{"title":"LOOSE JOINTS","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLoose Joints is a London based publisher and a design studio dedicated to exploring progressive approaches to image making in book form. Run by Lewis Chaplin and Sarah Piegay Espenon.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"http:\/\/www.loosejoints.biz\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003ePublisher's website\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","products":[{"product_id":"elemer-by-marton-perlaki","title":"ELEMER by Marton Perlaki","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003e2015年の「FOAM TALENT」にも選ばれたハンガリー人アーティスト、マートン・ペルラキ（Marton Perlaki）の作品集。20世紀初頭の使い切り品で、表には家事の知恵、裏には絵が印刷されたシガレットカードを収集し始めたことをきっかけに制作された作品は、作者がカメラの前にある一つの形を巧妙に捉え「Elemer」と名付けられた登場人物を中心に独自の世界を表現。見るものは「Elemer」が誰なのかを知らず、事実作者もそれが誰であるかを知る必要はないと言う。我々が目撃するのは彼が動き、カメラの前に現れると同時に彫刻されていく様子であり、そしてその動きは作者の故郷であるハンガリーの素朴な生活や風景、肖像から、軽妙で幻覚のような奇妙さが引き出されたものになっている。「最初にシガレットカードを見たときはその絵が滑稽で無意味なものに見えるのに、裏返すとピクトグラムが突然意味を成すんだ。」と作者は言い、この裏返す作業は『Elemer』を通して行われる。鳥、泡、レンガ、芋、Elemer自身もが脈略から外れ、お互いにぶつかり合う。このようなブリコラージュ（ここではカードを裏返すこと）の中で作者は事実の中から不合理性を、具体性の中から繊細さを引き出す。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eElemer\u003c\/em\u003e by Marton Perlaki describes a world of chances and combinations, revolving around the manipulation of one central figure before his camera. We do not know who Elemér is – indeed, Perlaki suggests we do not need to know – and as we witness him moving and appearing before the camera he is sculpted, both gesturally and literally. His movements, in turn, elicit the witty, hallucinatory and strange from simple still lives, landscapes and portraits made in Perlaki’s native Hungary. Perlaki began \u003cem\u003eElemer\u003c\/em\u003e after starting to collect cigarette cards – the disposable objects of the early 20th century that contain on one side, a household tip, and on the other, an image. He describes how ‘On first glance, the images look silly and nonsensical, but when flipped over these pictograms suddenly make sense’. This flipping of the card continues throughout \u003cem\u003eElemer\u003c\/em\u003e – birds, bubbles, bricks, potatoes and Elemér himself are broken from their contexts, they crash and collide with one another. Within this form of bricolage – this flipping of the cards – Perlaki brings out the absurd from the factual, the delicate from the concrete.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":29257004294,"sku":"","price":8800.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160628_5859.jpg?v=1571703833"},{"product_id":"snow-cab-by-sean-vegezzi","title":"SNOW CAB by Sean Vegezzi","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eアメリカ人フォトグラファー、ショーン・ヴァジェッツィ（Sean Vegezzi）が、2015年11月25日～22日にロウアー・マンハッタンの空き店舗で行ったインスタレーションをまとめた作品集。展示された作品は、動きのない使い古された空間と交わり、空間は作品たちの本来の居場所になり展示後もそこに残された。本作において作者は、アメリカの軍産複合体の内にある個人とプライバシー、セキュリティー及び可視性が混合したストーリーを展開。Tシャツや床用洗浄剤、像、コアサンプル、冷戦時の配給物、野生生物などが写真作品やテキストと合わさり新たな意味が与えられている。展示に付随する二つのテキストの中には、作者が以前より続けているセキュリティ産業に関する調査と、個人的な愛と恐怖の体験とが織り合わさる様子が伺える。展示時期直前に起こったパリの襲撃事件に応じた作品として、本作は事件に対する同情を物質生産という表現で伝える。これは展示品と作者によるテキストの至るところで明らかだが、例えば中傷されるテロリスト、1993年の世界貿易ビル爆破事件、「Pray for Paris」のスローガンや水責めなど、吊るされたTシャツのコレクションが最もそれを表現している。これらの服に新たに意味を持たせることで、作者は地政学的なテロから商品と利益という概念を浮かび上がらせ、同時に人間と近代の統制された世界で生きる我々の反応や体験にある脆弱性について繊細かつ明確に伝えようとしている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eSnow Cab\u003c\/em\u003e catalogues an eponymous installation of works by Sean Vegezzi made between 15 and 22 November 2015. Installed within a vacated retail unit within Lower Manhattan, the works of \u003cem\u003eSnow Cab\u003c\/em\u003e actively blend and respond to the inert postconsumer space they inhabit, a space in which subsequent to their exhibition the works were left, in situ. Vegezzi’s practise explores the blending of the individual with narratives of privacy, security and visibility within the American military-industrial complex. A departure from prior works, \u003cem\u003eSnow Cab\u003c\/em\u003e evolved as an immediate, frenzied and searching response following the Paris terror attacks of November 2015. Moving through the documentation of the exhibition we find t-shirts, sweeping compound, statues, core samples, Cold War rations, wildlife and more, repurposed and reappropriated for display amongst images and texts. In the two accompanying texts to the exhibition, one of which was distributed to all exhibition visitors as a printed booklet, we find an interweaving of Vegezzi’s ongoing research into the security industry with personal experiences of love and terror. Many of the works we see are a series of gestures that both intervene and undermine Vegezzi’s immediate environment of Manhattan. In one work, a black plexiglass panel has been cracked along its top edge, voiding its former purpose of stopping any light from entering the retail space. It balances delicately with a pixelated image of a blue sky, taken from the empty training headquarters of a prominent insurance company. Elsewhere, the vibrant red of an industrial sweeping compound, used to eliminate dust sits within household plant pots. These materials, used to control the flows of nature on an elementary level are reconfigured - modifying or corrupting the synthetic materiality of urban space and resembling the aftermath of some unforeseen event. As a piece of work that directly responds to the Paris Attacks, \u003cem\u003eSnow Cab\u003c\/em\u003e also traces and attempts to emulate material production as sympathetic evidence of experience in the wake of an event. This is evident in objects presented throughout the show and detailed in Vegezzi’s texts, but is most apparent in a collection of t-shirts that were hung up for display - depicting vilified terrorists, the 1993 World Trade Center bombing, a Pray for Paris slogan and hand-made shirts referencing waterboarding. In the re-framing of these items of clothing, Vegezzi highlights the notion of merchandise and profit from geopolitical terror, while also delicately articulating the human and vulnerable within our reactions and experiences of a modern, managed world.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":29257447110,"sku":"","price":4400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160628_5882.jpg?v=1571703833"},{"product_id":"blisner-il-by-daniel-shea","title":"BLISNER, IL by Daniel Shea [SIGNED]","description":"\u003cp\u003eニューヨーク市クイーンズ区、ロングアイランドシティを拠点とするアメリカ人フォトグラファー、ダニエル・シェア（Daniel Shea）の作品集。本書は2012年に自費出版で発表された「Blisner, Ⅲ」の架空の続編としてまとめられ、それぞれ2008年よりイリノイ州・シカゴに拠点を移した作者が、重化学工業衰退により荒廃した現地の様子をドキュメントしたものである。タイトルの「Blisner」は作者によって設定された架空の町の名前であり、イリノイ州（IL）の歴史の提示として地域と密着しながら捉えられた作品が収められている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eBlisner, IL\u003c\/em\u003e is both a new edition and a pseudo-sequel to \u003cem\u003eBlisner, Ill.\u003c\/em\u003e A self-published photobook by Daniel Shea exploring processes of deindustrialisation in the Rust Belt of America. This new edition will still explore the industrial history and post-industrial fallout of the once prosperous Southern Illinois town, but will frame its predecessor, \u003cem\u003eBlisner, Ill\u003c\/em\u003e., as a historical document from which to draw information at the present day site. \u003cem\u003eBlisner, IL\u003c\/em\u003e will contain expanded and new work.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32047817356,"sku":"978-0-9573810-3-2","price":30800.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150303_3558.jpg?v=1571703899"},{"product_id":"bruises-by-samara-scott","title":"BRUISES by Samara Scott","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eイギリス人アーティストで彫刻家のサマラ・スコット（Samara Scott）の初写真集。本書は、35mmフィルムのハーフ判写真によるアーカイブから抜粋した作家が世界を \"サンプリング\" した6年間の活動を収録、自らの創作活動をフィードバックするための補足説明のような役割を果たす構成となっており、作家の彫刻作品と同様に、絶えず変化していく消費物と知覚的体験が渦の如く混ざりあう。収録されているイメージは、日常の表層部分と深層部分を取り出して一時停止したように、もしくは逸脱させてこじつけたように表現しながら、現代の資本主義社会におけるイメージ、音、質感がもはや飽和状態にあることも示している。彫刻作品を制作する時と同じく、作家は腐敗や堕落に何か惹かれるものを感じている。本作には物質社会にみられる染み、へこみ、漏れにまつわる写真、また同時にマイアミ、イビザ、日本、ローマ、ロサンゼルス、ロンドンで撮られた写真、ベッドルーム、空港、ショッピングセンター、家族の余暇、工業団地で撮影されたイメージが含まれる。スコットは自らが提示する「世界をかき回して胃もたれさせる感覚」について、日常生活の中で全く緩まない加速によって生じる船酔いにも似た状態であり、物質中心の（そしてデジタル化された）世界で恐怖と美しさを同時に感じることでもあると語る。本作では、この「かき混ぜられる世界」に気づくと迷い込まされる世界観を醸し出し、ハーフ判カメラが写し出す偶然性が、時と場所を超えた思いがけないつながりをもたらしている。本作に収められたイメージが示唆しているループし続けるフリーフォールのような物語は、作家が近年数々のギャラリーで行ったインスタレーションと共に考察するとまた深みが増す。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eBruises\u003c\/em\u003e is the first book of photographs by the British artist and sculptor Samara Scott. Taken from the artists' archive of 35mm half-frame images, \u003cem\u003eBruises\u003c\/em\u003e unfolds over six years in which Scott used the camera as a form of 'sampling' the world, footnotes to feed back into her artistic practice. Much like Scott's sculptural work, we find in her photographs a hybrid swirling of consumer objects and sensory experiences in flux. These images speak of a suspension or perversion of everyday surfaces and depths, but also of the saturation of images, sounds, and textures in contemporary capitalist society. Like in her sculptural practice, Scott is drawn towards the corrupted: in \u003cem\u003eBruises\u003c\/em\u003e we find the smears, dents, burps, leaks of the material world, alongside images from Miami, Ibiza, Japan, Rome, LA, London, the bedroom, airports, shopping centres, family holidays and industrial estates. Scott speaks of her own 'sense of churning in the world'; a seasickness from unmitigated acceleration of daily life, and the simultaneous horror and beauty of the material (and digital) world. In \u003cem\u003eBruises\u003c\/em\u003e, we find an attempt to navigate this churning world, where the serendipity of the half-frame camera creates chance connections across place and time. This looping, free-fall narrative of references pairs candid observations with her recent installations at Eastside Projects, Pump House Gallery and The Sunday Painter.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":42717904332,"sku":"9780993430367","price":3630.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/170629_04696.jpg?v=1571703944"},{"product_id":"feeling-with-fingers-that-see-by-stuart-whipps","title":"FEELING WITH FINGERS THAT SEE by Stuart Whipps","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eイギリス人アーティストのスチュアート・ウィップス（Stuart Whipps）の初作品集。本作は、理解やコントロールができないことに関する研究をする作者が、分類 \/ 理解 \/ コントロールしようとする人間の衝動的な行動について広範囲にわたりリサーチをしたシリーズから抜粋。17世紀に名を馳せたイギリスの建築家、数学者、天文学者であったクリストファー・レン卿が当時草分け的に提唱した初期の手話の反復法について継続的に研究している作品「\u003cem\u003eクリストファー・レン卿の幽霊と対話するためのシステム（A System for Communicating With The Ghost of Sir Christopher Wren）\u003c\/em\u003e」をもとにしている。作家は、墓石の向こうの亡きクリストファー・レン卿と対話を行い、リサーチを通じて発見したメッセ－ジを広めるために、写真やインスタレーション、ビデオ、パフォーマンスの中でも手話を用いている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eFeeling with fingers that see\u003c\/em\u003e by Stuart Whipps is the first in a series of books derived from the artists’ wide-ranging body of research into the human impulse to categories, control and understand the world. The book’s origins are in an ongoing artwork by Whipps, A System for Communicating With The Ghost of Sir Christopher Wren, in which the artist explores an early iteration of sign language, pioneered in the seventeenth century by the architect and polymath Sir Christopher Wren. Whipps uses the system within photographs, installation, video and performance to both communicate with Wren from beyond the grave, and to disseminate pertinent messages discovered during his research.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":43202072140,"sku":"9780993430350","price":2915.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/170629_04685.jpg?v=1571703945"},{"product_id":"demonstrations-of-patterns-in-flow-by-oliver-griffin","title":"DEMONSTRATIONS OF PATTERNS IN FLOW by Oliver Griffin","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eイギリス人アーティスト、オリバー・グリフィン（Oliver Griffin）の作品集。本書は、2017年にロンドン「Hannah Barry Gallery」で開催された同名の展覧会に伴い刊行。写真とテキストによるシークエンスで、均衡、失敗、練習、実践を間接的に表現している。本作は、BMXフラットランド競技後の体育館の床の写真と、エッセイ「\u003cem\u003e自分の表層から何を想像するか（What Do you Expect From Your Surfaces）\u003c\/em\u003e」から構成され、BMXというテーマとタイヤが描いた幾何学的な痕跡を用いて、創造性と秩序に関する問いに独自のアプローチを示している。一連の作品からは、写真を通じた収集や分類を促す人間の衝動、頑なな欲望から最終的に生じてしまうずれや軋轢への興味が見受けられる。全てハンドメイドで製本され、ランダムかつどの本も完全に異なる並びになるように印刷される構成となっており、気まぐれに組み合わさっている幾何学的なイメージとテキストとの見開きは、二次元空間の本質に落とし込まれた作家の思想や人物性を垣間見せる。作者にとって、BMXはルールや規制から解放され、イマジネーションと重力だけが支配する夢のような空間であり、「\u003cem\u003e私達が独善的な社会だと呼ぶこの地獄から逃れるために、たった数時間でも自分を解放できる地上の楽園\u003c\/em\u003e」なのである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eDemonstrations of Patterns in Flow\u003c\/em\u003e is a sequence of images and text obliquely meditating on balance, failure, practise and play. Comprising photographs of gymnasium floors after a flatland BMX competition, and an essay, What Do you Expect From Your Surfaces, this artists’ book uses the subject matter of BMX, and the geometric traces it leaves, as an idiosyncratic approach to questions of creativity and order.\u003cem\u003e Demonstrations of Patterns in Flow\u003c\/em\u003e continues Griffin’s interest in the impulse to collect and typologise through photography, and ultimately the slippages and frictions that occur through this desire for rigidity. This unique artists’ book is hand-made, with each edition printed in a way to create a completely random and unique sequence of images in each copy. The arbitrary pairing of texts and geometric forms folds into Griffin’s mythologising of the chance nature of flatland. For Griffin, BMX is a dream-space in which there are no rules or restrictions but that of imagination and gravity; a ‘\u003cem\u003eheaven on earth that you can lose yourself within for a couple of hours, in order to escape the purgatory that we call this dogmatic society\u003c\/em\u003e’.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":43208513292,"sku":"","price":2915.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/170629_04717.jpg?v=1571703945"},{"product_id":"paintings-by-harley-weir","title":"PAINTINGS by Harley Weir","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eイギリス人フォトグラファー、ハーリー・ウィアー（Harley Weir）の作品集。親密で刺激的な\u003cspan\u003eアプローチによる\u003c\/span\u003eポートレート写真で知られる作者が、本作では他者を撮影する行為において重要となってくる信頼、権力、同意への懸念を払拭しようと試み、\u003cspan\u003e今まで取り組んできた従来の表現方法から脱却したような作品を収録\u003c\/span\u003e。短くリズミカルなシークエンスが感じられる構成は、軽やかにページを運ばせ、作者が過去3年間一貫して撮り続けた表層、表面への追求を表現した色やリズム、シルエットが共鳴し合う形でまとめられている。作中のイメージは、文脈や場所というしがらみの外で考察されることを目指して作られ、写真の構図や構成の出発点にあたる場所に作品を立たせると同時に、純粋な1イメージを探求した結果として生まれたパーツとしてシルエットを作る。明確なルールと基準に沿いながらも、作者は自身をイメージづくりの行為から消し去ろうと試みかつ自身の即時性や気ままさを落とし込んだ1つの過程として写真と対峙している。とはいえ、本作において作者のこれまでの制作の至るところで明らかに見られた緊張感や葛藤も強調されている。表層的なものや境界に縛られないこと、カメラと被写体との間に生じる不安定な関係性、そして写真という枠に常につきまとってくる能力の選択と制約。こうした意識において本作のイメージは、ファッションやエディトリアル、ポートレート写真というジャンルで見られた作者の多様な表現からの解放であり、同時にそれらを映す鏡としても捉えられる。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003ePaintings\u003c\/em\u003e by Harley Weir presents images made as a form of digression from the artists' traditional photographic practice. Known for her intimate and striking approach to portraiture, the images in \u003cem\u003ePaintings\u003c\/em\u003e attempt to erase from the frame her concerns with trust, power and permission that weigh upon the act of photographing others. Presented as short, rhythmical sequences, \u003cem\u003ePaintings\u003c\/em\u003e moves across the page like a melody, linking rhythm, colour and form through surface studies made consistently throughout the last three years.Intended to be considered outside of the constraints of context and place, the images in \u003cem\u003ePaintings\u003c\/em\u003e attempt to exist at the threshold of photographic composition, while forming part of Weir's search for a 'pure' image. With each picture made according to a specific set of rules and criteria, Weir attempts to expunge herself from the act of image-making, and encounter photography as a immediate, indulging process.These images are nevertheless underscored by a tension and palpable throughout Weir’s practice - the transgressing of surfaces and boundaries, the uneasy relationship between camera and subject, and the inevitable constraints of choice and power that hover around the frame of a photograph. In this sense, these images can be thought of as both a liberation from and a mirror to Weir’s diverse output in fashion, editorial and portraiture photography.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":43626837900,"sku":"978-0-9934303-4-3","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/170822_2586.jpg?v=1571703945"},{"product_id":"where-the-flowers-still-grow-by-bharat-sikka","title":"WHERE THE FLOWERS STILL GROW by Bharat Sikka","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eインド人フォトグラファー、バハラ・シッカ （Bharat Sikka）の作品集。インド人にとってカシミール地方は神話的な場所である。世界でも最も美しい渓谷地帯の一つとしてこの地域は古くから讃えられてきたが、1980年代後半以降はインドという国家のアイデンティティを根底から揺るがす政治的、宗教的対立を表す代名詞となってしまう。デリーを拠点に活動する作者は、最初自身の家族とともに休暇を利用してカシミールに訪れた。2013年のことだった。滞在中、一人のカシミール人の若者がこの地域の歴史的な経緯や現在も続く対立関係に翻弄されながら自分が自分であることに苦悩する姿を描いたミルザ・ワヒード（Mirza Waheed）の小説『\u003cem\u003eThe Collaborator\u003c\/em\u003e』に出会ったことをきっかけとして、その後2014年から2015年にかけカシミールを訪れ、自分自身の個人的な体験を通じてこの争いの絶えない土地を理解しようと試みた。このプロジェクトは、小説からインスピレーションを受けて作られたものであるが、結果として、カシミールの緑溢れる豊饒な自然と、そこに暮らし苦闘する人々に思いを巡らせる作品となった。『\u003cem\u003eWhere the flowers still grow\u003c\/em\u003e』の中核をなすのは、国境や政治的対立のことなど何も知らないかのような、誰にも荒らされていない雄大な自然を背景にひとり佇む若者たちのポートレイトである。全てを語ることができる程の果てしない言葉の数々を含んでいるかのような沈黙。そんな沈黙を破り得るほどの表現を欲するように、作者の構えるカメラと被写体の男たちはしっかりと見つめ合う。鑑賞者は、あたかも作者と被写体の二人から何光年も離れた場所に岩や花をつけた植物といった風景があるように錯覚する。それは、我々の経験に基づいた鑑賞者としての問題点であることを暗に示す。では、イメージの中のどこに問題と答えがあるのだろうか？カシミールの男たちのポートレイトと自然の風景を一つのイメージとして溶け合わせた作者は、さらに自分自身がその地を訪れて体験したことの親密なディテールを記録していく。例えば人々の家に転がっているもの、動物、廃墟、自然の断片など、作者が撮影したものたちは、このプロジェクトの舞台装置となり、この地域とそこに暮らす人々のもつ微妙なニュアンスを伝え、人間世界には無関心であるかのような牧歌的な自然と、そこに生きる人々の人生や夢などとの間のコントラストを浮き彫りにする役割を担っている。本作を見た後に我々の心に残るのは、カシミールという土地に対峙したシッカの心の動きと答え、紛争が残した爪痕、そして歴史の激動を見つめてきたもの言わぬ目撃者の存在である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe state of Kashmir holds a mythic place in the mind of India. Long known as one of the world’s most beautiful mountain valleys, since the late 1980s it has become synonymous with a political and sectarian conflict which strikes at the very heart of India’s identity. Bharat Sikka first visited Kashmir in 2013, on a holiday with his family. While there, he discovered Mirza Waheed's novel \u003cem\u003eThe Collaborator\u003c\/em\u003e, which tells the story of a young Kashmiri man’s struggle with his own sense of self buffeted by the exigencies of history and the present. This propelled Sikka to make numerous visits to Kashmir in 2014 and 2015, travelling throughout the region to photograph the people who live there, to attempt to make some sense of their dilemma through his own personal experience. The central core of \u003cem\u003eWhere the flowers still grow\u003c\/em\u003e is comprised of portraits, predominantly young men shot alone within the colossal grandeur of an unspoiled Nature which seems to know nothing of national borders and political rivalries. The men stare at Sikka's camera, which stares back at them, with a plea that their representations might break through a silence, might provide the one million words necessary to explain everything.  We notice one specific rock, or a flowering stalk, within the image that feels as if it could be light-years away from both the photographer and his subject, implicating our own existential conundrum as the viewer of the image. Where do the questions and answers lie within this image of a gaze locked within another gaze? Having fused portraits of Kashmiri men with their landscapes, Sikka set out to record the more personal details of his visits, photographing objects found in homes but also dead animals, abandoned buildings, and elements of nature. These details provide a mise-en-scene for Sikka's project, articulating a more nuanced interpretation of the region and its inhabitants. What we are ultimately left with is Sikka's emotional response to his visits to Kashmir, the residual evidence of traumatic events, and the mute witnesses to the convulsions of history.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47146791372,"sku":"978-0-9934303-7-4","price":6380.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/170920_3529_56230f56-2eae-485d-888e-2d6f9fc3cb43.jpg?v=1571703962"},{"product_id":"dmycc-by-sean-vegezzi","title":"DMYCC by Sean Vegezzi","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eアメリカ人フォトグラファー、ショーン・ヴァジェッツィ（Sean Vegezzi）の作品集。ニューヨーク・ロウアー・マンハッタンの地下に存在する洞窟のような広い空間を中心としたアーティスト達の10年間に及ぶ活動を記録した一冊である。その場所は、1970年代にニューヨーク市都市交通局（New York City Transit Authority）による地下鉄2番街線計画の一環として建設されたトンネル区分の一つだった。1919年に計画が始まったものの、世界恐慌や1970年代のニューヨーク市の財政危機などで計画が延期し中断されたため「幻の2番街線」と呼ばれ、2017年にようやく一部のみ開通した曰くつきの場所であった。初期工事後すぐに放置され、作者らが発見するまで誰にも使用されない荒廃した場所として扱われ、幻のような存在であった。『\u003cem\u003eDMYCC\u003c\/em\u003e』は、その場所に関連した名称の頭文字語であり、かつそこへ行きたいという願望を表した形であり、制作活動の業務記録帳のようなものであり、プライベートでレクリエーション的な彼らの占有地のドキュメンタリーである。急激な発展や、私有地と公的な土地の極端な流動化を経たこの地域で、作者と彼の友人たちは自律や解放を追い求め、何処とも定義されていないこの場所に引き寄せられ、思春期の早いうちからこの機能不全の建造物を出入り自由な広場、ステージ、クラブ、スタジオとして利用し始めた。完全に荒れ果てた状態となり人数の多い別のグループが去った後、作者は大規模改修して最終的にそこで写真展を開催することを計画した。準備に奮闘していたが、不運なことにその活動が見つかり、さらには禁止され、セキュリティー対策がより厳しくなったが、彼らのその場所での関係がプロジェクトの輪郭を築いた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e緩やかな時系列に沿ったストーリー形式で構成された本書は、結果的に広範囲に及ぶこのテリトリーのマッピングとなった。初期のあどけなさが残る探索の様子が写った刺激的な記録はアナログ写真やビデオスチール、レシート、設計図にまで及び、細部にまで触れながらも堅苦しさを残したアーカイブ的な構成を崩さず、公的文書のように収められた記録写真がレポートとして作品のコンセプトを着地させている。また、その場所の関係者や侵入者、そのやりとりや動きの図像化、移動手段の観察、ゴミやメモといったことを調査の対象とした。インデックス化することへの渇望やこだわりの強さは日に日に増していき、その様はまるでイメージの集積がその場所の所有者としての役割を証明するかのようである。このどうにも機能しなかった場所の粉塵を取り除き、排水路を使えるようにし、壁を塗り、配電線を修理し、照明を慎重に調整してリノベーションの質を保ち続けた。作者と友人たちは自治体の認可を得られる公式のものと、自由で非公式なものとの間の境界を壊したのだ。こういった活動を論理的な極地へと導き、物理的な境界や障壁を戦略的に取り除き、各々のタスクを科学捜査さながらにドキュメンタリー化した。その記録は、共感も批判をも生み、記録そのものが名もなき協力者としてその街を位置づけするだろう。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eDMYCC\u003c\/em\u003e by Sean Vegezzi documents the artists’ decade-long engagement with a cavernous underground area constructed beneath Lower Manhattan. It is one of several tunnel segments built in the 1970’s by the New York City Transit Authority for the Second Avenue Subway, a convoluted and controversial subway line that was proposed as early as 1919, and partially realized in 2017. After the initial construction of the tunnel segment, the space was quickly overlooked, and prior to its discovery by Vegezzi, the phantom-like provisional enclosure lay in a state of non-use and deterioration. \u003cem\u003eDMYCC\u003c\/em\u003e is an initialism that encompasses the physical space itself, the desire to gain access to it, and a shifting roster of efforts to install and enact a private recreational domain within it.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAs their surrounding city experienced aggressive development and a hyper-securitisation of public and private realms, Vegezzi and his friends were drawn towards undefined spaces to pursue their own forms of autonomy and release. From early adolescence onward, they leveraged this piece of failed architecture into an alternate social forum, stage, club, and studio space. After a large party left the space in complete disrepair, Vegezzi planned a large-scale renovation, culminating in an exhibition of photographic works within the space. As intense preparation for the exhibition was unexpectedly discovered and halted, security measures increased and the group's engagement with the space took on the current contours of the project.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePresented in book form as a loose chronological narrative, the images in \u003cem\u003eDMYCC\u003c\/em\u003e eventually form a comprehensive mapping of the territory; ranging from early evocative analogue photographs of youthful explorations through to video stills, receipts, and architectural floor plans; concluding with full-scale photographic surveys that challenge bureaucratic structural reports in both detail and formal composition. Elsewhere, Vegezzi turns the methodologies of surveillance back onto the authorities and other intruders, monitoring their communications, mapping their moves, vehicles, their trash and their notes. Vegezzi’s desire for indexicality grows over time in extent and fastidiousness; as if the accumulation of images validates his acts of ownership without title. We see \u003cem\u003eDMYCC\u003c\/em\u003e develop from a contaminated space with non-functioning utilities into one treated with dust control chemicals to improve air quality, a working drainage system, primed walls, repaired electricity lines and meticulously considered lighting systems.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThrough the quiet, disciplined nature of their renovation work, Vegezzi and his friends deconstruct the distinctions between sanctioned municipal overhauls and more informal ones. Vegezzi takes these gestures to their logical extremes, in which physical boundaries and barriers are strategically undone and each task forensically documented. These documents are sympathetic yet critical, positing the city as an unknowing collaborator.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47820161932,"sku":"978-0-9934303-8-1","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/170920_3432.jpg?v=1571703962"},{"product_id":"towers-of-thanks-by-res","title":"TOWERS OF THANKS by Res","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eニューヨーク在住のアーティスト、レス（Res）の作品集。本作はトランプ・タワーの建設管理者として従事し、約20年間に渡りトランプ・オーガナイゼーションの副社長を務めた作者の母親、バーバラ・レス（Barbara Res）をテーマとしてまとめられた一冊。バーバラ・レスはドナルド・トランプが大統領選に立候補した2016年、彼の考えと立候補に対立する姿勢を表明した。彼女に対するドナルド・トランプの発言は、彼女が副社長として働いていたころの称賛的な評価とは一転、SNS上においてたった140文字で綴られた簡潔な非難へと移行していった。本作はドナルド・トランプの過去の遺物や発言における表面的で神経に障るような側面に迫ると同時に、それらが作者の家族にどれほどの影響を及ぼしてきたか、政治的な物語と個人的な物語の狭間に起きる不快な移り変わりを描き出している。写真というものが権力と成功の神話に与えうる観点、作者の母親、そしてトランプ・タワーに関する写真的な解釈が、過去のイメージと混ざり合いながら編纂されている作品。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eTowers of Thanks\u003c\/em\u003e by Res is a photographic sequence that engages with their mother's involvement in the Trump Organization. Barbara Res was the manager of construction on Trump Tower and executive Vice President of the Trump Organization for nearly 20 years, but in the run-up to the 2016 Presidential elections developed an oppositional and public stance against Trump and his candidacy. \u003cem\u003eTowers of Thanks\u003c\/em\u003e taps into the superficial, jarring aspects of Trump's legacy and language - we see his words move from those of effervescent praise to pithy, 140-character condemnation - and looks at how that legacy influenced their family, describing the uncomfortable shifts between political and personal narratives. The resulting sequence of photographs blends archival imagery of the Trump Organization with Res' photographic interpretations of their mother, of Trump Tower, and of the ways in which photography contributes to myths of power and success.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47835279180,"sku":"978-0-9934303-9-8","price":2420.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/170920_3495.jpg?v=1571703962"},{"product_id":"signal-the-future-by-georg-gatsas","title":"SIGNAL THE FUTURE by Georg Gatsas","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eスイス人フォトグラファー、アーティストであるゲオルグ・ガッサス（Georg Gatsas）の作品集。本作は、イギリス・ロンドンにおける幾重にも折り重なったミュージックシーンの重要な一時代を紐解く一冊である。ポートレイト写真やクラバー達のスナップ写真、都市建築のイメージを通じ、音楽がどのように身近な都市環境を作りかつ都市環境によって形成されたのかを一つの物語が解き明かしていく。時は遡り2008年、イギリスのクラブカルチャーにおいてダブステップ（※註）が起こした一つの現象が世界的にも高く評価をされた。我々にとってはまるで、クラブカルチャーから出現したものではなく、とある名声の高まった輝かしいミュージックシーンを紹介してもらったかのようだった。本書に登場する人々は民族的に多様であり、大部分が労働者階級、更に驚くほど結束力が強く、国内で高い評価を得ているインディー音楽やギターロックの歴史からは程遠い場所にいる。彼らは、街や愛すべき音楽によって繋がっている。作中ではダンサーのステップや、各々の動きを通じてのコミュニケーションが垣間見え、南ロンドンの街ブリックストンの夜のストリートで生きる者たちの輪郭をどことなく感じ取ることができる。わずか数年の間に、エレクトロニック・ミュージックのトーンやイメージは変わっていった。屋外でもイベントが開催されるようになり、より眩く、現代的な思考を特徴とした右肩上がりの構造を組み込んだ姿となった。本書は、イギリス人作家、文化批評家であるマーク・フィッシャー（Mark Fisher）が晩年に残した文章をはじめ、音楽論や文化論のライターとして高く評価を得ている面々のエッセイも共に収録しており、作者が可視化したアーバニズム、コミュニティ、「アンダーグラウンド」、資本主義、ネットワーク化した未来志向、ジェントリフィケーション — そういったものを編み込んだ束のような塊を厳密かつ徹底的に探った内容となっている（英文）。アンダーグラウンドな音楽に夢中になったことがない者なら誰しも、この領域がいかに多くのことを包含しているかを知り驚くであろう。この複雑さを、作者は生き生きと表現している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e※註 1999年頃、イギリスのロンドンで誕生した、エレクトロニック・ダンス・ミュージックの種類の名称。2001年にロンドンのソーホー地区にあった「Velvet Rooms」、ショーディッチ地区の「Plastic People」というクラブで開催されていたイベント「Forward（FWD\u0026gt;\u0026gt;）」での流行が最初の大きなムーブメントだった。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePhotographer Georg Gatsas’ \u003cem\u003eSignal The Future\u003c\/em\u003e unpacks many layers of an important musical era in London. Through portraits, candid shots of clubbers, and architectural investigations of the city, a narrative unfolds of how music both shapes and is shaped by its immediate urban environment. Dating from 2008 – shortly after the British club phenomenon of dubstep received international acclaim – we’re introduced to a music scene in the flush of fame. Ethnically diverse, largely working class, surprisingly close-knit, and a world apart from the country’s acclaimed indie and guitar rock history, the people in this book are united by the city and their love of the music. We glimpse dancers mid-stride, witness their steppers’ communion, and get a sense of their afterhours lives on the empty streets of Brixton in the night. In a few short years, the tone of electronic music changed and so did the images – becoming brighter, taking place more often outside, and interspersed with the kind of soaring structures that are the hallmark of modernism.The book includes essays by acclaimed writers on music and cultural theory, including the late Mark Fisher, probing deeply into many of the strands that Gatsas visualises: urbanism, community, the ‘underground’, capitalism, networked futurism, gentrification, and more. Anyone not following underground music may be surprised to realise how much is contained within its scope. Gatsas helps bring those complexities alive.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":1892096049164,"sku":"978-3-9524710-1-2","price":6600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/180215_6107.jpg?v=1571703965"},{"product_id":"humanise-something-free-of-error-by-sarah-piegay-espenon","title":"HUMANISE SOMETHING FREE OF ERROR by Sarah Piegay Espenon","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eロンドンを拠点とするアーティスト、サラ・ピゲイ・エスピノン（Sarah Piegay Espenon）の初作品集。本書は、気象改変によって気候に影響を与えようした人間の試みを研究した一冊であり、ヴィジュアルリサーチとして3年以上に渡り熟考、集積されてきた記録である。広義として気候改変とは、科学技術の進歩によって人為的に自然の気象傾向に介入しようとすることである。最初は、食糧生産性を高め水不足を緩和するため、もしくは雹やハリケーンといった気象災害の被害を避けるためといった建設的な行為として捉えられていた。しかし20世紀に入ると、土地から利を得るため、また経済や生態系、農業、金融商品市場を揺るがすためにこういった介入は軍事や資本主義におけるテクノロジーとして組み込まれていった。気象が兵器となることや環境戦争が起きる可能性を考えると、権力や支配力、軍事力のひとつとして自然の力を利用することへの倫理観に関わる疑問が生じる。出版物や新聞、オンラインフォーラム、アーティストの写真作品アーカイブなど様々なソースからイメージを集めた本書は、その疑問に対する遠回しな回答であり、地球工学を平和的に活用することと非平和的に使うこととの間にある細い線を伝いながら永遠に続いていくだろう。そして、強力かつ危険とも言える環境の力を、責任のもと管理する人間自身の力量を問うている。本書ではっきり描かれているこの試みは、我々のこの時代の気候における危機的状況とは切り離せないテーマであり、生態系の変化を操作するために用意された隠れた軌道を作者は切迫感を含有させて描いてる。また、本書には本質的であり難解な要素も含んでいる。「何が起きているのか見えない空の上で起きている不可解かつ隠れた気候操作」である。このようなイメージを収集する行為は、この地球との共生関係、また人と技術との関係についての疑問も同時に投げかけている。― 世界に我々が今までに積み重ねてきたプロセスは我々がコントロールしているのか、あるいはもはや今、我々がコントロールされているのか —\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eHumanise Something Free of Error\u003c\/em\u003e meditates on man’s attempts to influence the climate through weather modification, in the form of a visual research project compiled over three years. Taken broadly, weather modification refers to man-made attempts to intervene in natural weather patterns through advancements in science and technology. Initially, this took the form of positive gestures to stimulate food production and alleviate water scarcity, or to prevent damaging weather such as hail or hurricanes. The 20th century saw these processes integrated into military and capitalist technologies: to extract profit from the land, and to destabilize economies, ecosystems, agriculture and financial commodity markets. The weaponization of the weather and the prospect of environmental warfare raises questions about the ethics of harnessing natural forces as a form of power. Gathered from sources as diverse as press libraries, online forums and the artists’ photographic archives, \u003cem\u003eHumanise Something Free of Error\u003c\/em\u003e is an oblique response to these issues of power, left open-ended through visual associations along the thin line between peaceful and hostile usage of geoengineering. This critical engagement questions man’s ability to responsibly manage powerful and harmful ecological forces. The experiments evident in \u003cem\u003eHumanise Something Free of Error\u003c\/em\u003e are inseparable from the impending climate crises of our age, and paint an urgent picture of extreme hidden trajectories to control ecological change. Contained within is also an essential obscurity: the unknowable covert operations taking place in the skies above; the invisibility of the state. Collecting these images together asks questions about our living relationship with the planet, as well as about man’s relationship with technology - whether we are in control of the processes we have released upon the world, or whether they are now in control of us.\u003c\/p\u003e\n\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ciframe src=\"https:\/\/player.vimeo.com\/video\/263767481\" width=\"640\" height=\"462\" frameborder=\"0\" allowfullscreen=\"\"\u003e\u003c\/iframe\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":12439414308944,"sku":"978-1-912719-01-3","price":4180.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/Humanise-Something-Free-of-Error_01.jpg?v=1571703969"},{"product_id":"white-ashes-fell-by-stuart-whipps","title":"WHITE ASHES FELL by Stuart Whipps","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eイギリス人アーティストのスチュアート・ウィップス（Stuart Whipps）の作品集。メキシコのサン・ルイス・ポトシ州にある自治体ヒリトゥラで2012年に撮影された写真で構成されている。イギリスの詩人エドワード・ジェームス（Edward James）が1962年から1979年の間に建てたシュルレアリスム彫刻の庭園「ラス・ポサス（Las Pozas）」に赴き、『\u003cem\u003eThe House with Three Stories That Could Be Five\u003c\/em\u003e』や『\u003cem\u003eThe Temple of The Ducks\u003c\/em\u003e』と名付けられた作品を含む、36の大きなコンクリート構造物のコレクションを写している。その写真には、ジェームズの作品を鋳造するために使用した木型も添えられている。本書のタイトルは、イギリス人歌手であるジョージ・メリー（George Melly）へ語られ、サルバドール・ダリ（Salvador Dalí）の作品『\u003cem\u003e水面に象を映す白鳥（Swans Reflecting Elephants）\u003c\/em\u003e』で発表されたストーリーに由来している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e建物は、最初の20年の後にだけここに現れた。その20年間、私は園芸に興味があるだけだったが突然、62で降雪があった。誰も雪を見たことがなかったので、誰もそれが何なのか分からなかった。1ヵ月後に私がニューヨークから戻った時、皆ドン・エドワードに言った。3日間白い灰が降り、全てを焼き尽くしたので、この奇妙な天気に殺されないことを何かしようと決めた。だから私は建てることを始めた。それは髪の毛や、植物や花のようだった。そしてそれは雪に殺されなかった。\u003c\/em\u003e」\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eワイジングアーツセンター（イギリス）の支援により製作された本作は、作者の出版作品シリーズ『\u003cem\u003eTick, Tack, Tick, Tack, Tick\u003c\/em\u003e』の第二作目である。進行中のプロジェクトやそれにまつわるアイデアから抜粋した作品を収録。出版時には、印刷所で面付けされ断裁されていない状態のシートを300枚保管し、来るべき日のために備えている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eWhite Ashes Fell\u003c\/em\u003e presents photographs made by Stuart Whipps in Xilitla, Mexico in 2012. These photographs depict the surrealist sculpture garden of Las Pozas, a collection of 36 large concrete structures with titles such as \u003cem\u003eThe House with Three Stories That Could Be Five\u003c\/em\u003e, and\u003cem\u003e The Temple of The Ducks\u003c\/em\u003e. Las Pozas was built by the English patron and poet Edward James between 1962 and 1979. These images are accompanied by photographs of the wooden moulds that were used to cast James' structures. The title comes from a story told to George Melly and published in '\u003cem\u003eSwans Reflecting Elephants\u003c\/em\u003e':\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eThe building occurred only after the first 20 years here. For the first 20 years I was only interested in horticulture and then suddenly, in 62 there was a snowfall. Nobody had seen snow before, they didn’t know what it was. When I got back from New York a month later they said Don Edwardo, for 3 days white ashes fell and burnt everything so then I decided I would do something that couldn’t be killed by freak weather so I began building only then, things that look like tress and plants and flowers. Things that could not be killed by snow.\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe making of these photographs was generously supported by Wysing Arts Centre.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eTick, Tack, Tick, Tack, Tick\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eWhite Ashes Fell\u003c\/em\u003e is part 2 of \u003cem\u003eTick, Tack, Tick, Tack, Tick\u003c\/em\u003e, a series of publications with Stuart Whipps. Each publication behaves as an excerpt from Whipps' ongoing practice and the ideas circulating around it. Upon publication of each book, 300 untrimmed running sheets from the printing press are stored and archived, to be activated at a future date.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":12535791616080,"sku":"978-1-912719-00-6","price":2915.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/White-Ashes-Fell_01.jpg?v=1571703970"},{"product_id":"homes-by-harley-weir-second-edition","title":"HOMES by Harley Weir","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eイギリス人フォトグラファー、ハーリー・ウィアー（Harley Weir）の作品集。2016年10月17日〜28日にかけてフランス北部カレー市の移民・難民キャンプで撮影を敢行。当局によるキャンプ解体の直前からその作業中の様子を捉えたイメージにはキャンプの家々や個人的な空間も写し出されている。その記録は、国境を越えるという苦難に置かれながらも家庭的で親しみのある風景を作ろうとした住人の人間性と、彼らが創意工夫を凝らし生活を少しでも実りあるものにしようとしていたことの証明と言える。救いの手を差し伸べようと思えばできるはずの人々から抑圧され冷淡に扱われても失われることのなかった、キャンプにおける人間らしさを象徴するほんの小さなパーソナルスペース。その頑ななこだわりを本書は示している。本作は、2016年11月にキャンプの撤去と難民の移動が強行されたことを受け、問題意識を高め寄付を募るべく出版された。初版の500部は僅か5日間で完売し、人権団体「La Cimade」に10,000ユーロの寄付が行われた。2018年現在、カレーの問題は未だ継続し、難民たちの身の危険や暴力を取り巻く状況はさらに悪化している。現地の移民や支援活動者は、整備されたインフラ設備、水道や最低限の衛生条件、医療へのアクセスもままならない中、フランス警察からの威圧や妨害にさらされている。カレーにおける継続的な移民問題の可視性を再び高めるため本書は再版されることとなり、売り上げの一部はこの地域で人権擁護活動を続けている慈善団体に寄付される。セカンドエディションでは、未公開のイメージ3点を新たに収録。2018年のブライトン・フォト・ビエンナーレでは同シリーズの大規模な展覧会が開催される。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eHomes\u003c\/em\u003e by Harley Weir shows photographs made between 17 and 28 October 2016 in the migrant and refugee camps of Calais. Taken immediately before and during the clearing of this provisional settlement, Weir’s images bear witness to the humanity and ingenuity of those living there - constructing the domestic and familiar against a backdrop of displacement. The photographs show us the homes and private spaces of the camp. In the face of oppression and indifference from those most poised to provide assistance, \u003cem\u003eHomes\u003c\/em\u003e shows a stubborn commitment to the small, personal spaces of humanity within the Calais camp. \u003cem\u003eHomes\u003c\/em\u003e was initially published in November 2016 to raise awareness and funds during the brutal dismantling of the Calais camps and relocation of refugees. The initial run of 500 copies sold within five days, raising €10,000 for La Cimade. In 2018, the situation still persists in Calais but under greater conditions of precariousness and violence. Without organised infrastructure, migrants and aid workers are intimidated and harassed by French police, while access to running water, basic sanitation and healthcare are scarce. With the need to raise visibility of the continued migrant situation in Calais, our re-print of Homes will donate a percentage of proceeds to charities still active in protecting and defending the human rights in the area. This second edition of Homes also contains three new unseen images, and is published to coincide with a large-scale exhibition of the work at Brighton Photo Biennial, 28 September–28 October 2018.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":12776944894032,"sku":"9780993430336","price":4840.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/homes01.jpg?v=1571703973"},{"product_id":"ice-fishers-by-aleksey-kondratyev","title":"ICE FISHERS by Aleksey Kondratyev","description":"\u003cp\u003eキルギス人フォトグラファー、アレクセイ・コンドラチェフ（Aleksey Kondratyev）の作品集。カザフスタンの漁師たちは、何世代にも渡って氷の下の魚を取るために凍り付いたエシム川で氷上釣りを行なってきた。エシム川が流れる首都アスタナは、この国で石油の生産が始まった1990年代にほぼ何もないところから建設された高層ビルの立ち並ぶ未来都市である。ポスト・ソビエトの現代性の象徴かつ、世界経済へとカザフスタンが仲間入りする太鼓判となるべく造られたこの街の川では、漁師たちが氷点下40度になることも珍しくない氷の上で危険を冒して漁をする。厳しい気候から身を守るために、ヨーロッパや中国、ロシア製の商品を売る市場外で拾ってきた梱包資材や米袋など使われなくなったビニールを繋ぎ合わせてテントのようなものを作る。輸入によってもたらされた素材の流用や、その補助的な使われ方に注目した作者は、グローバル資本主義における物品の流れやそのこと及ぼす地元の遊牧民的な習俗への影響に光明を投じ、国際的な貿易政策と個人の生活とが出会う点を明らかにした。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eFor generations, Kazakh fishers have set out on to the frozen Ishim River in the hope of catching fish beneath the ice. The Ishim flows through the country's capital, Astana, a high-rise, futuristic city that was built virtually from scratch in the 1990s, when the exploitation of Kazakhstan's oil reserves began. The city is intended to be an emblem of post-Soviet modernity and a hallmark of the country’s entrance into the global economy. On the ice, the fishermen brave temperatures that often reach forty degrees below zero. While they fish, they protect themselves from the harsh weather with salvaged pieces of plastic, patched together from discarded packaging or rice bags found outside markets selling western, Chinese and Russian goods. By looking at the appropriation of these imported materials and their subsidiary application, Kondratyev illuminates the material flow of global capitalism and its effect on local, nomadic practices. Tracking this flow reveals the point at which international trade policy meets individual lives.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":12830989877328,"sku":"978-1-912719-03-7","price":4840.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/icefishers01.jpg?v=1569323520"},{"product_id":"seabird-by-bobby-doherty","title":"SEABIRD by Bobby Doherty","description":"\u003cp\u003eアメリカ人フォトグラファー、ボビー・ドハティ（Bobby Doherty）の作品集。2014から2018年にかけて撮影された作品で構成されてた一冊。作者の写真は実にはっきりと核心をついている。真っ赤なテーブルクロス上の磨き上げられたグラスや柔らかい葉の上に落ちたみずみずしい雫など、それらのイメージは極端に単純化されているように一見思われる。物や状況は煮詰められ、その基礎成分だけが後に残っている。作者は、日常における深い意味をもつものと無意味なもの、その両方を同じ分だけ瞬時にイメージの中に閉じ込める技量を持っており、例えば感情に語りかけてくる牧歌的な風景やポートレイトが街中のごみや動物、食べ物、花と隣り合わせに配置されている。最後まで目を通していくと、小さいものと大きいもの、ありふれたものと崇高なものがページを超えて手を握り合い、その作品からは写真的な平等主義を感じることができる。作者は元来静物写真が評価されてきたが、自らのイメージをカテゴリーに当てはめたり過度に分析することは意図的に避けている。結束や過去を顧みるといった観点は気にも留めず、ありとあらゆるものを常に撮り続けていたいという衝動に突き動かされて制作する作家の系統に属する者として自らを位置付けている。写真に対するこのような開かれた感覚の中で、本作のイメージは全体として一つの人間味溢れるタペストリーとなり、気分の変化や感情の動きがそれとなく示されている。この作品は、ホールマーク社のグリーティングカード的なキッチュさから歪んだユーモアが光る並置へ、型にはまったものから不条理なものへと、瞬きしている間にその表情を変えていく。このような遊びや緩さが残されているのにも関わらず、イメージの多くは法医学的といっても良いほど緻密に制作されており、色や形などあらゆるディテールに注意が向けられる。作者のカメラを通じ、人間と自然が渾然一体となった世界は平面に置き換えられ、いかにも楽し気で臆面もなくセンチメンタルな、好奇心で輝くイメージとなる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eSeabird\u003c\/em\u003e is a book of moments observed by American photographer Bobby Doherty between 2014 and 2018. Doherty makes photographs that get to the point. At first glance, some of the photographs in \u003cem\u003eSeabird\u003c\/em\u003e feel gloriously oversimplified, objects and situations simmered down to their bare constituent elements; the clearest glass on the reddest tablecloth, the wettest dew on the softest leaf. Doherty is quick to embrace both the meaningful and meaningless of everyday life with equal measure: emotive, bucolic landscapes and portraits sit alongside city trash, animals, food and flowers. What comes out in the end feels like a photographic egalitarianism, where the tiny and the huge, the mundane and the sublime, shake hands across pages. Despite his acclaim as a still-life photographer, Doherty is keen to avoid categorisation or to overanalyse his images, placing himself in a lineage of those with a powerful urge to make photographs, consistently and extensively, without concern for cohesion or retrospection. Within this openness, \u003cem\u003eSeabird\u003c\/em\u003e becomes an identifiably human tapestry of images, suggesting the changing of moods, or the shifting of emotions. In the blink of an eye, the work jumps from Hallmark-greeting-card kitsch to wry juxtaposition, from the stereotypical to the absurd. Despite this looseness, there is a forensic scrutiny to many images, in which every detail, colour and form demands attention. Through Bobby’s camera the mud and mixture of the human and natural world are flattened and shimmer with wonder, joyful and unashamedly sentimental.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":12831015567440,"sku":"978-1-912719-02-0","price":6380.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/seabird01.jpg?v=1571703973"},{"product_id":"busy-living-by-coco-capitan","title":"BUSY LIVING by Coco Capitán","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eスペイン人フォトグラファー、アーティストのココ・カピタン（Coco Capitán）の作品集。その年齢からは想像がつかないほど、本作は万華鏡のように千変万化な作者のスタイルを魅せており、制作年数を超えた自由さと開放感に満ちている。ファッション、コマーシャル写真の慣例の逆を行く遊び心溢れるセッティングから始まり、アメリカと中国を巡る旅を通して物語られるオリンピックの競泳選手や個人的な回想録の優雅な描写まで、本作はまさにすさまじい速度で変化していく現代社会において、作者が経験し、吸収し、そして反映して来たまさにタイトルにある「BUSY LIVING（必死に生きる）」を表している。作者の作品はじっと座っているような表現ではない。確立したスタイルを貫き、既に世に認められた写真作品と並び、今日の我々を取り巻いている暗号を作者が解読しようとする試みの中で生まれた文章や絵、インスタレーションが本書には収められている。このような作品群は、時に個人的なものであり、また別の側面では自虐的とも取れるユーモアで満ちた壮大な宣誓でもある。このことは、作者の情熱と不思議さ、そして健康的かつ皮肉と機知に富んだ世界観を確固たるものとしている。本書は、 2019年3月6日から5月26日にかけて行われるヨーロッパ写真美術館（MEP\/フランス） \u003cspan\u003eでの展覧会開催に伴い刊行。\u003c\/span\u003e同\u003cspan\u003e美術館でディレクターを務めるサイモン・ベーカー（Simon Baker）がエッセイを寄稿。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/imaonline.jp\/articles\/interview\/20220506coco-capitan\/\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003e記事：ココ・カピタンインタヴュー、日記に記憶を綴るように、魔法の箱から生みだす1枚（IMA ONLINE）\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/shibuya.parco.jp\/feature\/detail\/?id=5095\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003eInterview Coco Capitán｜個展「NAÏVY: in fifty (definitive) photographs」（feature | PEOPLE \/渋谷PARCO\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eCoco Capitán Exhibition「NAÏVY: in fifty (definitive) photographs」\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2022年4月15日（金） - 5月9日（月）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：11:00-20:00（最終日は18:00閉場）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：PARCO MUSEUM TOKYO\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/art.parco.jp\/museumtokyo\/detail\/?id=938\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eBusy Living accompanies Spanish artist Coco Capitán's first major museum exhibition in Europe, a comprehensive survey of the artists’ last six years of image making, including an essay by curator Simon Baker and texts throughout in English and French. Despite Capitán's young age, Busy Living contains a kaleidoscope of styles, with an open-ness and freedom beyond her years. Ranging from playful setups pushing against the conventions of fashion and commercial photography, through to statuesque studies of Olympic swimmers and personal memoirs told through trips across America and China, Busy Living shows Capitán doing exactly what her title proposes: experiencing, absorbing, and reflecting a fast-paced modern world. Capitán doesn’t appear to be one to sit still. Alongside her established photographic practice, Busy Living shows the vital role that writing, painting and installation play in her attempt to decipher the codes that surround us in the present day. These works – sometimes confessional and personal, sometimes grand manifestos dripping with self-deprecating humour – solidify Capitán's worldview, one filled with passion and wonder but also a healthy dose of sarcasm and wit. The exhibition of Busy Living runs from March 6 – May 25, 2019 at the Maison Européenne de la Photographie in Paris.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":21381857968208,"sku":"9781912719105","price":7260.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/busyliving_01.jpg?v=1571703997"},{"product_id":"bastard-countryside-by-robin-friend","title":"BASTARD COUNTRYSIDE by Robin Friend","description":"\u003cp\u003eイギリス生まれ、オーストラリア育ちであり、現在はロンドンを拠点として活動するフォトグラファー、ロビン・フレンド（Robin Friend）の作品集。フランス文学界の大巨匠ヴィクトル・ユーゴーが「2つの異なる性質が交じり合う、そこはかとなく奇妙で醜いろくでもない田舎（bastard countryside）」と呼んだ風景についての考察として、15年に渡りイギリスのランドスケープを探索した作者の集大成ともいえる一冊。都市でもなく田舎でもない曖昧さが漂う、荒れるにまかせた辺境の土地を撮ったシュールな大判のカラー写真には、汚染の爪痕も生々しい、誰にも顧みられることのない今ここにある現実と牧歌的な荘厳さとの摩擦がくっきりと浮かび上がっている。クラシカルな風景写真の様式を出発点とする緻密な5x4の写真において、作者は極端な色や構成の強調を効果的に使用し、理想的なイギリスののどかな風景という概念と現在のリアリティの間の不和を表現した。特に汚染物質の流出、あるいは自然が破壊され力を奪われたことによって、風景から連想される物語が荒々しく断ち切られる瞬間を追いかける。作家のロバート・マクファーレン（Robert Macfarlane）は本書に収録されたエッセイの中で本作に対し「清浄さや卓越性ではなく、異なる要素を寄せ集め絡み合わせて作りだされた人工的な『現代の自然』を描き出した秀逸なヴィジョン」と評する。作者のイメージは、「体験してみたい、住んでみたい気持ちにさせる風景とはどのようなものか、『現代の自然』に守っていく価値を持つものがあるとすればそれはどのようなものか、その理由はなにかというような難しい問題」を問いかけているという。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eBastard Countryside\u003c\/em\u003e collects together 15 years worth of exploration within the British landscape, dwelling on what Victor Hugo called the ‘bastard countryside’: “somewhat ugly but bizarre, made up of two different natures”. Friend’s large-format colour images scrutinise these inbetween, unkempt, and often surreal marginal areas of the country, highlighting frictions between the pastoral sublime and the discarded, often polluted reality of the present. Starting from a classical landscape tradition, Friend’s meticulous 5x4 photographs are given heightened effect through exaggerations of colour and composition, embodying a friction between British pastoral ideals and present reality. In particular, Friend follows moments in which the expected narrative of the landscape is rudely interrupted: often through leakage, pollution, or the wreckage and containment of nature. In his accompanying essay, writer Robert Macfarlane describes \u003cem\u003eBastard Countryside\u003c\/em\u003e as “\u003cem\u003ea vision par excellence of our synthetic ‘modern nature’– produced by assemblage and entanglement rather than purity and distinction\u003c\/em\u003e”. Contained within Friend’s photographs are “\u003cem\u003ehard questions […] about what kinds of landscape one might wish either to pass through or to live in; about what versions of ‘modern nature’ might be worth fighting for, and why.\u003c\/em\u003e”\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":28101723127888,"sku":"9781912719044","price":7480.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/bc01.jpg?v=1571703999"},{"product_id":"grey-cobalt-by-felicia-honkasalo","title":"GREY COBALT by Felicia Honkasalo","description":"\u003cp\u003eフィンランド人アーティスト、フェリシア・ホンカサロ（Felicia Honkasalo）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eこの作品は亡くなった祖父から受け継いだもの、書類、写真から生まれました。生前の祖父について私は何も知りません。これらのものを通じて私は様々な祖父の姿を想像しました。働いているところ、日々の生活、冷戦下のフィンランドの炭鉱で酒を飲みながら昼食を取っているところ…。そんな姿を想像上の記憶として再構築したのです。この作品を作る過程で、私の目には祖父の遺した風変りな品々がそれぞれ独自の肉体と能力を持つ、生きているキャラクターに見えてきました。祖父の遺品には私自身の記憶の不確かさとは対照的なしっかりとした形があり、変わることのない輝きが宿っています。私の目に映るキャラクターたちは、不確かさと確かなものとの複雑な関係性に明滅する光を投げかけるのです。\u003c\/em\u003e」\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本作は作者の生まれ故郷であるフィンランドの風景と歴史が染み込んだコレクションの品々を中心に展開される。注意深く並べられたイメージのシークエンスには、治金学者だった祖父の遺品と向き合った静かな瞑想と、元の字句を消してその上に字句を記した羊皮紙（パリンプセスト）のように異なる順序で語られる時間や記憶がフィンランドという土地にはどのように刻み込まれているのかという問いと、その両方を巡り、より大きく圧倒的な2つの物語が同時に表現されている。様々な珍品を集めた博物陳列室の「驚異の部屋」のように整理され新しい順番で並べられたイメージの数々は、全体として1つの「失われた世界に触れる体験」を作り出している。作者は一見共通点のないものたちからいくつもの物語を紡ぎだし、遠い過去に対する自分自身の思いや理解から独創的な宇宙論を形成する。祖父の書いたメモの一部とそれらを基に作者自身が綴った物語は、この本とそこで紹介されているものについてのエピローグと考察として収録されている。その中で作者は、これらのものたちが作られた歴史上のある一時期と、今度はその同じものが混乱させている現代について熟考している。本作品では、互いに補い合うイメージを並列して構成したシークエンスを通じて、個人的、歴史的、地理的な軌跡が空間と時間を超えてそれとなくつながっている。イメージを補完するエイダ・スメールベゴビッグ（Ada Smailbegovic）の長い散文は、ものと場所とでできた目に見えない世界を描き出すためにイメージと断片的なスタイルを使い、これらの軌跡をさらに拡大していく。本作は、2019年1月10日から2月15日までWebber Galleryで開催された同名の展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\"\u003cem\u003eIt all started with the objects, documents and photographs I inherited from my late grandfather, a man unknown to me when he was alive. Through these objects I rebuilt different images of him, and reconstructed imagined memories of him at work, of his everyday life, and of the wet lunches held at the mine headquarters during cold-war Finland. In the process of making this body of work, these unusual heirlooms have become, in my eyes, animate characters with independent bodies and powers. They cast a flickering light on the complex relationship between the frailty of my own memories in contrast to the solid forms and eternal glances of these things.\u003c\/em\u003e\"\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eGrey Cobalt\u003c\/em\u003e by Felicia Honkasalo bases itself around a collection of artefacts steeped in the landscape and history of her native Finland. In a sequence of delicately arranged images, \u003cem\u003eGrey Cobalt\u003c\/em\u003e contains both a meditation on the legacy left by her metallurgist grandfather and a larger, sweeping narrative of how different orders of time and memory impress themselves upon the land, like a palimpsest. Now ‘rearranged and newly ordered, like a cabinet of curiosities', together these images form a tactile experience of a lost world. Honkasalo creates multiple narratives from seemingly disparate objects, forming alternative cosmologies from her own observations and sense of the distant past. A selection of notes written by Felicia's grandfather, and expanded upon by herself, are included as epilogue and reflection upon the book and the objects exhibited; a musing on the historical moment in which they were created and the present they in turn disrupt. Through this sequence of images juxtaposing and complimenting one another, \u003cem\u003eGrey Cobalt\u003c\/em\u003e obliquely connects personal, historical and geological traces across space and time. An accompanying long form prose piece by Ada Smailbegovic expands these traces further, using images and a fragmentary style to conjure an invisible world of objects and places.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":28101772509264,"sku":"9781912719082","price":5720.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/gc01.jpg?v=1571703999"},{"product_id":"photographs-by-jack-davison","title":"PHOTOGRAPHS by Jack Davison [THIRD EDITION]","description":"\u003cp\u003eイギリス人アーティスト、ジャック・デイヴィソン（Jack Davison）の作品集。2007年から継続して制作するイメージを用いた実験の成果を1つのシリーズとしてまとめている。独学で写真を学んだ作者は、画家が絵を描くように直観や天性の感覚に従い、日常に埋没したシュールで官能的なものを掘り起こすような写真を撮る。明暗を強調することで絵に深みを出す表現技法「キアロスクーロ（明暗法）」や、意味を曖昧にすることや逆に隠された意味を明らかにすることもできる写真の力が、そのユニークで巧妙なアプローチにおいて存分に生かされている。反転し水面下に沈んだ世界のようなそのイメージは、明快で鮮明なディテールが立ち現れたかと思えば、蜃気楼のようにかき消えていく。まるで揺れ動く振り子のようである。濃い陰影とタイトなフレーミングを特徴とする本作は、紛れもなく映画的な美意識で貫かれている。レイヤーを重ね合わせたイメージの1つ1つが見るものの連想を刺激し、実際に写っている文脈から遠く離れたところまで想像が広がっていく。近年世間の注目を集める作家であるが、つつましやかであらゆるものを包み込むような姿勢は変わっていない。本書においては、日常の出来事をシンプルに捉えていながら、丹念な演出と編集によるセットアップ写真からミステリーと深い意味を湛えたイメージへと実にさりげなくシフトしている。作者のイメージには手と目が繰り返し登場する。握りしめた拳、顔を撫でている手、看板の中からこちらを睨みつける目、鏡越しにきらめく目と、この2つのモチーフは作品のあちこちに姿を現している。見ることと感じること、知覚と想像の境界といった力強い緊張感を象徴している。本書では、作者の視点から見た世界を写した謎めいたポートレイト、風景写真、静物写真がきめ細やかなシークエンスとなり、こうした2つの対立する状態の間をふわふわと漂いながら、情感溢れる複雑な世界観を表現している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/imaonline.jp\/articles\/bookreview\/20211227skwa-twelvebooks\/#page-1\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\"\u003e\u003cem\u003e記事：2021年のベストセラー写真集3冊【SKWAT\/twelvebooks編】\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003ePhotographs\u003c\/em\u003e is a story of British artist Jack Davison's experiments with image making from 2007 to present. A self-taught photographer, Davison makes pictures like a painter paints, using intuition and instinct to craft photographs that excavate the surreal and sensual from the fabric of daily life. Relying heavily on chiaroscuro and the power of photography to obscure as well as reveal, Davison's unique, crafted approach to image-making oscillates from crisp, sharp details into dissolving mirages – the world inverted and submerged. With their deep shadows and tight framing, the images in \u003cem\u003ePhotographs\u003c\/em\u003e have an unmistakeably cinematic quality; each layered image leaves a breadcrumb trail of associations that extend far beyond it’s initial context. Despite Jack's recent successes, he remains humble and all-encompassing in his photography, and the book indistinguishably shifts from staged, meticulous editorial setups to simple everyday occurrences, infused with mystery and depth. Two recurring motifs in Davison’s work are the hand and the eye: here a clenched fist, there caressing a face; here glaring out from a billboard and elsewhere shimmering in a reflection. They represent a dynamic tension within Davison’s work, of seeing versus feeling, or the threshold between perception and imagination. The delicate sequence in \u003cem\u003ePhotographs\u003c\/em\u003e hovers between these two states, creating a complex, soulful interpretation of the world through Jack's enigmatic portraits, landscapes and still lifes.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":28247813652560,"sku":"9781912719075","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/jack01.jpg?v=1569427182"},{"product_id":"congregation-by-sophie-green","title":"CONGREGATION by Sophie Green","description":"\u003cp\u003eイギリス人フォトグラファー、ソフィー・グリーン（Sophie Green）の作品集。テムズ南岸のサザーク地区に多い欧米ミッション系教会から分離しアフリカ化されたアラドゥラ・スピリチュアリスト教会と、そこに礼拝に集まる人々を賛美した一作。「白い衣装の教会」と呼ばれているこの教会の信者は、毎週日曜日にミサを行い結束を維持している。グリーンのイメージは、これまで外部の目に晒されることがめったになかった生き生きとしたコミュニティに我々を招き入れる。キリスト教の一派であるアラドゥラ教会は主にナイジェリアのヨルバ族に信仰されており、この40年間でロンドンの至るところ、中でもアフリカ大陸以外でのアフリカ系教会の数が最も多いサザーク地区で日常風景の一部となった。本作は、個性豊かな参拝者たちとヨルバ語で行われる日曜日のミサの情景が織りなす豊かなタペストリーを見つめている。アフリカ系ロンドン人にとってこうした教会での集会は、同族の人々との社交や文化的な連帯感を維持していくための大切な場所である。サブカルチャーの内側で個人が共同体のアイデンティティや力をどのようにして見出しているのか、文化的な実践がどのような形で現代的でグローバルな文脈に吸収されているかといった問いを投げかける。ここでは、伝統的な服装、食事、習慣などが現代的なテクノロジーやファッションに自然な形で取り入れられている。またメインストリームではない教会は、工業地帯の跡など社会の目に触れない地域にあることが多いが、このような都市の隠された間隙に敬虔な人々が集まってくることにより活気が生まれている。さらに作者は、コラボレーションの要素が強いポートレイトを盛り込み、各教会の信徒たちとその信仰心に力を与え、互いのつながりを促進するような写真のワークショップを通じることで個々の被写体と直に関わりを持っている。男性、女性、子どもを捉えた自然主義的なイメージに織り込まれた作り込んだポートレイトが、個人のアイデンティティとその宗教的な実践の基盤になっているコミュニティとの間で繰り広げられるドラマを鮮やかに描き出している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eCongregation\u003c\/em\u003e by Sophie Green is a celebration of Southwark’s Aladura Spiritualist African churches and congregations. Often referred to as “white garment” churches, Green’s images engage with rarely-documented dynamic communities who unite each weekend for Sunday service. Aladura is a denomination of Christianity predominantly practised by Yoruba Nigerians, and in the last 40 years has become a ubiquitous part of London life - particularly in Southwark, which has the highest concentration of African churches outside the continent. Congegation observes a rich tapestry of worshippers and Sunday services, which are spoken in Yoruba and form a key social meeting point and place of cultural solidarity between African Londoners. \u003cem\u003eCongregation\u003c\/em\u003e asks questions about how individuals find collective identity and power within subcultures, and how cultural practice is assimilated into modern global contexts: traditional dress, food and customs rub up against modern technology and fashion, while devotional interiors colourfully fill the hidden, often industrial spaces that churches inhabit. Green also engages directly with individuals through collaborative, posed portrait sessions and photographic workshops which serve to empower and engage with members of each congregation and their faith. Mixed in with naturalistic images of men, women and children, these stylised portraits highlight the performance of identity and communality that underpins religious practice.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":28247823089744,"sku":"","price":5500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/Congregation_01.jpg?v=1571704000"},{"product_id":"campaign-child-by-xiaopeng-yuan","title":"CAMPAIGN CHILD by Xiaopeng Yuan","description":"\u003cp\u003e中国人アーティスト、シャオペン・ユアン（Xiaopeng Yuan）の作品集。商業写真を背景に、空間の中に存在する身体やものを加工し、想像を超えた新しい物語を作り出す。アーティストを目指しながら商業写真に携わってきた作者は、中国の子供服ブランドの撮影時のクライアントからの要望が、ロケーションは自分が生まれ育った上海、モデルは白人、設定はアメリカ風という決まりきった依頼ばかり来ることに気が付いた。この予め決められた文脈を枠組みとして使い、幼いモデルたちとのコラボレーションを通じてシュールで不条理なイメージを掘り起こし始めた。作者は商業写真の言語を自由に操り、共通点のないものや身体、状況から新しい意味を作り出す。一つ一つのイメージは、商業的なツールとして写真が持つ純粋かつ明瞭で機能的な軸と、並置的な構図や物語の切れ目によって見るものが想像を巡らす余地が生まれる時に発生する「ズレ」との間のバランスを取ろうとしている。テーブルクロスの下から出てきた少女、逃げたのに再び捕まってしまったインコ、液体が滴る病院のベッド。このイメージ群を見ていると、物語を途中から読んでいる感覚を覚える。バラバラのイメージが反響し合い、奇妙な新しい文脈が生まれている。作者はありえない組み合わせを提示することによって、我々にフレームの外には何があるのか考えさせ、異なる要素で構成された場面の間につながりを見出すように促す。商業的な撮影を想像力と遊びの空間に作り変えることによって、本書は西洋の資本主義的なモチーフとこれらが組み込まれているグローバルな文脈との間の不安定な関係を表現する一方で、写真を通じた欲望の正当化はどのようにして行われているかを考察している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eCampaign Child\u003c\/em\u003e by Chinese artist Xiaopeng Yuan uses the backdrop of commercial photoshoots to create new, unexpected narratives through the manipulation of bodies and objects in space. While developing as an artist, Yuan found himself routinely commissioned by Chinese kidswear brands to photograph white Western models and American settings within his native Shanghai. Using this controlled context as a parameter, Yuan began to excavate surreal, incongruous images with his young collaborators. \u003cem\u003eCampaign Child\u003c\/em\u003e indulges in the language of commercial photography to create new meanings out of disparate objects, bodies and situations. Each image attempts a balance: between the pure, clean, functional axis of photography as a communication tool, and the slippages that occur when juxtaposition and narrative gaps leave space for the mind to unfold. Yuan's images often feel as if you have stumbled into a story in medias res: a young girl emerging from a tablecloth, an escaped budgie being trapped, a hospital bed dripping with liquid. Through unlikely combinations, Yuan asks us to consider what is existing outside the frame and forge links across disparate scenes, where each photograph bounces off the other to create uncanny new contexts. By restructuring commercial photoshoots into a space of imagination and play, \u003cem\u003eCampaign Child\u003c\/em\u003e also speaks of the uneasy relationship between Western capitalist motifs and the global contexts they insert themselves into, while questioning how desire is validated through photography.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31443899809872,"sku":"978-1-912719-06-8","price":4620.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/cc_01_79241e69-30d0-4c25-ae7b-c27cccbc272c.jpg?v=1575549947"},{"product_id":"restricted-residence-by-giles-price","title":"RESTRICTED RESIDENCE by Giles Price","description":"\u003cp\u003eイギリス人フォトグラファー、ジャイルズ・プライス（Giles Price）の作品集。2011年、東日本大震災と津波に続き発生した福島第一原子力発電所事故による高濃度放射能に汚染された2つの街、浪江町と飯舘村に帰還した人々に迫る一作。この地域における放射能の長期的な影響については一致した科学的な見解は得られていないが、日本政府は2017年に非難指示区域の縮小を開始し、帰還する人々に賠償金を与えた。どちらの街も震災前は活気があり、10万人近くの人々が生活していたが、今では危険を顧みずに帰還した人々が数百人だけとなっている。原子炉は未だに修復されておらず、至るところに人が住むことができない放射能のホットスポットが散らばっている。これらの地域は今後50年かそれ以上に渡り安全な状態にはならないとも言われている。清掃や再建に携わる労働者、医療従事者、事務職員、ほとんど客がいないためにこの地に残ることを条件に特別手当を会社から支給されているタクシー運転手、機械工、売ることができなくても殺すには忍びないと、放射能に汚染されている牛の世話をしている牧場主。本書に登場するのは、より良い未来に対する希望を抱いている普通の人たちである。この作品で作者は、医療や監視の現場で使われることが多い赤外線カメラを使用し浪江町と飯舘村の日常を独特な色彩で塗り替え、異世界のような風景として描き出した。環境問題に詳しいイギリス人作家、フレッド・ピアスによるエッセイと共に、本書は放射線災害に影響を受けた人々が感じている、表面からは分からないストレスを表現し、同時に人的な大災害が私たちの脆弱な環境に与える広範な影響について問題を投げかけている。作者は、作品を通じて重要な構造的変化から抗議運動、生存をかけた戦いなど、大群衆が一か所に集まることによって変化した風景まで、人間の存在に影響される環境について考察する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eRestricted Residence by Giles Price examines the relocation of Japanese citizens to Namie and Iitate, two towns exposed to extreme radioactivity following the catastrophic leak at Fukushima Daiichi Nuclear Power Plant after the 2011 earthquake and tsunami. Despite the inconclusive scientific consensus of the long-term effects of radiation in the area, in 2017 the Japanese government began to reduce the exclusion zones and heavily financially incentivise residents to return to what were formerly bustling towns, with nearly 20,000 living and working there. Now, the area is eerily empty, with just a few hundred people brave enough to return. With the reactor still un epaired and uninhabitable radiation hotspots scattered across the landscape, some believe these areas will not be safe for 50 years or longer. Price’s images show ordinary, hard-working people hoping for a better future: clean-up and reconstruction workers, medical officers, office workers, a taxi driver who is paid a retainer to stay because there are so few customers, a mechanic, a farmer with contaminated cattle, which he can’t sell, but refuses to put down. Restricted Residence employs thermal technology often used in medicine and surveying, to render the everyday landscapes of Namie and Iitate surreal and inverted. With an accompanying essay by environmental writer Fred Pearce, Restricted Residence attempts to illustrate the hidden stresses on those affected by the nuclear disaster, while raising questions about the broader impact of manmade catastrophes upon our fragile environment.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31982572404816,"sku":"978-1-912719-13-6","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/RESTRICTEDRESIDENCE01.jpg?v=1583833498"},{"product_id":"people-of-the-mud-by-luis-alberto-rodriguez","title":"PEOPLE OF THE MUD by Luis Alberto Rodriguez","description":"\u003cp\u003eベルリンを拠点に活動するアメリカ人アーティスト、ルイス・アルベルト・ロドリゲス（Luis Alberto Rodriguez）の作品集。古代から続く伝統と、現代的な生活が日常的に交差するアイルランド・ウェックスフォード州の様々なコミュニティとのコラボレーションを通じて制作された力強いシリーズ。元プロダンサーというバックグラウンドを持つ作者の作品は、土地を耕作し文化的な遺産を維持するのに費やされてきた何世紀にも及ぶ肉体労働の持つ暗喩的な重みに敬意を表している。文化が個人を形成し、また個人によって文化が創り上げられるのと同じように、畑仕事あるいはスポーツで傷を負った腕や手のイメージは、その肉体に刻み込まれた地図のような役割を果たしている。また、華麗な舞踏室から草原に連れ出されたアイルランド人女性のコンテンポラリーダンサーの魅力を強調したイメージは、時間と空間の断裂を表現している。作者はケルト族の伝統的な屋外スポーツ「ハーリング」の強烈な身体性にも深い感銘を受けている。草原で行われる最もスピーディーな競技とされるハーリングの映像をスローモーションで観た作者は、お互いを押し合い、押しのけ、掴み合い、抱きつき、地面に押し倒し、持ち上げるといったプ様々な動きを競技者が僅か数秒の間に行っているのに目をみはった。作者はこうした動きを再現し、競技者を文字通り積み重ねて肉体の彫刻を作り上げた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePeople of the Mud is a powerful new series by Berlin-based US-Dominican artist Luis Alberto Rodriguez, made collaboratively amongst the communities of County Wexford in Ireland, where ancient tradition and modern life rub shoulders daily. With a background in professional dance, Rodriguez’s work pays tribute to the metaphorical weight of centuries of physical labour behind cultivating the landscape and maintaining cultural heritage. Images of scarred limbs and hands, weathered faces and choreographed bodies appear as a cartography of this labour, reflecting how culture both shapes and is shaped by individuals. Elsewhere, we see the exaggerated glamour of modern female Irish dancers taken out of the glitzy ballrooms and into the fields, creating a rupture across time and space. While in Wexford, Rodriguez was struck by the intense physicality of the sport of hurling. Considered to be the fastest sport on grass, while watching slow-motion footage of hurling Rodriguez saw that within seconds the players would go through pushing, shoving, grabbing, hugging, knocking each other down and then lifting one another up. Rodriguez worked with players to reform these gestures: creating sculptures out of bodies, directing and literally layering players upon one another. At the outset of his project, Rodriguez wanted to create a large family photograph, an idea that was quickly surpassed by other strands of enquiry. However, with a step backwards we can see People of the Mud as just that – a collective community portrait of all the different elements that construct modern, rural Irish identities. Just like any family portrait, it is at times dysfunctional and contradictory; it gathers all the ruptures and continuities between the past and present in modern Ireland, while being held in a landscape and moment in time. This moment is both still – posed and paused – and in perpetual motion, looking towards the future.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32304366485584,"sku":"9781912719143","price":7480.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/PEOPLEINTHEMUDcover.jpg?v=1588413120"},{"product_id":"living-trust-by-buck-ellison","title":"LIVING TRUST by Buck Ellison","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、バック・エリソン（Buck Ellison）の初作品集。作者は幅広い特権階級の言語について考察すべく、しばしば演出を施した情景や写真の視覚的言語に対する行為遂行的な介入を用い、細部まで綿密にイメージを作り込んでいく。有機野菜にウェルネスセラピー、高機能スポーツウェア、ラクロスにボート、クリスマスカード用の家族のポートレートなど、作者が描くイメージの多くは、裕福な上位中産階級（アッパーミドルクラス）に当てはまる白人家庭の趣味趣向をさりげなく再現しているようにも見える。しかしその内側には、白人であるということとその特権がどのように維持され、広められているかについての多角的で深い問いが網の目のように張り巡らされている。白人らしさは身に着けるものや車に貼ってあるステッカーにも現れるのか。どのような健康問題について、または自分の吸う空気の質について悩むことが許されているのか。作者の問いは尽きることがない。本書に収録されているイメージの多くは、慎重に構成されたシナリオというレシピに沿って、写真というものがどのようにしてこれらの差別を永続させているのか探求している。作者に雇われたモデルや役者は、コマーシャルや広告で何度も見かけるような典型的な白人に扮している。いくつもの写真のルールの境界線を打ち壊すことによって、富裕層の習性に対するフェティシズムや拒絶を越え、より流動的で複雑な本質を表現している。多様な写真のスタイルを用いて、様々な連想を散りばめ作られた本作は、正当性と幸福の探求が美化され、内面化され、商品化されている国、ワスプ（W.A.S.P. \/ ※註）が支配するアメリカの人類学ともいえる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e※註 ホワイト・アングロ-サクソン・プロテスタント（英語: White Anglo-Saxon Protestant）」の頭文字をとった略称\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eLiving Trust\u003c\/em\u003e, the first monograph by American artist Buck Ellison. LA-based Ellison’s work broadly investigates the language of privilege through meticulously researched images, often executed through staged settings and performative interventions into the visual language of photography. On the surface, many of Ellison's images appear to mildly reproduce the habits and tastes of comfortable, white, upper-middle-class families: organic vegetables, wellness therapies, performance sportswear, lacrosse \u0026amp; rowing, family Christmas card portraits. However, lurking beneath this is a deep network of enquiry into how whiteness and privilege are sustained and broadcast, whether it is what you put in your body, the bumper sticker on your car, which health problems you can afford to worry about or the quality of the air you breathe. Many images in Living Trust use a recipe of carefully constructed scenarios to question how photography perpetuates these distinctions. Ellison pays actors and models throughout his work to stand in and take on the appearance of generic characters, at times reminiscent of commercial or advertising tropes. In this breaking down of boundaries between different rules of photography, Ellison’s work goes beyond a fetishism or repudiation of wealthy habits, in favour of something more ambivalent and uncomfortable. Through webs of association stretching across various photographic styles, Living Trust is an anthropology of W.A.S.P. America – where the quest for authenticity and well-being is aestheticised, internalised and commodified.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32428005425232,"sku":"978-1-912719-17-4","price":7480.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/BuckEllison-LivingTrust00.jpg?v=1590059186"},{"product_id":"heaven-is-a-prison-by-mark-mcknight","title":"HEAVEN IS A PRISON by Mark McKnight","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、マーク・マクナイト（Mark McKnight）の作品集。本書は、南カリフォルニアの荒涼としたハイ・デザートを背景に、風景と人の関係性と情交を描いている。絡み合う2人の男性しか存在しない、ユートピアであり同時に煉獄でもあるような奇妙な空想の世界を描く。ギリシャ神話の『シーシュポスの岩』を連想させる2人の登場人物は、自分達の行為とその背景にどこまでも広がる過酷な砂漠とによって解放されているようにも束縛されているようにも見える。いくつかの章で構成された詩的なシークエンスは、言葉通りの意味と比喩、隔たりと交わり、暴力と愛情の間を揺れ動く。地平線の見えない息の詰まるような風景写真には、天上の世界のような雲の写真と絡み合う肉体のイメージが組み合わされている。彫刻のようにも見える2人の姿は、がっしりとしているのにどこか儚くも感じられる。同じ意味を持つものとして風景と身体を表現することで、作者はその2つが表裏一体であり、どちらも超越、束縛、美、おぞましさを象徴していると示唆する。毎年国際的な注目に値する芸術プロジェクトに対して贈られる「Light Work Photobook Award」の今年度受賞作品であり、写真家によって運営されている非営利団体「Light Work」と「LOOSE JOINTS」との共同出版として刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eHeaven is a Prison\u003c\/em\u003e by Mark McKnight, an exploration of intimacy with and within the austere terrain of Southern California’s high desert. In \u003cem\u003eHeaven is a Prison\u003c\/em\u003e, McKnight describes a queer otherworld that is at once utopic and purgatorial – occupied by a solitary pair of copulating, Sisyphean protagonists that appear both liberated and bound by their intimacies and the severe expanse in which they are depicted. Divided into chapters, the poetic sequences in this book oscillate between the literal and the figurative, between distance and communion, and between violence and affection. Claustrophobic, horizonless landscapes are coupled with images of ethereal clouds and tangled bodies that are simultaneously sculptural, shrewd, and tender. Through his synonymous description of landscape and body, McKnight suggests metaphor, pointing at both as vehicles – towards transcendence, bondage, beauty, and abjection – while also revealing them as two sides of the same coin. Heaven is a Prison is the recipient of the 2020 Light Work Photobook Award, given annually to an artistic project that deserves international attention.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32995971334224,"sku":"9781912719150","price":7480.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/HEAVENISAPRISON29.jpg?v=1604743734"},{"product_id":"ghost-witness-by-marten-lange","title":"GHOST WITNESS by Mårten Lange [SIGNED]","description":"\u003cp\u003eスウェーデン人フォトグラファー、モルテン・ランゲ（Mårten Lange）の作品集。中国には怪談や超自然的な存在への信仰に豊かな伝統が息づいている。姿かたちを変え、空気や漆黒の闇、光に変身する幽霊の話も沢山ある。本作で作者は、未来に向かって邁進する中国という国と、スモッグの中に漂う亡霊のように後ろからひっそりとついてくるその過去ついて語る。作者は、中国滞在中にものすごいスピードで成長・発展を遂げた結果、ここ数年の間に急速に拡大してきた大都市を訪れている。合理的な理論に基づく都市計画と混沌とした人々の日常生活との間に大きな隔たりを感じさせる景色を探し求め、作者はこうした巨大都市を歩きまわった。本作は、都市環境における光のユニークな性質をテーマとしている。そこでは汚染された大気から日光が差し込み、雨の中で煌めく無数のLEDライトが鏡のように世界の姿を間接的に世界を浮かび上がらせている。そのイメージ群は、碁盤の目を作り出している機械的かつ合理的な論理の内側に存在し、この論理を再現することによって、建築、テクノロジー、監視、未来といったものの中に生じる重複や亀裂の意味を追求する。作者の写真は、こうした亀裂、具体的には意味不明な暗号、壊れた窓、ガラスと鉄の秩序の中に生じた綻びや乱雑さを正確に捉えている。休みなく続く建築と拡大の狭間に置かれた都市のイメージを通じて、歴史、変遷、変化をほとんど顧みることなく計画、設計、反復される環境の中に住むことの持つ意味を問いかける。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eChina has a rich tradition of ghost stories and supernatural beliefs. There are tales of ghosts that can shape-shift, or turn into air, or pure darkness or light. In \u003cem\u003eGhost Witness\u003c\/em\u003e, Mårten Lange tells the story of a country rushing towards the future with the past following silently behind, like a spectre in the smog. In his time in China, Lange visited urban metropolises that have expanded rapidly in recent years, as a result of hyper-accelerated growth and development. Walking through these megacities, Lange explores the bleeding edge between rationalised urban planning and messy everyday lives. \u003cem\u003eGhost Witness\u003c\/em\u003e engages with the unique quality of light in the urban environment, where the sun filters through the polluted air and the vast arrays of LEDs twinkle in the rain – revealing the world indirectly, like a mirror. The images in \u003cem\u003eGhost Witness\u003c\/em\u003e inhabit and replicate the machine-like rational logic of the grid to interrogate overlaps and fissures between architecture, technology, surveillance and the future. Lange’s precise photographs often describe those fissures: indecipherable codes, broken windows, decay and entropy within the order of glass and steel. Suspended in a liminal state between constant construction and expansion, Lange questions what it means for humanity to dwell inside environments that are planned, designed and repeated, with little recourse for history, transition and change.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"サイン入 \/ SIGNED","offer_id":39457336852560,"sku":"9781912719204","price":6600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false},{"title":"サインなし \/ UNSIGNED","offer_id":39457336885328,"sku":"9781912719205","price":6600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/GhostWitness00.jpg?v=1604712509"},{"product_id":"amen-break-by-thomas-prior","title":"AMEN BREAK by Thomas Prior","description":"\u003cp\u003eアメリカ人フォトグラファー、トマス・プライヤー（Thomas Prior）の作品集。タイトルに用いられている「アーメン・ブレイク（AMEN BREAK）」とは、20世紀の音楽の流れを変えた類稀な4小節のドラムソロの呼び名である。あるソウルバンドのレコードのB面に収録されていた7秒間のブレイクは、1980年代にヒップホップが台頭するともに広くサンプリングされ、ドラムンベースやジャングルの定番のリズムになった。様々なジャンルの曲に何度も使用された、史上最もサンプリングされた音源の一つと言われている。本書『\u003cem\u003eAMEN BREAK\u003c\/em\u003e』は、2020年とニューヨークが静止していた瞬間を見つめた作品。ストリートに根ざしたドキュメンタリー写真を撮り続けてきた作者は、かつては溢れんばかりの人でにぎわっていた街の商業地区を歩き回り、個人的なものから政治的なものまで日常生活の基盤となっていた様々な概念が覆され、健康、福祉、人種、公民権、経済、最終的には未来をめぐるグローバルな対話が始まった瞬間を吸収していった。作者は「AMEN BREAK」を可視化することによって、ジョージ・フロイド氏殺害事件、マスク着用の選択、一国の指導者による虚偽の発言といった特異な出来事、つまり歴史を構成しているビートやリズムがどのようにして未来に波紋を投げかけることができるのか問いかけている。ここに収められたイメージは、2020年の騒動と不確実性を繊細に描き出している。静けさと沈黙が絶妙に交じり合い、その表面化で高まる緊張感や感情、孤独が伝わってくる。渦巻きながら勢いよく流れていた都市が、一見平和そうな顔をして停止する。空っぽの窓には不在伝票がいくつも貼り付けられ、黄ばんだ新聞紙が階段に散らばり、裸のマネキンが生々しい記憶のままの経済的・社会的混乱を見つめている。こうした小さな不在の痕跡のすぐそばに、略奪の被害を受けた店、政治的なポスター、抗議デモの爪痕、仮設の遺体安置所、そして日常生活に新しい秩序をもたらしたソーシャルディスタンスの仕組みが存在している。本作はタブロイドフォーマットを採用し、人類の歴史に刻まれる特別な一年となった2020年を振り返り、次になにが起こるのかを考察する。この作品集の売上の一部は、必要とする全ての人に無料で食物を提供するニューヨーク市最大かつ最も広いリーチを誇る食糧支援団体「9 Million Reasons」に寄付される。さらに、ある民間のスポンサーの厚意により、この金額と同額が追加で寄付されることになっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe Amen Break is a singular sample of a 4 bar drum solo that went on to change the course of music in the 20th century. Originally derived from 7 seconds of a soul B-side, with the rise of hip hop in the 1980s the break was widely sampled and became a staple of drum and bass and jungle music. It has been used on thousands of tracks of many genres, making it one of the most sampled recordings of all time. Thomas Prior’s \u003cem\u003eAmen Break\u003c\/em\u003e turns its gaze on 2020, and the moment where his city of New York ground to a standstill. Prior, whose documentary photographic practice is rooted in the street, found himself stalking the once-bustling commercial districts of his city, absorbing the moment where conventional ideas around daily life, from the personal to the political, were upended and created a searching dialogue about health, welfare, race, civil rights, the economy, and ultimately the future. Prior evokes the Amen Break to consider how singular events—the murder of George Floyd, the responsibility of individual choices on health and wellbeing, and the behaviour of single individuals in power—can create unending ripples on the future, a beat and rhythm against which history is composed. The images in Amen Break hover delicately around the tumult and uncertainty of this year, creating an uncanny mix of tranquillity and stillness, which under the surface bubbles with tension, emotion and suffering. A swirling, rushing city comes to a deceptively peaceful stop - missed delivery slips litter empty windows, yellowing newspapers decompose on stoops, and naked mannequins bear witness to one of the greatest periods of economic and social turmoil in living memory. Dwelling alongside these small marks of absence are looted shopfronts, political posters, the aftermath of protests, makeshift morgues and a wholesale redrawing of urban space, ushering in a new order of everyday life. Presented as a large-format newspaper, \u003cem\u003eAmen Break\u003c\/em\u003e takes the moment of 2020 and looks outward from a decisive year to contemplate what comes next. With the release of this publication, we will be donating a portion of proceeds towards 9 Million Reasons, NYC’s largest and farthest-reaching community food pantry that provides free food for anyone in need. All contributions from Loose Joints will additionally be 100% matched by a private sponsor.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":33118232772688,"sku":"9781912719228","price":3520.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/AMENBREAK00.jpg?v=1608777285"},{"product_id":"ol-pejeta-by-jack-davison","title":"OL PEJETA by Jack Davison","description":"\u003cp\u003eイギリス人アーティスト、ジャック・デイヴィソン（Jack Davison）の作品集。世界最大級のサイの保護区であるケニアのオルペジェタ自然保護区には、地球上で現存する最後の2頭のキタシロサイの母娘、ナジンとファトゥが暮らしている。この絶滅危惧種の救済手段となり得る冷凍保存精子と生きた卵細胞との体外受精成功を受け、作者はオルペジェタを訪れて、ニューヨーク・タイムズ紙に掲載される記事のためにナジンとファトゥ、献身的な飼育係ザカリアを撮影した。作者は独自の視点からオルペジェタ自然保護区を見つめ、ナジンとファトゥの優美さと力強さ、悲哀を捉え、番犬、武器、ドローン、監視カメラを駆使し、命を懸けて2頭を守る飼育係たちとの精神的、肉体的な深いつながりをありありと描き出した。作者の写真を特徴づける光と影の力強い相互作用のように、この作品もまた相反するもの同士の物語となっている。人間によって絶滅の危機にさらされている種の根深い悲劇と、脆弱な自然界を保護し向上させることを目指す科学と革新が象徴する希望と楽観が対比されている。本書の売上の一部は、オルペジェタ自然保護区と遺伝子プロジェクト「Biorescue」の活動を支援するために寄付される。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eOl Pejeta Conservancy in Kenya is one of the largest rhinoceros sanctuaries in the world and home to Najin \u0026amp; Fatu, a mother and daughter who are the last living Northern White Rhinos in existence. Davison visited Ol Pejeta to photograph Najin \u0026amp; Fatu with their tirelessly devoted caretaker Zacharia, for a New York Times article about the successful in-vitro fertilization of their frozen eggs by a team of scientists, that may soon create a lifeline to avoid extinction of the species. Davison turns his inimitable eye on Ol Pejeta Conservancy to capture the grace, power and pathos of Najin \u0026amp; Fatu, as well as focusing on the deep spiritual and physical connection between the rhinos and their keepers, who guard them with their life, using dogs, weapons, drones and surveillance. Like the powerful interplay of light and dark that often characterises Davison's work, \u003cem\u003eOl Pejeta\u003c\/em\u003e is also a story of contrasts: on the one hand, the deep tragedy of another species slipping away at the hands of mankind, and on the other, the hope and optimism presented by science and innovation to support and uplift the fragile natural world. We will be donating a portion of proceeds from this book towards supporting the work of Ol Pejeta Conservancy and Biorescue, the genetic project.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":33184127418448,"sku":"9781912719235","price":3850.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/OLPEJETA00.jpg?v=1613442790"},{"product_id":"thames-log-by-chloe-dewe-mathews","title":"THAMES LOG by Chloe Dewe Mathews","description":"\u003cp\u003eイギリス人フォトグラファーであり映像作家のクロエ・デュー・マシューズ（Chloe Dewe Mathews）による作品集。古くからの信仰であるペイガニズム（※註）の祭礼から現代生活に見られる儀式まで、刻々と変化する人と水との関係性をテーマにした一冊。作者は、水たまりのような源流から大規模なエスチュアリー（三角江）を形成している河口まで、テムズ川に沿って何度も旅をし、撮影に5年を費やした。河口近くのティルベリーを通過する船を記録し続けるシップスポッター、ローマ時代やサクソン時代の財宝を求めてロンドンの泥地を漁るマッドラークなど、誰に注目されることなくこの川と関わって生きる人々に焦点を当てる。潮の満ち引きによって1日2回違った顔を見せる河口から離れると、若々しいテムズ川が緑に覆われた田園地帯を穏やかに流れている。ここで作者は、ネオペイガニズムの儀式を行う人や奇妙な小舟を作る人、女王の鳥とされる白鳥を保護する人たちに出会う。決して1つに定まらない、流動的なアイデンティティを持つテムズ川は、オックスフォードで行われる船を燃やす儀式からサウスエンドの夕方の祈り、集団で行う洗礼式、10代の少年少女が参加する通過儀礼まで、上流から河口に至るまで途切れることなく行われている様々な儀式の主役になっている。世界の河川の中でも最も象徴的かつ詳細に記録されてきた川の1つであるにも関わらず、作者が撮るテムズ川は、この川自体を越えて、公私、大小様々な宗教的・非宗教的な儀式や、これらがどのようにして意味やアイデンティティを形成しているのかについて考えさせる。一部の人にとってテムズ川は、ヴォルガ川、コンゴ川、ガンジス川、アヘレオス川に思いをはせるための起点であり、その他の人にとっては、散骨を行う場所、この世を離れる最後の地点を意味している。作者は他の多くの作品と同様にこの作品においても、日常生活の不可解さや詩情に反して物事を分類するというドキュメンタリー写真の性質に向き合っている。蛇腹折で製本されたページの上をテムズの流れに沿って地理的に並べられたイメージには、様々な重要性を持つ出来事だけでなく、それぞれのGPS座標、日時、干潮、天気までもが記録されている。こうすることで作者は、川に沿って視覚的なデータを記録し収取するというプロセスを反映した、日常の人類学とも呼べる作品を作り上げた。またこのことを通じて、写真を撮るという個人的な儀式が進化していく様子も伝えている。詩情あふれるイメージに合理的な裏付けを与えることによって、作者は見る者を移り変わる川の流れに放り込み、沈め、グレーター・ロンドンとその周辺に広がる田園地帯の終わりなきストーリーをその多様性まで余すところなく表現した。本書は「Martin Parr Foundation」で2021年夏に開催される本作の展覧会開催に伴い、同財団とイギリスの出版社「LOOSE JOINTS」による共同出版の形で刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e※註 自然崇拝や多神教の信仰を広く包括して指し示す、印欧語圏における言葉。（Wikipediaより抜粋）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eThames Log\u003c\/em\u003e by British photographer \u0026amp; film-maker Chloe Dewe Mathews examines the ever-changing nature of our relationship to water, from ancient pagan festivities through to the rituals of modern life. Dewe Mathews spent five years photographing up and down the River Thames, from its puddling source to its great estuarial mouth. She focuses her attention on lives that overlap with the river but whose activities often go unnoticed, like ship-spotters, who log the continual stream of vessels that pass through Tilbury, and mudlarks, who comb the city sludge for Roman and Saxon treasure. Above the tidal Thames, which transforms the landscape twice daily, the young river meanders gently through the verdant countryside. There, Dewe Mathews encounters neopagan rituals, eccentric coracle builders, and the custodians of royal swans. Far from holding a fixed identity, the Thames becomes a protagonist in a series of ceremonies and practices that flow seamlessly downstream, from boat burning in Oxford to evening prayer in Southend; from mass baptisms to teenage rites of passage. Despite its status as one of the most iconic and well-documented rivers in the world, the Thames documented by Dewe Mathews invites you to look beyond the river to consider religious and secular rituals, and how meaning and identity are constructed through practices both big and small, private and public. For some, the Thames represents a source from which to dream, or imagine other places, other rivers—the Volga, Congo, Ganges, Arcadia. For others, it will represent a final point of departure, as their ashes are scattered into its flow. Like much of Dewe Mathews’ work, \u003cem\u003eThames Log\u003c\/em\u003e pits documentary photography’s tendency to categorise and classify against the mystery and poetry of daily life. Organized geographically across rolling, French-folded pages, Thames Log not only records events across the spectrum of significance but also the exact GPS coordinates, dates, tides, and weather of each. Dewe Mathews invokes an anthropology of everyday life, whilst reflecting back on the process of recording and gathering visual data along the river, disclosing the personal photographic ritual that evolved. By giving her lyrical images a rational underpinning, Dewe Mathews halts and submerges us in the mutable flow of the river, sculpting an unending story of Greater London and the surrounding counties, in all of their diversity. \u003cem\u003eThames Log\u003c\/em\u003e is co-published with the Martin Parr Foundation to accompany an exhibition of the series at the Foundation, Summer 2021.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":33195165483088,"sku":"9781912719198","price":7150.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/thameslog00.jpg?v=1616328024"},{"product_id":"i-wish-i-never-saw-the-sunshine-by-pacifico-silano","title":"I WISH I NEVER SAW THE SUNSHINE by Pacifico Silano","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、パシフィコ・シラーノ（Pacifico Silano）の初作品集。作者の作品は、ゲイカルチャーのエフェメラを発掘し、喪失感や憧れ、クィアの憂鬱を表現した新しいイメージを生み出すことに根ざしている。特に作者は、ヴィンテージのゲイエロティカをフレーミング、クロッピング、レイヤー化する手法を用いて、HIV \/ AIDS の危機と、その流行の真っ只中に叔父を失ったことを含むクィアの人生への影響について言及している。写真をベースとしたインスタレーションを参照とした蛇腹折りのフォーマットが用いられ、20枚のイメージで構成された2つの長いシークエンスは、1つの連続したコラージュとしてもまた個々のイメージのシークエンスとしても鑑賞することができる。アンディ・ウォーホル美術館のチーフ・キュレーターであるホセ・ディアス（\u003cspan\u003eJosé Diaz\u003c\/span\u003e）によるインタビューを収録。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eAmerican conceptual artist Pacifico Silano’s practice is rooted in excavating the printed ephemera of gay culture to create new images that comment on loss, longing and queer melancholy. In particular, Silano uses the gestures of framing, cropping and layering vintage gay erotica to comment on the HIV\/AIDS crisis and its reverberations on queer lives, which included the loss of the artist's uncle at the height of the epidemic. \u003cem\u003eI Wish I Never Saw the Sunshine\u003c\/em\u003e is Silano’s first artist’s book, and engages with an ambitious accordion-folded format that references Silano’s photo-based installations: two twenty-panel long sequences that can be read as both one continuous collage and a sequence of individual images. Included in the book is an interview with the artist by José Diaz, Chief Curator of The Andy Warhol Museum.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39306876977232,"sku":"9781912719242","price":8800.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/IWishINeverSawtheSunshine00.jpg?v=1616570276"},{"product_id":"recorder-by-miranda-lichtenstein","title":"RECORDER by Miranda Lichtenstein","description":"\u003cp\u003eアメリカ人フォトグラファー、ミランダ・リヒテンシュタイン（Miranda Lichtenstein）の作品集。作者の世界を堪能できる没入的な一冊。作者は社会の周縁に追いやられた現代的なランドスケープ、屈折した静物写真、パフォーマンスを取り入れたポートレイト、プロセスに焦点を置いた抽象写真など、写真史の中で派生した多様なサブジャンルの写真を20年近くにも渡って撮り続けてきた。本書では、テクノロジーと写真表現という枠組みの中で自ら変化し新しい方向に向かうイメージからなる野心的な3部作で新たな境地を切り開いた。複数のレイヤーが重なり合う本書のイメージは、全てアメリカ人アーティストのJ・ストーナー・ブラックウェル（J. Stoner Blackwell）の作品『\u003cem\u003eWelcome Water\u003c\/em\u003e』から作られている。使い捨てのプラスチックバッグをカットし、縫い合わせて作った壊れやすい敷物のような彫刻作品を、作者はブラックウェルの協力のもとにフラットベッドスキャナーでスキャンした。1度使ったら捨ててしまうプラスチック製品のムダと環境に与える負荷をテーマに、\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e『\u003c\/span\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eWelcome Water\u003c\/em\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e』\u003c\/span\u003eの制作過程で発生したゴミであるネガの切り抜きやテストプリントを写真として生まれ変わらせることで新たな命を与えている。プラスチックの袋をレーザーで細かくカットしたブラックウェルの作品を撮ったモノクロのシリーズ『\u003cem\u003eHoles\u003c\/em\u003e』、使われなかった切り抜きを実際に重ね合わせ、ピンで止めて固定し、写真の中央に何もない空間を残した『\u003cem\u003eGrounds\u003c\/em\u003e』、作品の中でも最も大胆な抽象作品である『\u003cem\u003eUntitled\u003c\/em\u003e』は、素材の印刷とスキャンを何度も（最大30回）繰り返し、印刷による画質の低下を逆手にとって生み出した目も眩むようなイメージからなる。こうしてできた3つのシリーズは、それぞれがはっきりとした特徴を持つと同時に密接に絡み合っている。 インクやプログラム上のエラー、誇張や不明瞭化といたレイヤーを重ね合わせることによって、素材は表現の形式から解放され、純粋に視覚的な抽象画に昇華されている。作者の挑戦的で魅惑的なイメージは、画像作成技術を限界まで活用し、時にはそれに抗らいながら画面を埋め尽くし、変容させる連鎖反応のループから生み出されている。様々な形が溶け合い、計り知れない奥行を持つイメージは最終的に何かを解決する訳ではないが、この深遠の中に我々は明確で一貫した思考の糸を見出すことができる。そしてそれは、記録と隠蔽という写真の双方向的な性質と、無駄や消費、人新世が引き起こした環境の変化についての考察を結びつけている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eLoose Joints is proud to present \u003cem\u003eRecorder\u003c\/em\u003e, an immersive new book of works by American photographic artist Miranda Lichtenstein. For nearly two decades, Lichtenstein has worked in varied subgenres within photography’s historical archetypes: marginalized contemporary landscapes, refracted still life, performance-based portraiture and process-oriented abstraction. In \u003cem\u003eRecorder\u003c\/em\u003e, Lichtenstein embarks on an ambitious three-part series of images that recycle and reorient themselves within the limits of technology and photographic vision. Every image in Lichtenstein’s layered artist book departs from a singular work: \u003cem\u003eWelcome Water,\u003c\/em\u003e where Lichtenstein collaborated with J. Stoner Blackwell to make flatbed scans of the artist’s delicate sculptures derived from disposable carrier bags, which were then cut out and stitched into a sprawling sculptural floorpiece. Meditating on the waste and burdensome environmental significance of these single-use plastic objects, Lichtenstein accumulated and activated the detritus of \u003cem\u003eWelcome Water\u003c\/em\u003e, using the negative cutouts and test-prints of the work to recycle them into new photographic forms. The results are three series that are both distinct and inseparably intertwined: \u003cem\u003eHoles\u003c\/em\u003e, a series of black-and-white images reworking Blackwell’s delicate laser-cut interventions to the carrier bags; \u003cem\u003eGrounds\u003c\/em\u003e, a physical layering of leftover cutout shapes, pinned and affixed, leaving a gaping void at the photographic centre; and finally, Untitled, Lichtenstein’s boldest foray into abstraction, where her source materials were repeatedly printed and scanned, sometimes up to thirty times, to create a giddying and vertiginous collaboration with the entropy of print technology. These works are layered with ink, program errors, exaggerations and obfuscations, eventually liberating her source material into pure free-form visual abstraction. Lichtenstein creates images that are at once challenging and seductive, setting forth a chain reaction of feedback loops in which pictorial space is filled and mutated through collaboration with and against the limits of imaging technologies. \u003cem\u003eRecorder\u003c\/em\u003e contains profound depths and coalescent shapes that never fully resolve themselves, but within this profundity a clear thread can be drawn, connecting the push-and-pull of photography’s tendency to both record and obscure, with a meditation on waste, consumption, and the environmental changes set loose by the anthropocene.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39337900965968,"sku":"9781912719211","price":5280.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/RECORDER00.jpg?v=1622014183"},{"product_id":"photographs-by-jack-davison-annotated-artists-edition","title":"PHOTOGRAPHS by Jack Davison [ANNOTATED ARTISTS EDITION]","description":"\u003cp\u003eイギリス人アーティスト、ジャック・デイヴィソン（Jack Davison）の作品集。2019年に刊行された『\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/products\/photographs-by-jack-davison\" data-mce-href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/products\/photographs-by-jack-davison\"\u003e\u003cem\u003ePHOTOGRAPHS\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e』は、2021年までに2回増刷され、今回第3刷目が刊行。それを記念してこの「ANNOTATED ARTISTS EDITION」が作られた。作者と版元である「LOOSE JOINTS」は32人のアーティストを招き、現版の各ページに印刷されたイメージへのアンサーとして作品制作を依頼した。国際的に名を馳せたアーティストたちは『\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/products\/photographs-by-jack-davison\" data-mce-href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/products\/photographs-by-jack-davison\"\u003e\u003cem\u003ePHOTOGRAPHS\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e』作品集を手にし、そこへ自由に落書きや注釈、手直しを加えたり、切り取ったり破壊し、作者の変幻自在なイメージをより楽しんだ。結果、ユニークなコラボレーションによって再編集された一冊が完成した。本バージョンでは、オリジナル版と同じフォーマット、順序、レイアウトを保った中で、そのイメージをほとんど消し去ってしまうような贅沢かつ直感的な加工から、作者自身の幼い姪や甥によるいたずらな小学生のような落書きやクレヨンによる走り書きまで、ある種ハイブリッドかつ遊び心溢れる自由な作品に仕上がっている。参加アーティストには、\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/nathalie-du-pasquier\" data-mce-href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/nathalie-du-pasquier\"\u003eナタリー・ドゥ・パスキエ（Nathalie du Pasquier）\u003c\/a\u003e、アトリエ・ビンゴ（Atelier Bingo）、\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/ruth-van-beek\" data-mce-href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/ruth-van-beek\"\u003eルース・ファン・ビーク（Ruth van Beek）\u003c\/a\u003e、ステファン・マルクス（Stefan Marx）、マリー・ジャコティ（Marie Jacotey）、ジョン・ブース（John Booth）など、それぞれの分野で卓越した才能を発揮する面々と、イラストレーションやコラージュ、コンテンポラリー・ドローイングなどで活躍する新進気鋭の若手作家たちが肩を並べる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e参加作家：Atelier Bingo、Ruth van Beek、Katrien De Blauwer、John Booth、Maisie Cousins、Agnes Davison、Jack Davison、Alec Doherty、Tom Elliot、Freddie \u0026amp; Floyd Fortune Smith、Stephen Fowler、Moira Frith、Masanao Hirayama、Marie Jacotey、Lucy Jones、Emma Kohlmann、Frank Lebon、Loose Joints、Ottile \u0026amp; Hamish Lloyd-Platt、Rob Lyon、Stefan Marx、John McKie、Nathalie du Pasquier、Liaqat Rasul、Tamara Shopsin \u0026amp; Jason Fulford、Bahati Simoens、C. W. Smallbones、Hatty Staniforth、Conie Vallese、Matt Willey、Wilfrid Wood、Michaela Yearwood-Dan、Christina Zimpel\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e（前作テキストより引用）\u003cbr\u003e本作は2007年から継続して制作するイメージを用いた実験の成果を1つのシリーズとしてまとめている。独学で写真を学んだ作者は、画家が絵を描くように直観や天性の感覚に従い、日常に埋没したシュールで官能的なものを掘り起こすような写真を撮る。明暗を強調することで絵に深みを出す表現技法「キアロスクーロ（明暗法）」や、意味を曖昧にすることや逆に隠された意味を明らかにすることもできる写真の力が、そのユニークで巧妙なアプローチにおいて存分に生かされている。反転し水面下に沈んだ世界のようなそのイメージは、明快で鮮明なディテールが立ち現れたかと思えば、蜃気楼のようにかき消えていく。まるで揺れ動く振り子のようである。濃い陰影とタイトなフレーミングを特徴とする本作は、紛れもなく映画的な美意識で貫かれている。レイヤーを重ね合わせたイメージの1つ1つが見るものの連想を刺激し、実際に写っている文脈から遠く離れたところまで想像が広がっていく。近年世間の注目を集める作家であるが、つつましやかであらゆるものを包み込むような姿勢は変わっていない。本書においては、日常の出来事をシンプルに捉えていながら、丹念な演出と編集によるセットアップ写真からミステリーと深い意味を湛えたイメージへと実にさりげなくシフトしている。作者のイメージには手と目が繰り返し登場する。握りしめた拳、顔を撫でている手、看板の中からこちらを睨みつける目、鏡越しにきらめく目と、この2つのモチーフは作品のあちこちに姿を現している。見ることと感じること、知覚と想像の境界といった力強い緊張感を象徴している。本書では、作者の視点から見た世界を写した謎めいたポートレイト、風景写真、静物写真がきめ細やかなシークエンスとなり、こうした2つの対立する状態の間をふわふわと漂いながら、情感溢れる複雑な世界観を表現している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003ePhotographs\u003c\/em\u003e is a story of British artist Jack Davison’s experiments with image making from 2007 to present. Originally published in May 2019, Davison’s debut monograph has now sold through two print runs. To celebrate the third printing of this book, Davison and Loose Joints invited thirty-two different artists to have a carte blanche at responding to Jack’s images. For the Photographs Annotated Artists Edition, an international selection of artists were sent a physical copy of Davison’s original book and given free rein to scribble, annotate, rework, cut out, destroy and generally enjoy Jack’s malleable images. The result is a uniquely collaborative reworked version of Photographs, which within the same format, sequence and layout as the original creates a hybridised, playful and open-ended book, ranging from extravagant and visceral reworkings, where Davison’s original source images are near-obliterated, to schoolboy doodles and crayon scribbles by Davison’s young nieces and nephews. Shoulder-to-shoulder are artists foremost in their mediums, such as Nathalie du Pasquier, Atelier Bingo, Ruth van Beek, Stefan Marx, Marie Jacotey and John Booth, alongside emerging, new and young voices in illustration, collage and contemporary drawing.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eParticipating artists: Atelier Bingo, Ruth van Beek, Katrien De Blauwer, John Booth, Maisie Cousins, Agnes Davison, Jack Davison, Alec Doherty, Tom Elliot, Freddie \u0026amp; Floyd, Fortune Smith, Stephen Fowler, Moira Frith, Masanao Hirayama, Marie Jacotey, Lucy Jones, Emma Kohlmann, Frank Lebon, Loose Joints, Ottile \u0026amp; Hamish Lloyd-Platt, Rob Lyon, Stefan Marx, John McKie, Nathalie du Pasquier, Liaqat Rasul, Tamara Shopsin \u0026amp; Jason Fulford, Bahati Simoens, C. W. Smallbones, Hatty Staniforth, Conie Vallese, Matt Willey, Wilfrid Wood, Michaela Yearwood-Dan, Christina Zimpel\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39377795940432,"sku":"9781912719099","price":16500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/PHOTOGRAPHS00.jpg?v=1619499252"},{"product_id":"i-can-t-stand-to-see-you-cry-by-rahim-fortune","title":"I CAN’T STAND TO SEE YOU CRY by Rahim Fortune","description":"\u003cp\u003eアメリカ人フォトグラファー、ラヒム・フォーチュン（ Rahim Fortune）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e病気を診断されてから1年が過ぎ、父は夜になるとますます頻繁に電話をかけてくるようになりました。姉と末っ子の私は彼の身体がダメになるまで、数えきれない時間を病室で父のお世話をして過ごしました。夜に病室を後にする時、父の病状がどんどん悪化していることを何度となく痛感しましたが、それについては口に出さないようにしていました\u003c\/em\u003e」\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eテキサス州とその周辺、およびその複雑な風景の中で暮らす人々を見つめた一作。作者は、次々と降りかかる健康や環境の問題に振り回されながらも人間らしさを保とうと努力する家族や友人、見知らぬ人々の関係性を分析した。また、風景に根差したアプローチを通じて、公的な生活と私生活の間に発生する摩擦や、語られることのない日々の暮らしの中の緊張状態について自分自身の体験と照らし合わせて考察している。写真に対する自伝的なアプローチを通じて、作者は過去と未来を見据えながら、パンデミック、不安に揺れ動く社会、国境を超えた引っ越し、写真家としてのキャリア、父親の死などに際して体験したことや自らのアイデンティティを理解しようとする。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/imaonline.jp\/articles\/interview\/20211115rahim-fortune\/\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\"\u003e記事：New Voice ニューヨークの若手写真家ファイル #08 ラヒム・フォーチュン（IMA ONLINE）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003e\u003cbr\u003e\"A year and change into father's diagnosis, his nightly calls began to become more frequent. My sister and I, his youngest children, spent countless hours in his room caring for him as his body gave up. Many nights we'd leave his room both knowing his condition was getting much worse, but we chose to say nothing of it.\"\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eI can't stand to see you cry is an exploration of Texas and the surrounding states, as well as the people who are fixed within its complex landscape. Fortune analyses relationships between family, friends and strangers, all caught in a flood of health and environmental issues while working to maintain grace. The artist uses his own personal experiences to explore the friction between public and private life, and the unspoken tensions in daily life through an approach rooted in the landscape. Moreover, Fortune’s biographical approach to photography attempts to unpack his own identity and experience in the midst of a pandemic, civil unrest, a cross-country move, a career, and the loss of a parent, thinking about both the future and past.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39534768390224,"sku":"9781912719259","price":6600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/seeyoucry_01.jpg?v=1631275215"},{"product_id":"falling-by-gabby-laurent","title":"FALLING by Gabby Laurent","description":"\u003cp\u003eイギリスを拠点とするフォトグラファー、ギャビー・ローラン（Gabby Laurent）の作品集。―恩寵を失う（A fall from grace）、眠る（alling asleep）、妊娠する（falling pregnant）、歩調を合わせる（falling in line）、バラバラになる（falling apart）― 英語の動詞「fall」を使った表現は、喜劇的であると同時に悲劇的で、喪失感と意図的なあきらめに満ちた、我々の人生を通じて繰り返される行為を指している。死別と生命の誕生という個人的な状況を反映した作者が演じる「落下」のダンスは内省のための空間であり、その中で繰り返し重力に身を任せ、時間、運命、状況について熟考するための視覚的な空間を作り出している。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e落下するとはどういうことだろうか。作者が引用する慣用的な表現は、一般的には女性らしくないとか無作法だとみなされる類の失敗、自制心や落ち着きの欠如などを示唆している。作者はフェミニストとパフォーマティブアートの視覚言語を用いて、自制の放棄と運命の受容を探求する。しかし、この作品をさらに深く読み解けば、そこに存在する矛盾する要素が見えてくる。もし落下が本質的に偶然の出来事だとすれば、その破壊的で意図的なパフォーマンスが捉えているのは、コントロールの喪失ではなくむしろ自発的に自己の行動を統制した瞬間だということになる。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eなんとも危なっかしい、妊娠後期の作者本人がスターティングブロックからダッシュするシークエンスには目を奪われる。靴下が滑って階段から落ちるとか、自転車で勢いよく転ぶとか、どこにでもありそうなシーンもある。その他のより些細な瞬間は、完全に自由落下している作者を捉えている。写真独特のざらざらとした質感やぼかしの中で宙ぶらりんになった身体は、背景から解き放たれる。断続的な乱れたシークエンスの中で巻き戻され、繰り返され、あるいは互いに打ち消される様々な瞬間やジェスチャーは、日々の暮らしの中で押し寄せ、反応を引き出す多様な体験 — エドワード・マイブリッジ（Eadweard Muybridge）の連続写真を思わせる、感情と心理状態の揺れ動く連なり－と私たち自身との関係性について考えさせる。見知らぬ人が通りで倒れるのを見たら思わずあっと息をのむものだが、どのジェスチャーもこれと同じ反応を引き出す。失敗をただコミカルに演じているだけでなく、最後には立ち上がり、埃を払って自分を取り戻すアーティストの姿には、挑戦的な態度が露わになっている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eA fall from grace, falling asleep, falling pregnant, falling in　line or falling apart: falling is an act both comic and tragic, full of loss and wilful abandon, an act repeated throughout our lives. Reflecting on personal situations of bereavement and new life, Gabby Laurent’s performed choreography of falling is a space for self-reflection, allowing her body to repeatedly give way to gravity and create a visual space to contemplate time, fate and circumstance.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eWhat is it to fall? The idiomatic vocabulary Laurent draws on suggests a failure of some kind, a lack of control and composure, which we are led to believe is unwomanly and unbecoming. Drawing on the visual language of feminist and performative art practices, Falling explores an abandoning of self-control and embracing of fate. However, dig deeper and we discover there is a contradictory element to Laurent’s images; for if falling is essentially accidental, then Laurent’s subversive and intentional performances capture a moment of control, rather than the loss of it.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThere is a striking sequence of photographs featuring the artist precariously rising from a set of starting blocks whilst heavily pregnant. There are the ubiquitous slipping socks on the stairs, and the dramatic fall from a bicycle. Other, smaller moments capture Laurent’s body in pure free-fall, suspended within a photographic web of grain and blur, liberated from the landscape. Different moments and gestures are reversed, intermeshed, repeated or contradicted within the staccato, broken sequences of the book, inviting us to consider our relationship to the different daily experiences that wash over us and elicit reactions – a flickering, Muybridge-esque procession of emotions and states of mind. Each gesture elicits the same viewer response – the sharp draw of breath when we witness a stranger fall in the street. But more than simply comical acts of failure, Laurent’s work equally represents a gesture of defiance, as the artist inevitably picks herself up and dusts herself off.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39534777237584,"sku":"9781912719273","price":4620.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/Falling_01.jpg?v=1631275714"},{"product_id":"seascapes-by-paul-rousteau","title":"SEASCAPES by Paul Rousteau","description":"\u003cp\u003eフランス人アーティスト、ポール・ルストー（Paul Rousteau）の作品集。魔法を使って光と色を混ぜ合わせたかのような写真で知られる作者のこのシリーズは、オーストラリアの珊瑚海に浮かぶ船上でのアーティスト・イン・レジデンスで制作された。見渡す限り続く水平線にインスパイアされた作者は暗室にこもり、風景を水、空気、光という最も基本的な要素に分解して自分自身の心象風景を描き出した。何かによって遮られたりピントがぼやけたりしている色鮮やかなその写真は、具象化と抽象化、絵画とデジタルアートの間を揺れ動く遊び心たっぷりの実験から生まれる。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e作者が作り上げた風景は、人間の想像力と風景が影響し合う点はどこか、距離、転移、そして遠く離れた場所にまつわる幻想が水平線にどのように投影されているかについて考えさせる。作者が思い描く世界は、目に見えるもの、想像、超現実的な水中の現実の間のどこかに存在し、世界各地のロケーションを記録したキャプションと、鑑賞者が海の風景を切り取り、自分のものにすることができるような革新的なデザインを通じて拡張されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eFrench artist Paul Rousteau is known for his alchemic light and colour-bending approach to photography. Seascapes is a series made by Rousteau while artist-in-residence on a boat off the Coral Sea, in Australia. Inspired by the unending horizons around him, Rousteau retreated to the darkroom to invent mental topographies of his own, reducing the landscape down to the barest constituent elements – water, air and light. Often saturated, interrupted or out of focus, his photographs are series of playful experiments navigating between figuration and abstraction, painting and digital art.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThese constructed landscapes invite us to consider the point where human imagination interacts with the landscape - how fantasies of distance, displacement and faraway places are projected onto the horizon. Existing somewhere between vision, imagination and a surreal, submerged reality, Rousteau extends this fiction through globetrotting captions and an innovative design that invites readers to rip away and reappropriate the seascapes as their own.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39534792212560,"sku":"9781912719280","price":5280.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/seascapes_01.jpg?v=1631276167"},{"product_id":"material-by-jet-swan","title":"MATERIAL by Jet Swan","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eイギリス人フォトグラファー、ジェット・スワン（Jet Swan）の初作品集。公的なことと私的なことの関係性を探りながら、内なる\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e暗い\u003c\/span\u003e心理的空間を表したストリート・ポートレートが、息を呑むような新しい「写真の声」と共鳴する。イギリス北東部スカボローに建つ商業モール内の空き店舗の中や、ケント州ラムズゲートにあるアーティストが滞在制作するために再利用されたコミュニティホールなど、即席のスタジオスペースを通じて3年間で得た一般の人々との関わりがまとめられている。作者は、スタジオを行き交う人々によって育まれ維持されているその公的なアイデンティティと、暗くて親密な写真空間とのバランスを取る。その中で、\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e私的かつ触覚的に表現された身体のイメージと、よくある\u003c\/span\u003e演出されたポートレイトというものの限界を避けた写真とを対比させて構成する。詩人のレイチェル・アレン（Rachael Allen）によるテキストも収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA striking new photographic voice engages with street portraiture to create dark, interior psychological spaces exploring the relationship between public and private lives. British artist Jet Swan’s first monograph collects together the last three years of the artist's engagement with members of the public through impromptu studio spaces, such as an empty shopfront inside a commercial mall in Scarborough, northeast England, and a repurposed community hall in Ramsgate, Kent, where the artist lives and works. Swan balances the public identities nurtured and maintained by those who pass through her studio against darker, intimate photographic spaces, contrasting private and tactile images of the body with photographs that skirt around the margins of conventional staged portraiture. With a new text in response by acclaimed poet Rachael Allen.\u003cbr\u003e\u003cspan class=\"s1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39569088348240,"sku":"9781912719112","price":6050.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/1_908e885d-b16c-4c4e-95fd-5a54154b4fa1.jpg?v=1634797364"},{"product_id":"peripherique-by-mohamed-bourouissa","title":"PÉRIPHÉRIQUE by Mohamed Bourouissa","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eアルジェリア生まれのフランス人フォトグラファー、モハメド・ブーロイサ（Mohamed Bourouissa）の作品集。作者にとって重要な作品シリーズ「\u003cem\u003ePériphérique\u003c\/em\u003e」を網羅した1冊。社会からつまはじきにされているパリ郊外のコミュニティを撮った劇的なイメージを再訪し、社会的な背景を踏まえてその意味を読み解く。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eこのシリーズにおいて、「ドイツ証券取引所写真財団賞（Deutsche Börse Photography Foundation Prize）」を受賞した作者は、伝統的な絵画の記号を取り入れ、移民が多く貧しいパリの郊外によくたむろしていた友人や知人に様々な場面を演じさせている。対立、集い、事件、視線、凍り付いたジェスチャーは、どれも明らかな緊張関係を示唆している。実在の人物に演技をさせるジェフ・ウォール（Jeff Wall）はもちろん、ドラクロワの歴史画を思わせるドラマに満ちたパリ郊外の風景は、現代社会に無視・軽視されがちな人々をフランスの歴史の中に位置付けようとするものである。またこのシリーズでは、こうした人々のステレオタイプな人物像を演出によって批判し、大衆メディアが描く郊外とその住人のイメージと向き合い、パロディ化している。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e2005年から2008年にかけて制作されたこの作品には、フランスの郊外で社会的不平等に対する不満が暴動や暴力となって噴出したという背景がある。2021年に改めて刊行されたこの作品集では、写真・美術史家でキュレーターのタオス・R・ダーマニ（Taous R. Dahmani）とクレマン・シェルー（Clément Chéroux）が本書のために書き下ろしたテキストを通じて、今なお解消されていない社会的・経済的・政治的問題の観点から制作当時の社会的背景を振り返っている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eシリーズ初の完全版となる本書の制作にあたって、作者のアーカイブを掘り起こし、細かいところまで念入りに行われる観察、準備、被写体とのコラボレーションのプロセスがどのようにしてこの他に類を見ない大胆な作品を形作っているかがよくわかる、準備段階の写真を収録。今までに出版されたことのないこの資料は6ページに渡って掲載されている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003e「Paris Photo–Aperture Foundation PhotoBook Awards 2022 - the PhotoBook of the Year Prize」受賞作。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe first full presentation of Bourouissa’s important series revisits and contextualises the artist’s theatrical images of marginalised lives in Paris’ outskirts.\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eIn this breakthrough series of photographs, Deutsche Börse award-winner Mohamed Bourouissa chose to appropriate the codes of history painting by staging scenes with his friends and acquaintances in the Paris banlieues where they used to hang out. Confrontations, gatherings, incidents, looks, and frozen gestures all suggest a palpable tension. Invoking Delacroix as much as Jeff Wall, Bourouissa’s high drama in the outskirts of Paris attempts to give a place in French history to individuals usually neglected and overlooked in contemporary society. In Périphérique, Bourouissa uses staging to critique stereotypical representations of these individuals, engaging with and parodying media representations of the banlieues and their inhabitants. \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003ePériphérique\u003c\/em\u003e was completed from 2005-2008, in the context of unprecedented riots and violence in the French banlieues against social inequality. This landmark publication of the\u003cem\u003e Périphérique\u003c\/em\u003e series in 2021 will look back on the work's original context in light of still-prescient social, economic and political issues, through the eyes of two newly-commissioned texts by Taous R. Dahmani and Clément Chéroux. This first publication of the series in full mines Bourouissa’s archives, with more than sixty pages of unseen preparatory photographs that reveal how the artist’s meticulous process of observation, preparation and collaboration with his subjects shaped this unique and bold body of work.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39606846488656,"sku":"9781912719297","price":7150.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/1_a65727ab-d358-499d-b8ae-39bd0a752475.jpg?v=1638519751"},{"product_id":"apiary-by-robin-friend","title":"APIARY by Robin Friend","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eイギリス生まれ、オーストラリア育ちであり、現在はロンドンを拠点として活動するフォトグラファー、ロビン・フレンド（Robin Friend）の作品集。2018年に刊行された初作品集『\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/products\/bastard-countryside-by-robin-friend\"\u003e\u003cem\u003eBastard Countryside\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e』に続き、2冊目となる本書『\u003cem\u003eAPIARY\u003c\/em\u003e』では、引き続きイギリスの風景の中に混在するシュールで不気味な彷徨を探りながら、民主主義と抵抗運動の概念が見え隠れする一連の夜景を捉えた。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本書では、映画用のカメラに使われるシネレンズを利用し、イングランド南東部にあるルイスという町の暗く深い闇を暴いてゆく。ルイスは、17世紀の過激な政治テロが失敗に終わったことを祝うイギリスの行事 \"ガイ・フォークス夜祭\" で熱狂的に騒ぐ町として知られている。とはいえ、作者の作品は言い伝えを再現しようとするものではない。ぎりぎりまでトリミングし、細部を際立たせながら群衆と個人のかけ引きを描いた作品は、暴動や政治的反乱を思わせる。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eまた、影の空間の中に、民主主義や個性、団結の概念がいまにも壊れそうなほど張り詰められた現代のとある瞬間も写し出されている。作者は比喩として夜を使い、英国諸島を取り巻く不安、不平等や不安定性が立てるさざなみの影響を考える。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eRobin Friend's second book \u003cem\u003eApiary\u003c\/em\u003e continues to explore the surreal and sinister haunting of the British landscape he first depicted in \u003cem\u003eBastard Countryside\u003c\/em\u003e with an apocalyptic, nocturnal series flirting with notions of democracy and resistance.\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eApiary\u003c\/em\u003e uses a cinematic lens to uncover the dark underbelly of Lewes, a town in South East England renowned for its wild, bacchanalian, festivities around Guy Fawkes’ Night, the uniquely British festivity celebrating the failure of an attempted act of extreme political terrorism. However, Friend’s images are a far cry from an exercise in folklore; tight cropping, intensified details and a push-and-pull between the crowd and individual recall images of riots and political insurrections.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eApiary\u003c\/em\u003e is a shadow space, reflecting a contemporary moment where ideas of democracy, identity and cohesion feel stretched to breaking point. Friend uses the night as a metaphor to consider the rippling reflections of unrest, inequality and instability lapping the British Isles.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39606860644432,"sku":"9781912719310","price":6930.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/1_b88c50bd-e18e-4509-a1ba-55ce0d42ac6a.jpg?v=1643791051"},{"product_id":"hedda-by-fin-serck-hanssen","title":"HEDDA by Fin Serck-Hanssen","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eノルウェー人フォトグラファー、フィン・セルク＝ハンセン（Fin Serck-Hanssen）の作品集。この5年間、親しい友人のヘッダ（Hedda）による自身のジェンダーを確認する旅を追いかけ記録してきた。ヘッダは、成人してほどなくオスロからブエノスアイレスとバンコクへ行き、美容整形と膣形成術を受けた。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e1人の若者の人生に訪れた身体的・精神的変化を捉えた複雑なポートレイトを作り出し、自らのジェンダーの確認、手術、回復のリアリティを赤裸々に描き出すため、作者とヘッダは共同で制作にあたったという。ヘッダは21世紀におけるアイデンティティの構築について考察し、セルフィーやオンライン上で作り上げたアイデンティティと、彼女の弱さが最も露わになった瞬間を写し出した作者の優しくも率直なポートレイトを並列してみせた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書には、形成過程のアイデンティティの痕跡も残されている。黒いインクを重ねてプリントした、何が写っているのか分からないほど暗く重たいイメージには、姿を見せないことを選択したヘッダのイメージがうっすらと透けて見える。またヘッダは、両義性、推移、変化の概念を探求した小説家ジュネビーブ・ハドソン（Genevieve Hudson）による没入的な短編小説で本書の最後を締めくくっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOver the last five years, Norwegian artist Fin Serck-Hanssen followed and documented the gender confirming journey of close friend Hedda, who from her early twenties travelled from Oslo to Buenos Aires and Bangkok to undergo cosmetic surgeries and a vaginoplasty.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eSerck-Hanssen and Hedda’s images are made collaboratively to build a complex portrait of both physical and psychological changes within a young person’s life and show with unflinching honesty the realities of Hedda’s confirming, surgeries, and recovery. Hedda reflects on the construction of identity in the 21st century, mixing her selfies and curation of an online identity against Serck-Hanssen’s tender but direct portraiture of her most vulnerable moments. The book also bears traces of this identity being shaped: dark, almost imperceptible images, heavy with overprinted black ink, show the traces of photographs of that Hedda chose not to disclose of herself. Hedda finishes with an immersive short fictional story by novelist Genevieve Hudson, exploring ideas of ambiguity, transition and change.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39606862413904,"sku":"9781912719266","price":6600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/1_072e2ab5-a81f-4eec-9845-0ab2617ed413.jpg?v=1638604565"},{"product_id":"the-model-family-by-tealia-ellis-ritter","title":"THE MODEL FAMILY by Tealia Ellis Ritter","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eアメリカ人フォトグラファー、ティーリア・エリス・リッター（Tealia Ellis Ritter）の作品集。作者にとって初の作品集であり、自身の家族を30年間に渡って撮影し続けることで、世代を超えた愛情、別離、トラウマ、喜び、そして記憶の不明瞭さを深く考察した一冊。過去の家族写真と自身の現在のイメージをループ状につなぎ、解体するプロセスを通じて、写真の曖昧さ、および記憶とアイデンティティにおいて写真が果たしている役割に正面から向き合っている。しかし本作は、懐かしい思い出に浸るための場とは程遠く、家族の変遷を淡々と細やかに描き出す。そこには、死と誕生、対立、離婚、セクシュアリティといったテーマと、ペット、結婚、笑顔、真夏の夕べなど、よくある上昇志向の核家族にとっての当たり前な出来事が当然のように混在している。過去と現在の間をかすかに揺れ動き、円環を成す作者の家族の概念は、最も身近な人たちのイメージとは往々にして最も曖昧で手の届かないものであることを表現している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIntergenerational love, loss, trauma and joy are explored in a project mining the ambiguities of memory, through thirty years of the artist photographing her family.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eEllis Ritter’s first monograph \u003cem\u003eThe Model Family\u003c\/em\u003e loops and deconstructs family photographs of the past and her own contemporary images, in the process confronting head-on the ambiguity of photography and its role in memory and identity. However, far from being a space of nostalgia, \u003cem\u003eThe Model Family\u003c\/em\u003e explores family dynamics with unflinching detail: death, birth, conflict, divorce and sexuality mix matter-of-factly alongside conventional, aspirational nuclear normality: pets, marriage, smiling faces, deep summer evenings. In Ellis Ritter’s circular conception of the family, imperceptibly oscillating between the past and the present, the artist explores how the images of those closest to you are also often the most slippery, sliding just out of reach.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39651480797264,"sku":"9781912719334","price":7480.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_7356381d-3e57-408c-903b-dc311a9e0048.jpg?v=1645261108"},{"product_id":"love-bites-by-tim-richmond","title":"LOVE BITES by Tim Richmond","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eコロラド州を拠点とするイギリス人フォトグラファー、ティム・リッチモンド（Tim Richmond）の作品集。作者は長期的なドキュメンタリープロジェクトを専門とし、本作では、何十年も続く緊縮財政政策、食料貧困、孤立にさいなまれてきた人々の人生を詩情豊かに織り上げた、ブリストル海峡沿岸地域に捧げる悲しく陰鬱な詩である。20マイル（約32キロ）に及ぶ世界最長の干潟に沿って旅する中で作者は、イギリスの小さな町で生きる意味や喜びを見つけようとする人々に出会った。フードバンク、パンクス、ゲームセンター、セックスクラブ、ホームレスシェルター、真新しい家々といった何気ない写真の底には、作者が被写体に感じているうっすらとした不安が流れている。ポスト緊縮財政・ポストブレグジットの英国の物憂げな縮図を提示したこの作品では、こうした緊張によってイメージの表面がふつふつと沸き立っているのが感じられる。海峡の雲に覆われた広い空とのたうつように広がる平坦な海岸線が織りなす風景には、食料貧困、孤立、商業の衰退、住居の不安定さ、ホームレス問題、満たされない欲望とあこがれが混在している。ソーシャルドキュメンタリーに詩や抒情性を取り入れたイギリス人写真家の長い系譜に連なる作者は、繊細な色彩と共感のこもったまなざしを通じて、イングランド南西部の一角に暮らす人々の孤独と欲望に満ちた日常のリアリティを捉えた。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eRichmond’s elegiac, sombre ode to a coastal stretch of the Bristol Channel poetically weaves together lives hit by decades of austerity, food poverty and isolation.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eAlong this twenty-mile stretch of one of the world's longest coastal mudflats, Richmond’s \u003cem\u003eLove Bites\u003c\/em\u003e encounters those attempting to find meaning and pleasure within an unforgiving environment. Beneath everyday photographs of food banks, punks, pleasure arcades, swingers’ clubs, shelters and new-build houses, Love Bites finds a waning unease to his subjects, a listless microcosm of post-austerity, post-Brexit Britain. Richmond allows these tensions to simmer on the surface: food poverty, isolation, commercial decline, housing precarity, homelessness, unfulfilled desire and longing mingle in the overcast, wide skies of the channel and its flat, sprawling coastline.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eContinuing in a long line of British photographers that weave poetry and lyricism into social documentary projects, Richmond uses a delicate colour palette and sympathetic lens to capture the everyday realities of isolation and desire in this corner of Southwest England.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39651497181264,"sku":"9781912719341","price":7920.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_98a28559-e1f3-438f-bf8d-ca5a552a2517.jpg?v=1646457988"},{"product_id":"the-well-by-nigel-shafran","title":"THE WELL by Nigel Shafran","description":"\u003cp data-mce-fragment=\"1\" class=\"p1\"\u003eイギリス人フォトグラファー、ナイジェル・シャフラン（Nigel Shafran）の作品集。「The Well」とは、ファッション業界用語で雑誌のメインビジュアルを指す。強い影響力をもつ作者にとってこのスペースは、予想外のクリエイティビティ、破壊的な批評と歪んだ意見が行き交う場であった。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e作者とコマーシャルフォトグラフィー界との関係は、まだ思春期だった1980年代半ばから始まり、続いて作者の仕事として代表的な『\u003cem\u003ei-D\u003c\/em\u003e』や『\u003cem\u003eThe Face\u003c\/em\u003e』の時代を経て、近年の『\u003cem\u003eVogue\u003c\/em\u003e』などにも表れる特異的でありながら控えめなファッション写真へのアプローチにつながる。シリーズをデリケートでパーソナルな技法で繋ぎ、一つにまとめることで知られる作者は、ごく最近になって、自身の内に常にあったコマーシャル業界への関心が一つのプロジェクトであることを理解し始めた。「\u003cem\u003eThe Well\u003c\/em\u003e」というのは、ファッションの世界を内側から批評し考察する場であり、自身のトレードマークでもあるシンプルさ、そして、この刺激的で複雑な業界で鑑賞者たちに安らぎを与える力を取り入れている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eオランダを拠点とするグラフィックデザイナー、リンダ・ファン・ドゥールセン（Linda van Deursen）が編集とデザインを手がけるこの画期的な一冊は、作者のコマーシャル作品とそうでないものの両サイドに対する写真のアプローチの記録であり、インタビューに加えて作者自身とその仲間による考察が織り交ぜられている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/blogs\/articles\/interview-nigel-shafran-photographer\"\u003e\u003cem\u003eインタビュー ナイジェル・シャフラン：河野 幸人（IACK）\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEVENT:\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eNigel Shafran: Books 1995 - 2022\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2022年5月28日（土）- 6月12日（日）*第一週は水曜・木曜、第二週は月曜・火曜定休\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：平日12:00-17:30／土日祝12:00-19:00\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：IACK\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.iack.online\/pages\/ns-books-1995-2022\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本イベントは終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn the world of fashion, '\u003cem\u003eThe well\u003c\/em\u003e' is industry terminology for the main image section of a magazine. For influential British photographer Nigel Shafran, this space has served as a place for unexpected creativity, subversive critique and wry commentary. Shafran’s relationship with the world of commercial photography begins in the mid-1980s as a teenager, continuing through to the iconic magazine years of \u003cem\u003ei-D\u003c\/em\u003e and \u003cem\u003eThe Face\u003c\/em\u003e, and into a recent resurgence in his idiosyncratic, unpretentious approach to the fashion shoot within the pages of \u003cem\u003eVogue\u003c\/em\u003e and more. Only recently did Shafran — who is known for his delicate, personal approach of weaving together converging photographic narratives — begin to understand his continuous engagement with the commercial world as a project in itself. \u003cem\u003eThe Well\u003c\/em\u003e is a space to critique and reflect the worlds of fashion from the inside, bringing his trademark simplicity and capacity to disarm the viewer into this charged, complicated world.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis landmark publication, edited and designed by Linda van Deursen, chronicles Shafran’s commercial and un-commercial approach to photography, with interviews and reflections between Shafran and his peers threaded throughout.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39654732955728,"sku":"9781912719358","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_0c3288db-bc86-446f-a46a-53660daf808d.jpg?v=1651829811"},{"product_id":"road-to-nowhere-by-robin-graubard","title":"ROAD TO NOWHERE by Robin Graubard","description":"\u003cp data-mce-fragment=\"1\" class=\"p1\"\u003eアメリカ人フォトグラファー、ロビン・グローバード（Robin Graubard）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e1993年から1995年にかけて東ヨーロッパで作者が撮影した生々しい「日記」は、動乱と変化を大胆かつ怖気づくことなく、\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eバルカン半島を横切る形で\u003c\/span\u003e記録している。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e1960年代から1970年代にかけて見られたカウンターカルチャーやニューヨークのパンクシーンに触れ育った作者は、90年代初頭に東ヨーロッパに移住した。移住先での生活の中でユーゴスラビア紛争やボスニア・ヘルツェゴヴィナ紛争中のスレブレニツァの虐殺、コソボ紛争に対峙し、密で際立ったカラーを用いた写真でのアプローチをすることで独自の「声」を表現できると気づいた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e個人で活動していた作者は、心の赴くままに数々のストーリーを追った。そこで孤児院や施設、戦争、飢餓をはじめとした苦痛や苦難に出会ったが、それだけではなく、同時にロシアやチェコスロバキア、ブルガリア、セルビア、ボスニアなどの若い人々の間に生まれたサブカルチャーやポスト・ソビエトのアイデンティティが持つ喜びも見出すことができた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e30年もの間未公開のままだった作品も収録する本作は、作者にとって初の主要作品集となる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eGraubard’s raw diaries of Eastern Europe from 1993–1995 reveal a fearless and unflinching record of turbulence and change across the Balkans.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eLoose Joints is proud to introduce \u003cem\u003eRoad to Nowhere\u003c\/em\u003e, the first publication of an under-represented voice in photographic storytelling. Coming of age in the counterculture and New York punk scenes of the 60s and 70s, Graubard’s intimate and striking colour approach to photography found a voice of its own when she packed up and embedded herself within Eastern Europe during the early nineties, witnessing the Yugoslav War, Bosnian genocide, and Kosovan uprising.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eWorking solo, Graubard chased stories as her heart led her, uncovering the suffering and hardship of orphanages, institutions, warfare, and hunger, as well as the joyfulness of emerging subcultures and post-Soviet identity among the young populations across Russia, Czechoslovakia, Bulgaria, Serbia, Bosnia and more. With many images remaining almost completely unseen for nearly thirty years, \u003cem\u003eRoad to Nowhere\u003c\/em\u003e will be the first major publication of Graubard’s work.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39697680924752,"sku":"9781912719365","price":7150.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/000_6ca31a85-bd95-4ad9-add6-a36ce14b9206.jpg?v=1652939158"},{"product_id":"like-a-river-by-daniel-jack-lyons","title":"LIKE A RIVER by Daniel Jack Lyons","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eロサンゼルスを拠点に活動するアメリカ人フォトグラファー、ダニエル・ジャック・リオンズ（Daniel Jack Lyons）の作品集。アマゾン地方の奥地にある社会から疎外されたコミュニティのアイデンティティ、変容、成熟を人類学的に探求する1冊。作者にとってデビュー作となる本書は、長年に渡り取り組んできたマイノリティ・コミュニティにおける社会的・政治的権利が十分に反映されていないことに関して探り、可視化する。社会人類学、医療人類学の背景をもつ作者は、アマゾン地方の奥地に住む10代の若者たちの文化的生活を称え支援する地域密着型の組織「カーサ・ド・リオ（Casa do Rio）」のもと、アマゾン地方での活動を開始した。作者は、特にこの地域のトランスジェンダー、クィアのコミュニティを視覚化し、力を与え、先住民の深い伝統と現代のアイデンティティ政治が、熱帯雨林の豊かな樹冠と植生の奥深くにある祝祭的なセーフスペース（安全な空間）でいかに交わるかを探求している。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e作者の力強いイメージ群は、環境破壊、暴力、差別といった有害な要素が混在する中、ここアマゾンで弾力的に個性を表現し肯定しようとする絶え間のない青春の衝動を讃えている。新たな世代が思春期の慣習や儀式を通過する上で、作者は「\u003cem\u003eどのような世界に生き、どれだけ自律性を持つのだろうか\u003c\/em\u003e」と問いかける。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/imaonline.jp\/articles\/interview\/20221013daniel-jack-lyons\" rel=\"noopener noreferrer\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003e記事：ダニエル・ジャック・ライオンズ インタヴュー「アマゾンのLGBTQコミュニティでとらえたポートレイト」（IMA ONLINE）\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eAn anthropological exploration of identity, transformation and coming-of-age amongst marginalised communities in the heart of the Amazon. \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eDaniel Jack Lyons’ debut monograph continues the American artist’s long-term commitments to visualising the social and political rights of under-represented communities. Initially from a background of social and medical anthropology, Lyons began working in the Amazon under the umbrella of Casa do Rio, a community-based organisation that celebrates and supports the cultural lives of teenagers and young people living in the depths of the Amazon. Lyons particularly visualises and empowers the trans and queer communities of the region, exploring how deep indigenous traditions and modern identity politics meet in a celebratory, safe space, deep in the lush canopies and vegetation of the rainforest.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eLyons’ empowering images celebrate the perennial coming-of-age impulses to express and affirm one’s individuality, resilient here in the Amazon against a toxic mix of environmental degradation, violence, and discrimination. As another generation passes through the quotidian rites and rituals of adolescence, Lyons asks: what sort of world will they inhabit, and how much autonomy will they have over it?\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39775254118480,"sku":"9781912719389","price":7480.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_09a82d9d-dcfe-44e3-8eb2-0853c14af537.jpg?v=1654847455"},{"product_id":"holy-island-by-danny-fox-kingsley-ifill","title":"HOLY ISLAND by Danny Fox, Kingsley Ifill","description":"\u003cp\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eイギリス人アーティストのダニー・フォックス（Danny Fox）とイギリス人フォトグラファーでありアーティストのキングスレー・イフィル（Kingsley Ifill）による作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e2021年12月、作者らはイギリス諸島を横断する8日間の旅へ出た。ケント州のドーバー付近から出発し、東海岸沿いをスコットランドのスカイ島まで北上し、帰路はウェスト・ミッドランズ、ウェールズなど多くの場所を経由した。それは、経路を決めて辿るのではなく、直感と自身の意思によって導かれた発見の旅であり、目の前に広がるイギリスの現実を映し出す風景に出会い、それを記録していく旅であった。本書は、イフィルによる写真と、フォックスによる絵画作品を組み合わせた50点以上の作品から構成されている。作者らが共に過ごした時間の視覚的な旅行記であり、かつ今日のイギリスを形作る都市と田園地帯の断面を探究した一冊である。この写真家と画家によるコラボレーション作品はイギリスの輪郭を辿り、そのほころびを明らかにしている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAn atmospheric collaboration between a photographer and a painter traces the outline of England to reveal its fraying edges.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eOver the course of eight days in December 2021, Danny Fox and Kingsley Ifill travelled across the length of the British Isles and back again. Setting off from near Dover, Kent, and making their way up the east coast as far as the Isle of Skye, Scotland, to then return by way of the West Midlands, Wales and many others locations on route. With no predetermined course, their journey was one of intuition and self-led discovery, encountering and documenting the reality of the British landscape unfurling ahead of them.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eComposed of a series of fifty collaborative works on paper which bring together photography by Ifill and paintings by Fox, Holy Island is a visual travelogue of their time spent together: an exploration into the cross-section of rural and urban fabric that makes up Britain today.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39886145978448,"sku":"9781912719402","price":7480.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/1_90f83365-ecaf-4a10-bdbd-733942f92f42.jpg?v=1663121437"},{"product_id":"the-four-pillars-by-eli-durst","title":"THE FOUR PILLARS by Eli Durst","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eアメリカ人写真家、イーライ・ダースト（Eli Durst）の作品集。本書は、作者が数年にわたり撮影した、コネチカット州ニュータウンの信仰に基づく自己啓発グループとの関係から発展して生まれたシリーズを収録。表向きは快適な生活を送っているように見えるが、このような郊外に住む裕福な人々は、満たされない、方向性を見いだせないと感じていた。彼らは毎週教会の地下室に集まり、意味と目的を見出すための精神的・世俗的な戦略を議論し、アメリカの中流階級社会における成功、進歩、アイデンティティの指標を分解した。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e作者によって演出された独創的なイメージ群は、この自己批判的な基本構造の上に、個人と集団の関係、我々が目指す規範、そしてこの2つを一致させる社会的重力を問いかけるシナリオを自然に構築している。ありふれた家族の肖像、チームの絆づくり、妊婦グループ、学校の体育館、アマチュア演劇、カウンティフェアーなど、これらのシナリオの詳細を取り上げ、事実と虚構、平凡と不条理を同時に備えたレンズを通し、その奇妙さを増幅させている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eThe Four Pillars\u003c\/em\u003e grew out of a relationship with a faith-based self-help group in Newtown, Connecticut, that Durst photographed over several years. Despite their ostensibly comfortable lives, these affluent suburbanites felt unfulfilled and directionless. They met weekly in church basements to discuss spiritual and secular strategies to find meaning and purpose, and to deconstruct the markers of success, progress and identity within middle-class American society.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eDurst's staged, inventive images build organically on this self-critical base structure by inventing scenarios that interrogate the relationship between the individual and the group, the norms we aspire to, and the social gravity that holds these two in alignment. Durst takes the details of these scenarios – mundane family portraits, team bonding exercises, pregnancy groups, school gyms, amateur theatre, county fairs – and amplifies their strangeness, through a lens that is at once factual, fictional, banal and absurd.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39959515791440,"sku":"9781912719426","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_46b7b241-dc6e-451c-8cea-9829e70fe065.jpg?v=1669199445"},{"product_id":"broken-spectre-by-richard-mosse","title":"BROKEN SPECTRE by Richard Mosse","description":"\u003cp\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003e「Deutsche Börse Photography Prize」受賞のアイルランド人フォトグラファー、リチャード・モス（Richard Mosse）の作品集。本作では、アマゾンの熱帯雨林の破壊に警鐘を鳴らすため、作者は写真表現における限界を押し拡げようと試みた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003eアマゾンの熱帯雨林の破壊とそれが引き起こす気候変動は、理解するにはあまりに広大で、認識するにはあまりに微細で、見るにはあまりに普通であるように展開されてしまう傾向がある。作者は、これまでで最も野心的な作品で、アマゾンの大規模かつ差し迫った崩壊の規模とその緊急性を表現すべく、目もくらむばかりの写真技術を数々用いている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003e本作\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003eは、地形学的なものから人間中心的なものまで、多様な生態系の物語を行き来し、人間以外の暴力と生存を慎重に検証する74分間の没入型の映像作品である。作者と制作チームは、アマゾン流域とそこに関係する生態系における破壊、劣化、環境犯罪のさまざまな側面を何年もかけて記録してきている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本シリーズは様々なスケールによって構成されている。蛍光顕微鏡を用いた不鮮明な画像は、アマゾンの生物群の相互依存的な複雑さを科学的に細かく描写しており、映画のようなモノクロの画像で描く赤外線を用いた風景は、違法採掘、伐採、焼畑、工業型農業、先住民の活動などを追う。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003e一方、空撮されたマルチスペクトル（多波長）映像は、青々とした熱帯雨林と対照的に何もない広大な土地を鮮明に描き出し、アマゾンの破壊がいかに大規模で組織的であるかを示している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003e本書に収録している写真作品は、衛星画像技術を模したマルチスペクトルカメラ、紫外線による植物学的研究、熱に敏感なアナログフィルムが用いられており、圧迫された環境と燃える森そのものによって歪み、斑点が生じ、劣化していく様子を撮影することで、見えていないものを可視化している。これらの実験的なドキュメンタリー作品に付随し、作者は催眠術のように鮮やかな航空地図を制作した。これは、特別に開発されたGIS（地理情報システム）画像技術を使い、自然の衰退の規模と範囲を突き刺すように拡大し色付けしている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003e気候変動が我々の時代と地球の未来を決定的にし続ける中、作者は急速に進む破滅を目撃している。昨今の科学的研究によると、アマゾンは転換点に達しようとしており、その段階ではもはや雨を降らすことができず、大量の森林枯死と破壊的レベルの炭素放出を引き起こし、気候変動、生物多様性および地元や国際社会に影響を及ぼすことが予測されている。ヤノマミ族やムンドゥルク族の生き残りをかけた先住民の戦い、ほんの一握りの金のために川全体を汚染し破壊する違法な金鉱夫、国際的な肉や皮の市場で売るための牛用の牧草地を作るべく原生地域を故意に焼き払うブラジル人カウボーイなど、作者は悲劇の人間模様の両側面を描いている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003e2018年から2022年にかけて制作された本作は、重大な意味を持つブラジル総選挙を前に刊行された。ジャイール・ボルソナーロが勝利することは、かけがえのないアマゾンの破壊を永久に封印することになるかもしれない。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003eArtist Richard Mosse pushes the boundaries of photography to raise an urgent warning cry over catastrophic destruction in the Amazon rainforest.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003eDevastation in the Amazon rainforest and the climate change it triggers tend to unfold in ways that are too vast to comprehend, too minute to perceive, and too normalised to see. In an attempt to render the scale and urgency of the Amazon’s extensive, impending collapse, Richard Mosse’s most ambitious work to date employs a dazzling array of photographic techniques.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003eBroken Spectre is an immersive, 74-minute film that shifts between a manifold of ecological narratives, from the topographic to the anthropocentric, and to a careful examination of nonhuman violence and survival. Mosse and his team spent years documenting different fronts of destruction, degradation and environmental crimes in the Amazon Basin and related eco-systems.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003eBroken Spectre operates on multiple scales: inky, fluorescent microscopic imagery describes the interdependent complexity of the Amazonian biome in scientific detail, while cinematic monochrome infrared scenes track illegal mining, logging and burning, industrial agriculture and indigenous activism.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003eMeanwhile, airborne multispectral footage starkly renders vast swathes of empty land in contrast to the lush rainforest, showing the vast scale and systematic organisation of the Amazon’s destruction.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003eIn accompanying photographic works, Mosse renders the invisible visible: through multispectral cameras that emulate satellite imaging technology, alongside ultraviolet botanical studies, and heat-sensitive analogue film warped, mottled and degraded by the oppressive environment and by the burning forest itself. Accompanying these experimental documentary works are Mosse's hypnotically vivid aerial maps, which zoom out and colourise the scale and extent of natural decimation in piercing detail, employing specially-made Geographic Information System (GIS) imaging technology.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003eAs climate change continues to define our era and the future of the planet, Mosse bears witness to a rapidly unfolding catastrophe: recent scientific studies predict that the Amazon is close to reaching a tipping point, at which stage it will no longer be able to generate rain, triggering mass forest dieback and carbon release at devastating levels, impacting climate change, biodiversity, and local and international communities. Mosse shows both human sides of the tragedy: from the Yanomami and Munduruku Indigenous communities fighting for survival; to illegal gold miners poisoning and destroying entire river systems for tiny handfuls of gold; alongside Brazilian cowboys wilfully burning their pristine surroundings to create pasture for cattle to sell on international meat and leather markets.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003eCreated from 2018 to 2022, Broken Spectre is published ahead of gravely significant general elections in Brazil, in which Jair Bolsanaro’s victory may seal the destruction of the irreplaceable Amazon forever.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39959517069392,"sku":"9781912719433","price":9900.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_0b12ac4f-ca62-4c01-86f3-69f8ec8bfdd8.jpg?v=1667877506"},{"product_id":"praberians-by-thomas-rousset","title":"PRABÉRIANS by Thomas Rousset","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eローザンヌとパリを拠点に活動するフランス人フォトグラファー、 トマ・ルセ（Thomas Rousset）の作品集。\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e本書は、作者が幼少期を過ごしたフランスとスイスの国境にある農村プラベールを舞台に、田舎暮らしの信仰的・儀式的側面を考察する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e作者は、12年以上にわたり実家がある村のあらゆるところを掘り下げて、そこに住む人々のシュールかつ愛情のこもったドキュメンタリー・フィクションを制作した。小農村落が時代に取り残される、または消滅の危機に瀕しているような中、作者はプラベールを幻想的で幻覚的な世界へと導き、親密なポートレートや村の日常生活の観察の中に、不条理の瞬間を創り出している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eプラベールの仲間たちとの共同制作活動において、作者は日々の農業生活の厳しい現実に対して、コミュニティを団結させ、結束させる農村に深く根付いた風変わりな伝統や、堂々と社会に沿わない部分に焦点を当て、制作に取り組んでいる。作者は、このような誇張されたシナリオを、印象的な風景や自然な描写のポートレートと混ぜ合わせ、土地と住民の中に閉じ込められた創造的な可能性や、仕事と遊び、厳粛さと喜びの間に垣間見られる「日々の踊り」の存在をほのめかしているのである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003eRousset uses the agricultural working village of his childhood, on the border of France and Switzerland, to examine the totemic and ritualistic aspects of rural life.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eOver twelve years, Thomas Rousset has probed every corner of his family village to create a surrealistic yet tender docu­fiction of its inhabitants. As small­-scale agricultural villages appear stuck in time or close to extinction, Rousset catapults Prabert into a fantastical, hallucina­tory world, creating heightened moments of absurdity amongst intimate portraits and observations of daily village life.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eIn his creative collaborations with his fellow Prabérians, Rousset engages with deep traditions of rural eccentricity and a dignified non-conformity that unites and binds communities against the harsh realities of everyday agricultural life. Rousset mixes these exaggerated scenarios with striking landscapes and naturalistic portraits, hinting at the creative potential locked within the land and its inhabitants, and the daily dance between work and play, solemnity and joy.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39988323942480,"sku":"9781912719396","price":9020.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_0dfda73c-87b1-4087-8791-dd228edb0b12.jpg?v=1669354252"},{"product_id":"companions-by-yana-wernicke","title":"COMPANIONS by Yana Wernicke","description":"\u003cp\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eドイツ人写真家、ヤナ・ヴェルニケ（Yana Wernicke）の作品集。ドイツ・ロマン主義と現代的な価値体系とを交えつつ、二人の若い女性と、彼女らが救い、愛し、遊び、世話をする農園の動物たちの間にある親密な絆を不思議な優雅さと共に記録したシリーズ。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eイギリス人小説家、美術評論家のジョン・バージャー（John Berger）による名著『\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eなぜ動物を観るのか？（Why Look at Animals?）\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e』（1997年）は、現代の人間の「種としての孤独」について人と自然の間におけるいにしえからの繋がりがいかに崩壊したか、動物の存在が軽んじられたモノ、商品、あるいは \"その他\" にいかに引き下げられたかを語る。本シリーズは、エコロジーとより強く結びつきたいという現代人の切望を案じた作者による、動物と深い繋がりを築いた2人の若い女性を描いた心動かされるポートレートである。ロジーナとジュリーはそれぞれ死に瀕した動物を救い、一般的には経済的価値でしか捉えられていない動物と信頼と愛情の関係を結んだ。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003eドイツ語で「Companion（片割れ）」、あるいは「Weggefährten」は直訳すれば「道を共に歩む者」という混種語である。慈愛、接触、直感を通じ、作者は人とその側に生きる動物の感情的意識の間にある溝を埋めようと努めるべく、喜び、感情、愛情と遊び心の道を自身のカメラで辿る。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eWernicke documents with subtle grace the close bonds between two young women and the farm animals that they rescue, love, play with and care for, in a series mixing German romanticism and modern ethics.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eJohn Berger’s landmark \u003cem\u003eWhy Look at Animals?\u003c\/em\u003e describes the ‘species loneliness’ of modern man: how the ancient relationships between humans and nature have broken down, reducing the existence of animals to marginalised objects, as commodities, and as Other. Concerned with modern humanity’s yearning for a deeper connection to ecology, Wernicke’s series is a touching portrait of two young women who have established profound relationships with animals. Rosina and Julie each independently save animals from certain death and create bonds of love and trust with animals typically considered solely for their economic value.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eIn German, Companions, or \u003cem\u003eWeggefährten\u003c\/em\u003e, is a hybrid word that translates literally as ‘those who walk the path together’. Through tenderness, touch and intuition, Wernicke’s camera follows that path – of joy, emotions, tenderness and play between humans and animals – striving to close the gulf between our emotional consciousness and those of the other animals we live alongside.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40053553954896,"sku":"9781912719303","price":7480.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_912148dd-537b-4dc3-8f43-6264cc98d22f.jpg?v=1684808451"}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/collections\/loosejoint.png?v=1482210665","url":"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/loose-joints.oembed","provider":"twelvebooks","version":"1.0","type":"link"}