–88113–19–1","price":6050.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false},{"title":"サインなし \/ UNSIGNED","offer_id":12855646355536,"sku":"978–91–88113–19–1","price":6050.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_af59d45c-bb6b-4d03-af08-56e9bb44f48e.jpg?v=1755586046"},{"product_id":"sunsets-by-daniela-comani","title":"SUNSETS by Daniela Comani","description":"\u003cp\u003eイタリア人アーティスト、ダニエラ・コマーニ（Daniela Comani）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e写真シリーズ 『OFF』は、メディアに関する認識の余談のようなものである。テレビという常に我々の周りに付きまとってくる『動画再生装置』を綿密に細かい部分まで調べ上げた。しかしそんなテレビも、一度電源をオフにするとまるで死んだように見え、ただの冷んやりした物体となり、同時に視聴者が自分自身の幻想や恐れをそこに投影する画面として機能しだす。イメージが画面から消えたとしてもテレビは依然として暗い画面に部屋や人物を写り込ませてしまい、コンテンツを失わない。作者はアクティブに動いていないテレビを単に撮っているのではない。フラッシュがあたかもビッグバンが起きたかのように暗い画面に当たり、たとえ主役が写り込んでいなくてもそこに新たな光景や考察を生む。作者がシャッターを切った瞬間、一瞬のフラッシュの光がテレビの画面の構造と最も独特な形で混ざり合い、小さなフォーマットに描かれた夕暮れの風景のような新たなイメージと形を作り出す。また、このシリーズはデザインに関するものでもある。作者は、様々な形、サイズ、デザインのテレビが並ぶこの『ミザンセーヌ（舞台装置）』のために、それぞれのテレビが持つ物理的な特異性を引き出すべくブランド名を完全に消した。そしてテレビ群は皆一様に真正面を向いており、まるでたくさんの人が鑑賞者を凝視しているようである。テレビの枠は作品の額のように機能し、機械の本質を示唆している。作者が写し取ったイメージは、プラスチック製のテレビを二次元の画像に変え、それを板紙にマウントすることでまた別の新たな三次元の物質として定着する。それぞれの作品は、無限に複製できる技術的特徴を備えた写真という媒体が連続的に並んでいるにも関わらず、各々違う特徴を持つユニークな存在となっている。\u003c\/em\u003e」- レナータ・スティ（Renata Stih）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eOFF\u003c\/em\u003e, a photographic series by Daniela Comani, is an excursus into perception as it relates to the media. With painstaking precision she probes that ever-present device for the reproduction of moving images, the television set, but in off mode: turned off, TV sets seem dead, they become cold objects – and yet concomitantly they serve as surfaces for viewers to project their own fantasies and fears on. Even when the picture is extinguished, the TV is still not bereft of content, for the dark screen reflects the room and the people and objects in it. Daniela Comani doesn't merely take pictures of inactive TV sets, she shoots them: the flash hits the dark screen like a Big Bang that yields new sights and insights, even as it outshines and obliterates the protagonist’s reflection. At the instant she pulls the trigger, the split-second flash blends with the surface structure of the television sets in the most peculiar ways, producing new images and new shapes in these landscapes with sunset, small format. Daniela Comani's series is also about design: for this minimalistic mise-en-scène of an assortment of TV sets of varying shape, size and design, the artist has painstakingly removed the brand names in order to bring out the physical idiosyncrasies of each different setup. The objects are portrayed from the front, as though they were people gazing out from the picture at the viewer. The housing of each set serves as a picture frame and suggests the machine’s essential nexus to the picture. The photograph turns the plastic TV sets into two-dimensional pictures, which Comani then mounts on paperboard to create a new three-dimensional object. Each picture is unique despite the serial nature of photography with its technical capability of infinite reproduction. (Renata Stih, Berlin 2011)\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":21338382303312,"sku":"978-3-906803-17-3","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/SUNSETS00.jpg?v=1617857872"},{"product_id":"fuchs-postcards-by-hayahisa-tomiyasu","title":"FUCHS POSTCARDS by Hayahisa Tomiyasu [SIGNED]","description":"\u003cp\u003e日本人写真家、富安隼久（Hayahisa Tomiyasu）のポストカード・セット。2018年に東京・恵比寿の「POST」で開催された展覧会「Fuchs \/ TTP」に伴い制作。\u003cspan\u003eドイツ・ライプツィヒで、当時作者が住んでいた学生寮の部屋の窓から撮影した写真で構成された作品\u003c\/span\u003e『\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/products\/ttp-by-hayahisa-tomiyasu\"\u003eTTP\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e』の前身かつ制作のきっかけでもある『FUCHS』シリーズ13点全てのポストカードを収録。作者による手書きのカバー、サイン入り。\u003c\/p\u003e","brand":"TWELVEBOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":21358193311824,"sku":"","price":2200.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/fuchs_box_01.jpg?v=1571703997"},{"product_id":"we-have-no-place-to-be-1980-1982-by-joji-hashiguchi","title":"WE HAVE NO PLACE TO BE: 1980-1982 \/ 俺たちどこにもいられない 1980-1982 by Joji Hashiguchi","description":"\u003cp\u003e日本人写真家、橋口譲二の作品集。デビュー作として注目を集めた『\u003cem\u003e視線\u003c\/em\u003e』（1981年、第18回太陽賞を受賞）と並び、『\u003cem\u003e俺たち、どこにもいられない　荒れる世界の十代\u003c\/em\u003e』（草思社、1982） は、作者の40年以上に及ぶ礎を築いた重要な初期作品である。30点以上の未発表の作品を含めたモノクロ写真139点、256頁に及ぶ本書は、作者自身が監修・編集し、2色刷りのマットニス加工印刷を施し、当時の臨場感を感じさせる見応えある内容に仕上がっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e社会が一つの方向に向かい始めた時、少年たちは家や学校を飛びだし路上にいた。規定された生き方からの枠から飛び出す。そのことは少年たちにとって「戦い」であった。そんな東京の若者たちの姿を80年代の初頭、『\u003cem\u003e視線\u003c\/em\u003e』を通し作者は追求した。その後、作者の意識は東京の路上から日本の外に向かう。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e高校時代ビートルズを聞いていた作者は、イギリス・リバプール、ロンドンの路上に立つことから始めた。『\u003cem\u003eわれら動物園駅前の子どもたち\u003c\/em\u003e』（原題『\u003cem\u003eWir Kinder vom Bahnhof Zoo\u003c\/em\u003e』クリスチーネ・Ｆ著、1978年）と題した一冊の本に触れた作者は、イギリスから西ドイツの街、ニュルンベルク、西ベルリンに移動する。その後、ビートニックに共感していた作者は、ニューヨークに足を延ばした。5つの都市を巡り、それぞれの都市の姿を、路上の少年たちを通して描くことに挑んだ。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eベトナム戦争に疲弊していたアメリカ。サッチャー政権下で不況と失業が深刻化していたイギリス。東西冷戦の最前に位置していた西ドイツ。管理社会が生 まれ始めていた日本。本書『\u003cem\u003e俺たち、どこにもいられない 1980-1982\u003c\/em\u003e』を通し、80年代の若者たちの姿が現代においてどのような意味を持つのかを改めて問い直す。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e世界の写真史において、若者を主題にした作品は数多くある。例えば、ダニー・ライアン（Danny Lyon）、カールハインツ・ワインバーガー（Karlheinz Weinberger）、ブルース・デビットソン（Bruce Davidson）、ラリー・クラーク（Larry Clark）、ナン・ゴールディン（Nan Goldin）、ジョセフ・ズザボ（Joseph Szabo）は、バイクライダーや、ストリートギャングなど路上に集まる若者の姿を捉えた作品を残している。また、ウイリアム・クライン（William Klein）や、エド・ファン・デア・エルスケン（Ed van der Elsken）は、50年代から60年にかけて世界の主要都市をまわりストリートフォトを制作している。しかし、東京のみならず欧米をまわり、80年代の「路上の若者」の姿に焦点を絞る本作は、貴重な写真集と言えるだろう。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eまた、積極的にコミュニケーションをとらずとも、路上の彼らの心の鎧を解いた、あるがままの表情を引き出したことは、橋口作品の魅力だと言える。それは、社会の矛盾や権威に打ちのめされながらも、不器用に抗う若者の姿をとらえた作者の視線が、社会の問題提起をする傍観者ではなく、路上の彼らに、一人の人間として共感を感じレンズを向けた真摯な姿勢のためであると理解できる。作者は、「\u003cem\u003e彼らが写真を撮られることを受け入れてくれた背景には、自分がアジア人だったことも大きい...\u003c\/em\u003e」とも語っている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eオリジナル版『\u003cem\u003e俺たち、どこにもいられない　荒れる世界の十代\u003c\/em\u003e』は、1982年に出版後、次世代の写真家、アーティストたちに多大なる影響力を与えてきた。本書の序文において、美術家・画家の奈良美智が、作品から授かったインスピレーションや、自身の若い頃の体験に触れながら、温かい言葉で今を生きる我々に語りかけてくれている。写真研究者の小林美香による解説文付き。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.bjp-online.com\/2020\/03\/joji-hashiguchi-we-have-no-place-to-be\/\" rel=\"noopener noreferrer\" target=\"_blank\"\u003e記事：We have no place to be 1980-1982（British Journal of Photography \/ 英語）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA newly edited and expanded edition, \u003cem\u003eWe Have No Place to Be\u003c\/em\u003e (originally published by Soshisha in 1982) veritably launched Hashiguchi's illustrious 40-year career, and remains widely regarded as one of the photographer’s seminal early works alongside his first photobook \u003cem\u003eShisen\u003c\/em\u003e (“\u003cem\u003eThe Look\u003c\/em\u003e,” recipient of the 18th Taiyo Prize in 1981). Supervised and edited by Hashiguchi himself, this omnibus edition comprises 139 black and white photographs, including more than 30 previously unpublished images. Printed in duotone with a matte finish, \u003cem\u003eWe Have No Place to Be: 1980-1982\u003c\/em\u003e provides a visceral window back into the eminently topical world featured within its 256 pages.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAs society careened on a precipitous tilt, a generation of displaced youths fled their homes and schools, seeking refuge on the streets. Theirs was not only a flight, but a veritable fight against the stifling framework of an increasingly prescriptive life. In the early 1980s, Joji Hashiguchi similarly took to the streets of Tokyo armed with a camera, and began documenting these young compatriots in his debut work, \u003cem\u003eShisen\u003c\/em\u003e. Before long, Hashiguchi would himself take flight – the Tokyo streets a runway for a larger world that beckoned outside Japan.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eRecalling long high school nights spent listening to the Beatles, Hashiguchi first landed on the streets of Liverpool and London. Having encountered Christiane F.'s sensational 1978 autobiography, \u003cem\u003eWir Kinder vom Bahnhof Zoo\u003c\/em\u003e (“\u003cem\u003eWe Children From Zoo Station\u003c\/em\u003e”), he made his way from England to West Germany, traveling through Nuremberg and West Berlin. A budding Beatnik, he forayed even further West, at last arriving in New York. Over the course of his journey through these five cities, he sought to depict each through the youths that populated their streets.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThrough his lens, we encounter an America exhausted by the Vietnam War. England under Thatcher, mired in rising unemployment and economic doldrums. West Berlin, on the frontline of the Cold War. Japan, erecting the scaffolding of her now labyrinthine bureaucratic society.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eNearly four decades out, Hashiguchi's \u003cem\u003eWe Have No Place to Be: 1980-1982\u003c\/em\u003e challenges presentday viewers to reexamine what we have both become and lost.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe complexities of youth have served as a captivating theme throughout the annals of photographic history. Photographers such as Danny Lyon, Karlheinz Weinberger, Bruce Davidson, Larry Clark, Nan Goldin, and Joseph Szabo made masterpieces with their investigations into the subcultures of renegade bikers, street gangs, and rebellious adolescents teetering on the dramatic cusp of adulthood. Similarly, photographers such as William Klein and Ed van der Elsken have produced distinctive street photos, famously snapped across the world’s metropolises in the 1950s and ‘60s.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eHowever, Hashiguchi is distinguished by a uniquely unwavering dedication to this theme. The sheer breadth of his travels in Tokyo and the West alike, coupled with a rapt intensity for documenting the“troubled youth” of the 1980s, culminated in a valuable document of an era.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAbove all, Hashiguchi's photos evince a preternatural ability to capture street youths in an unmediated, unguarded, intimate state. Eschewing a forced approach, Hashiguchi seemingly earned ready acceptance into the communities he photographed. Far from the clinical observer shining a floodlight on the city's scars, Hashiguchi was understood by his subjects to be a sympathetic eye in their flailing struggle against authority and the contradictory injustices of society. As Hashiguchi reminisces, “I suspect their willingness to be photographed was in large part due to the simple fact that I was Asian.”\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eSince its initial publication in 1982, \u003cem\u003eWe Have No Place to Be\u003c\/em\u003e has influenced generations of artists and photographers in Japan. One such artist and close friend is none other than Yoshitomo Nara, who has contributed a glowing essay reflecting upon Hashiguchi’s influence on his work, and a sage message for the present generation informed by his own experiences as a “lost” youth of the ‘80s.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eWe hope the present publication of \u003cem\u003eWe Have No Place to Be: 1980-1982\u003c\/em\u003e brings to a new international audience a work of profound historical and cultural importance destined to become a contemporary classic.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.bjp-online.com\/2020\/03\/joji-hashiguchi-we-have-no-place-to-be\/\" rel=\"noopener noreferrer\" target=\"_blank\"\u003eArticle: We have no place to be 1980-1982（British Journal of Photography）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"SESSION PRESS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":29056125665360,"sku":"978-0-578-42908-3","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200331_1230.jpg?v=1586428253"},{"product_id":"lina-scheynius-11-by-lina-scheynius","title":"LINA SCHEYNIUS 11 by Lina Scheynius","description":"\u003cp\u003eスウェーデン人フォトグラファー、リナ・シェイニウス（Lina Scheynius）の自身11冊目となる自費出版作品集。2018年に撮影された作品で構成されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e昨年、私の親友であるアマンダが1人の命を授かり、ルビーという女の子を出産するまでの期間にずっと立ち会えたのは本当に幸運だったと思っています。助産師である私の姉妹は出産にまつわるストーリーを沢山聞かせてくれました。アマンダと私は15年間互いを見てきてよく知っていたし、何をするにも一緒だったので、私が体験するであろうことを想像してアイデアを練っていましたが、実際のところ全く見当もつきませんでした。それは、感情や痛み（私自身の痛みではないですが、直に感じることが難しかった。）、多くの紆余曲折… 全てが私の想像をはるかに超えていました。そこには何かが満ちているけれど、その瞬間を何もせずにただ待っていました。そして…ルビーはじめまして。この世界へようこそ！あなたが生まれた瞬間に立ち会えて、私はとても幸せよ。2008年から手がけてきた自費出版のシリーズの11作目であるこの作品は、ほとんどの時間を編集に費やしました。そしてこれは私1人の作品というよりコラボレーション作であると言っても過言ではありません。何を決めるにも、アマンダと一緒に取り組んだからです。\u003c\/em\u003e」\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\"last year i was lucky enough to be there when my best friend amanda gave birth to her daughther ruby. my sister is a midwife and has told me a lot of birth stories, amanda and i have known each other for 15 years and done everything together, so i thought i had some idea of what i was going to experience, but i really had no clue. it was so much more. so many more feelings. so much more pain (not mine, but it was still hard to witness). so many more twists and turns of events. and moments of waiting and doing nothing that were still so full of something. welcome to the world Ruby, i am so happy i could be there when you arrived. \u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003ethis is my 11th book in my series of self published books that i have made since 2008 and the one that has taken most time to edit and been the absolute most like a collaboration. every single decision in putting it together has been made by me and amanda together.\"\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"SELF PUBLISHING","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":29167683829840,"sku":"","price":5060.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/190830_015.jpg?v=1571704033"},{"product_id":"liar-lugner-by-ruth-erdt","title":"LIAR LÜGNER by Ruth Erdt","description":"\u003cp\u003eスイスとベルリンを拠点に活動するフォトグラファー、ルース・エルト（Ruth Erdt）の作品集。嘘と嘘つきをテーマとし、親しい知人や、見知らぬ他人、風景写真を通じて、写真に根源的な真理があるとすれば、それは果たして何なのかを追求する。本書はモノクロとカラーの写真を一枚ずつ見開きの左右に配置したページ構成となっている。液体の中に沈んでいる、何かよく分からないが有機的な物体を写したモノクロ写真は、別のページではカラーになって再び登場する。このように、一つのイメージをカラーとモノクロの2つに変換して登場させるという「再演」が本書ではいたるところで行われている。デジタル写真と映像を中心に制作する作者が、本プロジェクトでイメージを動画から生成したのは、カメラの中に装填されたフィルムに届き、触れ、浸透する光こそ、写真の中の真実の最後の痕跡であるからだ。本書のページをめくると、これらのイメージを読み解き、隠されているリアリティを見つけるのに役立つような判断基準がほとんどないことに気づく。そしてこのことは、そもそも写真というメディアに誠実さを期待することができるかどうかという問いを投げかけている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn \u003cem\u003eLIAR \/ LÜGNER\u003c\/em\u003e Ruth Erdt portrays lies and liars. The book is composed of analogue photography of Erdt's close acquaintances, unknown figures and landscapes; it questions what, if any, fundamental truth lies in photography. The publication is presented as an arrangement of single black and white and colour pictures interspersed with two-part spreads, which lead towards the central layout. Here a shot of a handful of organic material in liquid is presented in black and white on one page and in colour on the other, illustrating the reproduction that occurs throughout the book as the same prints are shown in and without colour. In her artistic practice Erdt works digitally and with film, and chose images made using the latter for this project because the light that reaches, touches and permeates film in the camera is the last vestige of truth in photography. Paging through LIAR the reader is given few reference points with which they can decipher where reality might be found in these images, leading them to wonder if authenticity can be expected from the medium of photography per se.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"KODOJI PRESS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":29174079127632,"sku":"978-3-03747-022-0","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/190806_0713.jpg?v=1571704033"},{"product_id":"disposables-by-dan-bailey","title":"DISPOSABLES by Dan Bailey","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eイギリス人写真家、ダン・ベイリー（Dan Bailey）の初作品集。「はかなさ」への美意識が文化の本質を成す日本において、「使い捨て」のカメラに詩的感覚を見出した作者は、日常生活を記録する手段として10年前から使い捨てカメラを使い始めた。本作は、江戸時代の浮世絵師 歌川広重が制作した連作『名所江戸百景』に収められた119枚の風景画と同数の写真で構成。『名所江戸百景』のロケーションを踏襲するだけでなく、「浮世」に垣間見える神聖的且つ世俗的な情景のコントラストも題材にしている。人間が国家のイデオロギーを投影する地質学的基盤の象徴、火山。そんな火山の写真で始まる本書は、季節と伝統を通じて継承される通過儀式や都内のナイトクラブといった情景を背景に、日本文化と国民意識を感受するための意識の旅、そのものである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eDISPOSABLES\u003c\/em\u003e is the first photo book by British-born Dan Bailey, a 16-year resident of Japan. Bailey began to use disposable cameras 10 years ago as a way to capture snapshots of daily life while finding a profound sense of poetry to their ‘disposability’ in a country where awareness of transience is an intrinsic part of the culture. Bailey selected 119 images for the book - the same number of plates in ukiyo-e artist Utagawa Hiroshige’s 19th century series ‘One Hundred Famous Views of Edo’. \u003cem\u003eDISPOSABLES\u003c\/em\u003e not only finds commonality with some of the locations seen in that body of work but also in the themes and scenes that contrast the sacred and profane in the 'Floating World’. Opening with a volcanic landscape representing the geological bedrock onto which humans project the ideologies of a nation, \u003cem\u003eDISPOSABLES\u003c\/em\u003e journeys through seasons and traditions via ancient rites of passage and inner-city nightclubs in a meditation on Japanese culture and national identity.\u003c\/p\u003e","brand":"SELF PUBLISHING","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30288551313488,"sku":"978-4-600-00220-6","price":7150.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/DISPOSABLES_cover.jpg?v=1571704033"},{"product_id":"repicture-special-edition","title":"(RE)PICTURE [SPECIAL EDITION]","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003e「視覚的な想像力の再生」をコンセプトに掲げるインディペンデントマガジン。本誌では国籍の異なるゲストアーティストたちによって描かれた像（ピクチャー）を、文字情報を用いずにデザインし、印刷物としてパッケージングする。インターネットやソーシャルメディアの発達が著しい今日において、我々は頭のなかに現れてはすぐに立ち消え去ていく多くの刹那的なイメージに接しているが、本誌では、作家たちと共に現代的かつ永久的な新しいエコシステムを、イメージという共通言語のみ用いて、そこから想像する行為が持つ伝達力をもって表現する。我々は1枚の写真を見た時、何を思うのだろうか？ 画像の伝達には物質（化学）、形象（図像）、精神（印象）に加え、空間というキーワードがある。それらの目に見える要素と目に見えない要素が化学反応のように交ざり、そこに鑑賞者の想像が加わることで循環的な連想ができるものになる。創刊号では5人の写真家がそれぞれ16ページずつ作品を提示。人間の持つ想像力も地球の一つの資源であると考え、「resource」というテーマを掲げた。編集はモダーンの高宮啓、アートディレクション\u0026amp;デザインは出版社「\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/in-other-words\"\u003eIN OTHER WORDS\u003c\/a\u003e」を主催するデザインユニット\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/ok-rm\"\u003eOK-RM\u003c\/a\u003e、フォトエディターを写真家の濱田祐史が手がける。特装版には、それぞれの作家のイメージがシルクスクリーンで刷られたポスターが付属する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e参加作家：\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/marvin-leuvrey\"\u003eマーヴィン・ルーヴェイ（Marvin Leuvrey）\u003c\/a\u003e、\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/jaap-scheeren\"\u003eヤープ・シェーレン（Jaap Scheeren）\u003c\/a\u003e、\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/theo-simpson\"\u003eセオ・シンプソン（Theo Simpson）\u003c\/a\u003e、\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/yuji-hamada\"\u003e濱田祐史（Yuji Hamada）\u003c\/a\u003e、\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/mark-borthwick\"\u003eマーク・ボスウィック（Mark Borthwick）\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAn independent magazine with the intention of reproducing the visual imagination. Featuring images by a selection of guest artists, the magazine is designed without the use of words and packaged as printed matter. In contrast to the unprecedented exposure to ephemeral imagery consumed through the internet and social media (RE)PICTURE works together with artists of varied nationalities to develop a modern and enduring image ecosystem that symbolises the pursuit of a universal language.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIssue 01: What do we think of when we look at a single picture? The transmission of an image involves “material” (chemistry), “shape” (figure), “mind” (impression) and also includes “space” as a keyword. Like a chemical reaction, those visible elements interweave with the invisible to create a cycle of association when the imagination of a viewer is applied. Believing that the human imagination is also one of our planet’s invaluable assets, we adopted “resource” as the theme for the first issue of our magazine. Edited by Akira Takamiya (moder-n), art-direction \u0026amp; design by \u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/ok-rm\"\u003eOK-RM\u003c\/a\u003e, photo-editor Yuji Hamada.\u003c\/p\u003e","brand":"ATARICA","offers":[{"title":"MARVIN LEUVREY","offer_id":31203963437136,"sku":"978-4-60000069-1","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false},{"title":"JAAP SCHEEREN","offer_id":31203963502672,"sku":"978-4-60000069-1","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false},{"title":"THEO SIMPSON","offer_id":31203963568208,"sku":"978-4-60000069-1","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false},{"title":"YUJI HAMADA","offer_id":31203963633744,"sku":"978-4-60000069-1","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false},{"title":"MARK BORTHWICK","offer_id":31203963666512,"sku":"978-4-60000069-1","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/S5_mark_02.jpg?v=1573298601"},{"product_id":"sophie-by-camille-vivier","title":"SOPHIE by Camille Vivier","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eフランス人フォトグラファー、カミーユ・ヴィヴィエ（Camille Vivier）の作品集。4年ほど前にキャスティングエージェントを通じ、作者は「ソフィー」と出会った。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e撮影の為に当時鍛え抜かれた身体の女性を探していました。ソフィーと出会い、彼女の力強い彫刻のような体に魅了されただけでなく、女性的で優しい彼女の顔にも魅かれました。ソフィーはボディービルディングを通じて表現したいことが沢山あるのではないかと感じました。今もその当時も、ボディービルディングをすることは、肉体的だけでなく比喩的な意味でも彼女自身を再構成する行為なのです\u003c\/em\u003e」\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eソフィーは作者が作品を通じて表現しようとする性質の数々を体現している。まるで建築物のようなこのボディービルダーの肉体には、作者の興味を惹きつけてやまない主体と対象の両方の原動力が内に秘められている。また、それと同時に「女性らしさ」や「男性らしさ」とされているもの間の境界線を曖昧にしている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e自分自身のイメージを肯定し満足したいという、心の内側から湧き上がる私的な思いに導かれて自分自身を作り変えることによって、ソフィーは女性的な身体はこうあるべき、と規定する基準を書き換えていると感じさせる\u003c\/em\u003e」－ Another Magazine\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eVivier met Sophie through a casting agent around four years ago. “I was looking for a very athletic woman for a photoshoot,” she recounts. “\u003cem\u003eWhen I met Sophie, I was not only fascinated by her powerful, sculptural body but I was also drawn to her face which is sweet, feminine and tender. I felt that Sophie had a lot to say through her bodybuilding practice – it is, or at the time was, a reconstruction of herself in both an allegorical and a physical sense.\u003c\/em\u003e” Sophie embodies many of the qualities that the photographer seeks to convey through her work: the architectural nature of the bodybuilder’s form encapsulates both the subject and object dynamic that so intrigues Vivier, while simultaneously blurring the boundaries between preconceived notions of femininity and masculinity. \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eI felt that by reshaping herself with a very intimate, strong and personal motivation to feel good and comfortable with her own image, Sophie was reshaping the criteria of what the feminine body is supposed to be.\u003c\/em\u003e” (Another Magazine)\u003c\/p\u003e","brand":"ART PAPER EDITIONS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31854653243472,"sku":"9789493146341","price":6600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/sophie_00.jpg?v=1582348466"},{"product_id":"conference-of-the-birds-by-sybren-vanoverberghe","title":"CONFERENCE OF THE BIRDS by Sybren Vanoverberghe","description":"\u003cp\u003eベルギー人フォトグラファー、シブレン・ヴァノーバーベルジ（Sybren Vanoverberghe）の作品集。時間と場所の相関関係と、歴史的なイランの風景を分析した作品からなる作品集。人が住む場所はどのようにして形成され、消えてゆくのか。我々はどのようにして特定の場所と意味を結びつけるのか。カメラに向かって舌を出しているヤシの木と比較した時、どのように写真は脱構築された記号を表現することができるのか。作者は、砂漠の小さな町をあらゆる角度から撮り尽くした。フレームの中に配置された要素は、次のフレームにも繰り返し登場する。作者の写真は、ヤシの木のある村の風景にぴったりと寄り添う。静まり返った小さな村には至る所にヤシの木があるが、どれも焼け焦げて曲がり、極度に乾き枯れている。様々な遺跡に残されている柱や遺物のようなヤシの木たちを見つめていると、ランドアートのインスタレーションのように見えてくる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e‘\u003cem\u003eConference of the Birds\u003c\/em\u003e’ shows an outtake from an analysis of the correlation between time and place and of the historical Iranian landscape. How do places appear and disappear? How do we attach meaning to a certain site and in what way photography can deal with deconstructed icons in comparison to the (a-)historical palm tree sticking out its tongue? A small desert village has been photographed obsessively and captured from every angle possible. Elements are positioned in the frame so that they are repeated in the next. The photographs move in closely to the landscape of a palm tree village. The village is small and serene. Palm trees appear all over the place, they are burned, bend, dry and dead. They resemble pillars and artefacts that are left behind on various historical sites and they can be associated with land art installations. \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"ART PAPER EDITIONS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31854860009552,"sku":"9789493146099","price":6160.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/Conference_of_The_Birds_00.jpg?v=1582359559"},{"product_id":"furs-by-jurgen-maelfeyt","title":"FURS by Jurgen Maelfeyt","description":"\u003cp\u003eベルギーを拠点とする出版社「\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/art-paper-editions\"\u003eART PAPER EDITIONS\u003c\/a\u003e」とデザインスタジオ「6'56”」を主宰するベルギー人デザイナー、ユルゲン・マエルフェイ（Jurgen Maelfeyt）の作品集。以前より取り組んでいるファウンド・フォトによる作品の一つであり、今作はファー（毛皮）に焦点を当て、官能作品から見つけ出したイメージを用いている。曖昧なものと明確なものとの間に生じるエロティックな緊張感とともに、フェティシズムを断片化しオリジナルイメージで見られる光沢の反射をそのまま落とし込んでいる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eFURS\u003c\/em\u003e, an artist book from \u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/art-paper-editions\"\u003eArt Paper Editions\u003c\/a\u003e founder Jurgen Maelfeyt, continues his work with found photography, this time sourcing the images from erotica. Maelfeyt employs a fetishistic fragmentation and maintains the reflective gloss of the original photographs, experimenting with the erotic tension between obscuring and revealing.\u003c\/p\u003e","brand":"ART PAPER EDITIONS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31932763996240,"sku":"9789493146129","price":6600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/furs01.jpg?v=1582859864"},{"product_id":"restricted-residence-by-giles-price","title":"RESTRICTED RESIDENCE by Giles Price","description":"\u003cp\u003eイギリス人フォトグラファー、ジャイルズ・プライス（Giles Price）の作品集。2011年、東日本大震災と津波に続き発生した福島第一原子力発電所事故による高濃度放射能に汚染された2つの街、浪江町と飯舘村に帰還した人々に迫る一作。この地域における放射能の長期的な影響については一致した科学的な見解は得られていないが、日本政府は2017年に非難指示区域の縮小を開始し、帰還する人々に賠償金を与えた。どちらの街も震災前は活気があり、10万人近くの人々が生活していたが、今では危険を顧みずに帰還した人々が数百人だけとなっている。原子炉は未だに修復されておらず、至るところに人が住むことができない放射能のホットスポットが散らばっている。これらの地域は今後50年かそれ以上に渡り安全な状態にはならないとも言われている。清掃や再建に携わる労働者、医療従事者、事務職員、ほとんど客がいないためにこの地に残ることを条件に特別手当を会社から支給されているタクシー運転手、機械工、売ることができなくても殺すには忍びないと、放射能に汚染されている牛の世話をしている牧場主。本書に登場するのは、より良い未来に対する希望を抱いている普通の人たちである。この作品で作者は、医療や監視の現場で使われることが多い赤外線カメラを使用し浪江町と飯舘村の日常を独特な色彩で塗り替え、異世界のような風景として描き出した。環境問題に詳しいイギリス人作家、フレッド・ピアスによるエッセイと共に、本書は放射線災害に影響を受けた人々が感じている、表面からは分からないストレスを表現し、同時に人的な大災害が私たちの脆弱な環境に与える広範な影響について問題を投げかけている。作者は、作品を通じて重要な構造的変化から抗議運動、生存をかけた戦いなど、大群衆が一か所に集まることによって変化した風景まで、人間の存在に影響される環境について考察する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eRestricted Residence by Giles Price examines the relocation of Japanese citizens to Namie and Iitate, two towns exposed to extreme radioactivity following the catastrophic leak at Fukushima Daiichi Nuclear Power Plant after the 2011 earthquake and tsunami. Despite the inconclusive scientific consensus of the long-term effects of radiation in the area, in 2017 the Japanese government began to reduce the exclusion zones and heavily financially incentivise residents to return to what were formerly bustling towns, with nearly 20,000 living and working there. Now, the area is eerily empty, with just a few hundred people brave enough to return. With the reactor still un epaired and uninhabitable radiation hotspots scattered across the landscape, some believe these areas will not be safe for 50 years or longer. Price’s images show ordinary, hard-working people hoping for a better future: clean-up and reconstruction workers, medical officers, office workers, a taxi driver who is paid a retainer to stay because there are so few customers, a mechanic, a farmer with contaminated cattle, which he can’t sell, but refuses to put down. Restricted Residence employs thermal technology often used in medicine and surveying, to render the everyday landscapes of Namie and Iitate surreal and inverted. With an accompanying essay by environmental writer Fred Pearce, Restricted Residence attempts to illustrate the hidden stresses on those affected by the nuclear disaster, while raising questions about the broader impact of manmade catastrophes upon our fragile environment.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31982572404816,"sku":"978-1-912719-13-6","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/RESTRICTEDRESIDENCE01.jpg?v=1583833498"},{"product_id":"sculptures-by-oda-jaune","title":"SCULPTURES by Oda Jaune","description":"\u003cp\u003eブルガリア生まれ、パリを拠点とするアーティスト、オダ・ジョーネ（Oda Jaune）の作品集。作者はこの世のものとは思えない身体を大胆に描写した大規模な作品で知られている。絵画と彫刻の中の身体は、社会的であると同時に生物学的な実体として描かれている。本作は、想像上の身体でできた非常に私的な椅子やスツール、テーブルのシリーズ。何の使い道もない人の形から実用的なものを作り出した。様々な素材と手法が使われているユニークな作品群は彫刻のための試作であり、将来的には各3体がブロンズ鋳造される予定である。また、これらは絵画が空間を占めるようになり彫刻が絵画になるという変身を象徴している。写真集を制作するにあたって、作者はもともと作品に人が座っていたり使っていたりするところを写真に撮り、カタログの中の調度品のように見せることを考えていた。その後、出版と芸術の世界の重鎮であるベーダ・アッカーマン（Beda Achermann）がクリエイティブディレクターとなり、女性のヌードを探求してアート系のファンを獲得したファッションフォトグラファーのカミーユ・ヴィヴィエ（Camille Vivier）を紹介した。これらの彫刻はヴィヴィエの制作にとってインスピレーションを与えるものとなり、ジョーネの彫刻をヴィヴィエは女性モデルが絡むための舞台装置として捉えた。ジョーネとヴィヴィエがスタジオで一緒に作業をするうちに、絶え間なく変化し続ける彫刻の身体と人の身体が固定され、写真の中で一体化していった。互いのジェスチャーが真似され、何度も繰り返され、造形的な形が補足され、完全なものとなった。はっきりした影を作り出すために、ヴィヴィエはしばしば一つの光源を使っている。シュールレアリストの写真を連想させる照明の使い方によって、彫刻とモデルに共通している性質を強調すると同時に、テクスチャーと重みのニュアンスを描き出している。人と彫刻を組み合わせた詩的な世界観の中で、現実のものと想像上のもの、あるいは動いているものと静止しているものといった様々な身体の仕組みと構造がはっきりと表現されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOda Jaune is known for her fearless, large-scale portrayals of fantastical bodies. In both painting and sculpture these bodies are immediate, at once social and biological entities. Jaune has now realised a series of corporeal imaginings, highly personal chairs, stools and tables: use objects from useless human forms. The unique pieces are made in various materials, painted in a variety of media and will ultimately be cast in bronze in an edition of three, though the works seen here are the sculptural prototypes. It is a figurative metamorphosis – her paintings become spatial, her sculptures become paintings. For her artist’s book \u003cem\u003eSculptures\u003c\/em\u003e, Jaune first imagined her objects might be photographed as if they were furnishings in catalogues that would show people sitting on and using them. Then creative director Beda Achermann, a pivotal figure in the world of publishing and art, brought the artist together with photographer Camille Vivier. These sculptures are the objects that now inspire Vivier, a fashion photographer whose explorations of the female nude have equally garnered an art following. Jaune’s sculptures are props for Vivier with which female models interact. As Jaune and Vivier work together in the studio, sculptural bodies in flux and human bodies are fixed, united in a photograph. Gestures are imitated and echoed; plastic forms are complemented and completed. Vivier often employs a single light source to create stark shadows. The illumination, reminiscent of Surrealist photographers, emphasises the qualities shared by sculpture and model, whilst also illustrating nuances of texture and weight. In this combination the mechanics and structures of bodies, whether real or imagined, mobile or static, are poetically made evident.\u003c\/p\u003e","brand":"KODOJI PRESS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31996438937680,"sku":"978-3-03747-097-8","price":6820.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200331_1152.jpg?v=1586341191"},{"product_id":"hardened-by-jeff-mermelstein","title":"HARDENED by Jeff Mermelstein","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人フォトグラファー、ジェフ・マーメルスタイン（Jeff Mermelstein）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e本書に収められているイメージは、ジェフ・マーメルスタインがここ数年の間に主にニューヨークの路上で撮った写真のほんの一部である。日常の中にある不安、取るに足らない悲劇、怯え、艶めかしさ、不謹慎さ、意外な真実、踏みにじられたプライド、はぎとられた虚勢、穴だらけのナルシシズム、思いがけないところに見つかる優しい気持ちが彼の世界観を構成している。何もかもがカメラのためにセットアップされているような文化において、写真を撮られていると思っていない、少なくともジェフ・マーメルスタインが撮るように撮られているとは想像もしていない被写体がどう見えるのかを知ることはどこかほっとするようでもあり、衝撃的でもある。この作品はiPhoneで撮られたもので、そのほとんどが最初にInstagramで共有されている。言い換えれば、マーメルスタインが撮影したのと同じようなデバイス、同じような状況で閲覧されているということである。あなたが自分のスマホで見ているものは、マーメルスタインが見たものと同じなのだ。これだけでもかなり親密な体験だと言えるが、ここでいう親密さはマーメルスタイン独自の息が詰まるような感覚なのだ。皮膚の下に入り込み、表面を切り裂いてその内に隠れている真実に迫る。その距離感はあまりにも近すぎて居心地が悪いほどである。そして今、新しい順番に並べられ、本のページに印刷された写真たちは、一層親密でありながらさらに孤立した感じを与える。人は自分自身にふさわしい芸術を手に入れることができるという。もちろん「ふわさしい」という言葉は、マーメルスタインの作品と同様に二様に解釈することができる。この写真を見たり、そこに描き出されている難解な世界観に触れたりすることはわたしたちにとって予想外の出来事である。これらのイメージに触れても、どう解釈すればよいか分からないこともあるだろう。わたしたちは、こののイメージにふさわしい自分になるために何をしたのか理解できないかもしれない。だからこの作品はわたしたちへの素晴らしい贈り物だと考えればよいのではないだろうか。\u003c\/em\u003e」\u003cbr\u003e―デヴィッド・カンパニー（David Campany）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\"\u003cem\u003eThese are just some of Jeff Mermelstein’s pictures taken mainly on the streets of New York in the last few years. A world of everyday neurosis, minor catastrophe, panic, charm, indiscretion, revelation, fallen pride, deflated bravado, pricked narcissism, and unexpected affection. In a culture in which seemingly everything is contrived for the camera, it is heartening, and horrifying, to see what it looks like when it doesn’t think it is being photographed, or at least photographed the way Jeff Mermelstein does it. These are iPhone pictures, most of which first appeared on Instagram. That means they got viewed on devices similar to the one that made them, and in similar circumstances. You see on your screen what he saw on his. That is quite intimate, but it is a kind of livid intimacy that is Mermelstein’s own. Slipping beneath the skin, slicing the façade, close to the bone, too close for comfort. And now here on the printed page, in a new sequence, the effect of these pictures is deepened and estranged yet further. They say we get the art we deserve. And of course, “deserve” is double-edged, in the way that Mermelstein’s art is double-edged. We did not know we had these photographs coming, with the vision of the difficult world they embody. We may not know what to do with them now that we have them. We may not know what we did to deserve them. So let us receive them as a great gift.\u003c\/em\u003e\" \u003cbr\u003e―David Campany\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MÖREL","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32264745222224,"sku":"9781907071645","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/HARDENDEDcover.jpg?v=1587741993"},{"product_id":"people-of-the-mud-by-luis-alberto-rodriguez","title":"PEOPLE OF THE MUD by Luis Alberto Rodriguez","description":"\u003cp\u003eベルリンを拠点に活動するアメリカ人アーティスト、ルイス・アルベルト・ロドリゲス（Luis Alberto Rodriguez）の作品集。古代から続く伝統と、現代的な生活が日常的に交差するアイルランド・ウェックスフォード州の様々なコミュニティとのコラボレーションを通じて制作された力強いシリーズ。元プロダンサーというバックグラウンドを持つ作者の作品は、土地を耕作し文化的な遺産を維持するのに費やされてきた何世紀にも及ぶ肉体労働の持つ暗喩的な重みに敬意を表している。文化が個人を形成し、また個人によって文化が創り上げられるのと同じように、畑仕事あるいはスポーツで傷を負った腕や手のイメージは、その肉体に刻み込まれた地図のような役割を果たしている。また、華麗な舞踏室から草原に連れ出されたアイルランド人女性のコンテンポラリーダンサーの魅力を強調したイメージは、時間と空間の断裂を表現している。作者はケルト族の伝統的な屋外スポーツ「ハーリング」の強烈な身体性にも深い感銘を受けている。草原で行われる最もスピーディーな競技とされるハーリングの映像をスローモーションで観た作者は、お互いを押し合い、押しのけ、掴み合い、抱きつき、地面に押し倒し、持ち上げるといったプ様々な動きを競技者が僅か数秒の間に行っているのに目をみはった。作者はこうした動きを再現し、競技者を文字通り積み重ねて肉体の彫刻を作り上げた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePeople of the Mud is a powerful new series by Berlin-based US-Dominican artist Luis Alberto Rodriguez, made collaboratively amongst the communities of County Wexford in Ireland, where ancient tradition and modern life rub shoulders daily. With a background in professional dance, Rodriguez’s work pays tribute to the metaphorical weight of centuries of physical labour behind cultivating the landscape and maintaining cultural heritage. Images of scarred limbs and hands, weathered faces and choreographed bodies appear as a cartography of this labour, reflecting how culture both shapes and is shaped by individuals. Elsewhere, we see the exaggerated glamour of modern female Irish dancers taken out of the glitzy ballrooms and into the fields, creating a rupture across time and space. While in Wexford, Rodriguez was struck by the intense physicality of the sport of hurling. Considered to be the fastest sport on grass, while watching slow-motion footage of hurling Rodriguez saw that within seconds the players would go through pushing, shoving, grabbing, hugging, knocking each other down and then lifting one another up. Rodriguez worked with players to reform these gestures: creating sculptures out of bodies, directing and literally layering players upon one another. At the outset of his project, Rodriguez wanted to create a large family photograph, an idea that was quickly surpassed by other strands of enquiry. However, with a step backwards we can see People of the Mud as just that – a collective community portrait of all the different elements that construct modern, rural Irish identities. Just like any family portrait, it is at times dysfunctional and contradictory; it gathers all the ruptures and continuities between the past and present in modern Ireland, while being held in a landscape and moment in time. This moment is both still – posed and paused – and in perpetual motion, looking towards the future.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32304366485584,"sku":"9781912719143","price":7480.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/PEOPLEINTHEMUDcover.jpg?v=1588413120"},{"product_id":"alma-by-philip-gaisser-niklas-hausser","title":"ALMA by Philip Gaißer, Niklas Hausser","description":"\u003cp\u003eドイツ人アーティスト、フィリップ・ガイザー（Philip Gaißer）と同じくドイツ人アーティスト、ニクラス・ハウサー（Niklas Hausser）の作品集。りんごとアナログ写真をテーマとして作者は果樹園芸学者に協力を仰ぎ、有名無名の様々な種類のりんごを探し求めた。今はもう忘れ去られた珍しい品種のりんごを撮るために、庭のフェンスをよじ登ったこともあるという。この「りんごシリーズ」のために、作者は23の異なる35mmフィルムを使用した。フィルムもまた、例えば「FUJICOLOR PRO 400H」をりんごで置き換えると「パイナップル・レネット」という品種同じくらい手に入れることが難しくなっている。カザフスタン原産のりんご「ALMA」からタイトルを付けられた本書は園芸図鑑であるだけでなく、同じように急な変化を体験し多様性を失ったものを写真で表現することによってアナログという技術の消滅を批判している。また、産毛、変色、斑点といった傷みが持つ特殊な美しさを含む、形・色・粒子・輪郭の僅かな違いを比較できるアーカイブ集としても読むことができる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe apple and analogue photography: the two artists Philip Gaißer and Niklas Hausser have joined forces with pomologists to search for well-known and less well-known apple varieties. Sometimes they even climbed over garden fences to pick up those rare specimens that have now been forgotten. For this apple series, they used 23 different 35mm films, the acquisition of which has become as difficult as that of the apple variety \"Pineapple Renette\" (Fuji Pro 400H). The book \"\u003cem\u003eAlma\u003c\/em\u003e\" - named after the original apple from Kazakhstan - is not only a pomological encyclopaedia, but also a photographic commentary on the disappearance of analogue image technologies on the basis of an object that is also subject to rapid change and has lost its diversity. \"Alma\" reads like a compendium of the subtle differences in shape, colour, grain and sharpness - including the serial beauty of the flaws such as fluff, colour casts, rot spots.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32577358430288,"sku":"9783944669243","price":7260.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/ALMA00.jpg?v=1593006756"},{"product_id":"the-awful-german-language-by-jeffrey-ladd","title":"THE AWFUL GERMAN LANGUAGE by Jeffrey Ladd","description":"\u003cp\u003eアメリカ人フォトグラファー、ジェフリー・ラッド（Jeffrey Ladd）の作品集。2011年にドイツのケルンに引っ越した作者は、ドイツ語の基礎を学びながら自分の身の回りを写真に撮り始めた。この過程で出会った面白いドイツ語の語彙（職業、場所、もの、一般的な表現、古い言い方など）を集め、モノクロの写真を並べて用語集を制作し、視覚と言葉という二つの異なる言語を使って自分の新しい故郷の感じを描写した。マーク・トウェイン（Mark Twain）の本の題名から名付けられたこの写真集は、見る人によって言葉と写真の組み合わせが互いに響き合ったり、相容れないままだったり、混乱を招いてしまう状態を前提としている。巻末には学習のためのツールとして言葉の定義の英訳もついているが、この写真と言葉の暗号を解くにはかなりの努力が必要となるだろう。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn 2011 the American photographer Jeffrey Ladd moved to Cologne, Germany, and began photographing his surroundings while learning the basics of the German language. In the process, he collected lists of interesting German vocabulary words (professions, places, things, common terms, and the outdated), which he juxtaposes with his black-and-white photographs; two different types of language―one visual, one verbal―describing a sense of his new home. Borrowing the title from Mark Twain, \u003cem\u003eThe Awful German Language\u003c\/em\u003e embraces a state where the combination of word and photograph can resonate or remain dissonant and confused depending on the individual reader. An index of definitions in English at the back of the book is provided as a learning tool, but one that requires some work on the part of the learner to decipher its code.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32577782415440,"sku":"9783959053440","price":5280.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/TheAwfulGermanLanguagecover2.jpg?v=1593013210"},{"product_id":"bure-by-jurgen-nefzger","title":"BURE by Jürgen Nefzger","description":"\u003cp\u003eドイツ人フォトグラファー、ユルゲン・ネフツガー（Jürgen Nefzger）の作品集。フランスのグラン・テスト地域圏のムーズ県にある小さなコミューン、ビュール（Bure）では、何十年にも渡って原子力発電反対派のフランス人やドイツ人が高レベル放射性廃棄物の最終処分地の建設反対運動を続け、ルジェックの森の中でこの反対運動は発達していった。作者は森を仮の住処にした反対派の人々の日々の生活を記録、そのキャンプが2018年2月に撤去されるまで撮り続けた。本書のイメージは、完全に武装した国家権力と、一見して全く勝ち目のない数名の個人による抵抗とのアンバランスさを浮き彫りにしている。しかしそれでも、本質的に隠れてしまっているこの抵抗運動は、断固として「NO」であるという意思を表明している。写真を通じて現代の市民による抵抗運動を長期的に研究した本作は、ヘンリー・デイヴィッド・ソロー（Henry David Thoreau）の著書『\u003cem\u003e市民の反抗\u003c\/em\u003e』に影響を受けている。1849年に発表されたこの革新的なエッセイは、作者の写真を補完するものとして収録されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn \u003cem\u003eBure\u003c\/em\u003e, a small French commune in the Meuse department in the Grand Est region, French and German opponents of nuclear power have been campaigning for decades against the construction of a permanent disposal site for highly radioactive nuclear waste. The opposition movement took shape in the Lejuc forest, where Jürgen Nefzger photographed the everyday life of a group of protesters who had made the woods their temporary home until the camp was cleared in February 2018. The images clearly show the asymmetry between a heavily armed state and the resistance of a few individuals, who at first glance seem to have no chance. As a gesture, however, the protest has an inherent latency, representing an irrepressible “no”. \u003cem\u003eBure\u003c\/em\u003e—a long-term photographic study of modern-day civil resistance—is influenced by Henry David Thoreau’s text On \u003cem\u003ethe Duty of Civil Disobedience\u003c\/em\u003e. This groundbreaking essay from 1849 is published here as an accompaniment to Nefzger’s photographs.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32585415589968,"sku":"978-3-959053-08-2","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/BURE00.jpg?v=1594901694"},{"product_id":"not-just-your-face-honey-by-stefanie-moshammer","title":"NOT JUST YOUR FACE HONEY by Stefanie Moshammer","description":"\u003cp\u003eオーストリア人アーティスト、ステファニー・モシャマー（Stefanie Moshammer）の作品集。作者がアメリカで撮った本シリーズは、愛と幻想との間の際どい境界線について考察する。本作は、014年3月にTroy C.という見ず知らずの他人から作者に宛てて送られてきたラブレターから派生している。Troy C.の手紙に触発された作者は、監視、ストーキング、他者のイメージなどに関わる問いを探求した。夢、感情、執着が交じり合うイメージが組み合わさり、一種のアメリカのロードムービーのような世界観の中に根差した視覚的な連想ゲームのような網の目を作り出している。本作は芸術評論家のアンドレアス・プリンヅィング（Andreas Prinzing）と共に「C\/O Berlin Talent Award」を受賞し、同ギャラリーで2018年7月から9月まで展示された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe series \u003cem\u003eNot Just Your Face Honey\u003c\/em\u003e by Austrian artist Stefanie Moshammer was produced in the USA nd reflects on the thin line between love and delusion. Her photographic work is based on a love letter written to her in March 2014 by Troy C., a man she did not know. This text led the artist to explore questions of surveillance, stalking, and the image of the Other. Her photographs mingle dreams, feelings, and obsessions, combining them into a web of visual associations embedded in a kind of American road movie. Stefanie Moshammer’s series Not Just Your Face Honey won together with the art critic Andreas Prinzing the C\/O Berlin Talent Award and is being exhibited at the venue from 7 July to 23 September 2018.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32590113701968,"sku":"978-3-959052-43-6","price":5280.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/NOTJUSTYOURFACE00.jpg?v=1594913726"},{"product_id":"props-by-julian-irlinger","title":"PROPS by Julian Irlinger","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eドイツ人アーティスト、ジュリアン・アーリンガー（Julian Irlinger）の作品集。実業家のヘンリー・クレイ・フリック（Henry Clay Frick）は個人コレクションとして多くの美術品を所有していた。そのコレクションは彼の死後にニューヨークに建つ邸宅で公開され、「フリック・コレクション」という美術館になった。本作は、数多くのアンティーク家具や絵画で装飾されたその内部を撮影した写真を用いモンタージュにしたイメージを収録している。作者は、同美術館のコレクションを紹介する2つの異なるヴィジュアルツアーから生成したイメージを選んで重ね合わせた。一つはフリック・コレクションに委託されてプロの写真家が撮影した写真、もう一つはGoogleのサービスチームが同社のプラットフォームに掲載したイメージである。つまり、写真家が手がけたイメージと見分けがつかないほどそっくりなGoogleの写真を重ねたのだ。緻密なアプローチを用いて作られた画像と安価な方法で作られたものとの違いははっきりと目に見えている。この違いは、写真撮影を委託した側の異なる経済的な関心を象徴しており、本書はデジタル時代における経済、公共圏、芸術の関係性をテーマとした一冊に仕上がっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eProps\u003c\/em\u003e deals with the relationship between the economy, the public sphere, and art in the digital age. The book shows montaged images of the inside of the Frick Collection in New York, which is adorned with art and pieces of furniture. The collection was made accessible to the public after the death of its owner Henry Clay Frick. Julian Irlinger superimposes pictures drawn from the stock of images generated by two different virtual tours through the collection in the museum. He uses shots by a professional photographer that were commissioned by the Frick Collection and combines them with other images from a Google service team that have been published on their own platforms. Irlinger overlays a shot of a photographer with an almost identical picture from Google. The differences between a painstaking and cheap approach to the production of images are clearly visible: they symbolize the different economic interests of the people who have　commissioned them.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32590144569424,"sku":"978-3-959052-09-2","price":5280.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200507_0357.jpg?v=1594910437"},{"product_id":"der-apparat-by-andrzej-steinbach","title":"DER APPARAT by Andrzej Steinbach","description":"\u003cp\u003eドイツ人フォトグラファー、アンジェイ・スタインバッハ（Andrzej Steinbach）の作品集。写真を撮っている最中の写真家をテーマとした一冊。被写体は写っていないが、どのように被写体を見つめるのか、体との関係性においてカメラがどう動くのか、運動装置である身体がどのようにして主題と向き合うのかなど、撮影プロセスの一歩一歩を見ることができる。セッション全体は実験室的な環境の中で記録されており、カジュアルな服装から防弾チョキにヘルメットと、写真家は異なるスタイルの洋服に身を包み、オフィスのカーペットの上に置かれた立方体の間を動き回る。異なる意味を持つ様々な場所やシナリオが本作の中でシミュレーションされている。過去に刊行した『\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/figur-i-figur-ii-by-andrzej-steinbach\"\u003e\u003cem\u003eFIGUR I, FIGUR II\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e』、『\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/gesellschaft-beginnt-mit-drei-german-edition-by-andrzej-steinbach\"\u003e\u003cem\u003eGESELLSCHAFT BEGINNT MIT DREI\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e』で作者は外見、記号の理解度、身振り、人物の間の関係性などを重視していたが、今回は一人の人物が登場する物語の筋書にフォーカスしている。作者にとってポートレイトシリーズの三作目であり、現時点では完結作である一冊。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe Apparatus shows a photographer taking photographs. We do not see what she is recording but we follow all the individual steps in the process: how she looks at her subject, how the camera behaves in relation to the body, how the body―the locomotor apparatus―turns towards the object. The whole session is recorded in a laboratory situation: the figure wears different styles of clothing―casual look and bullet-proof vest with helmet―and moves on an office carpet between cuboid objects. Different places and scenarios with different meanings are simulated. Steinbach’s previous series \u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/figur-i-figur-ii-by-andrzej-steinbach\"\u003e\u003cem\u003eFigur I, Figur II\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e and \u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/gesellschaft-beginnt-mit-drei-german-edition-by-andrzej-steinbach\"\u003e\u003cem\u003eGesellschaft beginnt mit drei\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e were more about appearance, the question of the legibility of signs, gestures, and the relationships between the figures: here, in The Apparatus, the focus is on a storyline with a figure. It is the third and, for the time being, last part in Andrzej Steinbach’s portrait series.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32611208396880,"sku":"978-3-959052-47-4","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/DerApparat00.jpg?v=1594924947"},{"product_id":"semiautomatic-photography-by-jules-spinatsch","title":"SEMIAUTOMATIC PHOTOGRAPHY by Jules Spinatsch","description":"\u003cp\u003eスイス人フォトグラファー、ジュール・スピナッチ（Jules Spinatsch）の作品集。作者は15年前に公共空間で自動撮影される監視カメラを用いた作品を作り始めた。最初に制作したのは、2,176点のイメージから成るスイスのダボスにある世界経済フォーラムの180度パノラマ写真だった。それからは「\u003cem\u003eSEMIAUTOMATIC PHOTOGRAPHY\u003c\/em\u003e」シリーズとして、サッカー競技場、ヴィーナー・オーパンバル（オペラ座舞踏会）、刑務所、ヨーロッパ最大級のソフトウェア会社SAP本社などの様々な主題を撮り続けてきた。この完成されたサイクルが初めて写真集として発表されたのが本作である。作者はパノラマ作品の中ではごく小さな要素に過ぎない個々の写真をセレクトして大きく取り上げている。一枚一枚の写真を「切り抜く」このプロセスは、小説家ウィリアム・S・バロウズ（William S. Boroughs）のカットアップの手法を思わせる。これによって作者は、管理社会における視覚機能について考察し、反体制的なイメージ戦略を作り出した。本書は2018年12月から翌年2月にスイスのCentre de la Photographie Genèveで開催された展覧会「\u003cem\u003eJules Spinatsch, Semiautomatic Photography 2003 – 2020\u003c\/em\u003e」に伴い出版された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eJules Spinatsch began working with automatic cameras fifteen years ago, making use of the equipment employed in the surveillance of public spaces. At the time he created a 180° panorama of the World Economic Forum in Davos consisting of 2,176 individual images. He continued the group of works entitled \u003cem\u003eSemiautomatic Photography\u003c\/em\u003e with, among other things, shots of a football stadium, the Vienna Opera Ball, a prison, and the SAP headquarters. The book\u003cem\u003e Semiautomatic Photography\u003c\/em\u003e now shows the complete cycle for the first time. In it, Spinatsch foregrounds a selection of individual pictures that otherwise form a tiny element in his panoramas. Rather like in William S. Boroughs’ cut-ups, this process of “cutting out” single photos gives rise to a subversive image strategy, reflecting on the function of the visual in a society of control. The book appears in conjunction with the exhibition “\u003cem\u003eJules Spinatsch, Semiautomatic Photography 2003 – 2020\u003c\/em\u003e” at the Centre de la Photographie Genève, from 12 December 2018 to 2 February 2019.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32611248144464,"sku":"978-3-959052-92-4","price":6600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/SemiautomaticPhotography00.jpg?v=1594922965"},{"product_id":"gesellschaft-beginnt-mit-drei-german-edition-by-andrzej-steinbach","title":"GESELLSCHAFT BEGINNT MIT DREI by Andrzej Steinbach [GERMAN EDITION]","description":"\u003cp\u003eドイツ人フォトグラファー、アンジェイ・スタインバッハ（Andrzej Steinbach）の作品集。2015年に作者は二人の女性のポートレイトからなる写真集『\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/figur-i-figur-ii-by-andrzej-steinbach\"\u003e\u003cem\u003eFIGUR I, FIGUR II\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e』を出版した。今回の新作では被写体を二人から三人に増やし「どうして私たちは二人一組の構成に疑念を抱き、三人組の配置を使いたがるのか」という問いに写真で向き合った。作者は、グループあるいは家族のポートレイトという古典的なフォーマットに対し写真を通じて探求することから出発した。登場するモデルは全員カメラの方を向き、見る者の方に視線を投げかけている。しかし、見えるのは一人の人物を中心にしたフレームのみで、他の人物はクロップされている。このシリーズの中で、モデルたちは立ち位置や洋服を次々と交換する。これが意図的な混乱を生じさせ、どの写真を見ても三人組の構成は崩れている。英語で『\u003cem\u003eSOCIETY STARTS AT THREE\u003c\/em\u003e』というタイトルはウルリッチ・ブリョックリング（Ulrich Bröckling）の同名のエッセイに由来している。本作において作者はそのタイトルの通り「\u003cem\u003e三人集まれば社会になる\u003c\/em\u003e」という考えを写真で表現することに成功している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn 2015 Andrzej Steinbach published the photo book \u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/figur-i-figur-ii-by-andrzej-steinbach\"\u003e\u003cem\u003eFigur I, Figur II\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e, which included portraits of two women. In his new book he extends this circle, using photographs to tackle the question, why should we distrust binary systems of organization and turn to triadic configurations? Steinbach begins his photographic exploration with the classical format of the group or family portrait. All the models involved are turned to the camera and direct their gaze at the viewer. But we only ever see a single person centre-frame; the others have been cropped. The models switch positions, and clothing, in the series of images: this creates deliberate confusion and the three-person constellation keeps going out of order. The title \u003cem\u003eSociety Starts at Three\u003c\/em\u003e is based on the essay of the same name by Ulrich Bröckling and is Steinbach’s successful attempt to convert this idea into photographs.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32617713565776,"sku":"9783959051699","price":4180.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/gesellschaftbeginntmitdrei_00.jpg?v=1595177429"},{"product_id":"figur-i-figur-ii-by-andrzej-steinbach","title":"FIGUR I, FIGUR II by Andrzej Steinbach","description":"\u003cp\u003eドイツ人フォトグラファー、アンジェイ・スタインバッハ（Andrzej Steinbach）の作品集。人物I（Figur I）と人物II（Figur II）はどちらも若い女性である。この二人を見ていると頭が混乱してくる。特徴のない背景で撮影された人物Iは、ポーズと衣装をころころ変えるので、特定の役割を持っているようには見えない。写真によっては女性らしくも男性らしくも見えるが、この曖昧さを解消する手立てはない。人物IIについても同じことが言える。彼女はブラインドの前に立ち、目だし帽を着けようとしている。人物Iと同様に彼女にも明確な役割は与えられていないが、これは作者が意図した効果である。マリアンヌ・ウェックス（Marianne Wex）の写真作品を思わせる作者の2つのモノクロのポートレイトシリーズは、注意深く観察し、比較することを鑑賞者に求めている。ファッションフォトグラフィーにおける、言語的な役割でのジェスチャーを何度もくり返して遊びながら、作者はイメージから余分なものをそぎ落としてモデルたちの「取り除くことができないアイデンディ」を明らかにしようとする。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eFigure I and Figure II\u003c\/em\u003e are two young women who immediately confuse the viewer. Figure I is photographed against a neutral background, striking various different poses and dressed in an assortment of clothes that make it impossible to ascribe her a fixed role. Depending on which photograph you are looking at, the figure may look more female or more male ― there is no way to resolve the ambiguity. The same is true for Figure II: she stands in front of a lamella curtain, trying on a tube cowl. As with Figure I, there can be no clear-cut role assignment, which is the effect Steinbach is striving for. His two black-and-white portrait series ask the viewer to look carefully and make comparisons ― reminiscent of Marianne Wex’s photo studies. The artist plays with the gestural language of fashion photography, which he repeatedly subverts, paring away at the image to reveal the “residual identities” of his models.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32617714909264,"sku":"978-3-944669-90-8","price":5280.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/FIGURIFIGURII00.jpg?v=1595177074"},{"product_id":"bewerber-the-applicants-by-jens-klein","title":"BEWERBER - THE APPLICANTS by Jens Klein","description":"\u003cp\u003eドイツ人フォトグラファー、イェンス・クライン（Jens Klein）の作品集。作者はドイツ学生相互扶助会「Evangelisches Studienwerk Villigst」にイメージブックの制作を依頼された。1950年代以降、8,000人以上の奨学金受賞者がアナログのパスポート写真を添えて送った応募用紙を作者はまず見てみることにした。1950年から2012年の応募用紙の中から、奨学金を獲得した応募者の写真176枚をセレクト。そうすることで時の流れを横断的に俯瞰し、ドイツの歴史と写真の進化を反映したイメージによる年代記のようなものが出来上がった。この写真は、モノクロからカラーへ、アナログからデジタルへ、写真スタジオで手間暇かけて撮影したものから証明写真機で素早く撮るものへと、長い年月の間に写真という媒体がどう変化してきたかを示している。2012年に同機関はオンライン申請プロセスを導入し、アナログ写真の時代に終わりを告げた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe photographer Jens Klein was invited by the Evangelisches Studienwerk Villigst to produce an image book. He decided to sift through the application documents of over eight thousand scholarship holders from the 1950s on who had submitted analogue passport photographs to accompany their applications. Covering a period from 1950 to 2012, Klein selected 176 photographs of applicants who had received support from the foundation: a kind of transverse look across time and a visual chronicle reflecting Germany’s history and the evolution of photography. The photographs show how the medium has changed over the years: from black and white to colour, from an analogue to a digital medium, from elaborate studio shots to quick photo-booth pictures. In 2012, the Studienwerk introduced an online application process, thus ending the era of analogue images.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32670874271824,"sku":"978-3-944669-93-9","price":6380.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/BEWERBER-THEAPPLICANTS00.jpg?v=1595989523"},{"product_id":"le-pigment-de-la-lumiere-by-heidi-specker-olaf-nicolai","title":"LE PIGMENT DE LA LUMIÈRE by Heidi Specker, Olaf Nicolai","description":"\u003cp\u003eドイツ人アーティスト、ハイディ・シュペッカー（Heidi Specker）と同じくドイツ人アーティスト、オラフ・ニコライ（Olaf Nicolai）の作品集。オラフ・ニコライは復元されたデッサウのMaster’s Housesのために『\u003cem\u003eLe pigment de la lumière\u003c\/em\u003e』を制作した。粒子の大きさが異なる大理石粉末を壁に塗って幾何学的なパターンを作り、光の加減によって微妙に変化する浮彫のような効果を生み出した。ニコライはこの作品においても、カモフラージュの形式的な概念を理解したいという芸術的関心を探求している。そのため鑑賞者には壁の表面がほとんど見えないようになっている。ハイディ・シュペッカーの写真においては作品の存在感が非常に大きく感じられる。シュペッカーの写真は鑑賞者の視線を導いて輪郭をなぞらせ、表面と空間の相互作用に注目させる。この内省的な鑑賞の仕方は、ニコライが作る壁の表面において計算された部分である。ニコライとシュペッカーが共同で出版した本書は、写真集という形で写真を表現手段として使い、再構築された空間の中へ美的な介入を行うことに関して考察している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOlaf Nicolai developed the work “\u003cem\u003eLe pigment de la lumière\u003c\/em\u003e” for the reconstructed Master’s Houses in Dessau. It involved coating the walls with marble dust with varying degrees of granulation to create a geometrical pattern, thus producing a subtle relief that responds to the changing light conditions. In this work, Nicolai continues to pursue his artistic interest in grappling with the formal concept of camouflage, since, to begin with, the wall surfaces are almost invisible to the viewer. Heidi Specker gives “\u003cem\u003eLe pigment de la lumière\u003c\/em\u003e” a heightened sense of presence in her photography. Her pictures direct the gaze of the viewer to the contouring and the interplay of surface and space―a reflective phenomenon that is a calculated part of Nicolai’s wall surfaces. In Nicolai and Specker’s joint publication, an aesthetic intervention in the reconstructed space is further extrapolated using the medium of photography presented in book form.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32678358646864,"sku":"978-3-944669-58-8","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/LEPIGMENTDELALUMIERE00.jpg?v=1596120287"},{"product_id":"manitoba-by-tobias-zielony","title":"MANITOBA by Tobias Zielony","description":"\u003cp\u003eドイツ人フォトグラファー、映像作家であるトビアス・ツィローニ（Tobias Zielony）の作品集。本書はカナダ、マニトバ州の州都ウィニペグにおける、先住民のギャングメンバーである若者たちの生を捉えた写真集である。古典的な報道写真の伝統に則り、カメラの前でポーズをとるギャングメンバーのポートレイトやウィニペグ郊外の都会的な風景など、様々な写真のジャンルが登場する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eTobias Zielony captures the life of adolescent indigenous gang members in Winnipeg, the capital of Manitoba province in Canada. In keeping with the tradition of classic photo journalism, Zielony makes use of various genres of photography; including portraits of gang members posing in front of the camera and views of the urban landscape in and outside Winnipeg.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32678362185808,"sku":"9783940064936","price":4180.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/MANITOBA00.jpg?v=1596119779"},{"product_id":"miklos-klaus-rozsa-by-christof-nussli-christoph-oeschger","title":"MIKLÓS KLAUS RÓZSA by Christof Nüssli, Christoph Oeschger","description":"\u003cp\u003eスイス人アーティスト、クリストフ・ナスリー（Christof Nüssli）とスイス人アーティスト、クリストフ・オシュガー（Christof Oeschger）の作品集。1954年生まれのフォトグラファーであり政治活動家のミクロス・クラウス・ローザ（Miklós Klaus Rózsa）は、長い間スイス連邦警察局、州警察、チューリッヒ市警察の監視下に置かれていた。本書は1971年から1989年にかけて作成されたローザの写真と国家保護ファイルの内容に基づいている。作者らは、国が作った文書と監視対象が作った写真とを並列した。出所が異なるイメージをコラージュして作られた新しいイメージを見ると、スイス国内の政治的な緊張が高まっていた一時期の歴史を理解することができる。この二つの物語の流れほど、著しい対象をなしているものは他にはないのではなかろうか。ローザのイメージはこの政治的緊張の中で起きた出来事、1980年代にチューリッヒで起きた若者の反乱の記録であり、これに対して監視記録ファイルは、出来事を遠く離れた場所から理解しないまま見つめている警察の眼差しを示している。これらをモンタージュすることによって、ローザのイメージと国家保護に関する文書との間の対立を際立たせている。この作品の中で、監視する側と監視される側の「監視の衝突」が起きている。本書はチューリッヒを拠点とする出版社「CPRESS」の協力により刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe photographer and political activist Miklós Klaus Rózsa (*1954) was kept under surveillance for years by the Swiss Federal Office of Police, the Cantonal police, and the municipal police of Zurich. His photographs as well as the State Protection files compiled on him from 1971 – 1989 form the basis for the book. Christof Nüssli and Christoph Oeschger juxtapose the text produced by the state and the images produced by the monitored person. The collage of these sources produces new images that reveal the history of a politically agitated time in Switzerland. The two lines of narration could not be more antithetic: On the one hand are the images by Rózsa which document the events from the midst of the agitation, the Zurich youth movement of the 1980s. On the other hand the surveillance files demonstrate the distanced and often uncomprehending gaze of the police observing the occurrences. The montage brings the conflict between Rózsa’s images and the State Security texts to light. Observation and counter-observation clash. The book will be published in cooperation with cpress, Zurich.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32678365790288,"sku":"978-3-944669-42-7","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/MIKLOSKLAUSROZSA00.jpg?v=1596119510"},{"product_id":"outpost-of-progress-by-michael-hopfner","title":"OUTPOST OF PROGRESS by Michael Höpfner","description":"\u003cp\u003eオーストリア人アーティスト、ミハエル・ホフナー（Michael Höpfner）の作品集。本作は、2007年秋にチベットのチャンタン高原南部を8週間かけ徒歩で旅をした体験に基づいている。チベット高原の一部であるチャンタン高原には、つい最近までは遊牧民族のドログパ族くらいしか住んでいなかった。本書に収録されているモノクロ写真のシリーズと旅行の日記はこの旅で制作されたものであり、地図上に散らばる白い点に過ぎない場所の様子を伝えている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e2日前に私は舗装された道に出くわして驚いた。私の持っている初歩的な地図のどこにも道路など載っていない。多分この道はこの2～3か月の間に作られたのだろう。薄いツンドラの土壌をブルドーザーで削って作った道に沿ってしばらく歩くと尾根に着いた。幅広い谷を見下ろすと村が見えた\u003c\/em\u003e」（ミハエル・ホフナーの旅日記より）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn fall of 2007 the austrian photographer Michael Höpfner started the project “\u003cem\u003eOutpost of Progress\u003c\/em\u003e” on an eight-week walking journey over the southern Chang Tang Platau. The Chang Tang high steppe area is part of the Tibet Autonomous Region and was until recently primarily inhabited by Drogpa nomads. The series of black and white photos and the travel diary notes in this book were created on this trip and describe an area which exists only as white spots on the map. \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eTwo days ago I hit a paved road I was surprised. There is no road in any of my descriptions or rudimentary maps. Perhaps the road was constructed within the last few months. I am following this track, built by a bulldoser in the thin tundra surface until I stop on a ridge. I look down onto a broad valley and a settlement.\u003c\/em\u003e” (From the travel diary notes by Michael Höpfner)\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32678377947216,"sku":"9783940064141","price":4840.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/OUTPOSTOFPROGRESS00.jpg?v=1596063787"},{"product_id":"kino-by-ricarda-roggan","title":"KINO by Ricarda Roggan","description":"\u003cp\u003eドイツ人アーティスト、フォトグラファーのリカルダ・ロッガン（Ricarda Roggan）の作品集。熱狂的な映画ファンでもある作者は、1994年から1999年にかけて映画館に足繁く通ってアメリカ映画を写真に収め、風景、車、道路、災害、ホテルといったカテゴリーに分類していた。作者はアメリカを憧れの土地として描き出した。イメージに飢え、デジタル時代の到来以前にアナログが持っていた可能性を追い求め、ほとんど誰もいない夜の映画館で爆破シーンを見ることの喜びも伝わってくる。本書は、高感度の35mmフィルムで撮影された作品のセレクションを収録。ザクセン州文化財団から資金援助を受けることで本書刊行が実現した。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eRicarda Roggan, an artist and passionate cineaste, frequently went to the cinema between 1994 and 1999 to photograph American films. She assigned her pictures to different categories: landscape, car, street, disaster, hotel. Her photos of America tell of a land of longing, of the hunger for images and the analogue possibilities of a pre-digital age as well as of the pleasure of watching explosions in half-empty cinemas at night. Kino shows a selection of her pictures shot on high-sensitivity 35 mm film. The book is published with the help of funding from the Kulturstiftung des Freistaates Sachsen.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32686066040912,"sku":"9783959053211","price":3960.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/KINO00.jpg?v=1596254744"},{"product_id":"set-reset-exits-sediments-by-ricarda-roggan","title":"SET RESET EXITS SEDIMENTS by Ricarda Roggan","description":"\u003cp\u003eドイツ人アーティスト、フォトグラファーであるリカルダ・ロッガン（Ricarda Roggan）の作品集。作者が2008年から2011年にかけて東地中海に位置するキプロスで撮影した4つのシリーズを収録。抽象絵画を思わせる整然とした魅力的なイメージは、不在というテーマを通じて時間と存在を探求する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eSET RESET EXITS SEDIMENT\u003c\/em\u003e presents four series photographed by Ricarda Roggan between 2008 and 2011 in Cyprus. Through absence, Roggan creates an exploration of time and existence through highly formal, alluring photographs reminiscent of abstract painting.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32686120239184,"sku":"9783940064264","price":3960.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200602_0545.jpg?v=1597392777"},{"product_id":"signs-of-the-times-by-arne-schmitt","title":"SIGNS OF THE TIMES by Arne Schmitt","description":"\u003cp\u003eドイツ人フォトグラファー、アルネ・シュミット（Arne Schmitt）の作品集。ミュンヘン北部に位置するパークシュタット・シュヴァービング地区は、1990年代に新自由主義の精神に則って再設計された。40ヘクタールの敷地はオフィス街、集合住宅、細長い緑地で構成されている。作者は、この地区の機能性と意味を説明的な写真ではなく、34枚の看板やロゴのモノクロのイメージに凝縮しようとした。またこの一環として、バウハウスの有名人の名を冠した14の通りの標識を撮影した。それぞれの人物とその周辺の都市の環境との関係性はイメージを見るだけだとよく分からないが、この簡潔な記号の集まりが作者の作品の枠組みとなっている。計画と経済的な背景を年代順に記録した短いテキストを付け加えることによって、歴史を持たないこの地区のまとめを完全なものにしている。また最近では写真家ヨアヒム・ブローム（Joachim Brohm）もこの地区を舞台に長期プロジェクト「\u003cem\u003eAreal\u003c\/em\u003e」を行っている。本書は、2020年2月から4月にルートヴィヒスハーフェンにあるヴィルヘルム・ハック美術館のルドルフ・シャルプ・ギャラリーで開催された「\u003cem\u003eArne Schmitt – Räson\u003c\/em\u003e」展に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA 40-hectare area in Munich’s northern district of Parkstadt Schwabing was redesigned in the 1990s in line with the spirit of neoliberalism. It consists of office blocks, a number of residential buildings, and a strip of green space. Arne Schmitt refrains from photographing the area in a descriptive mode, preferring instead to condense its functionality and semantics into black-and-white photographs of thirty-four signs and logos. To this end, he took pictures of fourteen street signs named after figures from the Bauhaus, who in turn have a questionable relationship to the urban environment around them. This compact constellation of signs provides the framework for Schmitt’s work. Short texts chronicling the planning and economic background complete this stocktaking of an ahistorical area, whose more recent history also includes the long-running photographic project \u003cem\u003eAreal\u003c\/em\u003e by photographer Joachim Brohm. Zeichen der Zeit is published in conjunction with the exhibition \u003cem\u003eArne Schmitt – Räson\u003c\/em\u003e, which runs from 15 February to 19 April 2020 at the Wilhelm Hack Museum’s Rudolf Scharpf Gallery in Ludwigshafen.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32686127743056,"sku":"9783959053846","price":3300.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/SIGNSOFTHETIMES00.jpg?v=1596251457"},{"product_id":"zabriskie-point-by-olaf-nicolai","title":"ZABRISKIE POINT by Olaf Nicolai","description":"\u003cp\u003eドイツ人アーティスト、オラフ・ニコライ（Olaf Nicolai）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eこの写真集でオラフ・ニコライは、カメラのフラッシュで照らされた自分の足元の地面を写した80枚の写真を提示する。死の谷を歩いている、暗闇に隠れてほとんど見えない男は、こうして一瞬だけ光るカメラのフラッシュを使って自分の通る道に印をつける。フラッシュをたくと地面がほんの数センチ照らされる。そうすると、日中は焼けるような暑さと目のくらむような光で生命を脅かす砂漠の風景のディテールが垣間見える。ニコライの写真は、人口の光に照らされることがない不気味な夜の暗さを表現している\u003c\/em\u003e」ーアンネ・ファン・デル・ハイデン（Anne von der Heiden）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\"\u003cem\u003eOlaf Nicolai presents 80 photographs showing the ground in front of his feet, illuminated by the flash of his camera. Thus, the man who can hardly see in the darkness marks his path with the short flashes of a camera as he makes his way through Death Valley. Each of them illuminates a few centimetres of the ground, a tiny detail of the landscape, whose desert character, the hostility to life of its burning heat and the glaring daylight is well known. The photos mainly refer to the eerie darkness of the night, which no artificial light illuminates.\u003c\/em\u003e\" -Anne von der Heiden\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32686268874832,"sku":"9783940064929","price":5280.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/ZABRISKIEPOINT00.jpg?v=1596125056"},{"product_id":"melaina-chole-by-cristiano-volk","title":"MÉLAINA CHOLÉ by Cristiano Volk","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eイタリア人フォトグラファー、クリスティアーノ・ヴォルク（Cristiano Volk）の作品集。「黒い」を意味する古代ギリシア語の μέλας（melas） と「胆汁」を意味する χολή（kholé） から名付けられた本書『\u003cem\u003eMélaina Cholé\u003c\/em\u003e』は、古代ギリシアを代表する医学者、ヒポクラテスが提唱した「四体液説」を写真で表現した作品。体液病理説とは、人の身体には数種類の体液があり、その調和によって身体と精神の健康が保たれバランスが崩れると病気になるとする考え方である。紀元前4世紀の「医学の父」ヒポクラテスは、血液、黒胆汁、黄胆汁、粘液という4つの体液のバランスが適切に保たれているかどうかで健康状態が決まると考えた。この作品で作者は四大元素の「地」に相当し、土のように冷たく乾燥いているとされる黒胆汁に注目している。本書には、宇宙から見た地球、人体の細胞、当時の人相学の理論に沿った人の顔のイメージが登場する。体液病理説は心理学に初めて性格の類型論をもたらし、ヒポクラテスの説は17世紀になっても広く普及していた。四体液説の影響は現代の言葉にも様々な形で残っている。例えば心臓は感情、中でも愛情、詩的な表現で言えば「生命の息吹」が宿る場所とされている。黒胆汁の過剰によって引き起こされると考えられていた憂鬱（Melancholia）は、悲しみの感情やうつ病を意味する。最近の研究によれば、2030年にはうつ病が世界で最も蔓延している疾病になると言われている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eMélaina Cholé\u003c\/em\u003e, from Ancient Greek μέλας (melas), and χολή (kholé), is a photographic exploration of humoral theory conceived by Hippocrates. This theory explained physical and psychological health or illness in terms of the state of balance or imbalance of various bodily fluids. According to Hippocrates (5th century bce), health was a function of the proper balance of four humors: blood, black bile, yellow bile, and phlegm. Volk, in particular, focuses on black bile, described as a cold and dry fluid, generated by the archetype of the earth. Within the book, we find images of the planet earth seen from space, of human body cells, and of people's faces following the theory of physiognomy of the time. Humoral theory provided psychology with its earliest personality typology, and Hippocrates’ ideas prevailed well into the 17th century. Extensive traces of this hegemony survive in modern language: the heart was indicated as the seat of feelings and in particular of love which, poetically, is \"breath of life\"; Melancholia is a feeling of sadness but also a serious form of depression. The same depression that, according to recent studies, will be the most widespread disease in the world in 2030.\u003c\/p\u003e","brand":"YOFFY PRESS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32746817290320,"sku":"978-1-949608-15-1","price":4400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200507_0241.jpg?v=1596526383"},{"product_id":"the-tectonics-of-remembrance-by-christian-borchert","title":"THE TECTONICS OF REMEMBRANCE by Christian Borchert","description":"\u003cp\u003eドイツ人フォトグラファー、クリスティアン・ボルヒェルト（Christian Borchert）の作品集。自身初となる回顧展に開催に伴い刊行された一冊。作者はドイツ・ドレスデンに生まれ、同地とベルリンで大半の作品を撮影している。本書は代表的な作品群に加え、重要とされるプリントにまつわる記録や作品アーカイブなども併せて収録。収録されたテキストでは、作者の人生と作品を再構築し、重要な作品に関して論じるだけでなく、作者自身が写真を理解するために重要視していたアーカイブにも焦点を当てる。本書は「クリスティアン・ボルヒェルト」を再発見する機会となるだろう。作者はアーカイブの更新に没頭しつつ、世界と密接に関わりイメージを作り上げた作家であり、慎重かつ正確な記録者、東ドイツ写真界を牽引する存在、そして懐疑的な視線で東西統一後のドイツを見つめた観察者だった。本作は、ボルヒェルトの写真家としての活動を包括的に紹介する初の作品集となる。ドレスデン美術館（SKD）銅版彫刻キャビネットのリサーチ・アシスタントであり、フォルクスワーゲン財団のグランティでもあるベルトラム・カシェク（Bertram Kaschek）が編集を務める。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe catalogue is published in conjunction with the first comprehensive retrospective on the work of photographer Christian Borchert (1942–2000). Borchert was born in Dresden and did most of his work there and in Berlin. His most important groups of photographs are presented in a representative selection, supplemented by the documentation of significant print and archive material. The accompanying text reconstructs the photographer’s life and work. Besides considering key clusters of his work, it also analyses Borchert’s archival practice, which had a decisive influence on his understanding of photography. This provides an opportunity to rediscover Borchert―as an author of images who engages with the world, while at the same time dedicating himself to the archive; as a cautious and precise chronicler; as a dynamic figure in the GDR photography scene and as a sceptically distanced observer of the post-reunification period. Christian Borchert: The Tectonics of Remembranceis the first complete presentation of his photographic work. Dr Bertram Kaschek (b. 1976) is a research assistant at the SKD’s Kupferstich-Kabinett in Dresden and has a grant from the Volkswagen Foundation.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32781378584656,"sku":"9783959053372","price":9350.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/THETECHONICSOFREMEMBRANCE00.jpg?v=1598840106"},{"product_id":"berlin-by-rosa-smalen","title":"BERLIN by Rosa Smalen","description":"\u003cp\u003eオランダ人フォトグラファー、ローザ・スメーレン（Rosa Smalen）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e20世紀に最も荒廃した都市の一つを4日間しらみつぶしに歩いた旅を写真で記録し、時系列に沿って並べた一作。目線とカメラを下に向けたままベルリンを歩き回り、つぎはぎだらけのすり減った歩道を淡々と記録している。物言わぬベルリンの歩道は、かつての大混乱の様子を今に伝えている。交通事故で生死をさまよい、昏睡から回復した作者もまた同じである。自分自身で持っていたトラウマを遥かに超えるトラウマの現場に向き合った作者は、文字通り足元の地面にフォーカスするというシンプルな方法を選んだ。本書は、この行為をはっきりとそしてしなやかに証明している。\u003c\/em\u003e」 ―タコ・ヒド・バッカー（Taco Hidde Bakker \/ ライター、リサーチャー）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis photographic statement is a chronological record of an obsessive four-day walk through one of the twentieth century’s most battered cities. Rosa Smalen crisscrossed Berlin with her eyes and camera pointed down, unflinchingly recording the worn-out and often patchwork sidewalks that carried her along. The pavements of Berlin silently bear witness to great turmoil, and so does Smalen, who managed to recover from a coma after an accident that nearly took her life. Facing the site of a trauma exceeding her own, Smalen set out to keep it simple and focus on the literal ground beneath her feet, an act to which this book forms a determined and resilient testimonial. (Taco Hidde Bakker)\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"ART PAPER EDITIONS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32784454025296,"sku":"9789493146174","price":5500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/BERLIN00.jpg?v=1597853731"},{"product_id":"umegaoka-elegy-by-nobuyoshi-araki","title":"UMEGAOKA ELEGY by Nobuyoshi Araki","description":"\u003cp\u003e日本人写真家、荒木経惟の作品集。2019年にタカ・イシイギャラリーで開催された展覧会「\u003cem\u003eUmegaoka Elegy（梅ヶ丘墓情）\u003c\/em\u003e」に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e以下プレスリリースより\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e1994年のギャラリー開廊以来、四半世紀にわたりほぼ毎年開催された荒木の個展は、今年27回目を数えます。本展では、中判フィルムにて撮影したカラー、モノクローム写真の新作約90点を発表いたします。荒木の作品には「\u003cem\u003e東京ヌード\u003c\/em\u003e」（1989年）、「\u003cem\u003e東京物語\u003c\/em\u003e」（1989年）、「\u003cem\u003e東京コメディ\u003c\/em\u003e」（1997年）など、自身の生まれ育った「東京」を冠するものが多く存在しますが、今回の展示作品のタイトルに荒木は現在居を構える「梅ヶ丘」を選びました。梅ヶ丘の自宅内とその周辺で撮影された作品群の被写体は、人形、像や怪獣のオブジェ、花、モノクロームの空が大半を占めますが、リズムを刻むように妻陽子や今年95歳のロバート・フランクの写真、今は亡き父と母、夭折した二人の兄の没年を記したメモが挿入されます。昭和から平成への改元時や2000年の世紀の変わり目など、荒木はその時代を謳歌した女性達、当時の出来事、変わりゆく街並みをカメラによって「複写」することで、時代の節目の世相を作品にまとめて来ました。元号が「令和」に改まる今年、荒木の関心は自分自身にあります。体力が日増しに衰え、外出を控えることの多くなった荒木は、自らに忍び寄る死を意識しています。父、母、そして妻陽子、愛猫チロの死を、被写体として写真に収めることで看取って来た荒木のレンズは、自身へと向かいます。撮りたいものや撮る習慣になっているものを淡々と写す日々――ありのままに提示される写真の堆積を前に、その解釈は見る者に委ねられています。すべてを受け入れるカメラと化した今年79歳を迎える写真家の最新作を是非この機会にご高覧ください。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOfficial Press Release:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eTaka Ishii Gallery is pleased to present “\u003cem\u003eUmegaoka Elegy\u003c\/em\u003e,” a solo exhibition of works by Nobuyoshi Araki. This marks the 27th installment of Araki’s solo exhibition at Taka Ishii Gallery, which has been presented on a near annual basis for over 25 years since the gallery’s opening in 1994. The exhibition introduces a selection of approximately 90 new works in color and monochrome captured on medium-format film. As is the case with “\u003cem\u003eTokyo Nude\u003c\/em\u003e” (1989), “\u003cem\u003eTokyo Story\u003c\/em\u003e” (1989), and “\u003cem\u003eTokyo Comedy\u003c\/em\u003e” (1997), many of Araki’s works feature “Tokyo” where he himself was born and raised, as a prefix in their titles. For the title of this exhibition however, Araki has selected the town of “Umegaoka” where he currently works and resides. While the subjects of his works captured in and around his home in Umegaoka consist mainly of dolls, monster figurines, flowers, and monochrome skies, rhythmically inserted into this visual oeuvre are photographs of his wife Yoko as well as Robert Frank who turns 95 years old this year, and notes indicating the years of passing of his late mother and father and his two older brothers who had both died at a young age. In moments such as the transition from the Showa to the Heisei era, and at the turn of the 20th century, Araki had used his camera to capture the social conditions of pivotal stages in history through “reproducing” images of women who lived their life to the fullest in these times, the various events and incidents that had occurred, and also the city’s ever-changing streetscapes. This year, as Japan approaches the new “Reiwa” era, the subject of Araki’s interest is turned towards himself. Araki, whose physical strength continues to decline day by day, and now often tends to refrain from going out, is becoming increasingly aware of his own impending death. His lens that had once enabled him to bid farewell and pay respect to death of his father, mother, wife Yoko and beloved cat Chiro by means of capturing them as subjects in his photographs, is now pointed at the photographer himself. The culmination of photographs is a candid reflection of Araki’s daily life in which he engages in straightforwardly capturing his preferred and habitual subjects, and thus entrust their respective interpretation to those who view them. We hope this serves as an opportunity for viewers to enjoy the latest works by Araki, who as a photographer turning 79 years old this year, has himself become a metaphoric manifestation of an all-embracing camera.\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32828048474192,"sku":"","price":3960.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200803_0593.jpg?v=1600080942"},{"product_id":"2thesky-my-ender-by-nobuyoshi-araki","title":"2THESKY MY ENDER by Nobuyoshi Araki","description":"\u003cp\u003e日本人写真家、荒木経惟の作品集。2009年にタカ・イシイギャラリーで開催された展覧会「\u003cem\u003e2THESKY MY ENDER（遺作 空2）\u003c\/em\u003e」に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e以下プレスリリースより抜粋\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eなんで『空２』かって。「に」や「ニ」じゃダメなんだ。「２」じゃないと。昔から言ってるけど、写真というのは現実や人生の模倣、現実の贋作であって、創作じゃないんだよ。だから２番目のコトなんだよね。全部、０（霊）感でやってるんだけどさ。空に何かを描いて「もうひとつの私の空」を創るっていう気分もあった … 死のことを思うと生のことも思うようになるね。どっちかが重くなると、もう片方も重くなる。死の予感が来ると生の欲望が出てくるんだよ、生欲が。この本は俺の「遺作」だけど、もしかしたら、ここで終わりじゃなくて、ここから生が始まるのかもしれない。虹の橋を渡る俺 あ、落ちた コロコロコロ\u003c\/em\u003e”\u003cbr\u003e－2009年10月 荒木 経惟\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e荒木は今年の1月2日から白黒写真のキャンバスに向かい、「書」「ペイント」「コラージュ」などの手法を用いて、1日の“コト”また“死を想った時”の気持ちを日記の様に描いています。\u003cbr\u003e本作品集のために膨大な数の作品を手掛けた荒木は、個展のためにさらに制作を重ね、写真集には収められていない新作約150点を完成させました。本展においては作品集のほかに、アラキネマの上映も予定しており、多いに盛り上がることでしょう。「死を予感した写真家の遺言」として発表する荒木経惟の新作を、どうぞご高覧下さい。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOfficial Press Release:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eWe are pleased to announce our forthcoming solo exhibition with Nobuyoshi Araki. The exhibition will be held in the occasion of the release of the Shinchosa publication \u003cem\u003e2THESKY, my Ender\u003c\/em\u003e.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eWhy “2THESKY” ? “To” or [the Japanese character] “ニ” are not correct. It must be “2”. As I have said before – photographs are an imitation of reality and life, the counterfeit of reality, not creation. Therefore, a photograph is a secondary thing. I do everything with a spiritual feeling. I wrote something into the sky, because I had the feeling that I would like to create “another sky that is mine”. This makes me think about death and life. If one becomes heavier, the other one becomes heavier too. With the premonition of death comes the desire for life, the lust to live. This book is my “posthumous work”, but maybe it is not finished yet, maybe from now on life is going to begin. I am crossing the rainbow bridge, ah! I am falling…..\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e－Nobuyoshi Araki, October 2009\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eSince January 2, 2009, Araki has depicted in a kind of diaristic mode his response to everyday events and thoughts of death, using as a canvas black and white photographs coupled with the technique of calligraphy, painting and collage. Araki produced an enormous number of works for this publication and produced even further works for the solo exhibition. He completed about 150 new works that are not included in the book. In addition to the publication, which will be installed prominently as part of the installation, the screening of Arakinema is also planned during the exhibition. Nobuyoshi Araki describes this new body of work as “\u003cem\u003ethe testament of a photographer who presentiments death\u003c\/em\u003e”.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32828059418704,"sku":"","price":2508.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200803_0541.jpg?v=1600079948"},{"product_id":"forms-of-experiment-imagination-by-shozo-kitadai","title":"FORMS OF EXPERIMENT \u0026 IMAGINATION by Shozo Kitadai","description":"\u003cp\u003e日本人写真家、北代省三の作品集。2015年にタカ・イシイギャラリー ニューヨークで開催された展覧会「\u003cem\u003eForms of Experiment \u0026amp; Imagination\u003c\/em\u003e」に伴い刊行された。川崎市岡本太郎美術館主任学芸員の佐藤玲子、キュレーターでありギャラリストの藤井孝行によるテキストを収録。（英語）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eText by Reiko Sato, Takayuki Fujii (English)\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOfficial Press Release:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eTaka Ishii Gallery New York is pleased to present “\u003cem\u003eForms of Experiment and Imagination\u003c\/em\u003e”, the first solo exhibition to be held in the United States of Shozo Kitadai(1921–2001). On view are thirteen rare vintage photographs from the “\u003cem\u003eForm\u003c\/em\u003e” Series, 1956–1960’s, and two wire sculptures dating from the1980s. A core member of the avant-garde collaborative \u003cem\u003eJikken Kōbō (Experimental Workshop)\u003c\/em\u003e founded in Tokyo immediately after World War II, Kitadai was a noted Japanese photographer, painter and sculptor. Composed of fourteen visual artists―performers, choreographers, light designers, sound engineers and composers―\u003cem\u003eJikken Kōbō\u003c\/em\u003e is well known for its inter-media and cross-disciplinary works and notable role in fostering the rebirth of the Japanese cultural avant-garde. These rarely exhibited works exemplify Kitadai’s acute sense of aesthetics and experimental thought and illuminate his singular philosophy on art, form and avant – garde activities. The elegantly executed photographs and sculptures reveal his unique vantage point and rather unorthodox approach.\u003cbr\u003eEvocative of a bold experimentation with form, the photographs enlist the landscape of a changing post-war Tokyo and its architecture in the seminal period of the late 1950s and early 1960s, a time when Japan began its transformation from a war devastated country to a modern society, replete with social convulsions, intense economic shifts and changing view points. Kitadai used the camera to examine and question abstract form through details he chose to frame and extract from the world around him. His acute interest in technology, engineering and structures became the subject and motifs of his experimentation using photography. Also on view are two kinetic sculptures dating from 1980s, representative of the abstract sculptural form that he is well known for. As art critic Yusuke Nakahara wrote in her 2003 catalogue for his solo exhibition at the Taro Okamoto Museum of Art, in Kawasaki, Japan, the mobile sculptures were the expression of his ongoing interest in the theory of movement and form, defying the normative and traditional categories of art and expanding the limitations between form and movement. This exhibition is accompanied with a limited edition gallery publication, Shozo Kitadai, Forms of Experiment and Imagination, published by Taka Ishii Gallery – New York, 2015. Essays by Reiko Sato, chief curator of the Taro Okamoto Museum of Art, Kawasaki, and Takayuki Fujii.\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32828080455760,"sku":"","price":2376.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200803_0825.jpg?v=1600256477"},{"product_id":"new-turns-in-old-roads-by-leo-rubinfien","title":"NEW TURNS IN OLD ROADS by Leo Rubinfien","description":"\u003cp\u003eアメリカ人フォトグラファー、レオ・ルビンファイン （Leo Rubinfien）の作品集。2014年にタカ・イシイギャラリー フォトグラフィー／フィルムで開催された展覧会「\u003cem\u003eVintage prints from “A MAP OF THE EAST” 1980–87\u003c\/em\u003e」に伴い刊行された。作者によるエッセイを収録。（英語・日本語）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e以下プレスリリースより抜粋\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eタカ・イシイギャラリーでの2度目の個展となる本展では、1980年から87年にかけて、作家が日本を中心にアジア各地を取材撮影して纏めたシリーズ「\u003cem\u003eA MAP OF THE EAST\u003c\/em\u003e」より、カラー写真作品17点を展示いたします。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e1953年、シカゴ生まれのルビンファインは、両親に伴われて、少年期以降の多くの年月を高度経済成長期の日本で過ごしました。その後、1979年に日本に戻った作家は、自身の少年期の体験から再び東洋という被写体に惹かれ、翌年より8年間、日本をはじめ、中国、タイ、インドネシア、ミャンマー、フィリピン、ベトナムへと繰り返し旅を続けます。「\u003cem\u003eA MAP OF THE EAST（東洋の地図）\u003c\/em\u003e」と題されたこのシリーズは、自身の記憶を通して世界を見ることの意味を探求すると同時に、つねに侵入者という立場であった一西洋人の視点から、当時の東洋に共通する特質であり、確実に変容しつつあった「イノセンス（おおらかな無邪気さ、純真さ）」を語ろうとする試みでもありました。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e今回写真を撮るに当たって終始私をつき動かしていたのは、一体どれだけのものが損われ、どれだけのものがまだ残っているのか、という問いかけであった。もちろん、ここにある写真はその問いに答えるものではない。ただ、あらためていま写真を眺めてみると（多くは5年以前に撮られたものであるが）、そこに見えてくる二面性に驚かされる。やさしさとアイロニーの交錯するその語りかけは、しかしきわめて当然な在りようだと、私には思えてくる。私たちは確かに失い続けてはいるが、何を失ったのかを知り、何が残されているのかをはっきり受け止めることで、逆に豊かさというものをしっかり受けとめることもできるのだと思う。\u003c\/em\u003e」\u003cbr\u003e－レオ・ルビンファイン（『\u003cem\u003eA MAP OF THE EAST\u003c\/em\u003e』、都市出版、1992年、序文より抜粋）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作品集『\u003cem\u003eA MAP OF THE EAST\u003c\/em\u003e』は、メトロポリタン美術館での個展に合わせて1992年に出版されました。当時の月刊文芸誌『\u003cem\u003eニューヨーク・レビュー・オブ・ブックス\u003c\/em\u003e』では、イアン・ブルマ氏による以下の書評が掲載されました。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e日本、あるいはアジアを旅する現代的な旅行者は、活気ある文化的な混乱を見過ごすことはできないだろう。レオ・ルビンファインの写真…その素晴らしさは見落とすことへの拒絶である。かわりに、彼は現代のアジアの雑多な猥雑さに詩情を見出す。欧米の芸術家は、日本に対して並置の表現――東洋－西洋、外国－自国、ブッダとコカ・コーラなど――を探す誘惑にかられるものだ。ルビンファイン自身も、失われたものへの嘆きにかられることがあると序文で述べているが、しかし彼はこのような安易な選択を避けている。着物、ビジネススーツ、提灯、ジャズ喫茶、高層ビル、神社…都市の景色のなかを歩く日本人をとらえる彼の写真は、一度にすべてのものを映している。建築、衣服、日常生活の乱雑さが、安っぽい皮肉なしに、写真のなかにすべてある。それらは中国や、パリ、ニューヨークを模したものかもしれない。それでも、それらは疑いようもなく日本である。東洋か西洋か、純粋か不純か、などという問題は消滅させるか、あるいはそのままにしておこう\u003c\/em\u003e。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e1970年代末に写真家としての活動を開始したルビンファインは、1980年代初めに「ニュー・カラー」と呼ばれた、新たなカラー写真表現を追究する若手アメリカ人写真家の一人として注目されました。以後、メトロポリタン美術館（ニューヨーク）、ニューヨーク近代美術館、東京国立近代美術館、サンフランシスコ近代美術館など、アメリカ、ヨーロッパ、日本の美術館を中心に、数多くの展覧会で作品を発表するとともに、各国の美術館に作品が収蔵されています。主な写真集に『\u003cem\u003eA MAP OF THE EAST\u003c\/em\u003e』（David R. Godine \/ Thames and Hudson \/ 都市出版、1992年）、『\u003cem\u003eWounded Cities\u003c\/em\u003e』（Steidl、2008年）など。写真や美術を中心とした評論・執筆活動でも知られ、『\u003cem\u003eShomei Tomatsu: Skin of the Nation\u003c\/em\u003e』（Yale University Press、2004年）、『\u003cem\u003eGarry Winogrand\u003c\/em\u003e』（Yale University Press、2013年）などの展覧会カタログにも寄稿しています。本展の開催を記念し、『\u003cem\u003eA MAP OF THE EAST\u003c\/em\u003e』（1992年）では未発表となった作品を纏め、新たに作品集を刊行いたします。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eEssay by Leo Rubinfien (English and Japanese)\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOfficial Press Release:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eTaka Ishii Gallery Photography \/ Film is pleased to present “\u003cem\u003eVintage Prints from A Map of the East 1980 – 87\u003c\/em\u003e,” a solo exhibition of works by Leo Rubinfien from October 25 to December 6. This solo exhibition, his second with the gallery, will feature 17 color photographs selected from his series A Map of the East, which he made in Japan and other parts of Asia between 1980 and 1987.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eBorn in 1953 in Chicago, Rubinfien accompanied his parents to Japan during its period of rapid economic growth, and spent many years there. In 1979, he returned and was drawn, out of his early experiences, to the East as a photographic subject. From 1980, he began traveling repeatedly not only to Japan, but also to China, Thailand, Indonesia, Myanmar, the Philippines, and Vietnam. In the series \u003cem\u003eA Map of the East\u003c\/em\u003e, he explored what it means to see the world through one’s memories and aimed to capture, from the perspective of a Western intruder, the “innocence” that he felt was a uniquely Asian characteristic and that was also being quickly transformed.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eThe question of how much is corrupt and how much not yet corrupted is what drove me through making the pictures in this book. They cannot answer the question of course, and when I look at them now I am struck by their ambivalence, by the mixture of tenderness and irony in their voice. Which is, I hope, exactly right: losing continually, we are also continually enriched by naming that which we have lost, and recognizing that which remains.\u003c\/em\u003e” －Leo Rubinfien, excerpted from an essay published in \u003cem\u003eA Map of the East\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e(David R. Godine, Inc., 1992)\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA Map of the East was published in 1992, in conjunction with a solo exhibition at the Metropolitan Museum of Art. Reviewing it in the New York Review of Books, Ian Buruma wrote: \u003cem\u003e… the modern visitor to Japan, or anywhere in Asia, can hardly overlook the lively cultural mess. What makes Leo Rubinfien’s photographs … so superb is his refusal to overlook it. Instead, he finds poetry in the hybrid vulgarity of contemporary Asia. The temptation for a Western artist in Japan is to look for juxtapositions: East-West, foreign-native, Buddhas and Coca-Cola. Rubinfien, although he, too, according to his own introduction, is given to lamenting what has been lost, avoids this easy choice. His photographs of Japanese picking their way through the urban landscape show everything at once: kimonos, business suits, paper lanterns, jazz coffee shops, skyscrapers, Shinto shrines. It is all here, the architecture, the clothes, the clutter of life, presented without cheap irony. Some of it might have originated in China, or Paris, or New York, yet all of it is unmistakably Japanese. Categories like East and West, let alone pure and impure, cease to exist, or at least to matter.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003eRubinfien first gained recognition as a young photographer of the “New Color” movement in the early 1980s. Since then, his works have been exhibited in the U.S., Europe, and Japan at the Metropolitan Museum of Art and Museum of Modern Art in New York, San Francisco Museum of Modern Art, and the National Museum of Modern Art, Tokyo. They are also represented in major museum collections around the world. His major publications include \u003cem\u003eA Map of the East\u003c\/em\u003e (David R. Godine, Thames and Hudson, and Toshi Shuppan, 1992) and Wounded Cities (Steidl, 2008). Also an acclaimed writer on photography and other subjects, he was author of Shomei Tomatsu: \u003cem\u003eSkin of the Nation\u003c\/em\u003e (Yale University Press, 2004) and Garry Winogrand (Yale University Press, 2013).\u003cbr\u003eIn conjunction with the current exhibition, Taka Ishii Gallery Photography \/ Film will publish a new collection of Rubinfien’s unreleased images from the\u003cem\u003e A Map of the East\u003c\/em\u003e series, \u003cem\u003eNew Turns in Old Roads\u003c\/em\u003e.\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32828090024016,"sku":"","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200803_0612.jpg?v=1599835715"},{"product_id":"just-like-on-the-radio-by-erika-yoshino","title":"JUST LIKE ON THE RADIO by Erika Yoshino","description":"\u003cp\u003e日本人作家、吉野英理香の作品集。作者本人によるテキストを収録。（日本語）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eText by Erika Yoshino (Japanese)\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32828102148176,"sku":"978-4-9901239-9-4","price":1848.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200803_0683.jpg?v=1600256375"},{"product_id":"the-ardbeg-by-leo-rubinfien","title":"THE ARDBEG by Leo Rubinfien","description":"\u003cp\u003eアメリカ人フォトグラファー、レオ・ルビンファイン （Leo Rubinfien）の作品集。2010年にタカ・イシイギャラリーで開催された展覧会に伴い刊行された。作者本人によるエッセイを収録。（英語、日本語）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e以下プレスリリースより抜粋\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e1953年生まれのルビンファインは現在ニューヨークを拠点に活動し、アメリカを代表する写真家の一人として高い評価を受けており、これまでメトロポリタン美術館（ニューヨーク）、西武アート・フォーラム（東京）、サンフランシスコ近代美術館、コーコラン美術ギャラリー（ワシントンD.C.）にて個展を開催しています。これらの個展で展示された作品は、作品集『\u003cem\u003eA Map of the East\u003c\/em\u003e』と 『\u003cem\u003eWounded Cities\u003c\/em\u003e』として出版されています。『\u003cem\u003eWounded Cities\u003c\/em\u003e』掲載作品は2011年の8月から10月まで東京国立近代美術館で開催される氏の個展『\u003cem\u003eWounded Cities\u003c\/em\u003e』にて展示予定です。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e1980年代前半、ルビンファインは新しいカラー写真表現を追い求める若手アメリカ人写真家のひとりとして注目を集め、シンシナティ美術館にて今年開催された当時の写真を振り返る展覧会、「\u003cem\u003eStarburst: Color Photography in America 1970-1980\u003c\/em\u003e」においてもその作品が取り上げられています。一方で、ルビンファインの関心は常に国外へ向いており、キャリアの初期から一貫して、彼の様々な活動は世界のグローバル化への新たなアプローチとして発展を遂げてきました。彼は次のように述べています：\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e私は写真家として人生の大半を国々の間に存在する領域を探索し続けてきた。時折私はこの領域を「ワールド・シティ」（世界都市）と呼んでいる。作品集「 Wounded Cities」の中で私は以下のように綴っている：\u003c\/em\u003e\u003cem\u003e私はしばし世界都市に住んでいるかのような感覚に浸っていた。様々な国の都市は結束点で、それぞれが見えない糸でつながれている巨大な格子状の空間の中に私達は存在している。航空路線、衛星回線、海底ケーブル、グローバル企業間の株式保有、クレジットやローン、サプライ・チェーン、流行といった個人同士を結び付ける曖昧で無限に広がる結びつき。その集合体の中においては、大都市の端から端までの移動よりも海外へ出ることの方がよほど容易に思えた・・・。\u003c\/em\u003e\u003cem\u003e世界都市とは自分が現在どこにいるかが特定出来ない空間であり、例えば、ブエノス・アイレス、デュッセルドルフと香港が各自の個性を失い、区別がつかないような場所である。また、アジア、ヨーロッパ、アフリカ、アメリカ、それぞれの地域が持つイメージが互いのイメージに影響を与え合う空間であると同時に、生まれ育った田舎にはないある種の自由と爽快感を体感することができる場所でもある。そして願望や憧れに満ちているからこそ、そこには美や不安、そして時には恐怖さえもが混在しているのだ。\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e－グループ展「\u003cem\u003eNot Making it Up\u003c\/em\u003e」（Packer Collegiate Institute、ニューヨーク、2010年）へ寄せたルビンファインのアーティスト・ステートメントより\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e近年、カラー写真とともにモノクローム写真の制作に携わっているルビンファインは、プリントに光沢をあたえる繊細な技法を発展させることにより、過去にダイ・トランスファー・プリントで追求された色彩の豊かさや美しさを自身の作品において実現しています。ルビンファインの作品には独特の親密さ、豊かさ、そして国際的な拡がりを感じることができます。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eEssay by Leo Rubinfien (English and Japanese)\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOfficial Press Release:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eTaka Ishii Gallery is pleased to announce our exhibition of work by Leo Rubinfien. Born in 1953, Rubinfien is an acclaimed American photographer who lives in New York City. He is the author of two critically praised books, A Map of the East and Wounded Cities, from which solo exhibitions have been given at the Metropolitan Museum of Art, New York, the Seibu Art Forum, Tokyo, the San Francisco Museum of Modern Art, and the Corcoran Gallery of Art, Washington. A one-man show of work from Wounded Cities will appear at the National Museum of Modern Art, Tokyo, from August – October, 2011.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eRubinfien became known in the early 1980s as one of the young American photographers working with the new color materials of the period, and his work was featured this year in the Cincinnati Museum of Art’s survey of that period,Starburst: Color Photography in America, 1970-1980. However, his interests were always international, and from the beginning of his career, each of his projects has developed as another approach to the phenomenon of globalization. As he states:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eI have spent a lot of my life as a photographer exploring the great zone between countries that I sometimes call the “world city.” In Wounded Cities, I wrote, \u003c\/em\u003e\u003cem\u003e“It often seemed to me as if I lived in a worldwide city, a vast lattice in which the cities of many countries were nodes, tied to each other with invisible threads — air routes, satellite links, undersea cables, shareholdings, mechanisms of credit, supply chains, crazes, all the obscure, innumerable bonds between individual people. Within that aggregation, it was not much harder to cross the world than to go from one side to another of any great metropolis …” \u003c\/em\u003e\u003cem\u003eThe world city is the place where you are when you cannot tell exactly where you are — the place where Buenos Aires, Dusseldorf and Hong Kong look more like each other than different. It is the place where Asia, Europe, Africa and America continually re-shape each other, each in its own image, and where people often tell me that they feel a freedom and exhilaration they don’t feel in the parochial, backwater towns of their native countries. And because it is full of their aspirations and longings, it is also a place where beauty and anxiety and sometimes even fear are all mixed up together.\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e– from Rubinfien’s Artist’s Statement for the group exhibition “Not Making it Up,”\u003cbr\u003ePacker Collegiate Institute, New York, 2010\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn recent years, Rubinfien has worked in both color and black and white, developing an exquisite technique for varnishing his prints, and giving them the richness and beauty that were once looked for in dye transfer printing. The photographs have an intimacy, a richness and a global sweep that come together in the work of no other contemporary photographer.\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32828105130064,"sku":"","price":1320.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/THEARDBEG01.jpg?v=1599833686"},{"product_id":"picture-of-a-man-by-yuki-kimura","title":"PICTURE OF A MAN by Yuki Kimura","description":"\u003cp\u003e日本人作家、木村友紀の作品集。\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32828112797776,"sku":"","price":330.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/PICTURESOFAMAN00.jpg?v=1600255724"},{"product_id":"you-may-attend-a-party-where-strange-customs-prevail-by-yuki-kimura","title":"YOU MAY ATTEND A PARTY WHERE STRANGE CUSTOMS PREVAIL by Yuki Kimura","description":"\u003cp\u003e日本人作家、木村友紀の作品集。2006年にタカ・イシイギャラリーで開催された展覧会「\u003cem\u003eYOU MAY ATTEND A PARTY WHERE STRANGE CUSTOMS PREVAIL\u003c\/em\u003e」に伴い刊行された。写真研究者の清水穣によるエッセイを収録。（英語、日本語）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e以下プレスリリースより抜粋\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e1971年生まれ、京都を拠点に活動する木村友紀は、写真や映像、立体を使ったインスタレーションなどで国際的な活動を展開し、「第6回イスタンブール・ビエンナーレ」（1999年）を始め、「Slow Tech」(Museum of Contemporary Art, Taipei 2006年)、「Rapt!」(Monash University Museum of Art, Melbourne 2006年)、「IMAGINARY CHUYA／映像としての中也のことば」（山口情報芸術センター 2006年）など、新進のメディア・アーティストをとり上げた多数の展覧会に参加してきました。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eタカ・イシイギャラリーでは4回目の個展となる本展は、新作の写真と立体作品によるインスタレーションを展示致します。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eYOU MAY ATTEND A PARTY WHERE STRANGE CUSTOMS PREVAIL　\u003c\/em\u003e\u003cem\u003eこれは５年ほど前ロスにいたときに中華料理店のフォーチューンクッキーに入っていた言葉だ。\u003c\/em\u003e\u003cem\u003e「あなたは奇妙な習慣が蔓延するパーティーに出席するでしょう」\u003c\/em\u003e\u003cem\u003e占いを信じているわけでもないのだが、このフレーズだけはちょっと変なので気になって捨てられずにずっと持ち続けていた。深読みすると反米的なポリティカルな意味合いも読み取れる。（PREVAILは大統領演説でよく使われる言葉なので）\u003c\/em\u003e\u003cem\u003e旅で撮った風景の写真、道端で拾った用途のわからない白い板、フリーマーケットで買った昔の写真。言葉と同じく、私は出会ったもの達を長い間手元においてただ見て遊ぶ。そうしているうちにどんどん飛躍して広がっていく世界、それらはすこしずつ繋がっていきあるとき急に啓示のように読み解ける。そんな妄想狂のふりをして写真やオブジェを作った。得体のしれない物事、消費されたあとの抜け殻に等しいもの達。それらをつなぎ合わせて出来た新しい世界。インスタレーションそのものがパーティーなのか、あるいは啓示（インビテーション）なのか、得体の知れないことが知れる前の状態、あるいは映画の宣伝のようなもの、その出口と入り口が今回の作品である。\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e－木村友紀\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e現実から切り離されたイメージだけの存在、消費されたオブジェから生まれてくる無数のイメージから、自然に不思議なストーリーが現れてくる。連想ゲームのように惹きつける要素を抽出していくと、日常から離れたところに行ける、架空の時間と場所への抜け道を作ってくれる、木村友紀の作品は、その抜け道を引き寄せる「場所」なのである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eEssay by Minoru Shimizu (English and Japanese)\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOfficial Press Release:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eTaka Ishii Gallery is pleased to announce our solo exhibition with Kyoto based artist Yuki Kimura, “\u003cem\u003eYOU MAY ATTEND A PARTY WHERE STRANGE CUSTOMS PREVAIL.\u003c\/em\u003e” Kimura works in installation which consists of the multiple media of found-photographs as well as photos she took, video and sculpture. She has been included in numerous international museum exhibitions focused on promising emerging media artists; 6th International　Istanbul Biennial, Istanbul (1999), Slow Tech, Museum of Contemporary Art,Taipei (2006), Rapt!, Monash University Museum of Art, Melbourne (2006), IMAGINARY CHUYA, Yamaguchi Center for Arts and Media (2006). The gallery will exhibit new installation works with photographs and sculpture for our 4th solo exhibition with the artist.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eYOU MAY ATTEND A PARTY WHERE STRANGE CUSTOMS PREVAIL    This is the text written on the slip in a fortune cookie at a Chinese restaurant five years ago when I was in LA. This does not mean that I believe in fortune-telling, but I could not throw it away and kept having it only by reason that the phrase was a bit strange for me. I could overinterpret it as a sense of anti-American policy. (Because PREVAIL is a word often used in the presidential address.) Landscape photographs taken during a trip, old photographs I bought at a flea market, white boards I picked up on the street whose function is unknown to me. I nothing but look and play with such objects collected by my hand for a long time. Meanwhile, the imaginary worlds which fleet and spread more and more, gradually link to each other and suddenly I figure it out at a certain time as if I had a revelation. I made objects and photographs out of such a feeling of paranoia. Unknown, strange matters, things equal to empty shells devoid of their contents, the new world created by connecting them. Is the installation itself a party, or a revelation(invitation)? My work is an entrance and an exit to a state of being before knowing mystifying matters, or like film publicity.\u003c\/em\u003e －Yuki Kimura\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA mysterious story comes to one’s mind unconsciously from innumerable images that arise from consumed, overused objects, being meant just an “image” separated from the reality. Extracting the elements which attract us like an associative game, we will reach an unrealistic world. Kimura makes a loophole to an imaginary place and time. Kimura’s work is a “magnetic field” which draws the loophole.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32828116009040,"sku":"","price":1650.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200803_0769.jpg?v=1599833282"},{"product_id":"taka-ishii-gallery-25th-anniversary-catalogue-survived","title":"TAKA ISHII GALLERY 25TH  ANNIVERSARY CATALOGUE - SURVIVED!","description":"\u003cp\u003e開廊25周年を記念し、タカ・イシイギャラリー3会場で開催されたギャラリーアーティスト37名によるグループ展「Survived!」に伴い刊行された作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e以下プレスリリースより抜粋：\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eとても厳しい時代をアーティストやスタッフと共に歩んで今日に至りました。四半世紀経ちましたがまだまだ長い旅の途中です。これからもアーティストのサポートを続け、将来歴史に残るような展覧会を数多く開催できればと思っております。引き続きご支援ご指導いただければ幸いです。\u003c\/em\u003e」－石井孝之（タカ・イシイギャラリー ディレクター）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e80年代にロサンゼルスでファインアートを学ぶ傍ら、プライベート・ディーラーとして活動していた石井は、同時代の美術動向を紹介する場として、1994年6月25日に東京・大塚にタカ・イシイギャラリーを開廊します。第1回目の展覧会、ラリー・クラーク「\u003cem\u003eタルサ\/ティーンエイジ・ラスト\/フォトコラージュ\/ビデオ\u003c\/em\u003e」展は大きな反響を呼び、同展をきっかけに荒木経惟と邂逅。1994年の初個展「\u003cem\u003e濹汁綺譚と陰毛礼讃\u003c\/em\u003e」以来、荒木の個展は今年で27回を数えます。また、1995年の森山大道初個展に合わせて刊行した写真集『\u003cem\u003eImitation\u003c\/em\u003e』は、ギャラリーが出版事業を手掛ける契機となり、現在その刊行部数は50タイトルを超えるまでに至りました。その後90年代後半にはジャック・ピアソン、クリストファー・ウールら海外作家の個展をいち早く開催し、2000年には当時まだ珍しかった映像作品を展示（ダグ・エイケン個展）するなど、タカ・イシイギャラリーは独自の審美眼と国際的な視座で、国内・国外、キャリアやメディウムなど様々な作家とともに、多彩なプログラムを四半世紀にわたり展開してきました。25周年を記念する本展では、当企画展に向けて制作された37名の作家の新作や未発表作品を中心に展覧いたします。ギャラリーの歩みの一端をご高覧ください。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e参加作家：\u003cbr\u003eレオノール・アントゥネス、荒川医、荒木経惟、トーマス・デマンド、エルムグリーン＆ドラッグセット、ルーク・ファウラー、マリオ・ガルシア・トレス、五木田智央、花代、畠山直哉、法貴信也、石田尚志、伊藤存、サーニャ・カンタロフスキー、川原直人、アネット・ケルム、木村友紀、クサナギシンペイ、桑山忠明、ショーン・ランダース、前田征紀、ヘレン・ミラ、森山大道、村上華子、村瀬恭子、野口里佳、ウィリアム・J・オブライエン、シルケ・オットー・ナップ、スターリング・ルビー、杉浦邦恵、鈴木理策、武田陽介、竹村京、マリア・タニグチ、登山博文、クリストファー・ウール、ケリス・ウィン・エヴァンス\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOfficial Press Release:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn commemoration of its 25th anniversary, Taka Ishii Gallery will present “Survived!”, a group exhibition featuring works by 37 gallery artists.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\"We’ve traversed arduous times with our artists and staff to arrive at the current moment. It’s already been 25 years, but we’re still in the middle of a long journey. We will continue to support our artists and we hope to organize many more historically significant exhibitions. We thank you for your continued support.\" –\u003c\/em\u003eTaka Ishii\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIshii studied fine art in Los Angeles in the 1980s while also working as a private art dealer. On June 25, 1994, he opened Taka Ishii Gallery in Otsuka, Tokyo, to establish a place for introducing contemporary art trends. The gallery’s first exhibition, Larry Clark’s “\u003cem\u003eTulsa, Teenage Lust, Photo Collage, and Video\u003c\/em\u003e” received an enormous response and became the catalyst for the gallery meeting Nobuyoshi Araki. Since his first solo exhibition with the gallery “\u003cem\u003eObscene Photographs: Marvellous Tales of Black Ink and In Praise of Public Hair\u003c\/em\u003e” held in 1994, the gallery has presented 27 solo exhibitions of Araki’s work. In 1995, the gallery published Imitation in conjunction with Daido Moriyama’s first solo exhibition at the gallery, launching its publishing business. The gallery has now published over 50 titles. In the latter half of the 1990s, the gallery was the first to introduce the works of foreign artists such as Jack Pierson and Christopher Wool in Japan. In 2000, it presented a solo exhibition by Doug Aitken comprising a video piece, which was still rare at the time. From a unique and international perspective, Taka Ishii Gallery has organized, for a quarter century, a diverse exhibition program featuring artists working in varied media and at different stages in their careers. This exhibition, which commemorates its 25th anniversary will feature new and never before seen works by 37 artists. We hope you will join us to celebrate and experience the gallery’s history.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eParticipating artists:\u003cbr\u003eLeonor Antunes, Ei Arakawa, Nobuyoshi Araki, Thomas Demand, Elmgreen \u0026amp; Dragset, Luke Fowler, Mario García Torres, Tomoo Gokita, Hanayo, Naoya Hatakeyama, Nobuya Hoki, Takashi Ishida, Zon Ito, Sanya Kantarovsky, Naoto Kawahara, Annette Kelm, Yuki Kimura, Shinpei Kusanagi, Tadaaki Kuwayama, Sean Landers, Yukinori Maeda, Helen Mirra, Daido Moriyama, Hanako Murakami, Kyoko Murase, Noguchi Rika, William J. O’Brien, Silke Otto-Knapp, Sterling Ruby, Kunié Sugiura, Risaku Suzuki, Yosuke Takeda, Kei Takemura, Maria Taniguchi, Hirofumi Toyama, Christopher Wool, Cerith Wyn Evans\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32830290165840,"sku":"","price":16500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200803_0711.jpg?v=1599830535"},{"product_id":"thaumata-by-naoko-tamura","title":"THAÜMATA by Naoko Tamura","description":"\u003cp\u003e日本人写真家、田村尚子の作品集。タカ・イシイギャラリー フォトグラフィー パリで開催された展覧会「Thaümata」に伴い刊行された。巻末にパスカル・ボースによるテキスト「\u003cem\u003e奇跡を起こす画像\u003c\/em\u003e」を収録。（日仏）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eText by Pascal Beausse (French and Japanese)\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32830514331728,"sku":"978-2-9553309-0-6","price":2772.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200803_0641.jpg?v=1600253121"}],"url":"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/photography-special-discount-2026.oembed?page=8","provider":"twelvebooks","version":"1.0","type":"link"}