{"title":"MACK","description":"\u003cp\u003eMACK is an independent publisher of award-winning books on contemporary art, critical theory, film and architecture. We work with pioneering creative minds and institutions across the globe and pride ourselves on the rigour and care that goes into every stage of the book-making process.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn 2010, our founder Michael Mack set out to build a publishing house that engages in critical dialogues around visual culture in beautifully designed editions. In the early years we focused predominately on photography, quickly becoming the home for work by leading practitioners including Thomas Demand, Roe Ethridge, Jim Goldberg, Guido Guidi, Luigi Ghirri, Paul Graham, Alessandra Sanguinetti, Collier Schorr, Stephen Shore, Rosalind Solomon, Alec Soth, Larry Sultan, as well as debuts which launched the careers of numerous artists, including Sofia Borges, Gregory Halpern, Joanna Piotrowska and RaMell Ross.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eWe have grown to become the experimental space for authors across disciplines, where a handbook on post-carbon architecture can sit happily alongside a collection of essays on modernist painting, a facsimile collection of Francesca Woodman’s remarkable artist’s books, a conversation between a psychoanalyst and a violinmaker, and a career-defining monograph by Deana Lawson, Tacita Dean, or Sofia Coppola.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOur rich cultural programme reflects the variety of our publishing. We run talks, lectures, and workshops in venues and institutions across the world, including our own bookshops in Berlin and Los Angeles. Our online platform MACK LIVE presents exclusive studio tours, talks, panel discussions, and videos exploring the design and materiality of our books in detail.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"http:\/\/www.mackbooks.co.uk\" target=\"_blank\"\u003ePublisher's website\u003c\/a\u003e\u003ca href=\"http:\/\/www.mackbooks.co.uk\" target=\"_blank\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e","products":[{"product_id":"the-complete-essays-1973-1991-by-luigi-ghirri","title":"THE COMPLETE ESSAYS 1973-1991 by Luigi Ghirri","description":"\u003cp\u003eイタリアのカラー写真界のパイオニアでもあるルイジ・ギッリ（Luigi Ghirri）によるエッセイ集。写真家になったその瞬間より写真について書き留め始めていた作者が、自身の写真集やイタリアの雑誌、新聞の為に、単に個人を振り返り書き留めるだけでなく彼の写真に対する考えを書き綴った68つに及ぶエッセイが、ギッリの写真の中核となるテーマ - アイデンティティ \/ 時間 \/ 記憶\/ 構想 \/ 表現 \/ 場所への思い – 別に割り振られ構成。ウォーカー・エバンスやウィリアム・エグルストン、ロバート・アダムス、ジョン・ゴセージといった写真家の作品の他、ミュージシャンや作家、画家の作品までと広く考察されており、写真の歴史を研究するために彼自身の活動外にまでその内容は及んだものとなっている。これまでイタリア語でしか存在しなかった本書の、初めての英語版として発行。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e総合開館30周年記念　ルイジ・ギッリ 終わらない風景\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e会期：2025年7月3日（木） - 9月28日（日）\u003cbr\u003e時間：10:00-18:00（木・金 -20:00）\u003cbr\u003e休館日：毎週月曜日（月曜日が祝休日の場合は開館、翌平日休館）\u003cbr\u003e開催場所：東京都写真美術館 2F 展示室\u003cbr\u003e\u003ca rel=\"noopener\" href=\"https:\/\/topmuseum.jp\/contents\/exhibition\/index-5073.html\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eTALK:\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「総合開館30周年記念 ルイジ・ギッリ 終わらない風景」企画・構成 山田 裕理（東京都写真美術館学芸員）さんに聞く\u003cbr\u003e「学芸員ってどんなお仕事？」\u003cbr\u003e日程：2025年8月2日（金）\u003cbr\u003e時間：19:30 - 21:00\u003cbr\u003e参加費：無料\u003cbr\u003e開催場所：book obscura \/ 同店YouTubeチャンネル\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/bookobscura.com\/news\/688725ee243a7541b765be17\" rel=\"noopener\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本イベントは終了いたしました。アーカイブは\u003ca href=\"https:\/\/www.youtube.com\/live\/XHw_Lai1tOk\" rel=\"noopener\" target=\"_blank\"\u003eこちら\u003c\/a\u003eからご視聴いただけます。\u003cbr\u003e※アーカイブは、展覧会終了日2025年9月28日（日）までの限定公開となります。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003c\/strong\u003eLuigi Ghirri (1943–1992) started writing about photography from the moment he became a photographer: for his own publications, for Italian magazines and newspapers, as well as private reflections committed to paper, where his thoughts would settle and then often depart in new directions. Published for the first time in English,\u003cem\u003e The Complete Essays 1973–1991\u003c\/em\u003e comprises sixty-eight texts in which Ghirri explores the same subjects at the core of his photographs – the themes of identity, time, memory, vision, representation, and sense of place. As a voracious reader with a particular taste for the eclectic, Ghirri also reaches outwards from his own practice to explore the history of photography as he considers the work of Walker Evans, William Eggleston, Robert Adams and John Gossage, weaving in references to musicians, writers and painters alike. As themes and ideas overlap, the compilation of texts create a sort of dialectic chamber of curiosities that includes Gulliver, Van Gogh’s yellow house, Cézanne, Morandi’s studio, Mallarmé, the fireworks above Trani Cathedral, neo-realist films, lots of music, Francis Bacon, McLuhan’s global village, Pessoa, poetry. Together, the essays offer an unintentional yet comprehensive treatise on the history and theory of photography, and above all, they constitute a special form of autobiography.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":29263491398,"sku":"9781910164143","price":5720.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160725_8068.jpg?v=1571703833"},{"product_id":"neighbors-by-roe-ethridge","title":"NEIGHBORS by Roe Ethridge","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人アーティスト、ロー・\u003cspan\u003eエス\u003c\/span\u003eリッジ（Roe Ethridge）の作品集。北アメリカでの初個展開催に伴い発行。商業写真、コンセプチュアルなアート写真、個人的な写真の距離や境界を、概して皮肉を含んで笑うように壊して来たエスリッジの15年以上に渡る写真作品を収録している。本書は3つのチャプターによって構成され、第2章においては初期の自費出版から最近の作品にまで及ぶ。またそのセクションを挟むように最初と最後の章では、灰色の家族写真や地方の海岸、七面鳥や豚やヤギなどの家畜の写真を用い、彼の特徴とも言える無表情なスタイルで作られたほぼ理解不可能な作品が並ぶ。ありふれた奇妙さや可笑しさを描き出しながら、あえて読者を酔わせるようなイメージ構成で、エスリッジが進化する様を闇雲に辿る。またイメージの制作と鑑賞の差異に現れてくる異常性への味付けとして、それぞれのジャンルの言葉の比喩も破壊している。エスリッジの活動の途中から彼をキュレートして来たケビン・ムーアによる、「\u003cem\u003eNearest Neighbor\u003c\/em\u003e」(FotoFocus Biennial 2016での展示にも繋がった作品)の解説も収録。このタイトルは、デジタルイメージのサイズを圧縮する機能の名称の1つである「ニアレストネイバー法」に由来。また、本書のタイトル「\u003cem\u003eNeighbours\u003c\/em\u003e（隣人、仲間）」は、自分も含め友人や家族の写真を作品によく取り入れるエスリッジの性質を暗に示しており、それは自身の手による編集や作品のテーマにも現れている。感傷的な写真と商業的な写真の間に生じる違いや特徴を嘲笑いながら、我々の生活の中で生まれるものとそれを互いに繋ぐもの、その両方のイメージの層の中に潜む一見ありふれたものをエスリッジは追求する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/blogs\/articles\/conversation-roe-ethridge-fumi-ishino\" target=\"_blank\"\u003e対談：ロー・エスリッジ（写真家） × ⽯野郁和（写真家）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003eCoinciding with his first solo museum exhibition in North America, \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eNeighbors\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e presents more than 15 years of Roe Ethridge’s photographs, which typically and wryly collapse distinctions between commercial, conceptual and personal uses of photography. Divided into three ‘chapters’, the central section spans the American photographer’s entire oeuvre, from his early self-published projects to his most recent work, bookended by two almost inscrutable series in his signature deadpan style: family snapshots of grey, rural beach scenes, and images of farm animals – turkey, pigs, goats ­– to conclude. Rendering the mundane peculiar, hilarious even, \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eNeighbors\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003ehaphazardly traces the evolution of Ethridge’s attempt to bombard his viewers with a heady mixture of imagery, subverting the stylistic tropes of each genre as it relishes in the oddities of image-making and viewing. \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eIncluded in \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eNeighbors\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e is an essay by Kevin Moore, the curator of Ethridge’s mid-career survey \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eRoe Ethridge: Nearest Neighbor,\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e which leads the 2016 FotoFocus Biennial at the Contemporary Arts Center in Cincinnati, Ohio. The title of the exhibition refers to the photographic term “nearest neighbor”, a type of sampling used when resizing a digital image. Like the title of the book, it also alludes to the personal nature of Ethridge’s work, as he frequently includes his family and friends, as well as himself, as subjects in his images, including his editorial assignments. Flouting distinctions between sentimental and commercial photography, Ethridge's practice explores the ways in which our daily immersion in layers of imagery both mediate and generate meaning in our lives.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/blogs\/articles\/conversation-roe-ethridge-fumi-ishino\" target=\"_blank\"\u003eCONVERSATION：Roe Ethridge（Photographer）x Fumi Ishino（Photographer）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30447110092,"sku":"9781910164723","price":7920.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/170131_10791.jpg?v=1571703833"},{"product_id":"the-narcissistic-city-notebook-by-takashi-homma","title":"THE NARCISSISTIC CITY NOTEBOOK by Takashi Homma","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003e日本人写真家、ホンマタカシの作品集「\u003cem\u003eTHE NARCISSISTIC CITY\u003c\/em\u003e」（MACK, 2016）より抜粋された作品が表紙と見返しに印刷された罫線入りノートブック。「\u003cem\u003eTHE NARCISSISTIC CITY\u003c\/em\u003e」は、都市にある建築物が捉えた、日本とアメリカの都市の風景を収めた作品集。「都市によって都市を撮影する」と本シリーズを形容するホンマタカシが用いたのが、写真の原点とも言える“カメラオブスキュラ”である。その原始的な撮影手法により切り取られたのは、ありのままの風景とは異なる都市に潜む影の群像。独特に重なり合う光と影が映り込んだ都市の姿は、まるでナルキッソスが水に映る自分の姿の美しさに見とれたというギリシャ神話の一節ように、通常のカメラの鮮明さが欠落したからこそ現れる自己陶酔的なイメージをはらんでいる。手漉紙を使った装丁、同作品のイメージを使用したブックマーク付き。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003eA luxurious notebook, bound in woven Japanese paper and incorporating camera obscura images made by leading contemporary Japanese photographer Takashi Homma for his photobook \u003cem\u003eThe Narcissistic City\u003c\/em\u003e (2016). Homma’s photographs of New York’s iconic architecture can be found on the cover, end papers and accompanying bookmark, along with 128 pages of elegant lined paper, ideally suited to all pens and pencils.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30447601292,"sku":"","price":2750.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/takashihomma_note2.jpg?v=1571703833"},{"product_id":"mack-notebook-by-carly-steinbrunn","title":"MACK NOTEBOOK by Carly Steinbrunn","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eMACK設立5周年記念を機に立ち上げられた、オリジナル・ステーショナリー・シリーズの第一弾として発表されたノートブック。ロンドンを拠点とするフランス人アーティスト、カーリー・スタインブルン（Carly Steinbrunn）の初写真集「The Voyage Of Discovery」からセレクトされた作品が表紙と見返し部分に印刷された上製本仕様のノートには、上質な紙とシルクの栞ひもが使われており、スケッチブックとしても使うことが出来る。\u003cspan style=\"color: #2b00ff;\"\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003eOn the occasion of our 5th Anniversary we are launching a range of paper products and stationery, commencing with this luxury notebook. Linen bound with images by Carly Steinbrunn from \u003cem\u003eThe Voyage of Discovery\u003c\/em\u003e printed on the front and endpapers, this notebook\/sketchbook includes a high quality paper and a silk ribbon.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30448356044,"sku":"","price":2750.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160524_5610.jpg?v=1571703833"},{"product_id":"zzyzx-by-gregory-halpern-first-edition-second-printing","title":"ZZYZX by Gregory Halpern [FIRST EDITION, SECOND PRINTING]","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003e国際的写真家集団「マグナム・フォト」正会員であり、2014年にグッゲンハイム奨励金を受けた経歴をもつアメリカ人フォトグラファー、グレゴリー・ハルパーン（Gregory Halpern）の作品集。初期のアメリカ開拓者はカリフォルニアを黄金の国、豊かな地と呼んだ。現代においては、無計画に広がる街並みや複雑に入り組んだ道路、スラム街といった明らかな揶揄が含まれる一方で、その土地を簡潔に言い表すことは容易ではない。そこには、荘厳美やサイケデリア、自己破壊など全く異なる要素が併存しながらも、ある種の不思議な調和が生み出されている。どの土地においても矛盾や予測不能なことがあふれているが、カリフォルニアではひときわ極端な傾向にある。文化と歴史、美しさと醜さ、贖罪と絶望が並存し、超越的であると同時に無情なほどの脚光に晒されている本書は、ロサンゼルス東部の荒野の風景に始まり、西に進んだ先に臨む太平洋の景色で終わる。西方への旅とはたんに海への渇望をほのめかすだけでなく、アメリカ東部にいた初期の入植者たちが自明の運命と掲げながら全うした太平洋に至るまでの大掛かりな開拓史、言い換えればアメリカ発展の歴史をなぞらえている。本作で写真に収められている土地や人々、生き物たちは作者の被写体となる以前から存在しているが、フィクション、あるいはファンタジーのように一連の写真を構成・編集することによって、いびつなほどに膨れ上がった人口に耐え切れず、崩壊の危機に瀕しながらも淡々と続くカリフォルニアの日々の一場面として映し出されている。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003eThe early settlers dubbed California The Golden State, and The Land of Milk and Honey. Today there are the obvious ironies – sprawl, spaghetti junctions and skid row—but the place is not so easily distilled or visualized, either as a clichéd paradise or as its demise. There’s a strange kind of harmony when it’s all seen together—the sublime, the psychedelic, the self-destructive. Like all places, it’s unpredictable and contradictory, but to greater extremes. Cultures and histories coexist, the beautiful sits next to the ugly, the redemptive next to the despairing, and all under a strange and singular light, as transcendent as it is harsh. The pictures in this book begin in the desert east of Los Angeles and move west through the city, ending at the Pacific. This general westward movement alludes to a thirst for water, as well as the original expansion of America, which was born in the East and which hungrily drove itself West until reaching the Pacific, thereby fulfilling its “manifest” destiny. The people, places, and animals in the book did exist before Halpern’s camera, but he has sewn these photographs into a work of fiction or fantasy—a structure, sequence and edit which, like Los Angeles itself, teeters on the brink of collapsing under the weight of its own strangely-shaped mass.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30448374988,"sku":"978-1910164655","price":7425.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/170131_10741_6a4e4f3f-b7a2-4344-9c20-557a27fc8711.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"confabulations-by-torbjorn-rodland","title":"CONFABULATIONS by Torbjørn Rødland","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eノルウェー人フォトグラファー、トールビョルン・ロドランド（Torbjørn Rødland）の作品集。辞書によるとタイトルの「Confabulations（作話症）」とは記憶障害の一種で、人をだます目的無く自身や周りに関する歪められた記憶を作り上げることだとされている。本品について「イメージを最も際立たせるものは主観性ではない」と評論家のイナ・ブロムは言う。「しかし、主観性は抽象という渦の中で見失われるものでもなく、単にいくつもある接続性のうちの一つである。レンズの種類、口径の設定、照明器具やフィルムのタイプが多数あるカメラもそのうちの一つだ。確固たる輝き、滑らかな魅力や、さりげない強情さも依然健在だが、それらは新たな材質的現実として独立して存在する。あたかも我々が永遠に解き明かすことができない物質界を表すかのように。」本作の中で、作者は微妙に間違いのある壊れた記憶や子供時代の空想世界をアナログ写真で表現する。本書は真実にたどり着くために事実を歪めているのである。この一元的なアプローチの中で分裂という手法は拒否されることも促されることもなく、新たな接続の開始点と見なされる。何百万もの滑稽なミームの下に作者は新たな魂を探し求めている。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003eA dictionary will tell you that confabulations are memory disturbances; the production of fabricated, distorted memories about oneself and the world, but without a conscious intention to deceive. \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e“Subjectivity is not the master signifier of the image,” writes Ina Blom of Rødland’s work, “Nor is it lost in a vortex of abstractions: it is quite simply one point of connectivity among many. The camera, with its associated range of lenses, aperture settings, lighting devices, and film types, is another. […] The emphatic sheen, sleek glamour and casual perversity still thrive, but they take on an independent existence as new textural realities – as if to speak of a material world that we can never fully know.\"\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eWith \u003cem\u003eConfabulations\u003c\/em\u003e, Torbjørn Rødland presents a set of analogue photographs that subtly misrepresents broken memories and childhood fantasies. Confabulations distorts facts to get to truth. Fragmentation is neither rejected nor induced in this unitary approach, but seen as a starting point for new connections. Beneath a million silly memes Rødland is looking for new soul.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30448387532,"sku":"9781910164631","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160628_5777.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"the-swamp-by-sofia-borges","title":"THE SWAMP by Sofia Borges","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eブラジル人アーティスト、ソフィア・ボルジェス（Sofia Borges）の初作品集。背表紙に“Reality as mud as dense as air（泥や空気のように濃い現実）”とあるように、本書で紹介される写真は鉛のように重く、貫き難い。これらの作品は、作者が7年に渡って数知れず訪れた自然史博物館、動物園、水族館や研究施設において、現実による技巧が彼女の焦点となった様子が記録されている。作者にとっては生息地のジオラマは対象物が自身を高潔に表すことができる究極の表現方法である。そしてここで言う「自身」は幾層もの歴史や意味づけによって本質的に言葉に縛りつけられている。プラスチックでできた南極に横たわる動かぬセイウチや剥製鳥のビーズのような眼が読者の視線をとらえるとき、「The Swamp」の深みから見返してくるのはその物自身ではなく、イメージのイメージのそのまたイメージなのである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e「私が探し求めているのは、その技巧自体が問題提起となっているイメージだ」\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は滑稽さと死して生きらえるものを生み出す美術館の光景のその先に、イメージも「読みとる」ことができるという考えを示す。劇作家ベケットの不溶な言葉と、デヴィッド・リンチ監督のシネマ的な精神錯乱両方にインスピレーションを受けながら作者は無作為に怪物のようなフォルムや粗い画像を見せつけることで作為的に読者の感覚を攻めたて、理解という本来合理的なプロセスを混乱させる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eイギリスの出版社MACKが主催する過去に写真集出版経験の無い作家の出版支援を目的とする「First Book Award」の2016年グランプリ受賞に伴い刊行。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e“Reality as mud as dense as air” reads the spine of Sofia Borges’ book \u003cem\u003eThe Swamp\u003c\/em\u003e, and equally, the series of photographs that she presents is as leaden as it is impenetrable. Spanning a seven-year period, it largely records Borges’ countless visits to natural history museums, zoos, aquariums and research centres, where the artifice of reality became her point of focus. For Borges, displays such as habitat dioramas serve as the ultimate form of representation, where objects have the virtuous task of representing “themselves” – a type, genre or group that is inherently bound to language through layers of history and meaning. As a motionless walrus lies in its plastic Antarctic locale and the beady eye of a fossilised bird catches your glance, what glares back at you from the depths of \u003cem\u003eThe Swamp\u003c\/em\u003e is not the thing itself, but the image, of an image, of an image. “What I seek are images, which, in their very artifice, are able to present themselves as a problem”, Borges has said. Beyond the comical absurdity of museological spectacles that spawn the living dead, \u003cem\u003eThe Swamp\u003c\/em\u003e takes aim at the notion that images can be “read”. Taking inspiration from the insoluble language of Beckett on the one hand, and the cinematic mind-twists of Lynch on the other, Borges disrupts logical processes of comprehension, offering seemingly random sequences of images, whose monstrous forms and coarse surfaces purposefully assault the senses.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30448404044,"sku":"","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160628_5895.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"hibi-by-masahisa-fukase","title":"HIBI by Masahisa Fukase","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003e「ヒビ」は深瀬昌久の最終作のひとつである。1990年から1992年にかけて日々の道すがら地面の亀裂を撮影したものをプリントに焼き、自ら一枚一枚を着色した。そして1992年2月、ニコンサロンにて開催された個展「私景’92」にて、このほかの作品シリーズ「私景」「ブクブク」「ベロベロ」と共に公開。その4ヵ月後、新宿ゴールデン街の階段から転落、脳に障害を受けたことから作家人生を閉じた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003e深瀬昌久 1961-1991　レトロスペクティブ\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2023年3月3日（金） - 2023年6月4日（日） 月曜休館\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：10:00-18:00\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：東京都写真美術館　2F展示室\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/topmuseum.jp\/contents\/exhibition\/index-4274.html\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eHibi\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e literally comprises a series of street photographs by renowned Japanese photographer Masahisa Fukase. Each of the black and white images painstakingly attend to the road’s surface – the worn road-markings, the fading lines and arrows eroded by the city’s innumerable inhabitants, a web of fissures in the asphalt. In 1992, Fukase printed and painted the works for a solo exhibition, 'Private Scenes ‘92', held at Nikon Salon in Tokyo. He overlaid a set of bromide prints with fluid drawings in brightly coloured inks and on every image the physical presence of the artist is traced, a shadow-presence which seems to offer a reading, an interpretation but one that can never be fully resolved.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30448418124,"sku":"9781910164457","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160524_5597.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"the-narcissistic-city-by-takashi-homma","title":"THE NARCISSISTIC CITY by Takashi Homma","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003e都市にある建築物が捉えた、日本とアメリカの都市の風景。「都市によって都市を撮影する」と本シリーズを形容するホンマタカシが用いたのが、写真の原点とも言える”カメラオブスキュラ”である。その原始的な撮影手法により切り取られたのは、ありのままの風景とは異なる都市に潜む影の群像。独特に重なり合う光と影が映り込んだ都市の姿は、まるでナルキッソスが水に映る自分の姿の美しさに見とれたというギリシャ神話の一節ように、通常のカメラの鮮明さが欠落したからこそ現れる自己陶酔的なイメージをはらんでいる。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003eWhat kind of gaze does the city license? What kind of gaze does it induce, determine, inform, program, organise? What is the nature of the city as reality, as image and as symbol? What is this object of desire, at once near and ungraspable, fascinating and repulsive, attractive and intractable, necessary and unbearable, intimate and impenetrable, available and inaccessible, that it is for itself as well as for the man of the crowd, for the man in the street, for the man of the city, for those who inhabit it and those merely passing through it, for anyone who knows that it is a labyrinth but nonetheless allows himself to remain trapped in it?\u003c\/em\u003e - Hubert Damisch\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eTakashi Homma uses fragments collected in camera obscura constructed in metropolitan areas of Japan and the US to build a city image by image. Homma does not seek to index any particular city but to render a shadow world, a city's unconscious caught in a dark chamber, suspended in the camera’s box. The camera obscura offers a repetition, like the reflection shimmering in Narcissus’s pool. The narcissistic city is a city transfixed upon its own image – a mirror city, laced with repetition (modular) and reflections (glass). A city looking at its reflection, a city caught in a dark chamber, a city observing its camera obscura inversion – flickering inside the camera’s box.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30448426956,"sku":"9781910164600","price":13200.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160524_5572.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"the-narcissistic-city-by-takashi-homma-signed","title":"THE NARCISSISTIC CITY by Takashi Homma [SIGNED]","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003e都市にある建築物が捉えた、日本とアメリカの都市の風景。「都市によって都市を撮影する」と本シリーズを形容するホンマタカシが用いたのが、写真の原点とも言える”カメラオブスキュラ”である。その原始的な撮影手法により切り取られたのは、ありのままの風景とは異なる都市に潜む影の群像。独特に重なり合う光と影が映り込んだ都市の姿は、まるでナルキッソスが水に映る自分の姿の美しさに見とれたというギリシャ神話の一節ように、通常のカメラの鮮明さが欠落したからこそ現れる自己陶酔的なイメージをはらんでいる。\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003eWhat kind of gaze does the city license? What kind of gaze does it induce, determine, inform, program, organise? What is the nature of the city as reality, as image and as symbol? What is this object of desire, at once near and ungraspable, fascinating and repulsive, attractive and intractable, necessary and unbearable, intimate and impenetrable, available and inaccessible, that it is for itself as well as for the man of the crowd, for the man in the street, for the man of the city, for those who inhabit it and those merely passing through it, for anyone who knows that it is a labyrinth but nonetheless allows himself to remain trapped in it?\u003c\/em\u003e - Hubert Damisch\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eTakashi Homma uses fragments collected in camera obscura constructed in metropolitan areas of Japan and the US to build a city image by image. Homma does not seek to index any particular city but to render a shadow world, a city's unconscious caught in a dark chamber, suspended in the camera’s box. The camera obscura offers a repetition, like the reflection shimmering in Narcissus’s pool. The narcissistic city is a city transfixed upon its own image – a mirror city, laced with repetition (modular) and reflections (glass). A city looking at its reflection, a city caught in a dark chamber, a city observing its camera obscura inversion – flickering inside the camera’s box.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30448435020,"sku":"","price":13200.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160524_5572_3c044c76-875a-4ed5-b0c5-366e51561d81.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"transparency-is-the-new-mystery-by-mayumi-hosokura","title":"TRANSPARENCY IS THE NEW MYSTERY by Mayumi Hosokura","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp class=\"p1\"\u003e日本人写真家、細倉真弓の作品集。本書はヌードと結晶の写真作品、計22点で構成されている。柔らかく透き通るようなモノクロの写真に映し出される、壊れそうに繊細な手のシルエット、うねる裸体、そして透明な鉱物の目を射抜くような美しさ。驚きに満ちた作家の美学がそれらを分かちがたく結びつける。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e水晶のような樹が輝く洞窟の中の像のようにたれさがり、頭上の葉が宝石の枠をなして、溶けあい、プリズムの格子となり、そのあいまから陽光が何百もの虹を作って照りつけ、鳥も鰐も、ひすいや石英を彫って作った紋章の動物のようにグロテスクな姿勢に凍りついている、この森の驚異。- \u003c\/em\u003eJG Ballard「結晶世界」\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003eTransparency is the new mystery\u003c\/em\u003e comprises twenty-two images of nudes and crystals, by Japanese photographer Mayumi Hosokura. The fragile silhouette of a hand, a coiled nude body, or the transfixing symmetry of crystalline minerals are shown in soft, translucent black and white images, held together by an enigmatic interior logic.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eI was prepared for the transformation of the forest – the crystalline tress hanging like icons in those luminous covers, the jewelled casements of the leaves overhead, fused into a lattice of prisms, through which the sun shone in a thousand rainbows, the birds and crocodiles frozen into grotesque postures like heraldic beasts carved from jade and quartz… - \u003c\/em\u003e\u003cspan\u003eJG Ballard, \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eThe Crystal World\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30448451916,"sku":"9781910164440","price":7920.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160524_5561.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"transparency-is-the-new-mystery-by-mayumi-hosokura-signed","title":"TRANSPARENCY IS THE NEW MYSTERY by Mayumi Hosokura [SIGNED]","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003e日本人写真家、細倉真弓の作品集。本書はヌードと結晶の写真作品、計22点で構成されている。柔らかく透き通るようなモノクロの写真に映し出される、壊れそうに繊細な手のシルエット、うねる裸体、そして透明な鉱物の目を射抜くような美しさ。驚きに満ちた作家の美学がそれらを分かちがたく結びつける。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e水晶のような樹が輝く洞窟の中の像のようにたれさがり、頭上の葉が宝石の枠をなして、溶けあい、プリズムの格子となり、そのあいまから陽光が何百もの虹を作って照りつけ、鳥も鰐も、ひすいや石英を彫って作った紋章の動物のようにグロテスクな姿勢に凍りついている、この森の驚異。- \u003c\/em\u003eJG Ballard「結晶世界」\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003eTransparency is the new mystery\u003c\/em\u003e comprises twenty-two images of nudes and crystals, by Japanese photographer Mayumi Hosokura. 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This \u003cem\u003eMACK Postcards\u003c\/em\u003e set accompanies a touring exhibition, the title of which comes from Walt Whitman’s poem \u003cem\u003eSong of Myself\u003c\/em\u003e [1855] and references both the pages of his books gathered for consideration and the notion that his work is also a story about Soth himself. Alec Soth’s meteoric rise to international acclaim began with his first book, \u003cem\u003eSleeping by the Mississippi\u003c\/em\u003e, published in 2004. The book has sold through numerous print runs and has long been out-of-print. It embodies not only a moment in which a new and original voice emerged with an unusual ability to transpose subtle and highly personal stories of local American life, but also marked a significant early event in the photo-book publishing boom we are currently experiencing. The success of his two subsequent volumes, \u003cem\u003eNiagara \u003c\/em\u003e[2006] and \u003cem\u003eBroken Manual\u003c\/em\u003e [2010], combined with the hugely influential exploration of self-publishing under his Little Brown Mushroom imprint, have all reinforced Soth’s position as a master of the book form. The recent success of \u003cem\u003eSongbook \u003c\/em\u003e[2015] has seen a return to the mainstream of book publishing.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30448475660,"sku":"9781910164617","price":4620.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160524_5755.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"buon-fresco-by-tacita-dean-signed","title":"BUON FRESCO by Tacita Dean [SIGNED]","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eベルリンを拠点として活動するイギリス人アーティスト、タシタ・ディーン（Tacita Dean）の作品集。フランチェスコ会の創設者 ”アッシジのフランチェスコ” は、聖人を人間らしくした聖人で、ごく普通の身体と普通の欲望を持つ1人の人間であった。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「フランチェスコは自分の衝動を沈めるために裸で雪の中を転げ回り、今まだウンブリアの丘と森に通っている道々を歩んだ。フランチェスコが懸念していたことは現代的だった。例えば地球への愛情はエコロジーであり、生き物や動物福祉、慈悲心への理解は現代の社会学的であった。また、彼は人間が現実的に目指すことのできる聖人だった。なぜなら彼の人間性、人間らしさは死から免れることの出来ない我々人間の手の届く場所にあったからである。」\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eBuon Fresco\u003c\/em\u003e」(2014) の中で作者は、作家自身と同じ視点で絵画を見るために、マクロレンズを使用してアッシジにあるバシリカ式教会堂に描かれた、ジョットのフレスコ画のディテールを映した。聖フランチェスコが聖人を人間らしくすることと並行して、ジョットは絵画の中で人々を人間らしく描き、そしてそのことはアートの歴史上非常に重要な出来事となった。フレスコ画は遠くから鑑賞できるものであるため、本書は細部の啓示的な視点とジョットのブラシストロークの精巧さを見ることができ、当時の西洋画の規範を予測し得るものでもある。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003eSt Francis of Assisi was the saint who humanised sainthood. He was a man with an ordinary body and ordinary desires. As Tacita Dean writes, 'He rolled naked in the snow to quell his urges and trod the land on paths and roads that are still wending their way through the hills and forests of Umbria today…. His concerns are contemporary: his love of the earth is ecology, his care for its creatures, animal welfare, and his understanding of his fellow humanity is modern-day social science. He is the saint whom mankind can realistically aspire to emulate, because his humanness, his humanity lies just within our mortal reach.' In her work, \u003cem\u003eBuon Fresco\u003c\/em\u003e, 2014, Dean filmed details of Giotto's frescos in the Upper Basilica in Assisi using a macro lens, in order, she said, to have the perspective of the artist himself. Giotto humanised the depiction of people in painting in a parallel way to St Francis's humanising of sainthood, and this moment, when the radical artist depicted the radical saint is an extremely important juncture in the history of art. Frescoes are meant to be seen from a distance, so this book provides a revelatory view of the minutiae and sophistication of Giotto's brushstrokes, which at times anticipates the future canon of mark marking in Western painting.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30448488268,"sku":"","price":18700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160324_4831.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"dark-rooms-by-nigel-shafran","title":"DARK ROOMS by Nigel Shafran","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eイギリス人フォトグラファー、ナイジェル・シャフラン（Nigel Shafran）の作品集。本書は5つの写真群から構成され、国内情勢についての共通のテーマがともに織り込まれている。スーパーマーケットのレジの写真や地下鉄のエスカレーターの写真から垣間見る、一定で不変、時に公然な感覚を映し出すと同時に、母親が最後に暮らした家で所持品の数々に直面した時の写真からは、しばしば無条件に感情的にさせられる空気を漂わす。先に待ち受けていることと同じくらい置き去りにされているものを扱い、変化の必然性と、進歩とともに過ぎ去る時間の潜在心理を描く。オランダのデザインデュオ、Mevis \u0026amp; Van Deursen（メーフィス\u0026amp;ファン・ドゥールセン）によるブックデザイン。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/blogs\/articles\/review-dark-rooms-by-yukihito-kono-photographer\" target=\"_blank\"\u003eレビュー『DARK ROOMS』：河野 幸人（写真家）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/a\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e \u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/blogs\/articles\/interview-nigel-shafran-photographer\" data-mce-href=\"https:\/\/twelve-books.com\/blogs\/articles\/interview-nigel-shafran-photographer\"\u003eインタビュー ナイジェル・シャフラン：河野 幸人（IACK）\u003c\/a\u003e\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/blogs\/articles\/review-dark-rooms-by-yukihito-kono-photographer\" target=\"_blank\"\u003e\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003cem\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/em\u003e\u003cstrong\u003eEVENT:\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eNigel Shafran: Books 1995 - 2022\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2022年5月28日（土）- 6月12日（日）*第一週は水曜・木曜、第二週は月曜・火曜定休\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：平日12:00-17:30／土日祝12:00-19:00\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：IACK\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.iack.online\/pages\/ns-books-1995-2022\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cstrong\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/em\u003e※本イベントは終了いたしました\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cstrong\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/em\u003eNigel Shafran’s new book takes five interconnected series of photographs and weaves them together with the common thread of domestic scenes. There is a constant sense of forward movement that is sometimes overt, as in the photographs of supermarket checkouts or underground escalators; sometimes implicit and more emotionally charged, as when the photographer faces the inventory of possessions in his mother’s last house. But in each case these photographs deal as much with what has been left behind as with what lies ahead. They carry the inevitability of change and the psychological undertow of time passing moving forward.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/blogs\/articles\/review-dark-rooms-by-yukihito-kono-photographer\" target=\"_blank\"\u003eREVIEW：DARK ROOMS by Yukihito Kono（Photographer）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003cem\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30448538892,"sku":"9781910164426","price":8800.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160324_4888.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"nature-politics-by-thomas-struth","title":"NATURE \u0026 POLITICS by Thomas Struth","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eドイツ人アーティスト、トーマス・シュトゥルート（Thomas Struth）の作品集。同名の展覧会（2016）に伴い出版され、展示された30作品を含む65作品を収録。1978年から2010年の作品を集約した回顧展以降に作者が撮影した写真で構成されており、近年の作品を最も広範囲に網羅しているといえる一冊。作者は、建築・ポートレート・風景、最近では科学技術研究所など、それぞれ異なる分野においてその場単体のイメージを独自の視点で作り上げるスタイルで知られて、本書では作者にとって今最も重要とされる研究テーマ「テクノロジーと建造的な風景」を表現する為、徹底的に自身の持つ多様な問い、疑問を追求している。物理学研究所や、製薬工場、宇宙ステーション、造船所、核施設、手術室といった、技術産業や科学的な研究が生み出した場所を撮影。特に現代社会において革新的とされている機器や、人類の英知を結集したような建造物を選んでいる。このような被写体を写した作品は、構造的な複雑性の記録を通して革新や実験の美学とは何かを探り、先進的な技術が及ぼす目に見えない支配力や影響力の構造を示唆している。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003eThis catalogue accompanies a museum exhibition of the latest work of German artist, Thomas Struth. The touring show focuses on photographs Struth has made since his last major retrospective, which covered the years 1978–2010. The catalogue comprises 65 works (plus details) and includes all of the 30 works in the exhibition to create the most comprehensive book of Struth’s recent work. Thomas Struth is renowned for his practice of creating singular images, each within strictly segregated subject fields: architecture, portraiture, landscape and, most recently, sites of technological and scientific research. \u003cem\u003eNature \u0026amp; Politics\u003c\/em\u003e explores in depth diverse strands of Struth’s enquiry, whilst also elaborating the interstices between them, to present the most significant current monograph of the artist’s work. In recent years technology and the constructed landscape have become overarching subjects for Struth. Photographing at sites of techno-industrial and scientific research, including physics institutes, pharmaceutical plants, space stations, dockyards, nuclear facilities and operating theatres – he has focused on machines which are some of the transformative instruments of our contemporary world, and edifices of technological production where the heights of human knowledge are enacted, debated and advanced. These works explore the aesthetics of innovation and experimentation through the recording of structural complexities and allude to the hidden structures of control, power and influence exerted by advanced technologies. In the same period, Struth was working on two quite distinct projects. The first was Disneyland, a theme park which was famously constructed by reference to Walt Disney's memories of his trips across Europe, transforming the passive experience of watching and of fantasy into a latent reality in California. Struth was attracted to this ultimate human-crafted environment, where technology has facilitated the materialisation of images from Walt Disney's imagination. The second project was the contested landscape of Israel and Palestine where Struth created a series of images which collapsed his strict subject fields, producing urban landscapes, portraits, landscapes and photographs of technology. Each photograph is a fragment which attempts to grasp the circumscribed reality of a region where coexistence has failed. Struth seeks, in his own words, “to open the doors to what our minds have materialised and transformed into sculpture and to scrutinise what our contemporary world has created in places which are not accessible to most people.” His images penetrate and report on the material spaces of the human imagination, and they are born from an accelerated moment when technology and the image industry have brought physical reality and the imagination closer together.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30448559948,"sku":"9781910164471","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160324_4842.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"spirit-is-a-bone-by-adam-broomberg-oliver-chanarin","title":"SPIRIT IS A BONE by Adam Broomberg \u0026 Oliver Chanarin","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eロンドンを拠点に活動するアーティストデュオ、アダム・ブルームバーグ \u0026amp; オリバー・チャナリン（Adam Broomberg \u0026amp; Oliver Chanarin）の作品集。ロシアのフェミニスト・パンク・ロック集団「プッシー・ライオット」のメンバー、エカテリーナ・サムツェビッチ（Yekaterina Samutsevich）やモスクワ市民らが収められているこの一連のポートレイトは、ロシア政府がモスクワでの公安や国境警備のために開発された最新の顔認識システムによって描き出されたものである。しかし、ここで結果的に出来上がったポートレイトは容易に回転しやすく詳しく精査出来る3Dの複製された顔であり、写真というよりはデジタルライフマスクに類似している。この顔認識システムカメラにおける重要な点は、被写体の同意無しにポートレイトを撮影することを意図して設計されていることで、その構造として、4つのレンズが連動し、被写体自身が撮影されていることに気づいていなくても、表面的にカメラを見ているところからその人の正面写真を生成する。このシステムは地下鉄やスタジアム、コンサートホールなどの混雑した公共の場所での顔認識や、他には普段は写真を撮られることを拒む人々の写真を撮る為に考案された。作者は、現代ロシアにおけるこのポートレイト群を、アウグスト・ザンダー（August Sander）の重要な作品『Citizens of the Twentieth Century』に習い、一連のポートレイト配役を職種に従って分類。しかし、最新技術を駆使しているにも関わらず、これらのポートレイトは解像度がとても低い上に部分的に分解しており、つまりこのカメラはいかに正確に顔の各パーツを認識しそれを3D化出来るかに目標が設定されており、ザンダーのように個々のキャラクターを捉える機能は備えていないことの証明にもなる。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003eThe series of portraits in this book, which include Pussy Riot member Yekaterina Samutsevic and many other Moscow citizens, were created by a machine: a facial recognition system recently developed in Moscow for public security and border control surveillance. The result is more akin to a digital life mask than a photograph; a three-dimensional facsimile of the face that can be easily rotated and closely scrutinised. What is significant about this camera is that it is designed to make portraits without the co-operation of the subject; four lenses operating in tandem to generate a full frontal image of the face, ostensibly looking directly into the camera, even if the subject himself is unaware of being photographed. The system was designed for facial recognition purposes in crowded areas such as subway stations, railroad stations, stadiums, concert halls or other public areas but also for photographing people who would normally resist being photographed. Indeed any subject encountering this type of camera is rendered passive, because no matter which direction he or she looks, the face is always rendered looking forward and stripped bare of shadows, make-up, disguises or even poise. Co-opting this device, Broomberg \u0026amp; Chanarin have constructed their own taxonomy of portraits in contemporary Russia. Echoing August Sander’s seminal work, \u003cem\u003eCitizens of the Twentieth Century\u003c\/em\u003e, Broomberg \u0026amp; Chanarin have made a series of portraits cast according to professions. But their portraits are produced with this new technology, with little if any human interaction. They are low resolution and fragmented. The success of these images is determined by how precisely this machine can identify its subject: the characteristics of the nose, the eyes, the chin, and how these three intersect. Nevertheless they cannot help being portraits of individuals, struggling and often failing to negotiate a civil contract with state power. This book is the result of a series of encounters, interactions and conversations between Broomberg \u0026amp; Chanarin and the photography collections at the Library of Birmingham made possible by a commission from GRAIN and the Library with support from the Arts Council of England. \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30448577356,"sku":"9781910164181","price":7920.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160204_3911.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"shelter-island-by-roe-ethridge","title":"SHELTER ISLAND by Roe Ethridge","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人アーティスト、ロー・エスリッジ（Roe Ethridge）の作品集。本書は作者が家族と共にニューヨークのロングアイランドでひと時の夏を過ごした際に撮影した作品を収録。滞在用に借りた家で、彼らはガレージに残された様々な物や、他の家族によって捨てられたままとなった物を見つける。プラスチック製バットや埃を被ったコーラのボトル、水に浸かり萎れてしまった凧といった色あせていった物達は幼少期の夏を思い出させ、昔のアメリカの情緒を彷彿とさせるライトモチーフとなる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/blogs\/articles\/conversation-roe-ethridge-fumi-ishino\" target=\"_blank\"\u003e対談：ロー・エスリッジ（写真家） × ⽯野郁和（写真家）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/span\u003e\u003cem\u003eShelter Island\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e comprises a body of work made by Roe Ethridge during a summer stay in Long Island, New York. Renting an all-American kit house, Ethridge and his family discovered objects stowed in the garage, things discarded by a different family and from a different moment in time. The faded objects, which are leitmotifs of an Americana of the past, speak of a lifetime of childhood summers: dusty Cola bottles, a plastic bat or fallen kite. In Ethridge’s work, the passage of time, and youth itself, is both acutely personal and stylised, in images that are at once synthetic and spontaneous, laden with familiar photographic tropes which are shown to us askance.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/blogs\/articles\/conversation-roe-ethridge-fumi-ishino\" target=\"_blank\"\u003eCONVERSATION：Roe Ethridge（Photographer）x Fumi Ishino（Photographer）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp class=\"p1\"\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30448614988,"sku":"","price":3300.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160204_3870.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"beyond-maps-and-atlases-by-bertien-van-manen","title":"BEYOND MAPS AND ATLASES by Bertien van Manen","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eオランダ人フォトグラファー、ベルティアン・ファン・マネン（Bertien van Manen）の作品集。本書はアイルランドを舞台に2013年11月から2015年8月にかけて撮影されたシリーズを収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e「撮影当初は、何を捉えようとしているのか確信が持てずにいました。その途中で旦那が亡くなり、私は周囲の人々を遠ざけこの状況を深く見つめ直しました。そこからこの土地に古くから伝わる神話や伝説の真意へと導かれるように興味を持つようになったのです。そこにはこの世界を卓越した、何も無いが広大な神秘に満ちた果てしない世界があったのです」。\u003c\/em\u003e- Bertien van Manen\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書タイトルは、北アイルランド出身の詩人、Seamus Heaneyの詩集『人間の鎖』から引用されている。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003eIn this new body of work, \u003cem\u003eBeyond Maps and Atlases\u003c\/em\u003e, Bertien van Manen turns to Ireland. Van Manen says, ‘At first, working in Ireland I wasn’t sure what I was looking for. My husband had died. I dispensed with the people and reflected on the atmosphere. I was guided by a feeling and a search, a longing for some kind of meaning in a place of myths and legends. There was mystery and endlessness at the edge of a land beyond which is nothing but a vast expanse.’\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eWhere can it be found again,\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003cem\u003eAn elswhere world, beyond\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003cem\u003eMaps and atlases,\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003cem\u003eWhere all is woven into\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003cem\u003eAnd of itself, like a nest\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003cem\u003eOf crosshatched grass blades?\u003c\/em\u003e \u003cbr\u003e- Seamus Heaney\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30448623308,"sku":"978-1-91-016443-3","price":7920.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160204_3835.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"got-to-go-by-rosalind-fox-solomon","title":"GOT TO GO by Rosalind Fox Solomon","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人フォトグラファー、ロザリンド・フォックス・ソロモン（Rosalind Fox Solomon）の作品集。本書は作者のこれまでのキャリアを通じて撮り貯めてきた作品を、初期作品とその他の作品を対比させたり、広義の世界観から捉えられた緊迫したイメージや、社会や家庭に課せられた厳格な境界の外側にあるものを捉えた作品などによって回顧録や小説のように構成。作者はこれら一連の作品をユーモアと哀愁に満ちた「悲喜劇」として描写し、我々が自身に課す社会のルールや逃れることが難しい生まれつきの信条の限界を追求する。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003ePart memoir and part fiction, \u003cem\u003eGot To Go\u003c\/em\u003e presents a collection of photographs from across Rosalind Fox Solomon’s life, contrasting a narrative of her own early years with other, urgent images that reveal a wider vision of the world, one outside of the rigid boundaries imposed by society and the home. If biography is a net cast upon us by family and shaped by social codes, Fox Solomon lays bare the limits of the net, as she negotiates the cusp between lived life and her imagination. Describing the work as a “tragicomedy”, full of both humour and pathos, Fox Solomon probes the limits we impose on ourselves, not only social codes but also the inherited tenets which are so difficult to escape.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30448634636,"sku":"","price":6160.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160204_3901.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"the-home-front-by-kenneth-graves","title":"THE HOME FRONT by Kenneth Graves","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人フォトグラファー、ケネス・グレイブス（Kenneth Graves）の作品集。60～70年代の過渡期のアメリカを哀愁とユーモアをふくみ、特徴的にとらえた作品を収録。シークエンス内の空白からは、アメリカが抱える矛盾と減退を強調しているのが見てとれると同時に、この虚構を調査分析し現実性を背景にアメリカンドリームの緊張を表している。グレイブスはカメラの前で展開される信じがたい出来事や予期せぬ幸運な偶然など、日常のシュルレアリスムを記録するための手段として写真を用いる。Garry Winograndの様に写真の異なる言語（文学調や常に偽って伝えられる政治的ヴィジョン）の構築に関心をもっている。アメリカの風物の一般公開を追い求める中で、作者は予想と予期せぬことの同時性に刮目し、日々に潜む奇跡やユーモア、違和感などを明らかにしようとした着眼点が伝わる1冊となっている。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003eKen Graves’s idiosyncratic photographs capture the humour and pathos of America in the transitional era of the 1960s and 1970s. Looking in from the margins, Graves highlights the contradictions inherent in America and its culture moulded equally by idealism and decline. He simultaneously examines and dismantles those myths, and plays out the tension of the American dream against the backdrop of a gritty reality. Graves uses photography as a tool to document everyday surrealism, the improbable episodes and happy accidents which unfold before the camera. Like Garry Winogrand, Graves is concerned with building a distinct photographic language – literary in tone, and always belied by a politics of vision. In searching out public displays of Americana, Graves focuses on the simultaneity of anticipation and collision, reaching beyond the hyperreal of the fairgrounds and the holiday occasions, revealing instead the wonder, humour and strangeness of the everyday.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30448655244,"sku":"9781910164150","price":5940.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160112.14_2778.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"hanezawa-garden-by-anders-edstrom","title":"HANEZAWA GARDEN by Anders Edström","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eスウェーデン人フォトグラファーで映像作家のアンダース・エドストローム（Anders Edström）の作品集。かつて東京・広尾にあった邸宅「羽澤ガーデン」を約9年間に渡って撮り続けた作品を収録。「羽澤 ガーデン」は、大正時代に作られた日本家屋と日本庭園を活かし、飲食・宴会施設などとして使われてきた 施設だったが、2005年12月を持って閉鎖された。豪壮な大正期の近代和風の邸宅では、囲碁や将棋の 名人戦の舞台になるなど、政治・経済・文化をはじめ、すそ野の広い人々とゆかりを持っていたこの文化的 価値のある建築をなんとか残そうと、地元住民が開発許可の取り消しを求める行政訴訟を行ったが、建物は 取り壊され、2012年に跡地に3階建てマンションが建てられた。瑞々しい竹が生い茂る緑豊かな庭や落 ち葉の積もる屋根は時と共に移り変わり、江戸時代から現在までの日本の歴史をもつ場所の証人であった羽 澤ガーデンの豊かな樹木はもはや見ることができない。しかし、この本に写し出されている風景だけは未だ に我々の目に都市開発で消えてしまった「土地の文脈の記憶」を映し出しているように見える。映像作品「The Anchorage」(09') を共同制作した、C.W.Winterによるエッセイ（和訳付き）を収録したブックレット付き。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003eHanezawa Garden\u003c\/em\u003e is an illicit trail through a walled garden in Tokyo, between thick foliage, slender bamboo and semi-inhabited outhouses, their plastic roofs heavy with leaves, as if reclaimed by the jealous trees. The protagonist, like a detective, catalogues the garden obsessively, registering strange and peripheral details: a sealed cardboard box, lingering on a sill, or the receding body of a workman. Time is loose, and the seasons slip by. The sightlines through Hanezawa are multiple and mutable, and the assembled images grow in weight through repetition and proximity. The minor characters of this elusive narrative are ordinary objects: a shell, half buried in the soil, whose brief significance is acute and unreadable, before it slips back into entropy. The surfaces, too, are iridescent, ungovernable – garden huts with smeared panes that reflect sky or reveal the bulge of something, vegetating, behind. The windows, like the images themselves, always promise something – a revelation – just out of reach. Hanezawa Garden was demolished by the real estate developer Mitsubishi Estate in 2012, despite countless attempts by local residence to preserve the house and gardens.  \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30448690444,"sku":"9781910164204","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160112.14_2770.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"a-handful-of-dust-by-david-campany","title":"A HANDFUL OF DUST by David Campany [SECOND EDITION]","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eイギリス人のキュレーター、ライター、そしてアーティストでもあるデヴィッド・カンパニー（David Campany）が、2015年にパリの現代写真センター「LE BAL」の5周年記念展としてキュレーションした展覧会「a Handful of Dust - from the Cosmic to the Domestic」の為にLE BALとMACKが共同発行した図録。本展覧会企画に当たり、作者が着想を得たのは、1922年にマルセル・デュシャンの作品「大ガラス」に積もった埃をマン・レイが撮影し、後に「埃の培養」と名付けられた作品。その写真は抽象的であり、写実的であると共 に、アートワークでありドキュメンタリーでもあった。通常、衛生的理由や産業的理由からもその存在が排除の対象となってきた「埃」がモチーフとなっている写真・ビデオ作品を新旧の著名作家及び匿名の新聞掲載写真、ポストカード、雑誌の切り抜きなどから幅広く集め、まとめられている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e主な作品収録作家：マン・レイ（Man Ray）, ジョン・ディボラ（John Divola）, モナ・クーン（Mona Kuhn）, ゲルハルト・リヒター（Gerhard Richter）, ニック・ワプリントン（Nick Waplington）, ジェフ・ウォール（Jeff Wall）など\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003ea Handful of Dust\u003c\/em\u003e is David Campany’s speculative history of the last century, and a visual journey through some of its unlikeliest imagery. Let’s suppose the modern era begins in October of 1922. A little French avant-garde journal publishes a photograph of a sheet of glass covered in dust. The photographer is Man Ray, the glass is by Marcel Duchamp. At first they called it a view from an aeroplane. Then they called it Dust Breeding. It’s abstract, it’s realist. It’s an artwork, it’s a document. It’s revolting and compelling. Cameras must be kept away from dust but they find it highly photogenic. At the same time, a little English journal publishes TS Eliot’s poem \u003cem\u003eThe Waste Land.\u003c\/em\u003e “I will show you fear in a handful of dust.” And what if dust is really the key to the intervening years? Why do we dislike it? Is it cosmic? We are stardust, after all. Is it domestic? Inevitable and unruly, dust is the enemy of the modern order, its repressed other, its nemesis. But it has a story to tell from the other side.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30448879500,"sku":"9781910164969","price":9680.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160112.14_2820.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"the-dailies-by-thomas-demand","title":"THE DAILIES by Thomas Demand","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eベルリンとロサンゼルスを拠点に活動するドイツ人アーティスト、トーマス・デマンド（Thomas Demand）の作品集。作者は普段制作したペーパー・スカルプチャーを写真に収めた後、それを壊すことで知られ、その結果として出来た本シリーズ作品には消費されたものの痕跡や、取り残されたものの姿としての残骸が映されている。作者は旅行や散歩の途中で見たものを作品のベースとし、一見ありふれている様でありながら手が届かない世界を描く。撮影されたカラフルな洗濯バサミはロープの上で踊っている様で、日常と錯覚の中間を漂っている。デマンドの作品は観る者を紙で造られた異世界へと誘う。そのペーパー・スカルプチャーの不完全さが実在する物との不一致を目立たせ、現実と写真の関係を複雑にする。デマンドはこのシリーズを俳句の様だという。集められたシンプルな欠片が熟考を引き起こす。日常的な物がデジャヴのきっかけとなり、普通でありながら新しい美しさに気付かされる。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003eWorking within the parameters of his established technique, Thomas Demand created carefully formed paper and card sculptures, a parallel world which is photographed and then destroyed. \u003cem\u003eThe Dailies\u003c\/em\u003e offers only traces – signs of consumption, or the spectres of things left behind. His creations are based on things he saw and photographs he took while travelling and walking the street. They show a world that is familiar but out of reach, like the dancing coloured pins on a clothesline, suspended somewhere between the overfamiliar and the hallucinatory – as if a chance apparition, glimpsed momentarily, before it vanishes into its habitat. The images lure the viewer into a mirror world, a twin universe made only of paper. But the imperfect models are awash with discrepancies from actual things, and as such, they act as small ruptures that complicate the old indexical bond between a photograph and reality. Demand describes the series as Haiku poetry, simple fragments strung together to inspire reflection; they are the stock of our daily lives, but as they trigger deja vu through performed repetition, they ask us to look again, anew, to find in the repertoire an ordinary but redemptive beauty.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30448966732,"sku":"9781910164402","price":5775.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/151028_2536.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"unnamed-road-by-jungjin-lee-second-edition","title":"UNNAMED ROAD by Jungjin Lee (2014) [SECOND EDITION]","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eニューヨークを拠点とする韓国人写真家、ジョンジン・リー（Jungjin Lee）の作品集。独特な静けさと驚きに充ちたモノクローム作品による内観的な景観によってイスラエルとヨルダン川西岸の抗争へのアプローチが試みられている。20年間に渡って桑紙に液体写真乳剤を刷毛で塗る古典的絵画の手法を導入することで独自の作風を築いてきたが、本作は印刷にあたり初めてデジタルプロセスを導入して制作された。パレスチナ自治区が直面している複雑さを12名の世界的写真家達の目を通して検証するプロジェクト「This Place」への参加から制作された作品を元に発行。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/imaonline.jp\/imavision\/video-editorials\/file1_jungjin_lee\/\" target=\"_blank\"\u003e記事：Video Editorials by Yasuyuki Takagi \/ File 01. Jungjin Lee ―知られざるアーティストたちの肖像―（IMA VISION\/IMA ONLINE）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003cem\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/em\u003eFor Jungjin Lee, photographing the landscape is an exploration of her own mind – the introspective states of the artist, whose photographic gaze is insistent and transformative. Her latest project \u003cem\u003eUnnamed Road\u003c\/em\u003e approaches the contested territories of Israel and the West Bank by turning to the landscape. Her black-and-white images are self-contained worlds of stillness and wonder, as Lee searches for something constant in the life of the landscape. Her images suggest that despite the semblance of fluctuation, some fundamental truths do not alter: just as the surface of the ocean is constantly in flux, its depths in fact remain unchanged and enduring. Lee, who describes her photographic state as ‘meditative’, regards the act of photography as emotional and experiential, a moment when ‘that absolute “echo” within myself travels through time and space’. Yet she struggled to find neutrality in a charged territory that she describes as ‘uncomfortable’; it was only in final trips to sites in 2011 that she found distance – thus opening out the work to signify more that Israel and its conflict. Lee’s work is often concerned with the materiality of printing technique, and for twenty years she has utilised a liquid photo-sensitive emulsion brushed on handmade rice paper, a method akin to painting. In \u003cem\u003eUnnamed Road\u003c\/em\u003e, for the first time digital processes were employed; and yet the images remain explorations of chance and imperfection, drawing the viewer into a realm where fullness of vision is the subject matter.\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/imaonline.jp\/imavision\/video-editorials\/file1_jungjin_lee\/\" target=\"_blank\"\u003e\u003cbr\u003eARTICLE: Video Editorials by Yasuyuki Takagi \/ File 01. Jungjin Lee (IMA VISION\/IMA ONLINE)\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30449003852,"sku":"","price":19800.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150330_4590_1.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"lago-by-ron-jude","title":"LAGO by Ron Jude","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人フォトグラファー、ロン・ジュード（Ron Jude）の作品集。本書は、作者が幼少期を過ごしたカリフォルニアの砂漠地帯に戻り撮影した写真をまとめた一冊。2011年から2014年の間に撮られた54枚の写真で構成されている。自身の曖昧な記憶を元に撮られた写真は一貫した物語を描いており、荒れ果てた砂漠に位置する湖を背景に、作者は自身が幼い頃に暮らした地域をあてもなくさまよい歩き記録した。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003e“…I know it happened, and I have enough information about it to reconstruct the whole scene to my own satisfaction, but the person to whom it happened is somewhere so far off that I only know it’s me because I can see his face, and because I’m the one remembering.”\u003c\/em\u003e - John Darnielle, Wolf in White Van\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn \u003cem\u003eLago\u003c\/em\u003e, Ron Jude returns to the California desert of his early childhood as if a detective in search of clues to his own identity. In a book of 54 photographs made between 2011 and 2014, he attempts to reconcile the vagaries of memory (and the uncertainty of looking) with our need to make narrative sense of things. Using a desolate desert lake as a theatrical backdrop, Jude meanders through the arid landscape of his youth, making note of everything from venomous spiders to discarded pornography. If one considers these traces to be a coded language of some sort, Jude’s act of photographing and piecing them together becomes a form of cryptography – like a poetic archeology that, rather than attempting to arrive at something conclusive, looks for patterns and rhythms that create congruity out of the stuttering utterances of the visible world. According to Jude, “these harmonies, when we’re lucky enough to find them, are probably the closest we can get to discovering actual ‘meaning’ and grasping the potency of place.”\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30449037964,"sku":"","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/151028_2562.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"the-voyage-of-discovery-by-carly-steinbrunn","title":"THE VOYAGE OF DISCOVERY by Carly Steinbrunn","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eロンドンを拠点とするフランス人アーティスト、カーリー・スタインブルン（Carly Steinbrunn）の初作品集。本書は未知なる世界への探索についた科学報告書であり、収録された数々の写真は発見された物の目録であり、James CookやClaude Lévi-Straussの旅行記などに見られる博学的好奇心を持ち合わせている。作者の作品は地理学、植物学、人類学や動物学に影響を受け、科学と写真史双方の要素を取り入れている。Le GrayやブBlossfeldtの様に写真の進化を探る一方、ファウンド・オブジェを使い写真という媒体の透明性を問う。それは、写真は現実の指標でもありながら、フィクションの索引でもある。またこのプロジェクトは意図的に未完成であり、ここだけにしか存在しない世界へ道順を示す標識があるだけである。最終的にはこの作品集は写真と探検が深い繋がりを持っていた時代へ言及しており、全ての島々が地図に記され、国境が越えられたこの時代では、唯一残された冒険は写真の中に記録されている。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003eA few hundred years hence, in this same place, another traveller, as despairing as myself, will mourn the disappearance of what I might have seen, but failed to see. I am subject to a double infirmity: I am hurt by everything I see, and I constantly reproach myself for not looking as much as I should. Claude Lévi-Strauss, \"Tristes Tropiques\" Carly Steinbrunn’s \u003cem\u003eThe Voyage of Discover\u003c\/em\u003ey poses as the scientific report of a mission to discover and describe unknown worlds. The photographs present an inventory of findings, with an encyclopaedic curiosity reminiscent of the expeditionary narratives of James Cook and the travelogues of Claude Lévi-Strauss. Touching upon the realms of geography, botanics, anthropology and zoology, Steinbrunn’s body of work borrows from the varied approaches of the scientific register, and from the history of photography. Echoing Le Gray and Blossfeldt to evoke the aesthetic catalogue of photography’s own evolution, Steinbrunn also enfolds found images to question the transparency of the medium, where a photograph is simultaneously an index of reality and a fabrication. Steinbrunn’s project is wilfully inconclusive, offering only signs to a pathway through a territory that exists only within the universe of her book. Ultimately, the work bears reference to that particular history which links photography to exploration – the successive conquests of the sea, the air and outer space – and Steinbrunn suggests that, in an age where every island has been charted, every frontier has been breached, the only journey left is inside the image itself.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30449051532,"sku":"","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/151028_2545.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"early-works-by-ivars-gravlejs","title":"EARLY WORKS by Ivars Gravlejs","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eプラハを拠点に活動するラトビア人写真家、アイヴァース・グラヴェレジズ（Ivars Gravlejs）の初となる作品集。\"先生たちから屈辱的に扱われるので、学校に行く前はいつもイライラしていた。写真を撮るか、映画を撮るか、何か作ることが学校で生き延びるための唯一の手段だった\" と彼自身が記したように、1990年代のラトビアでの学生時代を記録した風変わりなスクラップブックの中で、作者は学校という小さな国家に写真を撮ることで反乱を起こしていた。\"Conceptual\" や \"Pop art\" などから成る8つの章は作者の興味を反映し、各章にあるイメージは同級生や先生たちを撮影し、残酷に切り抜いたりモンタージュしたりして作り出された。本書は、大人の世界のルールや原則、美的感覚を嘲笑しているかのようである。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003eAn eccentric scrapbook documenting Ivars Gravlejs schooldays in Latvia during the 1990s. Aged 11, Gravlejs acquired a camera, soon deployed in unrestrained rebellion against authority – the small state of the school. Gravlejs writes, \u003cem\u003e“I often felt nauseous before going to school because of the humiliation that I faced from my teachers. The only way to survive school was to do something creative - to take pictures and make movies.” \u003c\/em\u003e\u003cem\u003eEarly Works\u003c\/em\u003e satirises of the rules and aesthetic principles of the adult world. Eight sections trace the various phases of Gravlejs's encyclopaedic curiosity, including ‘Conceptual’, ‘Pop art’ and 'Actions', parroting the tropes of contemporary art, in emanations of the readymade (a pop art stockpile of soda cans), fake historical reconstructions (toy soldiers in battle) and surreal compositions (the erotic union of eggs and a sausage). In all the images, Gravlejs uses the gesture of art as an instrument of anarchy, lampooning his classmates and teachers in fiendish montages, winning small victories in the domain of the image. Pandemonium reins, as the young Gravlejs shapeshifts across the pages, here pretending to be 'dead drunk', sprawled out like an inebriated adult, and there caught in a mock act of terrorism, shifting railroad tracks in theatrical dark glasses. Authoring captions that offer unsparingly honest vignettes to account for each image, Gravlejs's tone is one of utter self-mockery; and yet we are never quite sure of Gravlejs own proximity to the prodigy of \u003cem\u003eEarly Works\u003c\/em\u003e – as a younger self he teases, spoofs, and employs to bite back at society, but also a protagonist assembled from a world of appropriation, manipulation and intervention.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30449167116,"sku":"","price":6820.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150707_1444.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"belongs-to-joe-by-casper-sejersen","title":"BELONGS TO JOE by Casper Sejersen","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eデンマークを拠点とするフォトグラファー、キャスパー・セイェルセン（Casper Sejersen）による、ラース・フォン・トリアー監督の映画『ニンフォマニアック』の台本への解説として編集されたフォトエッセイブック。プルーストの『失われた時を求めて』やフィボナッチ数、アイザック・ウォルトンの『釣魚大全』、バッハの作曲原理など様々な要素が映画の台本に用いられている。キリスト教会の歴史や、サディズム、ファシズム、植物学など様々な題材が重なり合って複雑になった物語を、作者の写真と美術歴史学者、Cecilie Høgsbroの文章で紐解いていく。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003eBelongs to Joe\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e is a photographic essay, compiled as set of notes on Lars von Trier’s film script for \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eNymphomaniac\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e. The script’s elemental material draws from varied sources: Proust’s \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eIn Search of Lost Time\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, Fibonacci numbers, Izaak Walton's \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eThe Compleat Angler\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, and Bach’s principles of composition – material woven in a continuous chain of associations embracing ecclesiastical history, sadism, fascism, pyrotechnics and botany.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30449194572,"sku":"","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150602_0950.jpg?v=1571703835"},{"product_id":"this-is-where-i-live-by-wendy-ewald","title":"THIS IS WHERE I LIVE by Wendy Ewald","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人フォトグラファー、ウェンディ・エワルド（Wendy Ewald）は40年間にわたって世界中を旅し、現地のコミュニティ、特に子供と交流し仕事を続けている。またそれに加え、自身の作品作りに関しても簡素なカメラを人々に手渡し、プロの写真家が主題とするテーマを市井の人々の視点で撮影するという方法を発展させてきた。現地の人が現地のコミュニティの様子を自分たちの目と手で作ったイメージは、コミュニティ内で生活した者でなければ見えない風景や人々の表情を映し出している。本書はパレスチナ自治区が直面している複雑さを12名の世界的写真家達の目を通して検証するプロジェクト「This Place」への参加から制作され、ユダヤ人、キリスト教、ジプシーやドゥルーズ派など数々の人々を撮影している。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003eFor forty years, Wendy Ewald has travelled the world working with local communities, especially children. In addition to making her own photographs, she developed a method of handing out simple cameras and encouraging people – ordinarily the ‘subjects’ of a professional photographer – to author their own images of themselves and their communities. Because the photographers are trusted observers, innocent of the techniques (and wiles) of professionals, the results have the uncanny feel of unadorned truth. In \u003cem\u003eThis Is Where I Live\u003c\/em\u003e, Ewald redefines the scope of books about Israel and the West Bank. Ewald portrays an entire region through its discreet parts. Her subjects are contested sites where many communities coexist: Jewish, Christian, Gypsy and Druze. Ewald worked with fourteen different communities – in neighbourhoods, villages and schools – using a version of the prismatic approach she’s refined over many years. She encouraged a wide range of people – school children, elderly women and hi-tech workers – to take pictures and document their lives from their own perspective. Cameras were offered to children uprooted by settlements in Hebron, the West Bank; to young girls at Tzahali military academy; to stall owners at The Shuk, Jerusalem’s lively marketplace; and to Bedouin students at a school in the Negev Desert. The collected images, accompanied by interviews and statements by the photographers, evoke the vitality of the region's cultural landscape, including small minorities such as the Gypsies (who are often swept under the umbrella of Arab identity) – not to mention the myriad identities within majority groups, illuminating the manifold meaning of ‘Jewish identity’\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30449211532,"sku":"9781910164099","price":15400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150602_1012.jpg?v=1571703835"},{"product_id":"blossom-by-thomas-demand-ben-lerner","title":"BLOSSOM by Thomas Demand \u0026 Ben Lerner","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eドイツ人アーティストのトーマス・デマンド（Thomas Demand）とアメリカ人小説家・詩人のベン・ラーナー（Ben Lerner）の文章で構成されるコラボレーション作品集。紙で丁寧に創られた “Blossom = 桜” のイメージは、2013年5月4日にニューヨークタイムズ紙に掲載された、同年4月に起こったボストンマラソン爆弾テロ事件のタメルラン・ツァルナエフ容疑者の妻、キャサリン・ラッセルの写真に関連している。デマンドの作品は撮影され、壊され、見る人を目の前にある現実とは違った、仮想現実の世界へと引き込み、そこへラーナーの文章を添えることにより、デマンドの写真にまた新たな解釈が提案されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/news.artnet.com\/art-world\/prada-1805898\" target=\"_blank\"\u003e記事：Conceptual Photographer Thomas Demand on Why He Decided to Anonymously Design a Store Window for Every Prada Boutique in the World（artnet news \/ 英語）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003cem\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003eThe texts and images presented here are part of \u003cem\u003eBlossom\u003c\/em\u003e, a collaboration between the artist Thomas Demand and writer Ben Lerner. The images relate to a detail from a photograph of Katherine Russell, widow of Tamerlan Anzorovich Tsarnaev leaving her home in Boston, that first appeared in the New York Times on 4 May 2013. \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eThomas Demand’s work lures the viewer into a reality that is not what it appears to be. Carefully contrived from paper, these imaginary worlds are sculpted, photographed and destroyed. The traces which remain are events in which the protagonist is removed, scenes that are both familiar and out of reach.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/news.artnet.com\/art-world\/prada-1805898\" target=\"_blank\"\u003eArticle: Conceptual Photographer Thomas Demand on Why He Decided to Anonymously Design a Store Window for Every Prada Boutique in the World（artnet news）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30449212684,"sku":"9781907946561","price":15400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150602_1135.jpg?v=1571703835"},{"product_id":"blossom-by-thomas-demand-ben-lerner-signed","title":"BLOSSOM by Thomas Demand \u0026 Ben Lerner [SIGNED]","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eドイツ人アーティストのトーマス・デマンド（Thomas Demand）とアメリカ人小説家・詩人のベン・ラーナー（Ben Lerner）の文章で構成されるコラボレーション作品集。紙で丁寧に創られた “Blossom = 桜” のイメージは、2013年5月4日にニューヨークタイムズ紙に掲載された、同年4月に起こったボストンマラソン爆弾テロ事件のタメルラン・ツァルナエフ容疑者の妻、キャサリン・ラッセルの写真に関連している。デマンドの作品は撮影され、壊され、見る人を目の前にある現実とは違った、仮想現実の世界へと引き込み、そこへラーナーの文章を添えることにより、デマンドの写真にまた新たな解釈が提案されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/news.artnet.com\/art-world\/prada-1805898\" target=\"_blank\"\u003e記事：Conceptual Photographer Thomas Demand on Why He Decided to Anonymously Design a Store Window for Every Prada Boutique in the World（artnet news \/ 英語）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003cem\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/em\u003eThe texts and images presented here are part of \u003cem\u003eBlossom\u003c\/em\u003e, a collaboration between the artist Thomas Demand and writer Ben Lerner. 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CAPOLAVORO!... already hailed critically as a classic... One of the best photo books in a lonnnnng time\"\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eKnown for his haunting portraits of solitary Americans in \u003cem\u003eSleeping by the Mississippi\u003c\/em\u003e and \u003cem\u003eBroken Manual\u003c\/em\u003e, Alec Soth has recently turned his lens toward community life in the country. To aid in his search, Soth assumed the increasingly obsolescent role of community newspaper reporter. From 2012-2014, Soth traveled state by state while working on his self-published newspaper, The LBM Dispatch, as well as on assignment for the New York Times and others. From upstate New York to Silicon Valley, Soth attended hundreds of meetings, dances, festivals and communal gatherings in search of human interaction in an era of virtual social networks. With \u003cem\u003eSongbook\u003c\/em\u003e, Soth has stripped these pictures of their news context in order to highlight the longing for connection at their root. Fragmentary, funny and sad, \u003cem\u003eSongbook\u003c\/em\u003e is a lyrical depiction of the tension between American individualism and the desire to be united.\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39429613224016,"sku":"","price":13200.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150303_3713.jpg?v=1571703835"},{"product_id":"songbook-by-alec-soth-first-edition-first-printing","title":"SONGBOOK by Alec Soth [FIRST EDITION, FIRST PRINTING]","description":"\u003cp\u003e国際的写真家集団「マグナム・フォト」正会員を務めるアメリカ人フォトグラファー、アレック・ソス（Alec Soth）の作品集。本作では2012年から2014年にかけてニューヨークからシリコンバレーへと横断しながら、各州に存在し独自の文化が形成されているコミュニティに集まる人々の生活を撮影したモノクロ作品を収録。これまで「NY TIMES」や自身のレーベル「Little Brown Mushroom」でのタブロイド・シリーズ「THE LBM DISPATCH」を通して発表されてきたこれらの作品から根源的な繋がりを求める人間の感情に焦点をあて、本来セットとなっていたテキストを排除し様々な音楽の歌詞と共に再編集。個人主義と繋がりへの希求、それらの間にあるアメリカ人の感情を叙情的に描き出した一冊。2015年2月に開催されたアメリカ・サンフランシスコのギャラリー「Fraenkel Gallery」での同名展覧会に併せての発行。\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e \u003cstrong\u003eEVENT:\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eアレック・ソス新刊『ADVICE FOR YOUNG ARTISTS』刊行記念 フェア＆サイン会 \u003c\/em\u003eat 代官山 蔦屋書店\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e[サイン会]\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e日程：2024年10月7日（月）\u003cbr\u003e時間：19:30 - 21:00\u003cbr\u003e場所：代官山 蔦屋書店　2号館 1階 アートフロア\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e[フェア]\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e日程：2024年10月1日（火） - 10月17日（木）\u003cbr\u003e時間：店舗営業時間に準ずる\u003cbr\u003e場所：代官山 蔦屋書店　2号館 1階\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e アートフロア\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/store.tsite.jp\/daikanyama\/event\/art\/42664-0942570912.html\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本イベントは終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e『アレック・ソス 部屋についての部屋』関連イベント\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003eat 東京都写真美術館\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e[サイン会]\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e日程：2024年10月12日（土）\u003cbr\u003e時間：16:30-  18:00\u003cbr\u003e場所：東京都写真美術館 2階 ミュージアムショップ NADiff BAITEN\u003cbr\u003e\u003ca rel=\"noopener\" href=\"https:\/\/www.instagram.com\/p\/DAai8yrS789\/\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e[トーク]\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003eアレック・ソス　アーティストトーク\u003cbr\u003e日程：2024年10月12日（土）\u003cbr\u003e時間：14:00 - 16:00\u003cbr\u003e場所：東京都写真美術館 1階ホール\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/topmuseum.jp\/contents\/exhibition\/index-4820.html\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本イベントは終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\"\u003cem\u003eThis is the closest we have to an Americans for our time... 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These 3 remarkable photographic series reflect upon the social fabric of contemporary America, whilst trying to find something closer to the experience of being and seeing in the world today. \u003cspan class=\"s1\"\u003e\u003cem\u003eAmerican Night\u003c\/em\u003e (2003) examines the social fracture of America – the great divide between have and have-not rendered through the dichotomy of light and darkness, presence and absence. The images oscillate between high-key near invisible photographs in bright light, and the antithesis – deeply saturated colour images of freshly minted homes glowing under California’s blue skies. \u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"s1\"\u003e\u003cem\u003ea shimmer of possibility\u003c\/em\u003e (2007), is an American epic of the small and incidental. Originally published as twelve photographic visions of everyday life, the stuttering sequences form a kind of 'filmic haiku', revealing the flow of life found in quotidian America, where we share moments with people waiting for a bus, cutting the grass, or smoking a cigarette. a shimmer of possibility was winner of the 2011 Paris Photo Book Prize for the most significant Photobook of the past 15 years. \u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"s1\"\u003e\u003cem\u003eThe Present\u003c\/em\u003e (2011) taken in the streets of New York, and unfolds two images of the same scene separated only by the briefest fraction of time. Here the present is revealed to be a fleeting and provisional alignment, glimpsed as part of an ever flowing continuum of life: before\/after, coming\/going, either\/or. \u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"s1\"\u003eThe luxurious catalogue is printed in wide gamut inks on natural white paper, and coincides with the first solo exhibition at Pier 24, San Francisco. It includes newly commissioned texts by David Chandler and Stanley Wolukau-Wanambwa.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30449393100,"sku":"9781910164327","price":9900.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/151028_2598.jpg?v=1571703835"},{"product_id":"i-went-to-the-worst-of-bars-hoping-to-get-killed-but-all-i-could-do-was-to-get-drunk-again-by-ciaran-og-arnold","title":"I WENT TO THE WORST OF BARS HOPING TO GET KILLED. BUT ALL I COULD DO WAS TO GET DRUNK AGAIN by Ciáran Óg Arnold","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアイルランド人フォトグラファー、キーラン・オグ・アーノルド （Ciáran Óg Arnold）の初作品集。「\u003cem\u003e殺されたいと願いながら、この世で一番最悪なバーに行った。でもそこで唯一できたのはまた酒を呑むことだった\u003c\/em\u003e」という、アメリカ人詩人・作家のチャールズ・ブコウスキーの詩をタイトルに引用した本書は、アイルランドのサック川沿いにあるバリナスローという町が舞台となっている。「人込みの瀬の口」を意味する町名の通り、かつては人の集まる場所であったが、今では人がいないゴーストタウンのようになっている。人がいないクラブ、場末のバー、退廃した町の様子を透明人間のような視点で映し出している。文庫本のようなブックデザインからも本書コンセプトが伝わってくる。イギリスの出版社MACKが主催する過去に写真集出版経験の無い作家の出版支援を目的とする「First Book Award」の2015年グランプリ受賞に伴い刊行。\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003eI went to the worst of bars hoping to get killed. but all I could do was to get drunk again\u003c\/em\u003e is a diary of sorts, following invisible men, down piss alleyways and into empty bars. The photographer accompanies the seekers of oblivion, their lopsided faces caught between ecstasy and apathy, their mouths chasing the numbness of inebriation. This is Ballinasloe, a sandstone town on the River Suck in the easternmost corner of Galway in Ireland, seen through the eyes of a native, Ciarán Óg Arnold. Within the rabble, Arnold trails after the cast-offs, invisible men who spend their time in murky corners, choosing to do nothing but drift and drink. Ballinasloe is a mouth; in Irish, mouth of the ford, mouth of the crowds. \u003cem\u003e\"We claim to hate it here\"\u003c\/em\u003e, writes Arnold, \"\u003cem\u003ebut the truth is that we choose to stay, hiding from reality, drowning in drink and wanting to be left alone as we await whatever fate is in store.\"\u003c\/em\u003e Over the years, Ballinasloe has become a ghost town, its immobile economy holding back only the indifferent. Its empty clubs are the ordinary voids of an orthodox escapism, the unvarying nightly vocation that is also creeping annihilation. The town is haunted by the absence of those unseeable others, who have also departed – the suicide kids of Charles Bukowski’s poem, from which the book’s title is taken.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30449434124,"sku":"","price":5280.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150602_0968.jpg?v=1571703835"},{"product_id":"i-went-to-the-worst-of-bars-hoping-to-get-killed-but-all-i-could-do-was-to-get-drunk-again-by-ciaran-og-arnold-signed","title":"I WENT TO THE WORST OF BARS HOPING TO GET KILLED. BUT ALL I COULD DO WAS TO GET DRUNK AGAIN by Ciáran Óg Arnold [SIGNED]","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアイルランド人フォトグラファー、キーラン・オグ・アーノルド （Ciáran Óg Arnold）の初作品集。「\u003cem\u003e殺されたいと願いながら、この世で一番最悪なバーに行った。でもそこで唯一できたのはまた酒を呑むことだった\u003c\/em\u003e」という、アメリカ人詩人・作家のチャールズ・ブコウスキーの詩をタイトルに引用した本書は、アイルランドのサック川沿いにあるバリナスローという町が舞台となっている。「人込みの瀬の口」を意味する町名の通り、かつては人の集まる場所であったが、今では人がいないゴーストタウンのようになっている。人がいないクラブ、場末のバー、退廃した町の様子を透明人間のような視点で映し出している。文庫本のようなブックデザインからも本書コンセプトが伝わってくる。イギリスの出版社MACKが主催する過去に写真集出版経験の無い作家の出版支援を目的とする「First Book Award」の2015年グランプリ受賞に伴い刊行。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003eI went to the worst of bars hoping to get killed. but all I could do was to get drunk again\u003c\/em\u003e is a diary of sorts, following invisible men, down piss alleyways and into empty bars. The photographer accompanies the seekers of oblivion, their lopsided faces caught between ecstasy and apathy, their mouths chasing the numbness of inebriation. This is Ballinasloe, a sandstone town on the River Suck in the easternmost corner of Galway in Ireland, seen through the eyes of a native, Ciarán Óg Arnold. Within the rabble, Arnold trails after the cast-offs, invisible men who spend their time in murky corners, choosing to do nothing but drift and drink. Ballinasloe is a mouth; in Irish, mouth of the ford, mouth of the crowds. \u003cem\u003e\"We claim to hate it here\"\u003c\/em\u003e, writes Arnold, \"\u003cem\u003ebut the truth is that we choose to stay, hiding from reality, drowning in drink and wanting to be left alone as we await whatever fate is in store.\"\u003c\/em\u003e Over the years, Ballinasloe has become a ghost town, its immobile economy holding back only the indifferent. 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There was a great war during my boyhood and then I lived during the period of re-construction and growth and now I slowly approach the evening of life. Through these photographs the cosmology is an illusion of the firmament at the same time it includes the reality of an era and also the cosmology of a changing heart.”\u003c\/em\u003e - Kikuji Kawada\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAstrology, once a scholarly tradition, binds astronomical phenomena to events of the human world. \u003cem\u003eThe Last Cosmology\u003c\/em\u003e reveals Kikuji Kawada’s preoccupation with the cosmos, and his fleeting empathy for the abating custom of divination. Inspired by the apocalyptic sky-scapes of the painter Emil Nolde, Kawada photographed abnormal and calamitous weather conditions – gales that configure coiling cloud-patterns, electrical storms, or rain striking glass. Captured between 1980 and 2000, the work is part of ‘The Catastrophe Trilogy’, a chronicle which ties together the dramas of the skies with the end of two historical eras on earth: the Showa Era in Japan, ending with the death of the Emperor in 1989, and 20th century’s close. Kawada says, “I imagine the era and myself as an implicitly intermingling catastrophe... I want to spy on the depths of a multihued heart that is like a Karman vortex.”\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30449458380,"sku":"","price":9075.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150330_4673.jpg?v=1571703835"},{"product_id":"the-last-cosmology-by-kikuji-kawada-special-edition-signed","title":"THE LAST COSMOLOGY by Kikuji Kawada [SPECIAL EDITION]","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003e「\u003cem\u003eラスト・コスモロジー\u003c\/em\u003e」は、1969年の最初の撮影に始まり昭和の終焉、そして世紀末のカタストロフィまでを捉えたシリーズ。 1995年に評論家の福島辰夫の監修のもと、写真展とそれに付随する形で写真集が出版されるまで、約30年の間、「\u003cem\u003eザ・ラスト・テン\u003c\/em\u003e」「\u003cem\u003eスカイ\u003c\/em\u003e」などのタイトルで写真雑誌への掲載などを続けてきた。昭和という時代は、日本が戦争、そして天皇制の崩壊を体験した時代。幼少期に戦争を体験し、作品「\u003cem\u003e地図\u003c\/em\u003e」で戦争～戦後を追・実体験した川田にとって、昭和の終わりはひとつの大きな時代の終焉として深い感慨を持つものだった。ちょうど同じ頃に、20世紀日本で見られる最後の金環日蝕があり、天空のドラマチックなショーと、時代の終焉と言うふたつの「終わり」を体験した川田は「最後のイメージ」という言葉がメタファーとして強く写真の中に写り込んで来るのを感じたと言っている。一群の写真は、この「最後のイメージ」がきっかけとなりラスト・コスモロジーと名づけられた。その後も撮影は続き、世紀末へ向けて「『最終的な変化』に至るプロセスがより加速されて見えること」を見せた「\u003cem\u003eZENO – The Last Cosmology\u003c\/em\u003e」をP.G.I.にて1996年に開催。1998年には「\u003cem\u003eロス・カプリチョス\u003c\/em\u003e」「\u003cem\u003eカーマニアック\u003c\/em\u003e」シリーズとともに「カタストロフ三部作」として写真集「\u003cem\u003e世界劇場\u003c\/em\u003e」にも掲載されている。本書は今までの作品集を復刻させたものではなく、未発表のものも含めたセレクションから編集し、世紀末から15年を経た現在からかつての終焉を見つめた、また新しい解釈の作品集。「私ではなく貴方がイメージするコスモスの色」という川田の問いに対する、MACKディレクターのマイケル・マックからの返答として写真を反転させた表紙の白となった。写真に対して写真集を「最終的なオブジェ」と位置づけるマイケル・マックに写真家が共鳴し出版された本書は、MACKとして初の日本人作家タイトルとなる。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003e“I was born at the beginning of the Showa Era. 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Captured between 1980 and 2000, the work is part of ‘The Catastrophe Trilogy’, a chronicle which ties together the dramas of the skies with the end of two historical eras on earth: the Showa Era in Japan, ending with the death of the Emperor in 1989, and 20th century’s close. Kawada says, “I imagine the era and myself as an implicitly intermingling catastrophe... 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Made in the first twenty years of photography, they are the results of esoteric knowledge and skill. Individual, sometimes unpredictable, and ultimately magical, the chemical capacity to ‘fix a shadow’ on light sensitive paper, coated in silver salts, was believed to be a kind of alchemy, where nature drew its own picture. \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e\u003cem\u003eSalt and Silver\u003c\/em\u003e brings together over 100 plates drawn from the Wilson Centre for Photography, accompanied by two roundtable discus- sions with curators, academics, historians and collectors from world renowned institutions. Encompassing many of the great works of the period, the publication includes prints by Edouard Baldus, Louis Blanquart-Evrard, Mathew Brady, Charles Clifford, Louis De Clercq, Maxime Du Camp, Roger Fenton, Jean-Baptiste Frenet, Charles Hugo, David Octavius Hill, Robert Adamson, Calvert Richard Jones, Gustave Le Gray, Henri Le Secq, Charles Marville, Felix Nadar, Charles Negre, Felice Beato, Auguste Salzmann, William Henry Fox Talbot, Felix Teynard and Linnaeus Tripe. \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eParticipants in roundtable conversations include: Simon Baker, Tate; Martin Barnes, V\u0026amp;A; Elisabeth Edwards, De Montfort University; Carol Jacobi, Tate Britain; Hope Kingsley, WCP; Hans Kraus, Hans P. Kraus Jr Inc; Anne de Mondenard, Mediatheque de l’architecture et du patrimoine, Paris; Lori Pauli, National Gallery of Canada; Michael G. Wilson, WCP.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30449495372,"sku":"","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150330_4515.jpg?v=1571703835"},{"product_id":"revelations-by-ben-burbridge","title":"REVELATIONS by Ben Burbridge","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eレントゲン写真、顕微鏡写真、高速度写真などの初期の自然科学写真は、我々人間の知覚を広げることになった。科学の実験や記録のために使用された写真は、本来の科学の分野に留まらずに、モダンアート・コンテンポラリーアートで重要なインスピレーションとなった。本書は自然科学写真がアーティストにとって重要なものであったことを示し、芸術と科学技術の関係性を明言している。イギリスの国が保管しているコレクションや、さらに海外のコレクションの写真を収録し、初期の自然科学写真の影響力やそれらが写真の歴史に残した軌跡を伝える一冊。2015年3月にロンドン科学博物館で開催された展覧会カタログとして発行。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003ePublished alongside a major exhibition, \u003cem\u003eRevelations\u003c\/em\u003e explores a radical expansion of the visual field brought about by early scientific photography, and the ways this informed and inspired photography's applications within modern and contemporary art. Early scientific imagery such as X-Ray, photomicrography and experimental high-speed photography exposed and surpassed the limits of human vision. In doing so, it revealed important formal possibilities to artists, and spoke to them in clear and articulate terms about man’s changing relationship to science and technology. Drawing on the National Collections held in Bradford and London, and further international collections, a selection of photographs, book spreads and other documents demonstrate new modes of representation established by early scientific photography and their profound impact on the histories of photographic art.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30449523852,"sku":"","price":7920.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150330_4601.jpg?v=1571703835"},{"product_id":"this-place-catalogue","title":"THIS PLACE CATALOGUE","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eイスラエルとヨルダン川西岸に住む人々の文化的、国際的、個人的生活の複雑さに焦点をあて、国際的注目をあつめる12人のアーティストが参加したプロジェクト「This Place」の成果をまとめた一冊。参加アーティストの一人であるフレデリック・ブレナーの発案ではじまった。各作家による作品をとおして被写体の生活や文化を写し出した。キュレーターのシャーロット・コットン（Charlotte Cotton）による編集。2014年10月にチェコ・DOXアートセンターでの展覧会を皮切りに、世界中に巡回が予定されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e主な作品収録作家：Frédéric Brenner, Wendy Ewald, Martin Kollar, Josef Koudelka, Jungjin Lee, Gilles Peress, Fazal Sheikh, Stephen Shore, Rosalind Solomon, Thomas Struth, Jeff Wall, and Nick Waplington\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003eThis Place\u003c\/em\u003e explores the complexity of Israel and the West Bank, as place and metaphor, through the eyes of twelve internationally acclaimed photographers, each of whom use photography to ask essential questions about culture, society and the inner lives of individuals. The photographers, all outsiders to Israeli and Palestinian society, represent an array of nationalities, cultures, and visual grammars; they are Frédéric Brenner, Wendy Ewald, Martin Kollar, Josef Koudelka, Jungjin Lee, Gilles Peress, Fazal Sheikh, Stephen Shore, Rosalind Solomon, Thomas Struth, Jeff Wall, and Nick Waplington. As each artist pursues their own line of investigation, what emerges is a dissonant and startling portrait; together, the highly individualised works combine to create not a single, monolithic vision, but rather a diverse and fragmented portrait, alive to all the rifts and paradoxes of this important and much contested space. This book accompanies a monumental exhibition, curated by Charlotte Cotton, which features more than 600 images, all newly-commissioned work, the product of four years of artist residencies. It includes an essay by the curator and extensive interviews with each of the participating artists.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30449620044,"sku":"","price":6600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150330_4552.jpg?v=1571703835"},{"product_id":"thomas-struth-by-thomas-struth","title":"THOMAS STRUTH by Thomas Struth","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003e\u003cspan\u003eドイツ人アーティスト、トーマス・シュトゥルート（Thomas Struth）の作品集。\u003c\/span\u003e本書は2009年と2011年、そして2014年にイスラエルおよびイスラエル軍占領下のヨルダン川西岸地区において撮影された16枚の作品から構成。まるで作家が一カ所に留まりながら一点を見つめていたかのように、それぞれレンズが向けられた景色が一つの地学的・政治的現実に帰着し、イスラエルとヨルダン川西岸地区における状況が、人間社会の営みの縮図であるかのように描写されていおり、我々が生きるこの世界の相容れない多様性と本質を究明し「領域における対立の粒子」を浮き彫りにしようとしている。巻末にドイツ人美術史家のUlrich Loockによるエッセイを収録。パレスチナ自治区が直面している複雑さを12名の世界的写真家達の目を通して検証するプロジェクト「This Place」への参加から制作された作品を元に発行。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003eThe irreconcilable coexistence of two nations determines every aspect of reality... No image exists that overcomes this division.\u003c\/em\u003e - Ulrich Loock\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis book brings together sixteen photographs made by Thomas Struth in Israel and the Israeli-occupied West Bank in 2009, 2011 and 2014. Struth continued his practice of creating singular images, each within one of the strictly segregated subject fields he has developed through his career: street photographs, portraits, landscapes and photographs of high technology. Each image carries the enduring complexity and visual distillation of human experience for which Struth is known. Approaching the sheer diversity and quiddity of the inhabited world, he attempts to represent what he has referred to as “a particle of the conflict of the region”, to photograph, fragment by fragment, the conflicted political and social landscape. Ulrich Loock proposes in his essay in the book that this series of images is unified by “strata of antitheses [which] reveal themselves as a matrix running through the work”, as Struth attempts to grasp the circumscribed reality of a region where coexistence has failed, a reality that is inaccessible to photography.  In some ways, this extraordinary body of work is a departure from Struth’s traditional practice: all exposures are related to one single geographical and political reality, as if Struth found every aspect of his photographic vision in one place, and as though Israel and the West Bank were a geographical container for the scope of the human condition.\u003cstrong\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30449881932,"sku":"9781910164129","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150330_4503.jpg?v=1571703835"},{"product_id":"two-frame-films-2006-2012-by-luke-fowler","title":"TWO FRAME FILMS (2006-2012) by Luke Fowler","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003e2012年にターナー賞へノミネートされているイギリス人映像作家、ルーク・ファウラー（Luke Fowler）の作品集。35ミリフィルムのハーフカメラを使用して制作された作品を収録。対のイメージを提示することで撮影によって生じる物事の展開やストーリー性、またそれぞれのイメージの近接さや遠隔さが次々と明らかにされ、鑑賞者に可視終着点へと結びつけようとしている。グラスゴー大学の社会学教授\u003cspan\u003eHarvie Ferguson\u003c\/span\u003eと、作者と多数の共作を発表している日本人作家、角田俊也によるテキストを収録。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003e‘The strength of montage lies in the fact that it involves the spectator’s emotions and reason. The spectator is forced to follow the same creative path that the authors followed when creating the image.’\u003c\/em\u003e - S. Eisenstein, \u003cem\u003eThe Film Sense\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp class=\"p1\"\u003e\u003cem\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003ePrimarily known for his film work, Luke Fowler’s \u003cem\u003eTwo-Frame Films\u003c\/em\u003eexplores the relationship between the artist and the still-image. Fowler uses a half-frame camera whose obsolescent format forces the printing of two images in one standard 35 mm frame. Considered as a whole, the paired images reveal an event unfolding – a meaningful narrative posed by photographic sets, sometimes close in temporal proximity (the blink of time passing, perhaps), while at other times, the intervals are more expansive, challenging the viewer to connect visible terminal points in a satisfying way. Fowler experimented with different film stocks, subjects and framing, and the images are inextricably linked to his filmmaking as evidenced by the elements of montage, colour and reflectivity that permeate the series. In both still and moving image, Fowler considers how an event might be abstracted by the camera apparatus in a subjective ordering of reality that is emphasised by the dialectic between paired images. The photographs are a means of personally testing the ability of the camera to authentically bear witness to an event, and its fallibility as a medium of representation.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30449951180,"sku":"","price":11550.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150303_3703.jpg?v=1571703835"},{"product_id":"for-every-minute-you-are-angry-you-lose-sixty-seconds-of-happiness-by-julian-germain","title":"FOR EVERY MINUTE YOU ARE ANGRY YOU LOSE SIXTY SECONDS OF HAPPINESS by Julian Germain","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eイギリス人フォトグラファー 、ジュリアン・ジャーマン（Julian Germain）の作品集。初版が2005年の発行直後に即完売し大きな話題となった本書は、イギリス南海岸に一人で暮らす老人（Charles Albert Lucian Snelling：通称チャーリー）の日々を8年間にわたってドキュメント。作者が撮影した作品に加え、愛する花やクロスワード、音楽、そして最愛の妻や子供との思い出で埋め尽くされたチャーリーのアルバムを元に構成され、チャーリーの人生と晩年の生活を美しく綴った一冊となっている。タイトルの“For every minute you are angry you lose sixty seconds of happiness”（1分間怒るたびに、あなたは60秒もの幸せを逃がしている）はアメリカの哲学者Ralph Waldo Emersonの言葉を引用している。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003e\"I met Charles Albert Lucien Snelling on a Saturday in April, 1992. He lived in a typical two up two down terraced house amongst many other two up two down terraced houses… It was yellow and orange. In that respect it was totally different from every other house on the street. Charlie was a simple, gentle, man. He loved flowers and the names of flowers. He loved colour and surrounded himself with colour. He loved his wife. Without ever trying or intending to, he showed me that the most important things in life cost nothing at all. He was my antidote to modern living.\"\u003c\/em\u003e - Julian Germain\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn a series of photographs made over eight years, Julian Germain captured the quiet, contemplative existence of an old man living alone in a small house in a city on the south coast of England. Unfettered by the misplaced aspirations of the modern world, Charles Albert Lucian Snelling (Charlie) spent the last years of his life absorbed in his memories of his wife, his children, his love for flowers, music and the quotidian pleasures of the crossword, and his albums of his own photographs. Germain’s photographs of Charlie, his home and the things he owned are a beautiful, gentle portrait of a gentleman in his twilight years. For every minute you are angry you lose sixty seconds of happiness was first published in 2005, selling out soon after its release; Germain’s affectionate portrait of Charles is now in its third edition.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30449996172,"sku":"9781907946134","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150330_4450.jpg?v=1571703835"},{"product_id":"for-every-minute-you-are-angry-you-lose-sixty-seconds-of-happiness-by-julian-germain-signed","title":"FOR EVERY MINUTE YOU ARE ANGRY YOU LOSE SIXTY SECONDS OF HAPPINESS by Julian Germain [SIGNED]","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp class=\"p1\"\u003eイギリス人フォトグラファー 、ジュリアン・ジャーマン（Julian Germain）の作品集。初版が2005年の発行直後に即完売し大きな話題となった本書は、イギリス南海岸に一人で暮らす老人（Charles Albert Lucian Snelling：通称チャーリー）の日々を8年間にわたってドキュメント。作者が撮影した作品に加え、愛する花やクロスワード、音楽、そして最愛の妻や子供との思い出で埋め尽くされたチャーリーのアルバムを元に構成され、チャーリーの人生と晩年の生活を美しく綴った一冊となっている。タイトルの“For every minute you are angry you lose sixty seconds of happiness”（1分間怒るたびに、あなたは60秒もの幸せを逃がしている）はアメリカの哲学者Ralph Waldo Emersonの言葉を引用している。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003e\"I met Charles Albert Lucien Snelling on a Saturday in April, 1992. He lived in a typical two up two down terraced house amongst many other two up two down terraced houses… It was yellow and orange. In that respect it was totally different from every other house on the street. Charlie was a simple, gentle, man. He loved flowers and the names of flowers. He loved colour and surrounded himself with colour. He loved his wife. Without ever trying or intending to, he showed me that the most important things in life cost nothing at all. He was my antidote to modern living.\"\u003c\/em\u003e - Julian Germain\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn a series of photographs made over eight years, Julian Germain captured the quiet, contemplative existence of an old man living alone in a small house in a city on the south coast of England. Unfettered by the misplaced aspirations of the modern world, Charles Albert Lucian Snelling (Charlie) spent the last years of his life absorbed in his memories of his wife, his children, his love for flowers, music and the quotidian pleasures of the crossword, and his albums of his own photographs. Germain’s photographs of Charlie, his home and the things he owned are a beautiful, gentle portrait of a gentleman in his twilight years. For every minute you are angry you lose sixty seconds of happiness was first published in 2005, selling out soon after its release; Germain’s affectionate portrait of Charles is now in its third edition.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30450051916,"sku":"","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150330_4450_9de72c8b-85ad-4093-a8ed-e63b5e360a43.jpg?v=1571703835"},{"product_id":"el-porque-de-las-naranjas-by-ricardo-cases","title":"EL PORQUÉ DE LAS NARANJAS by Ricardo Cases","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eスペイン人フォトグラファー、リカルド・カセス（Ricardo Cases）の作品集。母や友人の死をきっかけに故郷を離れ、スペインのイベリア半島東部に位置する地中海沿岸地域「レバント」に移り住んだ際に制作された作品を収録。建設業や観光業の急速な発達によって自然の美しさが失われていく必然的不条理や荒廃した風景を、オレンジ（色）を象徴的に使用しながら表現している。本書タイトルの「El porqué de las naranjas」はスペイン語で「オレンジの理由」を意味する。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003eAt first sight, reality appears chaotic and anarchic. If events have any kind of logic to them, it lies well hidden behind an overlay of banality so thick as to make it invisible. And yet, at certain exceptional moments, life slackens and reveals itself. The automaton allows its innards be glimpsed, and its mechanism becomes momentarily evident as the logic of chaos. In his new work, El porqué de la naranjas, Spanish photographer Ricardo Cases does not document the surface symptoms of reality, but instead renders the non-visible, the mechanistic. In his immediate surroundings – the fertile region of Levante in Spain – the photographer reveals ephemeral moments that might otherwise go unnoticed. Out on the streets he sets out to make visible the laws that regulate the universe, hunting down the elementary participles in the same vein as a nuclear physicist attempting to identify the Higgs particle. Cases uses the landscape as a laboratory, a place where these mechanisms can manifest themselves freely. The work is not a portrait of Levante itself, but of the spirit of Levante, and thus of the spirit of Spain as a whole.\u003c\/em\u003e - Luis Lopez Navarro\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30450075596,"sku":"","price":6600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150303_3793.jpg?v=1571703835"},{"product_id":"a-perpetual-season-by-gregoire-pujade-lauraine","title":"A PERPETUAL SEASON by Grégoire Pujade-Lauraine","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eフランス人フォトグラファー、グレゴワール・プジャド・ロレイン（Grégoire Pujade-Lauraine）の自身2冊目となる作品集。荒廃した建物のクローズアップや通行人など、一見何のつながりも感じられないイメージの連続によって構成されている本書は、自己完結型の絵画的空間や写真方法論に染み込んだ自然主義的アプローチを示唆している。巻末にアルゼンチンの詩人Roberto Juarrozの詩を収録。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003eA Perpetual Season\u003c\/em\u003e lays a photographic trail through a dream-like city, offering glimpses into a network of spaces that loom as silent witnesses to some forgotten order. Recurring concrete shapes and perplexed human beings punctuate the journey with a faintly elegiac tone which conjures up an inverted Arcadia, illuminated by the hopes and visions of a bygone era. This is fertile ground for a series of unsettling encounters which act as cryptic symptoms of an ominous presence – a reversed staircase, an unreachable doorway, people frozen in precarious gestures, disturbed conversations. This 'perpetual season' alludes to a self-contained pictorial space, and the naturalistic approach embedded in such photographic practice is a guise for the construction of a world that ultimately belies its own familiarity. The formal and thematic echoes running throughout the sequence can be viewed as transverse lines drawn within an apparent chaos, connecting discarded buildings with bewildered passers-by, decaying natural arrangements with enigmatic corridors. As each is seemingly doubled or reincarnated, they condense in this peculiar scope of light and space, like an ever-returning cross-section of a global cycle.\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30450123468,"sku":"","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150303_3785.jpg?v=1571703835"},{"product_id":"settlement-by-nick-waplington","title":"SETTLEMENT by Nick Waplington","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eイエメン生まれのイギリス人フォトグラファー、ニック・ワプリントン（Nick Waplington）の作品集。本書は2008年から2013年にかけてイスラエルに居を構え、350以上のユダヤ人居留地を訪れ撮影した作品で構成されている。ヨルダン川西岸地区という複雑な人種組成のイスラエル優勢社会において、定住を試みるユダヤ人の葛藤を探る。パレスチナ自治区が直面している複雑さを12名の世界的写真家達の目を通して検証するプロジェクト「This Place」への参加から制作された作品を元に発行。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003e… everything is possible and everything is watched and noted, for here on the West Bank of the River Jordan every inch of land is known, recorded, and potentially a source of conflict.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003eNick Waplington lived in Jerusalem between 2008 and 2013, visiting over 350 distinct Jewish settlements in the region, from populous cities like Ariel to tiny outposts made up of a few caravans. This book’s title, \u003cem\u003eSettlement\u003c\/em\u003e, refers to the Jewish communities built in the region of the former state of Palestine known as the West Bank, an area of approximately 2,173 square miles, between the Jordan River and Jerusalem. The area was occupied by Israel in 1968, in the aftermath of the Six-Day War; Israel's right to govern is not recognised by the United Nations, which deems any Israeli building in this area to be a violation of international law. The book investigates the topography of Jewish identity in the West Bank, which is in conflict not only with the Palestinian majority but also with mainstream Israeli society: While all the settlers are Jewish, and almost all are Israeli citizens, many are not natives of Israel. Most of the men and women photographed by Waplington are immigrants who arrived in the West Bank from the United States, South Africa, Australia, the UK, the former Soviet Union, and other parts of the wider Jewish diaspora. The exact number of settlements cannot be determined with accuracy, as both construction and demolition take place regularly throughout the region. In general, however, the presence of Jewish settlers in the West Bank is entrenched, and their building projects continue with the support of the state of Israel.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30450182284,"sku":"9781907946523","price":16500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/140818_0252.jpg?v=1571703835"},{"product_id":"settlement-by-nick-waplington-signed","title":"SETTLEMENT by Nick Waplington [SIGNED]","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eイエメン生まれのイギリス人フォトグラファー、ニック・ワプリントン（Nick Waplington）の作品集。本書は2008年から2013年にかけてイスラエルに居を構え、350以上のユダヤ人居留地を訪れ撮影した作品で構成されている。ヨルダン川西岸地区という複雑な人種組成のイスラエル優勢社会において、定住を試みるユダヤ人の葛藤を探る。パレスチナ自治区が直面している複雑さを12名の世界的写真家達の目を通して検証するプロジェクト「This Place」への参加から制作された作品を元に発行。\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003e… everything is possible and everything is watched and noted, for here on the West Bank of the River Jordan every inch of land is known, recorded, and potentially a source of conflict.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003eNick Waplington lived in Jerusalem between 2008 and 2013, visiting over 350 distinct Jewish settlements in the region, from populous cities like Ariel to tiny outposts made up of a few caravans. 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