{"title":"HAUSER \u0026 WIRTH","description":"\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eHauser \u0026amp; Wirth was founded in 1992 in Zurich by Iwan Wirth, Manuela Wirth and Ursula Hauser, who were joined in 2000 by Partner and President Marc Payot. A family business with a global outlook, Hauser \u0026amp; Wirth has expanded over the past 27 years to include outposts in Hong Kong, London, New York, Los Angeles, Somerset, Gstaad and St. Moritz. The gallery represents over 75 artists and estates who have been instrumental in shaping its identity over the past quarter century, and who are the inspiration for Hauser \u0026amp; Wirth’s diverse range of activities that engage with art, education, conservation and sustainability.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eHauser \u0026amp; Wirth has built a reputation for its dedication to artists and support of visionary artistic projects worldwide. In addition to presenting a dynamic schedule of exhibitions, the gallery collaborates with renowned curators to present museum quality surveys and invests considerable resources in new scholarship and research. Since its earliest days, the gallery has mounted historically significant exhibitions. The inaugural exhibition in 1992 took place at Hauser \u0026amp; Wirth’s first gallery, located in the first-floor apartment of an Art Deco villa in the heart of Zurich; it united mobiles and gouaches by Alexander Calder with sculptures and paintings by Joan Miró. Since then, the gallery has continued to forge an academically rigorous, ambitious program of historic exhibitions, providing a natural home for a number of major 20th-century European and American artist estates, and encouraging a continued and engaging discourse around their oeuvres. These include Louise Bourgeois, The Estate of Philip Guston, The Eva Hesse Estate, Allan Kaprow Estate, Mike Kelley Foundation for the Arts, The Estate of Jason Rhoades, Dieter Roth Estate and The Estate of David Smith.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.hauserwirth.com\/\" rel=\"noopener noreferrer\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003ePublisher's website\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003c\/p\u003e","products":[{"product_id":"82-postcards-by-roni-horn","title":"82 POSTCARDS by Roni Horn","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、ロニ・ホーン（Roni Horn）の作品集。作者の芸術活動の多くは、テキストと視覚文化の機微な関係性を探る。整然かつ綿密であり、巧妙なニュアンスを見せる本書の中で、作者はタイトルの通りポストカードを使い、記号や視覚的なコードが用いられたユニークなルールの中で写真、デザイン、テキストを分類する。多くが北アメリカに由来するこの作者の解釈は、視覚的パーツ（写真 \/ デザイン \/ テキストなど）の相互作用を露わにする。その視覚的パーツは観光スポット、通俗化学や国民性のように、コンテンツの破片がどのように一体となり複雑な文化現象の基本形となるかを探求している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e \u003ca href=\"https:\/\/imaonline.jp\/articles\/interview\/20211026roni-horn\/\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003e記事：ロニ・ホーンインタヴュー「水の中にあなたを見るとき、あなたの中に水を感じる？」（IMA ONLINE）\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eロニ・ホーン:水の中にあなたを見るとき、あなたの中に水を感じる?\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2021年9月18日（土） - 2022年3月30日（水） 会期中無休\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：9:00-17:00\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：ポーラ美術館 展示室1, 2 遊歩道\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.polamuseum.or.jp\/sp\/roni-horn\/\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eMuch of Roni Horn’s artistic practice explores the nuanced relationship between text and image in visual culture. In her methodically rigorous and expertly nuanced artist’s book, ’82 Postcards’, Horn takes the titular media and classifies its photographs, designs and text in a unique system of symbols and visual codes. Her translation of these mementos – mostly from North America, but some farther afield – lay bare the interplay of their various parts, questioning how pieces of content come together to form the basis of complex cultural phenomena like tourist attractions, popular science and national identity.\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32944135700560,"sku":"9783952446164","price":5500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200916_20.jpg?v=1602844205"},{"product_id":"eva-hesse-diaries","title":"DIARIES by Eva Hesse","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eアメリカ人彫刻家、エヴァ・ヘッセ（Eva Hesse）の作品集。作者はロープ、ラテックス、グラスファイバーなどの素材を用いた革新的な作品で知られており、1960年代後半のポスト・ミニマリズムの先駆けとなったアーティストの一人である。1955年から1970年までの日記は、作者の世界観、感情を表現するためのツールとして機能していた。2016年の「The Most Beautiful Swiss Books」受賞作品集。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eAmerican sculptor Eva Hesse (b. 1936, Hamburg; d. 1970, New York) is best known for her pioneering work with materials such as rope, latex and fibreglass. She is regarded as one of the artists who ushered in Post- Minimalism in the late 1960s. Her diaries from 1955 to 1970 served as a tool for the artist to analyse her experience of the world and express her feelings. -\"Eva Hesse: Diaries\" has been awarded the 2016 Most Beautiful Swiss Book Award by the Swiss Culture Awards Federal Office of Culture.\u003cbr\u003e\u003cspan class=\"s1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":33200246259792,"sku":"9783906915586","price":5500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2104160088.jpg?v=1619167485"},{"product_id":"luchita-hurtado-by-hans-ulrich-obrist","title":"LUCHITA HURTADO by Hans Ulrich Obrist","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eベネズエラ人アーティスト、ルチータ・ハルタード（Luchita Hurtado）の作品集。キュレーターであり、ロンドン「Serpentine Galleries」のアーティスティック・ディレクターのハンス・ウルリッヒ・オブリスト（Hans Ulrich Obrist）による著作。作者の魅力ある人生を祝して制作された本書は、ハンスとの対話や、スタジオの膨大なアーカイブから発掘された見たことのない写真や作品の膨大な資料を収録。テキストは、ベネズエラから始まり、ニューヨーク、メキシコ、そして1949年に移住したカリフォルニアに至るまでの作者の歴史を辿る。物語のこれらの章の間には、作者の視覚的な世界（自画像やエロティックな出会いのドローイングから、家族や自然界との情熱的な関わりの写真の記録まで ）からの一連の引用が掲載。活気に満ち溢れた作者の人生をみせてくれる。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eA celebration of Luchita Hurtado's (1920-2020) fascinating life, this book features an intimate conversation between the artist and Hans Ulrich Obrist alongside extensive material unearthed from the studio's vast archive of never-before-seen photographs and artworks. The text traces Hurtado's incredible biography from where it began in Venezuela, to New York, Mexico, and finally to California, where she settled in 1949. Punctuating these chapters of her story are a series of quotations from her visual world - from self-portraits and drawings of erotic encounters to photographic chronicles of her passionate engagement with family and the natural world - imparting the impressions of a life vibrantly lived.\u003cbr\u003e\u003cspan class=\"s1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":33200246358096,"sku":"9783906915609","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2104160102.jpg?v=1619780502"},{"product_id":"mike-kelley-timeless-painting","title":"TIMELESS PAINTING by Mike Kelley","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eアメリカ人アーティスト、マイク・ケリー（Mike Kelley）の作品集。2019年から2020年にNYの「Hauser \u0026amp; Wirth」で開催された展覧会に伴い刊行された。本書は、コンセプチュアルなメディアとしての絵画への影響力のある作者のユニークなアプローチを探っている。本展覧会のキュレーター、ジェネル・ポーター（Jenelle Porter）が編集と序文を担当し、1994年から2009年の間に制作された12シリーズのペインティング作品と、ポーターが依頼した多くのアーティスト陣によるケリー作品に対し寄稿している。個人的な逸話から美術史的な分析まで、またチェント（寄せ集め詩文）や手紙のような頌歌まで、さまざな形での文章が用いられている。寄稿した作家陣は画家として、そしてより広い意味での「アーティスト」として、作者の作品における取り組みが見せる永続的な妥当性を考察している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePublished on the occasion of the eponymous 2019–20 exhibition at Hauser \u0026amp; Wirth New York, ‘Mike Kelley: Timeless Painting’ explores the influential artist’s unique approach to painting as a conceptual medium. Edited and with an introduction by exhibition curator Jenelle Porter, the publication reproduces twelve series of paintings from 1994 through 2009 alongside responses to Kelley’s work by a diverse group of artists that Porter has invited to contribute: Edgar Arceneaux with Kurt Forman, Carroll Dunham, Daniel Guzmán, Richard Hawkins, Jay Heikes, Jamian Juliano-Villani, Christina Quarles, Mary Reid Kelley, and Laurie Simmons. In writing that ranges from personal anecdote to art historical analysis, cento poem to epistolary ode, these artists consider the enduring relevance of Kelley’s practice both as a painter and as an artist more broadly.\u003cbr\u003e\u003cspan class=\"s1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":33200246554704,"sku":"9783906915456","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2103170471_katono_0321.jpg?v=1616380023"},{"product_id":"rita-ackermann-mama","title":"MAMA by Rita Ackermann","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eハンガリー人アーティスト、リタ・アッカーマン（Rita Ackermann）の作品集。作者の、大きく力強い「\u003cem\u003eMama\u003c\/em\u003e」シリーズのペインティングは、ドローイングにインパスト（※註1）やオイルスティックの塗布、スクレイピング（※註2）を重ね、作者の辿ってきた歴史や感情を表現する。ジャンニ・ジェッツァー（Gianni Jetzer）による批評的なエッセイでは、作者のアーティストとしての進化と「\u003cem\u003eMama\u003c\/em\u003e」作品の重要性について解説する。また、映画監督ハーモニー・コリン（Harmony Korine）によるアッカーマンへのフェイク・インタビューや、スコット・グリフィン（Scott Griffin）による作者へのオマージュも掲載。作者にとってのドローイングの重要性は、自身の詩の中で明らかにされる。本書ではこれまでに制作されたすべての「\u003cem\u003eMama\u003c\/em\u003e」作品を紹介。本書は2020年に「Hauser \u0026amp; Wirth」で開催された展覧会「\u003cem\u003eRita Ackermann, Mama ’19\u003c\/em\u003e」に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e※註1 カンバスに絵の具を厚く盛り上げ、絵筆またはパレットナイフの跡がはっきりわかるほど凹凸をつけて描く技法。原義はイタリア語の「練ったもの」。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e※註2 こすりつけて描く絵画の技法。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cstrong data-mce-fragment=\"1\"\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eRita Ackermann \u0026amp; Andro Wekua: Chapter 4\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2021年5月1日（土）- 7月31日（土）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e*会期延長\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：11:00-19:00\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e休廊日：日・月\u003c\/span\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e・\u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e祝\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：ファーガス・マカフリー 東京\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/fergusmccaffrey.com\/exhibition\/rita-ackermann-andro-wekua-chapter-4\/\" data-mce-fragment=\"1\" data-mce-href=\"https:\/\/fergusmccaffrey.com\/exhibition\/rita-ackermann-andro-wekua-chapter-4\/\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eRita Ackermann's vibrant, large-scale '\u003cem\u003eMama\u003c\/em\u003e' paintings layer drawings with applications and scrapings of impasto and oil stick, expressing complex histories and emotions. The immersive nature of the '\u003cem\u003eMama\u003c\/em\u003e' suite is fully illustrated and expressed in this book, with a critical essay by Gianni Jetzer that explores and contextualizes Rita's evolution as an artist and the significance of the 'Mama' works, complementing filmmaker Harmony Korine's fake interview with Ackermann and a tribute to the artist by Scott Griffin. The importance of Ackermann's drawings in her painting practice is elucidated in a poem by the artist and seen in the book's robust plate section, which features all of the 'Mama' paintings made to date.\u003cbr\u003e\u003cspan class=\"s1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":33200247242832,"sku":"9783906915593","price":9350.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2103170659.jpg?v=1618645375"},{"product_id":"resilience-philip-guston-in-1971","title":"RESILIENCE: PHILIP GUSTON IN 1971 by Philip Guston","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eアメリカ人アーティスト、フィリップ・ガストン（Philip Guston）の作品集。1970年10月に友人である詩人のビル・バークソン（Bill Berkson）に宛てた手紙の中で、作者は「\u003cem\u003e新しく奇抜なことをする時の気持ちが分かるようになった\u003c\/em\u003e」と書いている。この頃初めて公開されたフードを被る人物を描いた大作は美術界を震撼させた。優雅な抽象画で知られる芸術家が、なぜ自分のキャリアを危険にさらしてまでこのような絵画に挑んだのかと誰もが疑問に思った。圧倒的にネガティブな批評に耐えかねた作者は妻とローマに逃れたが、そこにも影響は及んだ。1971年に制作された作品をもとにロサンゼルスの「Hauser \u0026amp; Wirth」で開催された展覧会に伴い刊行された本書で、作者の娘のムサ・メイヤー（Musa Mayer）はその年の父親の心境を詳細にテキストで語っている。バークソンや伝記作家のドーレ・アシュトン（Dore Ashton）らへの作者からの手紙に加え、スタジオで学生向けに行った講義、妻の日記、アーカイブのイメージ、作者と詩人クラーク・クーリッジ（Clark Coolidge）による未公開映像のスチル写真といった豊富な資料、およびその重要な一年間に制作された非凡な絵画とドローイングから厳選されたイメージの数々によって作者の内的なプロセスを解き明かす1冊。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eI see now how it feels to do something new and original, Philip Guston wrote to his friend the poet Bill Berkson in October 1970. His large paintings of hooded figures were on view for the first time, and the art world was shocked. Why would an artist celebrated for his elegant abstractions risk his career? The overwhelmingly negative reviews took their toll, following Guston to Rome, where he and his wife had taken refuge. In Resilience: Philip Guston in 1971, published in conjunction with an exhibition at Hauser \u0026amp; Wirth Los Angeles, the artist s daughter, Musa Mayer, offers an intimate view of her father s state of mind. His letters to Berkson, biographer Dore Ashton, and others, as well as studio talks with students, his wife s diaries, archival images, and never-before-published film stills of Guston and the poet Clark Coolidge - all reveal the artist s inner process, as do the extensive plate sections of the extraordinary paintings and drawings created during that crucial year.\u003cbr\u003e\u003cspan class=\"s1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":33213476175952,"sku":"9783906915470","price":7150.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2103170567.jpg?v=1616985030"},{"product_id":"beyond-the-town-conversations-of-art-and-land","title":"BEYOND THE TOWN: CONVERSATIONS OF ART AND LAND","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003e2014年に開廊した「Hauser \u0026amp; Wirth Somerset（ハウザー＆ワース サマセット）」とそのスペースが建つダースレイド農場に関する作品集。イングランド南西部サマセット州の農村ブルートン郊外に位置するダースレイド農場を初めて見た、スイス人アートディーラーでありギャラリー「Hauser \u0026amp; Wirth」の創設者のイワン・ワース（Iwan Wirth）とマヌエラ・ワース（Manuela Wirth）夫妻は、緑豊かな景色の中に立つ荒廃した農場以上の何かを感じた。ここが隠れ家、あるいは家になることをありありと思い描いたという。この想像はどんどん膨らみ、2014年にはアーティスト、地元民、近隣や遠方からの来訪者のための国際的な現代アートセンター「\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eHauser \u0026amp; Wirth Somerset\u003c\/span\u003e」としてオープンすることになった。エネルギー、人、アイデアに満ち溢れたこの空間は、今なお隠れ家や聖地という性質をとどめている。本書は、ダースレイド農場の歴史と21世紀の再開発を詳細に綴ったエッセイ、インタビュー、作品を収録。この農園の物理的・概念的な領域を書き手とテーマの多様性を通じて表現しつつ、ダースレイドの変身と地元のコミュニティの物語を紡ぎ出している。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eWhen Iwan and Manuela Wirth first encountered Durslade Farm on the outskirts of Bruton, an agrarian town located in Somerset, England, they saw more than verdant grounds and a derelict farmstead: they saw a refuge and a vision of home. In time, this vision expanded, materializing in the 2014 opening of Hauser \u0026amp; Wirth Somerset, an international contemporary art center for artists, locals, and visitors from near and far - a place full of energy, people, and ideas that remains a retreat, a sanctuary. \"Beyond the Town: Conversations of Art and Land\" offers a chorus of essays, interviews, and artworks that detail Durslade Farm s history and its 21st-century renaissance. The multiplicity of these voices and themes convey the farm s physical and conceptual terrains, weaving together the story of Durslade s transformation and its local community.\u003cbr\u003e\u003cspan class=\"s1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":33213490233424,"sku":"9783906915180","price":3850.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2103170689.jpg?v=1618462054"},{"product_id":"walking-the-space-by-lucio-fontana","title":"WALKING THE SPACE by Lucio Fontana","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eイタリア人アーティスト、ルーチョ・フォンタナ（Lucio Fontana）の作品集。\u003c\/span\u003e2020年にロサンゼルスのギャラリー「Hauser \u0026amp; Wirth」で開催された同タイトルの展覧会を記録した1冊。空間主義運動の創始者でありイタリアの巨匠として知られている作者の時代を先取りしたシリーズ「Ambienti spaziali」（空間的環境 \/ Spatial Environments）をアメリカで初めて包括的に紹介したインスタレーションの様子を見ることができる。本書は、ルーチョ・フォンタナ財団（ミラノ）との共同編集にて刊行。キュレーターのルカ・マッシモ・バルベロ（Luca Massimo Barbero）は、コンセプチュアル・アートの進化および人間の知覚体験の様々な側面を探求する手段としてのアートと科学技術の融合における作者の重要な貢献について4章に渡って論じている。 未来を見つめた革新的な作品によって今なお世界中のアーティストに影響を与え続けている作者が最初の「環境」を考案したのは1948年。これは、没入型の概念的および空間的表現を作り出したピエロ・マンゾーニ（Piero Manzoni）、草間彌生、ジェームズ・タレル（James Turrell）などの傑出したアーティストたちの登場よりも遥かに前のことであった。 \u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis important publication documents an exhibition of the same title that was displayed at Hauser \u0026amp; Wirth Los Angeles in spring 2020, including installation views of this first comprehensive presentation in the US of the late Italian master's groundbreaking 'Ambienti spaziali (Spatial Environments)'. The book is edited in collaboration with the Fondazione Lucio Fontana (Milan) and includes an extensive text in four chapters by curator Luca Massimo Barbero, analyzing Fontana's critical contribution to the evolution of conceptual art and the confluence of art with science and technology as a means to explore aspects of human perceptual experience. Fontana, a visionary whose revolutionary practice continues to exert influence upon artists internationally, conceived his first environment in 1948, significantly predating and anticipating the immersive conceptual and spatial achievements of such defining figures as Piero Manzoni, Yayoi Kusama, and James Turrell.\u003cbr\u003e\u003cspan class=\"s1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39336362803280,"sku":"9783906915616","price":9350.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/202010315_TwelveBooks0113.jpg?v=1618285403"},{"product_id":"more-dimensions-than-you-know-jack-whitten-1979-1989-by-jack-whitten","title":"MORE DIMENSIONS THAN YOU KNOW: JACK WHITTEN, 1979–1989 by Jack Whitten","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人アーティスト、ジャック・ウィッテン（Jack Whitten）の作品集。1979年から1989年にかけて制作された約25点近くの絵画を一度に見ることができる一冊。作品群を見ると、表現手段としての絵画の技術的および美的な限界を押し広げようとしてきたことがよく分かる。また出版にあたり、全作品が改めて撮影されている。豊富なイメージに加え、同展覧会のキュレーターでテキサス大学オースティン校で美術学部エフィー・マリー・カイン（Effie Marie Cain Regents Chair）理事長を務めるリチャード・シフ（Richard Shiff）のエッセイや、この時期の作者のスタジオノートからの抜粋、絵画の没入的なディテールのイメージを多数収録。思わず引き込まれる文章で、シフは作者が拡張してきたジェスチャーによる抽象絵画とプロセスアート、当時の社会的、人種的、美術史的力関係の中で常に自分の立場をはっきりさせようとした姿勢、精神性や形而上学の探究など、作品の多様な側面を詳しく説明し、簡単には言い表せないウィッテンの作品の魅力や戦後アメリカの絵画の物語への計り知れない貢献について語っている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eロンドンの「Hauser \u0026amp; Wirth」で開催された作者の初めての展覧会「\u003cem\u003eMore Dimensions Than You Know\u003c\/em\u003e」に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePublished on the occasion of Hauser \u0026amp; Wirth’s first exhibition of Jack Whitten’s work in London, ‘\u003cem\u003eMore Dimensions Than You Know\u003c\/em\u003e’ takes as its focal point nearly 25 paintings created in the years from 1979 to 1989, highlighting Whitten’s propensity for pushing the technical and aesthetic boundaries of painting as a medium. All of the works have been newly photographed for this publication. This richly illustrated catalogue includes an essay by Richard Shiff, curator of the exhibition and Effie Marie Cain Regents Chair in Art at The University of Texas at Austin, alongside facsimiles of Whitten’s studio notes from the period, and numerous immersive details of the paintings. Parsing various aspects of Whitten’s practice—the facets of gestural abstraction and process art that the artist expanded upon; his ceaseless attempts to orient himself within the social, racial and art historical politics of the day; and his inquiries into spirituality and metaphysics—Shiff’s engaging essay speaks to the irreducible aspects of Whitten’s work, establishing his invaluable contributions to the narrative of postwar American painting.\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39519405310032,"sku":"9783906915067","price":7150.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2107143240.jpg?v=1629960902"},{"product_id":"notes-from-the-woodshed-by-jack-whitten","title":"NOTES FROM THE WOODSHED by Jack Whitten","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人アーティスト、ジャック・ウィッテン（Jack Whitten）の作品集。絵画に対する実験的なアプローチで名高い作者は、自らの制作行為と作品を研究・理解し、それらに向き合うための手段としてしばしばペンを執ってきた。作者の文章に捧げられた最初の作品集である本書は、多くの文章の表題として使った「\u003cem\u003eNOTES FROM THE WOODSHED\u003c\/em\u003e」をタイトルに冠している。キュレーターで作家のレガシー・ラッセル（Legacy Russell）は、2021年に行った文化理論家、詩人、学者のフレッド・モーテン（Fred Moten）との対談で、この「\u003cem\u003ewoodshed\u003c\/em\u003e」（薪小屋）はジャズの世界から来た言葉だと説明した。「薪小屋に行く」というフレーズは「一人で練習する」という意味である。さらに、プライベート空間では様々な実験ができると同時に本当に厳密な仕事ができる、つまり特定の視線にさらされずに研鑽を積み、公に発表する前に過激な表現を吟味できるということも示唆されている。詳細な日々の記録から、練り上げられた長いエッセイ、出版された声明、公の場でのトークまで、様々なタイプの文章は、作者の50年のキャリアを振り返り、アクションペインティングとプロセスアートのリズムの橋渡しをした作品にコンセプチュアルな深みを与えている。これらの文章を一堂に会した本書は、機械的な自動化と強烈に個人的な表現の間を揺れ動き、独自のニュアンスを持つ絵画の言語を浮き彫りにしている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e「\u003cem\u003eこれらのメモを見ると、ウィッテンが私たちのために指数関数的・次元分裂的・根茎的な驚くべきやり方で自分の進む方向性を指し示していることがよくわかります。黒人であるということと、そのために課された制約に対する彼自身の、あるいはこの世界の定義を通じて、またそれらを超越して、美術史におけるある種の“偉大さ”に彼は向かい、こうした定義を全て打ち壊してしまうことでしょう\u003c\/em\u003e」\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e—ジャック・ウィッテンをテーマにしたフレッド・モーテンとの対談（2021年1月）でのレガシー・ラッセルの言葉\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eWidely celebrated for his experimental approach to painting, Jack Whitten often turned to writing as a way to investigate, understand, and grapple with his practice and his milieu. ‘\u003cem\u003eNotes from the Woodshed\u003c\/em\u003e’ is the first publication devoted to Whitten’s writings and takes its name from the heading Whitten scrawled across many of his texts. As curator and writer Legacy Russell explains in a January 2021 conversation on Whitten with cultural theorist, poet, and scholar Fred Moten, ‘The definition of ‘woodshed’ comes from the world of jazz. To go to the woodshed or to woodshed means to practice in private, which gives room for different types of experimentation, but also suggests a space where real and rigorous work can be possible, where rehearsal and radical vision away from a particular type of gaze has been vetted before it enters into a public realm.’\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eWorking across various forms—from meticulous daily logs and developed longer essays to published statements and public talks—Whitten’s reflections span the course of his five-decade career and give conceptual depth to an oeuvre that bridged rhythms of gestural abstraction and process art. Together these writings shed light on Whitten’s singularly nuanced language of painting, which hovers between mechanical automation and intensely personal expression.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e‘\u003cem\u003eIt was this amazing thing to see these notes where you know he really is kind of mapping out for us in this incredible exponential, fractal, rhizomatic way, his road towards some of that—reaching towards a certain art historical greatness—through and beyond his definitions, or the world’s definitions, of Blackness and what limitations there are, and he just would break that all open.\u003c\/em\u003e’\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e—Legacy Russell in conversation with Fred Moten on Jack Whitten, January 2021\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39519418777680,"sku":"9783906915173","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2107143130.jpg?v=1629961746"},{"product_id":"wits-end-by-roni-horn","title":"WITS' END by Roni Horn","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、ロニ・ホーン（Roni Horn）の作品集。『\u003cem\u003eWits’ End\u003c\/em\u003e』を構成する二つのドローイングシリーズ作品が収録されている。作者は手書きのイディオムや決まり文句、口語表現を素材とし、言葉の意味と曖昧さを探求する。約300人に土語（※註）のフレーズを5つずつ書き溜めてもらい、それらをシルクスクリーンで印刷した。2018年から2019年にテキサス州ヒューストンの「Menil Drawing Institute」で展示された『\u003cem\u003eWits’ End Sampler\u003c\/em\u003e』（2018）では、イディオムが独特な構成で、直接壁に映し出されている。『\u003cem\u003eWits’ End Mash\u003c\/em\u003e』（2019）は、紙にシルクスクリーンで印刷された75～350のイディオムで構成されている。本作は、物質そのもののみならず、その意味、記憶、そして謎めいたコレクターとして制作したその他の一連の作品群と共鳴する。本作に収録されているミッシェル・ホワイト（Michelle White）によるエッセイでは、”不安定さと動きを歓ぶ” という意味も含みながら「言語が失われ、含意が移行する瞬間」を追求する。本作は、一連作品集シリーズの第7作目であり、『\u003ci\u003eBird\u003c\/i\u003e』（2008）と『\u003cem\u003eAka\u003c\/em\u003e』（2010）と同様「Hauser \u0026amp; Wirth」からの刊行となる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e※註 ヴァナキュラー言語、地方語、現地語など。その地に土着している住民の言葉、その土地特有の言葉。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e \u003ca href=\"https:\/\/imaonline.jp\/articles\/interview\/20211026roni-horn\/\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003e記事：ロニ・ホーンインタヴュー「水の中にあなたを見るとき、あなたの中に水を感じる？」（IMA ONLINE）\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eロニ・ホーン:水の中にあなたを見るとき、あなたの中に水を感じる?\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2021年9月18日（土） - 2022年3月30日（水） 会期中無休\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：9:00-17:00\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：ポーラ美術館 展示室1, 2 遊歩道\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.polamuseum.or.jp\/sp\/roni-horn\/\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn the two series of drawings that comprise ‘\u003cem\u003eWits’ End\u003c\/em\u003e,’ Roni Horn explores the meanings and ambiguities of language, taking handwritten idioms, clichés, and colloquialisms as her source material. Horn asked approximately 300 people to write down five of these vernacular phrases, which were then made into individual silkscreens. In ‘\u003cem\u003eWits’ End Sampler\u003c\/em\u003e’ (2018), shown at the Menil Drawing Institute in Houston, Texas, in 2018–19, the idioms are screened in a unique configuration directly on the wall; ‘\u003cem\u003eWits End Mash\u003c\/em\u003e’ (2019) consists of compositions of 75 to 350 idioms silkscreened on paper.\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThese drawings—which resonate with other bodies of work in Horn’s oeuvre in which she acts as a collector not only of objects but also of their meanings, memories, and mysteries—engage the ‘moments when language fails and connotation migrates,’ with meaning that ‘delights in instability and movement,’ as Michelle White writes in her essay included in this volume. ‘\u003cem\u003eWits’ End\u003c\/em\u003e’ is the seventh in a series of related books by Horn on several series of works, two of which—‘\u003cem\u003ebird\u003c\/em\u003e’ (2008) and ‘\u003cem\u003eaka\u003c\/em\u003e’ (2010)—were published by Hauser \u0026amp; Wirth Publishers.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39545083953232,"sku":"9783906915654","price":7150.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_aa2c623b-b337-488e-b02c-dcd72e7fbc5f.jpg?v=1638504990"},{"product_id":"the-hikers-by-rashid-johnson","title":"THE HIKERS by Rashid Johnson","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、ラシード・ジョンソン（Rashid Johnson）の作品集。アメリカ・コロラドのアスペン美術館、メキシコのルフィーノ・タマヨ博物館、アメリカ・NYの「Hauser \u0026amp; Wirth」とのコラボレーションによる一冊。開催された展覧会に伴い刊行された。陶製タイルのモザイク、コラージュ絵画、彫刻など、多彩な作品を集めた展覧会の目玉は、コロラド州の山で撮影された同タイトルの映像作品である。本作は、身体の動きと黒人であることを探求している。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e各会場での展示とアスペン美術館で行われたパフォーマンスの記録に加え、映像作品もスチル写真を通じて美しく再現されている作者と振付家のクラウディア・シュライアー（\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eClaudia Schreier,\u003c\/span\u003e）との対話、キュレーターのハイディ・ズッカーマン（\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eHeidi Zuckerman\u003c\/span\u003e）とマニュエラ・モスコーソ（\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eManuela Moscoso\u003c\/span\u003e）らによる深い洞察を示すエッセイを収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eラシード・ジョンソン「Plateaus」\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2022年4月27日（水） - 9月25日（日） ※休館日はルイ・ヴィトン表参道店に準じる。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：11:00-19:00\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：エスパス ルイ・ヴィトン東京\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.espacelouisvuittontokyo.com\/ja\/\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eA massive compendium on the multimedia art of Rashid Johnson, tackling themes of Black history, literature, philosophy and material culture\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eRashid Johnson (born 1977) is renowned for challenging the assumptions often present in collective notions of Blackness. Based in New York, Johnson is among an influential group of American artists whose work employs a wide range of materials and images to explore themes of art history, literature, philosophy, and personal and cultural identity. After beginning his career working primarily in photography, Johnson has expanded into a variety of mediums, including text work, sculptural objects, installation, painting, drawing, collage, film, performance and choreography. Drawing on a dizzying array of historical, cultural, literary and musical references, Johnson ultimately invites audiences to find connections to their own lives.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eRashid Johnson: The Hikers presents works from his highly acclaimed shows at the Aspen Art Museum, Museo Tamayo and Hauser \u0026amp; Wirth. This dynamic and unprecedented collection of his work features a conversation between Rashid Johnson and choreographer Claudia Schreier, as well as essays by curators Heidi Zuckerman and Manuela Moscoso.\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39562684596304,"sku":"9780934324915","price":14300.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2109173712.jpg?v=1633593739"},{"product_id":"london-new-york-by-frank-bowling","title":"LONDON \/ NEW YORK by Frank Bowling","description":"\u003cp\u003eガイアナ共和国生まれのイギリス人アーティスト、フランク・ボウリング（Frank Bowling）の作品集。2021年夏にロンドンとニューヨークの「Hauser \u0026amp; Wirth」で同時開催された展覧会に伴い刊行された。ボーリングが過去50年間に描いた抽象絵画を総まとめした1冊になっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eFifty years of Bowling’s adventures in abstraction, with archival studio shots and a conversation with the artist’s family\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA survey of Frank Bowling’s (born 1936) abstract painting practice of the last 50 years, Frank Bowling: London \/ New York is published on the occasion of concurrent exhibitions by the artist at Hauser \u0026amp; Wirth New York and Hauser \u0026amp; Wirth London in summer 2021. Bowling’s transatlantic practice in his New York and London studios traces his physical and artistic journeys and his continual reinvention of abstraction on the painted plane.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eRich in archival studio shots and with abundant plates of Bowling’s canvases, this publication also includes an essay by Mark Godfrey and a conversation between Bowling, his wife, artist Rachel Scott, and his son Ben Bowling, offering the reader an intimate insight into the master painter’s creative process.\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39563312365648,"sku":"9783906915647","price":9020.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/LONDONNEWYORK01.jpg?v=1642141952"},{"product_id":"scarch-by-not-vital","title":"SCARCH by Not Vital","description":"\u003cp data-mce-fragment=\"1\" class=\"p1\"\u003eスイス人アーティスト、ノット・ヴィタル（Not Vital）の作品集。2020年に「Hauser \u0026amp; Wirth Somerset」で開催された展覧会に伴い刊行された。作者は故郷スイスのエンガディン地方をはじめ、アメリカ、ニジェール、イタリア、中国など世界各地を行き来し、地域社会に溶け込んだ応答性の高い作品を制作し展覧してきた。本書では作者の50年にわたる幅広い作品群を掲載。プロジェクトやタイポロジー的な切り口を、地理上のグループに分け紹介している。彫刻と建築を融合させた造語「SCARCH」は、その2つの領域の境界を越え、没入感をもたらすサイトスペシフィックな構造物を生み出す。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003e‘\u003cem\u003eNot Vital: SCARCH\u003c\/em\u003e’ is a survey of sculptural architect Not Vital’s career, published on the occasion of a January 2020 exhibition at Hauser \u0026amp; Wirth Somerset. Vital has created and installed responsive works that are integrated into habitats and communities around the globe: in the Engadine region of his native Switzerland and across Europe, Africa, South America, and Asia. Edited and with texts by Olivier Renaud-Clément and Giorgia von Albertini, the book features Vital’s prose and poems, and additional essays by Akhmed Haïdara, Philip Jodidio, and Tilla Theus. The book brings together the far-flung locations where the artist’s works are situated and envisioned, and his projects and typologies are introduced by geographic groupings.\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39567954935888,"sku":"9783906915500","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/1202_01.jpg?v=1636191744"},{"product_id":"materials-lines-by-piero-manzoni","title":"MATERIALS \u0026 LINES by Piero Manzoni","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eイタリア人アーティスト、ピエロ・マンゾーニ（Piero Manzoni）の作品集。作者はアートそのものの概念だけでなく、自身と観賞者との関係を根本的に変えることを目指して活動を行っている。また、美術界の変革にもその意欲を見せ、雑誌『\u003cem\u003eAzimuth\u003c\/em\u003e』の創刊やギャラリーの開設にも携わる。\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本書は、戦後のイタリア美術を代表する画家であり、コンセプチュアリズムの創始者でもある作者の作品に焦点を当てた2冊組の作品集。第1巻 ”\u003cem\u003eMaterial\u003c\/em\u003e” では、作家が29歳で早逝するまでの多作な数年間を、縫い布、綿毛、グラスファイバー、合皮、天然の毛皮、藁、塩化コバルト、石、蛍光ポリスチレン、ペレット、包装など、さまざまなメディアを使って絵画の中で実験的に制作した作品を取り上げている。第2巻 “\u003cem\u003eLines\u003c\/em\u003e” では、作家の作品から表現を奪うことを目的とした色彩のない絵画「\u003cem\u003eAchromes\u003c\/em\u003e」で知られる、同名の作品の根幹をなす作品群について掘り下げた。両巻とも豊富な図版を用い、美術史的なエッセイと多くのアーカイブ資料を収録しており、作者に関する最も包括的な資料の一つとなっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis two-volume publication highlights two key threads in the work of artist Piero Manzoni, a seminal figure of postwar Italian art and progenitor of Conceptualism. The first volume, ‘Materials,’ covers Manzoni’s years of prolific creation leading up to his untimely death in which he experimented with a wide variety of media in his paintings, including sewn cloth, cotton wool, fiberglass, synthetic and natural fur, straw, cobalt chloride, stones, fluorescent polystyrene, pellets, packaging, and more. The second volume, ‘Lines,’ delves into the eponymous body of work of fundamental importance to his well-known Achromes – paintings without color, which aimed to strip his work of expression. Extensively illustrated, both volumes feature art historical essays alongside a host of archival material, making this one of the most comprehensive sources on the artist to date.\u003cbr\u003e\u003cspan class=\"s1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39568000712784,"sku":"9783906915326","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_cb439036-fdb9-4b1f-bbe2-6bbab433c798.jpg?v=1642991169"},{"product_id":"rings-of-lispector-agua-viva-by-roni-horn","title":"RINGS OF LISPECTOR (AGUA VIVA) by Roni Horn","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、ロニ・ホーン（Roni Horn）の作品集。本書は、2004年にロンドンのギャラリー「Hauser \u0026amp; Wirth」で公開された作品を収録。フェミニスト理論化で作家のエレーヌ・シクスー（Hélène Cixous）が翻訳した、ブラジル人作家クラリッセ・リスペクトル（Clarice Lispector）の著書「\u003cem\u003eアグア・ヴィヴァ（‘Agua Viva’）\u003c\/em\u003e」の一節をモチーフにし、ゴム性のフロアタイルの上に描いた\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan\u003eランゲージ・アート作品の\u003c\/span\u003eシリーズ。会場ではフレーズを円形状に配置し、水面に落ちる雨粒の動きを表現。リスペクトルの言葉を上から受け止めながら、足下にゴムのタイルを感じるという体験を促した。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/imaonline.jp\/articles\/interview\/20211026roni-horn\/\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003e記事：ロニ・ホーンインタヴュー「水の中にあなたを見るとき、あなたの中に水を感じる？」（IMA ONLINE）\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eロニ・ホーン:水の中にあなたを見るとき、あなたの中に水を感じる?\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e会期：2021年9月18日（土） - 2022年3月30日（水） 会期中無休\u003cbr\u003e時間：9:00-17:00\u003cbr\u003e開催場所：ポーラ美術館 展示室1, 2 遊歩道\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.polamuseum.or.jp\/sp\/roni-horn\/\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eRoni Horn's work ranges from unapologetically pretty color close-ups of striking young faces (This is Me, This is You) and darkly patterned studies of the surface of the River Thames (Dictionary of Water) to her playful abstractions and wordplay-filled installations inspired by the French feminist theorist and writer, Hªl ne Cixous.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eRings of Lispector draws in turn from the work of one of Cixous's own favorite authors, the Brazilian writer Clarice Lispector. Horn has covered a floor with interconnecting rubber tiles and passages from Lispector's Agua Viva, arranged in rippled circles. The piece reflects on architectural space and poetic force, encouraging viewers to experience the rubber physically underfoot and to view the words from above.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis disorienting act of location, characteristic of Horn's exploration of the possibilities of language as a sculptural form, addresses inner emotions with the idea of landscape. All this is documented in two slipcased volumes, with an essay by Hªl ne Cixous.\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39592927789136,"sku":"9783865211491","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/RINGSOFLISPECTOR_01.jpg?v=1637033621"},{"product_id":"bird-by-roni-horn","title":"BIRD by Roni Horn","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、ロニ・ホーン（Roni Horn）の作品集。長年に渡り継続して制作影しているアイスランドの剥製の野鳥を撮ったシリーズを収録する。近距離かつ白い背景で撮影された鳥は、後ろを向き、その独特な特徴や模様により、不可解な形やパターンが写真に浮上する。単数形で「BIRD」と付けられたタイトルにもかかわらず、今シリーズの鳥はペアで提示されており、双方の相違点及び類似点の強調を図るため、隣り合わせで見せられている。このような方法は、1980年以来作者が繰り返し用いている。作家兼キュレーターであるフィリップ・ララット・スミス（Philip Larratt-Smith）によるテキストも収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e \u003ca href=\"https:\/\/imaonline.jp\/articles\/interview\/20211026roni-horn\/\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003e記事：ロニ・ホーンインタヴュー「水の中にあなたを見るとき、あなたの中に水を感じる？」（IMA ONLINE）\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eロニ・ホーン:水の中にあなたを見るとき、あなたの中に水を感じる?\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2021年9月18日（土） - 2022年3月30日（水） 会期中無休\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：9:00-17:00\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：ポーラ美術館 展示室1, 2 遊歩道\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.polamuseum.or.jp\/sp\/roni-horn\/\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003ebird\u003c\/em\u003e presents the culmination of Roni Horn’s long-running photographic series of taxidermied Icelandic wildfowl. Photographed at close range against white backgrounds (as though obeying the conventional format of studio portraiture) the birds are viewed from behind, their unique physiognomies and markings resulting in inscrutable shapes and patterns on the photographs’ surfaces.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eDespite the singular form of the title, the birds in this series are presented in pairs, images that are hung side by side one another highlighting the differences and similarities between the two. The gesture of doubling — as an aesthetic and conceptual strategy — has been a recurrent motif for Horn since 1980, a tool that invites careful scrutiny from the viewer, altering the dynamic of the work. Horn’s images are accompanied by a text by the writer and curator Philip Larratt-Smith. Avoiding a dense, didactic reading of the series, Larratt-Smith has compiled an extended series of quotes, anecdotes and idioms, garnered from film, literature, photographers’ monographs and Horn’s own writings.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39621989302352,"sku":"9783865216694","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/bird_01.jpg?v=1640233173"},{"product_id":"work-work-work-work-work-work-by-glenn-ligon","title":"WORK, WORK, WORK, WORK, WORK, WORK by Glenn Ligon","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eアメリカ人アーティスト、グレン・ライゴン（Glenn Ligon）の作品集。2021年に刊行された本書は、過去4年間の作者の活動に焦点を当て、ペインティング、ネオンを用いた作品、紙を用いた作品の制作過程や、スタジオで過ごした時間、プライベートな時間を詳細に記録。その芸術活動の軌跡を描くことで、自身の作品に対する視点や、作者がその制作過程を理解する方法を垣間見ることができる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eGlenn Ligon’s documentation of his studio and practice offers a glimpse into the way the artist sees his work and understands his process. This artist book—focusing on the past four years—traces the trajectory of Ligon’s art-making, intimately chronicling the development of paintings, neons, and works on paper, as well as time spent in his studio spaces and other personal moments.\u003cbr\u003e\u003cspan class=\"s1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39643385299024,"sku":"9783906915661","price":11550.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_3e696c75-2817-41c6-af14-4178d36a5455.jpg?v=1650352695"},{"product_id":"ideas-for-sculpture-by-henry-moore","title":"IDEAS FOR SCULPTURE by Henry Moore","description":"\u003cp\u003e20世紀のイギリスを代表するアーティスト、ヘンリー・ムーア（Henry Moore）の作品集。ロンドンの「Hauser \u0026amp; Wirth」での展覧会に伴い刊行された。同ギャラリーは、現代建築家のザハ・ハディド（Zaha Hadid）とザハ・ハディド・アーキテクツ（Zaha Hadid Architects）代表のパトリック・シューマッハ（Patrik Schumacher）によって2008年に改修。同時に本展のためにコクーン状の白い空間と有機的な曲線を描く鏡面の台座「Henry Moore Table」も制作した。展示された作者のコレクションと共鳴し合い、作品に新たな光を当てている。本書は彫刻やスケッチの複製と娘メアリー・ムーア（Mary Moore）による構想の詳細を収録し、展示空間や多くの未公開作品を通してそのキャリアや作品を紐解く鍵ともいえる一冊。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003ePresenting rare and unseen works from the Henry Moore Family Collection, Hauser \u0026amp; Wirth's Old Bond Street gallery was transformed in 2008 by Zaha Hadid and Patrik Schumacher, whose bold organic creations - specifically commissioned for the exhibition - provided a sympathetic and novel context for re-approaching Moore's oeuvre.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39643387330640,"sku":"9783037640739","price":6930.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/1_d0e25c83-5518-4446-b428-323f77e47d35.jpg?v=1642660406"},{"product_id":"tower-by-monika-sosnowska","title":"TOWER by Monika Sosnowska","description":"\u003cp\u003eポーランド人インスタレーションアーティスト、モニカ・ソスノウスカ（Monika Sosnowska）の作品集。2014年にニューヨークの「Hauser \u0026amp; Wirth」での展覧会に伴い刊行された。モダニズムを代表する建築家\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/mies-van-der-rohe\" target=\"_blank\"\u003eミース・ファン・デル・ローエ（Mies van der Rohe）\u003c\/a\u003eの設計からインスピレーションを得た作者は、複製された鉄製のフレームをねじり、110フィート(約33.6m)もの大きさで横たわる像のような、構造工学を凌駕する叙情的な彫刻的オブジェを作り出した。本書ではアイデアの発端から、作者の母国であるワルシャワでの制作の過程を経て、ニューヨークでの最終的な設置に至るまでのプロセスを追っている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eReleased following Monika Sosnowska’s exhibition at Hauser \u0026amp; Wirth New York’s 18th Street location in late 2014, this publication features the artist’s monumental work, Tower. Taking inspiration from designs by the iconic modernist architect Mies van der Rohe, Sosnowska begins with a reproduction frame and twists it out of shape to create a sort of 110-foot reclining figure, a lyrical sculptural object that usurps perfect structural engineering. The publication follows the sculptor’s process from initial idea, through the intermediate steps of fabrication in her native Warsaw, and to the final installation in New York.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39643390115920,"sku":"9783775739269","price":6050.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/1_a94de43a-791c-4fbe-9e91-46e400016bf4.jpg?v=1642666175"},{"product_id":"beyond-the-limit-by-arshile-gorky","title":"BEYOND THE LIMIT by Arshile Gorky","description":"\u003cp\u003eアルメニア生まれのアメリカ人アーティスト、アーシル・ゴーキー（Arshile Gorky）の作品集。本書は作家がバージニア州リンカーンの田舎町にある農場「クルックド・ラン・ファーム」で夏を過ごした際に描き留めた300枚近いドローイングを収録。今日、作者の最も注目すべき作品の一つである「\u003cem\u003eThe Limit\u003c\/em\u003e」（1947）のための習作も掲載。「\u003cem\u003eとても孤独で、苛立ち、どうしたらこんなにも空虚な空間 — 限界というほど空虚なものを描けるのだろうか。\u003c\/em\u003e」と語る。ほか、「Untitled (Virginia Summer) \/ 無題（\u003cem\u003eヴァージニアの夏）\u003c\/em\u003e」のドローイングと言われている関連シリーズなども収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eグラフィックデザイナーのソニア・ダヤコヴァ（Sonya Dyakova）が主宰する「アトリエ・ダヤコヴァ（Atelier Dyakova）」が装丁を手がける。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/blogs\/articles\/interview-sonya-dyakova-founder-and-creative-director\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\"\u003e\u003cem\u003eインタビュー ソニア・ダヤコヴァ　『Donald Judd, Artworks: 1970–1994』における制作プロセスとその理想形\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eIn 1946, the painter Arshile Gorky spent the summer at Crooked Run Farm, a country estate in Lincoln, Virginia. In this time, he drew feverishly, producing almost 300 drawings. These drawings included a study for what is now considered one of his most remarkable paintings, The Limit (1947), a work that he described as the outcome of being “\u003cem\u003eso lonely, exasperated, and how to paint such empty space—so empty it‘s the limit.\u003c\/em\u003e”\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39643476033616,"sku":"9783906915678","price":8800.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/1-5.jpg?v=1642667865"},{"product_id":"once-upon-a-time-by-erna-rosenstein","title":"ONCE UPON A TIME by Erna Rosenstein","description":"\u003cp\u003eウクライナ人アーティストであり詩人のエルナ・ローゼンスタイン（Erna Rosenstein）による作品集。ニューヨークの「Hauser \u0026amp; Wirth」で開催された展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は1946年から2001年までに制作された40点以上のシュルレアリスム、リアリズム、アッサンブラージュの作品とともに作者が執筆、挿絵を描いた新たな形で見せているおとぎ話を収録。ホロコースト時代にポーランド系ユダヤ人として過ごした経験をもとに、多様な作品を発表した作家の初となる作品とエッセイがまとめられた一冊となっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eQuote from Roberta Smith: ‘\u003cem\u003eEspecially impressive is the museum-caliber show introducing the multifaceted Polish artist Erna Rosenstein (1913-2004), organized by the intrepid Alison M. Gingeras at Hauser \u0026amp; Wirth (through Dec. 23). More than 40 works range from 1946 to 2001, stretching Surrealism, realism, assemblage and even fairy tales into new shapes\u003c\/em\u003e.’\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39643510636624,"sku":"9783906915418","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_217206ca-de76-4e6f-b05c-582778d2282b.jpg?v=1644055304"},{"product_id":"marcel-duchamp-facsimile-of-the-1959-by-marcel-duchamp","title":"MARCEL DUCHAMP: FACSIMILE OF THE 1959 by Marcel Duchamp, Robert Lebel","description":"\u003cp\u003e20世紀の美術に大きな影響を及ぼしたフランス人アーティスト、マルセル・デュシャン（Marcel Duchamp）の作品集。1959年にフランス人美術史家であるロベール・ルベル（Robert Lebel）によって刊行された、デュシャンのカタログ・レゾネの復刻版。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e長らく絶版となっていたオリジナル版に、付録としてデュシャンとルベルの協力関係を物語るエッセイやアーカイブ資料、マン・レイによるメモなどが追加。オリジナル版の刊行がいかに「芸術家の、批判的な解釈に対する受容性の大転換」を意味するのか、世に与えてきたその影響力を物語る。フランス語でのデラックス版およびグランドデラックス版、フランス語と英語での通常版が同時発売されて以来、デュシャンを語るに欠かせない存在となった一冊。今回、ルベルの息子であるジャン＝ジャック・ルベル（Jean-Jacques Lebel）とマルセル・デュシャン協会の許可のもと「Hauser \u0026amp; Wirth」により英語版として再販された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書はデュシャンとルベルの共作であり、ルベルの膨大なテキストと書誌、フランス人作家のH.P.ロシェ（H. P. Roché）、詩人であり作家、シュルレアリストのアンドレ・ブルトン（André Breton）、そしてデュシャン本人による文章なども掲載。ルベルによるデュシャンの分析は今なお新鮮に映る。そこに多様な記録写真や作品図版が加わることで、デュシャンの人生とその周辺を複雑かつ個人的な域にまで入りこませる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eオリジナル版で使用された書体は、デザイン会社「fluid」によって今回デジタルフォントとして再構成され、文字や画像は全く同じ位置にレイアウトされている。ほぼ正確に再現するため、「fluid」は紙媒体の保存修復家や印刷業者とタッグを組み、当時と同じように仕上がる現存の紙を用いて制作している。両作者が意図したように、この時代の読者もまた本書が歴史的な一冊であることを体感するのである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003e石橋財団コレクション選　特集コーナー展示　Art in Box ーマルセル・デュシャンの《トランクの箱》とその後\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2022年10月25日（火） - 2023年2月5日（日） 月曜休館（1月9日を除く） ※2022年11月4日、12月28日 - 2023年1月3日、1月10日は休館\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：10:00-18:00\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：公益財団法人石橋財団アーティゾン美術館　4F展示室\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.artizon.museum\/exhibition\/detail\/544\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eMarcel Duchamp, the artist’s first legendary monograph and draft catalogue raisonné, was written by art historian and novelist Robert Lebel and published in French in 1959; later that same year, it was translated into English by George Heard Hamilton for Grove Press. The book was a cooperation between Lebel and Duchamp, and beyond Lebel’s extensive writing and bibliography, additional chapters were authored by Duchamp, H.P. Roché and André Breton. The coupling of these texts with diverse archival photographs and an illustrated compendium of Duchamp’s artworks delivered a complex and personal rendering of the artist’s life and inner circle. For the first time since its release more than 60 years ago, this landmark publication is back in circulation with Hauser \u0026amp; Wirth Publishers’ meticulous facsimile of the English edition, reflecting everything from its hand-tipped images to its recto-verso dust jacket appearing as close to the original as possible.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eFully authorized by artist Jean-Jacques Lebel—Robert Lebel’s son—and the Association Marcel Duchamp, the facsimile is accompanied by a supplement volume of essays and archival material that tells the story of Duchamp and Lebel’s close collaboration, and, as contributor Michael Taylor writes, how the original publication signified a \"sea change in the artist’s receptivity to critical interpretation.\" The supplement includes texts by both Robert and Jean-Jacques Lebel and a newly discovered note by Man Ray, among a bevy of photographs from the Lebel and Duchamp archives, extending the story presented in the 1959 edition.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eRobert Lebel’s analysis of Duchamp’s oeuvre remains fresh to this day, as does the book’s design, which was personally supervised by the artist. Hauser \u0026amp; Wirth Publishers reanimated Marcel Duchamp with the curatorial-design firm fluid, who recast the original typefaces as digital fonts, positioning each letter and image exactly as it was in the original. To achieve a near-exact facsimile, fluid consulted with paper conservators and printers to recreate the book with modern materials that match those available in 1959. This precise production quality assures that today’s readers will experience this historic book as Marcel Duchamp and Robert Lebel intended.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39644486172752,"sku":"9783906915517","price":24200.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/02_df15f38f-3303-44d9-8b89-c135f36cc6e2.jpg?v=1644052505"},{"product_id":"a-subversive-gleam-max-bill-and-his-time-1908-1939-by-max-bill","title":"A SUBVERSIVE GLEAM: MAX BILL AND HIS TIME. 1908–1939 by Max Bill","description":"\u003cp\u003eスイス人画家であり建築家、彫刻家、教師、デザイナー、マックス・ビル（Max Bill）の伝記を巡る作品集。バウハウスの巨匠である作者は、先述のように美術、デザインと建築分野をまたぐ総合芸術家であった。本書を手掛けた美術史家であり、作者のパートナーでのアンジェラ・トーマス（Angela Thomas）が、作者の幼少期時代からバウハウスでの修行、チューリッヒへの帰還から1930年代後半に至るまでの経歴を辿るモノグラフの第一部である。忠誠心に溢れた明晰な思考、高い意識での批評的精神、芸術家たちのネットワークの拡大など、若き日の作者を紐解く内容となっている。第二次世界大戦前のヨーロッパの芸術家やデザイナー、建築家のコミュニティにおける文化的な環境に関し、伝記や弔辞などを通じ考察していく。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eMax Bill was a Swiss polymath bridging the worlds of design, architecture, art, publishing, advertising, and politics. This first part of an comprehensive monograph retraces Bill's biography from his childhood to his Bauhaus training, his return to Zurich, and on until the late 1930s. The reader discovers a young Bill characterized by commitment, clarity in thinking, a highly critical mind, and a growing network of artists. Part biography, part eulogy, part memoir, this publication proposes insights into the pre-World War II cultural milieu of a European community of artists, designers, and architects.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39717688049744,"sku":"9783906915401","price":7920.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_0a9b2266-2345-4a6d-9900-84a1358cbcb8.jpg?v=1653378648"},{"product_id":"penumbral-light-by-frank-bowling","title":"PENUMBRAL LIGHT by Frank Bowling","description":"\u003cp\u003eガイアナ共和国生まれのイギリス人アーティスト、フランク・ボウリング（Frank Bowling）の作品集。\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e本書は、2022年にチューリッヒのギャラリー「ハウザー＆ワース（Hauser \u0026amp; Wirth）」で開催された展覧会\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eに伴い刊行された。作者は、1950年代から現在に至るまでの80年にわたるキャリアを通じて、絵具の物質性について執拗なほどの熱心さを持って追求してきた。本展示では、2022年以降に自身のロンドンのスタジオで制作された8点の記念碑的な作品群に焦点を当て、88歳を迎えた作者の作品に新たな洞察を与えた。水、色彩、透明性、表面、動き、そして光が織りなす、鮮明で創造性に溢れた世界へと観る者を誘う作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e作者の息子であるベン・ボウリング（Ben Bowling）による序文、ブリストルを拠点に活動するキュレーターのジェンマ・ブレース（Gemma Brace）によるエッセイ、対談を収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThroughout a career touching eight decades - from the 1950s to the present day - Frank Bowling has obsessively inquired into the materiality of paint. Focusing on a selection of eight monumental works made in his London studio during and after 2020, \"\u003cem\u003eFrank Bowling: Penumbral Light\u003c\/em\u003e\" offers new insight into the 88-year-old artist's practice. and grants access into a vibrant creative world made of water, colour, transparency, surface, movement, and light.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39776941768784,"sku":"9783906915715","price":6820.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_055d15f8-587e-436d-aec7-e32dbe89e4d3.jpg?v=1663394911"},{"product_id":"blocks-by-rashid-johnson","title":"BLOCKS by Rashid Johnson","description":"\u003cp\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eアメリカ人アーティスト、ラシード・ジョンソン（Rashid Johnson）の作品集。本書は、ニューヨークの「ハイライン（The High Line）」にて2015年に公開された作者のパブリックアート作品「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eBlocks\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」を記録した図版を掲載した図録。本作は「High Line Art」によるコミッションで制作された、作者にとって初となるパブリックアートである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e「ハイライン」は、マンハッタンのウェストサイドに位置する、使われなくなった高架貨物線路を2006年から2014年にかけて再開発した、1.45マイル（約2.3km）におよぶ空中庭園である。設計はオランダ人園芸家のピート・ウードルフ（Piet Oudolf）が手掛けている。2015年に制作されたこの「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eBlocks\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」は、棚のようなグリッド状の黒いスチール製の構造で、その中に鮮やかな黄色の胸像が複数収められている。本書は、この作品が「ハイライン」の緑豊かな自然環境と相互作用しながら発展、進化する様子を写真で捉え、包括的に記録している。設置された1年間の流れの中で、作品のグリッド構造の中には様々な種類の植物が育ち、季節の移りかわりに伴い作品の様相が変化していく。これらの写真は、楽観、失敗、再生、そして荒廃といったテーマに触れながら、人工的な建造物と自然環境の間にある、時間が限定された関係性の詩的な性質を表現している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e作者と「High Line Art」のチーフ・キュレーターを務めるセシリア・アレマーニ（Cecilia Alemani）が対談し、本作の誕生、そして公共の場における作品制作に対する作者のアプローチについて焦点をあてている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe High Line is a 1.45-mile stretch of disused elevate freight tracks on Manhattan’s West Side that was converted into a park between 2006 and 2014. In 2015, the American artist Rashid Johnson (b. Chicago, Ill., 1977; lives and works in New York, N.Y.) installed a publicly accessible sculpture on the tracks. Commissioned by the High Line Art program, it consisted of a shelf-like black metal construction that housed a number of bright yellow busts. Blocks presents comprehensive photographic documentation of the eponymous work’s evolving interaction with the lush vegetation into which it intervened. Over the course of the full year for which the sculpture stood on the site, plants of different species grew through its grid structure, lending it a forever changing aspect as the seasons passed. The pictures illustrate the poetic quality of the time-limited relationship between a man-made construction and nature, touching on themes such as optimism, failure, regeneration, and desolation. A conversation between Cecilia Alemani, chief curator of High Line Art, and Rashid Johnson sheds light on the genesis of \u003cem\u003eBlocks\u003c\/em\u003e and the artist’s approach to making work for public settings.\u003c\/p\u003e","brand":"DISTANZ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39816219066448,"sku":"9783954761685","price":4400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_f193c4b0-8a73-4612-9895-1e8ccc6f8894.jpg?v=1662783720"},{"product_id":"cosmic-soul-by-jack-whitten","title":"COSMIC SOUL by Jack Whitten","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、ジャック・ウィッテン（Jack Whitten）の作品集。\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eアメリカ人美術史家のリチャード・シフ（Richard Shiff）が手がけた本書は、作者の制作活動と人生観を多面的かつ批評的に解釈した包括的な1冊である。作者の膨大な著作と著者との会話の両方を通じて、本書は作者の見解を綿密に読み解いている。作者の思想とそれが生み出した作品の特徴に光を当て、その60年にわたる卓越した活動を自由に行き来し、鮮明な図版で紹介する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003eThis comprehensive monograph, authored by art historian Richard Shiff, offers a multifaceted and critical interpretation of Jack Whitten’s art-making and philosophy of life. Informed both by Whitten’s extensive writings and his personal conversations with the author, ‘\u003cem\u003eCosmic Soul\u003c\/em\u003e’ offers a close reading of the artist’s outlook. Vividly illustrated and ranging freely through the course of the artist’s remarkable six-decade career, Shiff’s text illuminates the distinctive character of Whitten’s thought and the art it generated.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39971297984592,"sku":"9783906915739","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_b9fb50b6-ebab-41d6-8173-143d4135b536.jpg?v=1667894765"},{"product_id":"the-world-we-make-by-amy-sherald","title":"THE WORLD WE MAKE by Amy Sherald","description":"\u003cp\u003eアメリカ人画家、エイミー・シェラルド（Amy Sherald）の作品集。本書は、アフリカ系アメリカ人の被写体をカラフルな単色や日常的なシーンを背景に描く、シンプルなリアリズム肖像画の独特なスタイルで高い評価を得ている作者の初の包括的なモノグラフである。作者は2018年、ワシントンD.C.の「ナショナル・ポートレート・ギャラリー（National Portrait Gallery）」のために、当時の前大統領夫人ミシェル・オバマ（Michelle Obama）の肖像画を描く画家として選ばれたことで一躍名声を得ている。これはアフリカ系アメリカ人の女性として初の栄誉でもあった。「ハウザー＆ワース ロンドン（Hauser \u0026amp; Wirth London）」で2022年秋に開催された個展に伴い出版された本書は、近作の複写に合わせて、初期のイラストレーションや作者の制作とプロセスが垣間見えるスタジオの写真シリーズが掲載されている。また、ジェニ・ソーキン（Jenni Sorkin）が寄稿した作品の美術史的な分析、文化研究者ケヴィン・クアシー（Kevin Quashie）による作者の肖像画の美学と政治に関する考察、また作家タナハシ・コーツ（Ta-Nehisi Coates）と作者との対談が新しく含まれている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis is the first comprehensive monograph on acclaimed painter Amy Sherald, whose distinctive style of simplified realist portraiture features African American subjects rendered against colorful monochrome backdrops or in everyday settings. Sherald rose to fame after being chosen by former first lady Michelle Obama to paint her official portrait for the National Portrait Gallery in Washington, DC, in 2018, becoming the first African American woman to receive this honor. In addition to reproductions of Sherald’s recent works, the book—published to accompany her solo exhibition at Hauser \u0026amp; Wirth London in fall 2022—includes illustrations of earlier paintings, as well as an intimate glimpse into Sherald’s process and practice through a series of in-studio photographs. Newly commissioned texts include an art historical analysis of the artist’s work by Jenni Sorkin; a meditation on the politics and aesthetics of Sherald's portraiture by cultural scholar Kevin Quashie; and a conversation between Sherald and acclaimed author Ta-Nehisi Coates.\u003ca href=\"https:\/\/richter.exhibit.jp\/\" target=\"_blank\"\u003e\u003c\/a\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"WALTHER KÖNIG \/ HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40008685584464,"sku":"9783906915722","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_aefbd3c4-8ad8-4e9a-ba14-1054af21247e.jpg?v=1674110825"},{"product_id":"sculpture-by-lucio-fontana","title":"SCULPTURE by Lucio Fontana","description":"\u003cp\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eイタリア人アーティスト、ルーチョ・フォンタナ（Lucio Fontana）の作品集。2022年11月から2023年2月にかけてニューヨークの「Hauser \u0026amp; Wirth」で開催された展覧会に伴い刊行された。この展覧会は、ルーチョ・フォンタナ財団と共同で、イタリア人美術史家のルカ・マッシモ・バルベロ（Luca Massimo Barbero）のキュレーションにより開催され、1920年代から1968年に作者が亡くなるまでの50年間に制作された彫刻作品が展示された。本展が開催されたアッパー・マンハッタンの69丁目にある「\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eHauser \u0026amp; Wirth\u003c\/span\u003e」の所在地は、かつて伝説的な「マーサ・ジャクソン・ギャラリー（Martha Jackson Gallery）」があった場所でもあり、1961年にはそこで作者のアメリカでの初個展が開催された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e本書は、作者の彫刻作品に焦点を当てた初の学術的な作品集であり、異なる時代の作品群をまとめて考察し、作者の作品における連続性と進化を強調する。作者は、キャンバスを切り裂いた作品でよく知られているが、彫刻は作者のアーティスティック・プロジェクトにとって不可欠であり、その発展に極めて重要であった。本展のキュレーターによるエッセイでは、「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eフォンタナのジェスチャーにとって理想的な素材\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」としての陶磁器を探求し、テラコッタ、粘土、石膏、コンクリート、金属を用いた実験的な作品を再検証する。イタリア人研究者のクリスティーナ・ベルトラーミ（Cristina Beltrami）によるエッセイでは、戦後ヨーロッパの文脈の中で先駆的なアーティストとして作者を位置づけ、イタリアや海外のアーティストたちとの交流について探る。また、「ルーチョ・フォンタナ財団」のマリア・ヴィラ（Maria Villa）による伝記的エッセイも収録されており、常に革新的な彫刻活動を展開してきた、その実践を通して作者の生涯を辿る。本書は、2021年にロサンゼルスの「\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eHauser \u0026amp; Wirth\u003c\/span\u003e」で開催された展覧会に伴い刊行された『\u003c\/span\u003e\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/walking-the-space-by-lucio-fontana\"\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eWalking the Space\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003c\/a\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e』の姉妹編となる1冊。\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eLucio Fontana: Sculpture\u003c\/em\u003e charts the uncategorizable artist’s exploration of sculpture from the 1920s until his death in 1968. In the first scholarly monograph in English devoted to Fontana’s sculptural production, bodies of work from different periods are considered together, highlighting continuity and evolution in his oeuvre. Edited by Luca Massimo Barbero in collaboration with the Fondazione Lucio Fontana, this richly illustrated volume allows readers to discover Fontana’s rarely seen sculptural works, exhibited at Hauser \u0026amp; Wirth New York, 69th Street from November 2022 until February 2023.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40030568185936,"sku":"9783906915708","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_183f16b1-a0c1-4dd2-a79c-d5e0366a855a.jpg?v=1674529267"},{"product_id":"landscape-by-frank-bowling","title":"LANDSCAPE by Frank Bowling","description":"\u003cp\u003eガイアナ共和国生まれのイギリス人アーティスト、フランク・ボウリング（Frank Bowling）の作品集。本書は、2023年に西ハリウッドのギャラリー「Hauser \u0026amp; Wirth」で開催された展覧会に伴い刊行された。豊かで美しい図版に加え、折り込みのページで作品を詳細に取り上げている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eイギリス人美術史家のドロシー・プライス（Dorothy Price）によるエッセイも収録し、イギリス人アーティストであるジョゼフ・マロード・ウィリアム・ターナー（Joseph Mallord William Turner）と対話に焦点が当てられている。「言語に頼らない身振りでの筆のはらいと、果てしなく広大な水平線が、時代を超えてこの芸術家たちを繋げている」と説く。加えて、18世紀以降存在する黒人であることと崇高さとの結びつきを通じ、作者が「\u003cem\u003e新しい崇高（a new sublime）\u003c\/em\u003e」を発明したことを探求している。プラスチックの蜘蛛、医療器具、スプレー缶のノズルなどの拾得物を取り込むことで抽象の歴史との対話において重要な役割を果たすことを示している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis catalogue accompanies the exhibition ‘\u003cem\u003eFrank Bowling: Landscape\u003c\/em\u003e’ at Hauser \u0026amp; Wirth West Hollywood.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThe book is lavishly illustrated and includes foldouts of artwork details.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eIt features an essay from art historian Dorothy Price, which focuses on the dialogue between Bowling’s and Turner’s work.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003ePrice notes that “\u003cem\u003egestural sweeps and vast horizon lines bind these artists across time.\u003c\/em\u003e”\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eBowling’s invention of “\u003cem\u003ea new sublime\u003c\/em\u003e” is subsequently explored through the link between Blackness and the sublime that has existed since the eighteenth century.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eShe also notes that the incorporation of found objects—plastic spiders, hospital equipment, and the nozzle from a spray can among them—plays a key role in Bowling’s dialogue with the history of abstraction.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003ePublished on occasion of the exhibition ‘\u003cem\u003eFrank Bowling: Landscape’\u003c\/em\u003e, 25 May – 5 Aug 2023, Hauser \u0026amp; Wirth, West Hollywood, California.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40203106156624,"sku":"9783906915791","price":9900.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_0e33b492-5a21-426d-a927-d15e4dbb0fb6.jpg?v=1686968087"},{"product_id":"cindy-sherman-2023-by-cindy-sherman","title":"CINDY SHERMAN: 2023 by Cindy Sherman","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人アーティスト、シンディー・シャーマン（Cindy Sherman）の作品集。同世代における最も重要なアメリカ人アーティストの一人とされている作者の1970年代の初期の作品にまで遡り、ポートレイトの分野において探究を続けながら生まれた新たな作品群を紹介する。2023年6月から9月までチューリッヒの「Hauser \u0026amp; Wirth」にて開催された展覧会に伴い刊行された。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e36点もの写真にわたって作者は自身の顔のパーツのコラージュを作成し、デジタル処理によってその重層性と柔軟性を引き立たたせながらさまざまなモデルのアイデンティティを作り出した。作者本人によるスタジオでの制作過程の記録にまつわるテキストを収録し、作品について本人の思考を間近で垣間見ることができる。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003e本展示は、作者による2つの他の展覧会と同時期に開かれており、2023年2月から6月までデンマークの「アロス・オーフス美術館（ARoS Aarhus Art Museum）」で開催された「\u003cem\u003eCindy Sherman – Tapestries\u003c\/em\u003e」展、2023年4月から9月までドイツの「シュトゥットガルト州立美術館（Staatsgalerie Stuttgart）」にて開催された「\u003cem\u003eCindy Sherman: Anti-Fashion\u003c\/em\u003e」展がそれにあたる。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eThis publication presents a new body of work by Cindy Sherman that continues her explorations of the genre of portraiture going back to her early work of the 1970s.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eAcross thirty-six photographs, the artist collages parts of her own face to construct the identities of various sitters, using digital manipulation to accent the layered aspects and plasticity of the self. The book also includes a text by Sherman chronicling her process in the studio, offering an intimate glimpse into her thinking about the work.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003ePublished with Hauser \u0026amp; Wirth, on occasion of the exhibition ‘\u003cem\u003eCindy Sherman’\u003c\/em\u003e, 9 Jun – 16 Sep 2023, Hauser \u0026amp; Wirth, Zurich. The exhibition coincide withs two museum shows from Sherman: ‘\u003cem\u003eCindy Sherman – Tapestries\u003c\/em\u003e’, 4 Feb – 5 Jun 2023, ARoS Aarhus Art Museum, Denmark and ‘\u003cem\u003eCindy Sherman: Anti-Fashion’\u003c\/em\u003e, 21 Apr – 10 Sep 2023, Staatsgalerie Stuttgart, Germany.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eSherman is considered to be one of the important American artists of her generation. Hauser \u0026amp; Wirth announce worldwide representation of the artist in 2021.\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40236575752272,"sku":"9783906915821","price":7480.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_c96b3ec8-3108-4da2-be59-b263b19b62c2.jpg?v=1689738426"},{"product_id":"drifting-habitations-by-anj-smith","title":"DRIFTING HABITATIONS by Anj Smith","description":"\u003cp\u003eイギリス人アーティスト、アンジ・スミス（Anj Smith）の作品集。2023年11月から2024年1月にかけてニューヨークのギャラリー「Hauser \u0026amp; Wirth」で開催された、最新作を発表した個展に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eポートレイト、風景画、静物画のそれぞれのジャンルの狭間を行き来する作者は、ジェンダーやエコロジー、不安やエロティシズムが対峙する問題を探り、複雑に解釈した表現で描画する。結果、作者の（当時）最新のシリーズでは、生態学的に荒れ果てた風景に境界的な存在や生き物を登場させている。甘美とも言えるその情景は、鑑賞者に世界への認識の流動性を熟考させるよう誘う。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e心理学者であり、アメリカのテレビ局「\u003cem\u003eShowtime\u003c\/em\u003e」によるコンテンツ『\u003ca href=\"https:\/\/www.imdb.com\/title\/tt10665386\/\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e\u003cem\u003eCouples Therapy\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e』で知られるオルナ・グラルニク（Orna Guralnik）と作者との対談を収録。多様性、再野性化、転用といったテーマが語られており、あわせて作家であるクレア＝ルイーズ・ベネット（Claire-Louise Bennett）による詩的な介入により、ルイーズ・ベネット自身のうねりを持つ世界を見せ、読者が抱く現実・自然・自己の理解と戯れている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eBeauty, disgust, desire and dread mingle at the core of Smith’s painting.\u003c\/em\u003e” –Artforum\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eCoinciding with the eponymous exhibition at Hauser \u0026amp; Wirth, this catalog presents the latest body of work by the British painter Anj Smith (born 1978). Negotiating the space between the genres of portraiture, landscape and still life, Smith produces intricately rendered paintings that explore issues of gender, ecology, anxiety and eroticism. To that end, her latest series populates ecologically devastated landscapes with liminal beings and creatures. The luscious paintings invite viewers to consider the fluidity of their perceptions of the world.\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eAnj Smith\u003c\/em\u003e: Drifting Habitations features a conversation between psychologist Orna Guralnik—of \u003cem\u003eShowtime\u003c\/em\u003e’s \u003cem\u003eCouples Therapy\u003c\/em\u003e—and the artist, in which themes such as plurality, rewilding and repurposing are discussed, as well as a poetic intervention by author Claire-Louise Bennett, who conjures up a roiling world of her own and plays with readers’ understanding of reality, nature and self.\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40559567929424,"sku":"9783906915838","price":9900.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_86568831-1c6c-4146-a6a0-ee4a43057017.jpg?v=1711706045"},{"product_id":"heart-turned-inside-out-poems-by-cheryl-johnson-odim-rashid-johnson","title":"HEART-TURNED-INSIDE-OUT POEMS by Cheryl Johnson-Odim, Rashid Johnson","description":"\u003cp\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eアメリカ人アーティスト、ラシード・ジョンソン（Rashid Johnson）と、アメリカ人歴史家であるシェリル・ジョンソン・オディム（Cheryl Johnson-Odim）の作品集。シェリルはラシードの実母であり、時間と媒体を超えた母と子の親密な交流を記録した美しい一冊に仕上げられている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e表紙のタイトルには銀色の箔押しを施し、慎重に選んださまざまな種類の紙を本文に使用した本書は、ラシードが8歳になった1985年にシェリルが初めて刊行した詩の小冊子『\u003cem\u003eOther Women Before Me\u003c\/em\u003e』の改訂版が元となっている。2022年、詩人であり作家のアミリ・バラカ（Amiri Baraka）、ニキ・ジオヴァニ（Nikki Giovanni）、クラウディア・ランキン（Claudia Rankine）、シルヴィア・プラス（Sylvia Plath）らの作品集とともに、地中海西部メノルカ島のギャラリー「Hauser \u0026amp; Wirth」で2022年6月から11月にかけて開催されたラシードの展覧会「\u003cem\u003eSodade\u003c\/em\u003e」内のリーディングコーナーにて本書は紹介された。あわせて、本書の表紙となっている画像も展示されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e掲載されているドローイングは、2020年のスケッチブックから引用されたものであり、詩の作品を収録し、書籍の中央ページの部分には母息子による広範囲にわたるパーソナルな対話の記録が記されている。折り畳まれたカバーは開くとポスターとしても使用できるようになっている。\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e\u003cbr\u003eA beautiful artist’s book documenting a mother and son’s intimate exchange across time and mediums\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThis tenderly wrought artist’s book is a collaboration between American conceptual artist Rashid Johnson (born 1977) and his mother, historian Cheryl Johnson-Odim (born 1948). Bound as a single signature with silver-foiled text on the cover and multiple carefully selected papers, the book is based on an updated version of Johnson-Odim's poetry pamphlet \u003cem\u003eOther Women Before Me\u003c\/em\u003e, first published in 1985, the year her son Rashid turned eight years old. In 2022, Johnson presented the publication—along with titles by the likes of Amiri Baraka, Nikki Giovanni, Claudia Rankine and Sylvia Plath—in a reading area within his exhibition \u003cem\u003eSodade\u003c\/em\u003e at Hauser \u0026amp; Wirth Menorca, where the image on the cover of this publication was also on view.\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eJohnson’s drawings are sourced from a 2020 sketchbook and bookend the poems, while the central pages of the book contain a personal and far-ranging conversation between mother and son. In a delightful touch, Johnson’s cover artwork folds out, transforming into a standalone poster.\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40559571009616,"sku":"9783906915814","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_90f5c0ca-1fb9-424b-ae56-a929605f8498.jpg?v=1711784973"},{"product_id":"from-the-stony-river-to-the-sky-by-alexander-calder","title":"FROM THE STONY RIVER TO THE SKY by Alexander Calder","description":"\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan\u003eアメリカ人アーティスト、アレクサンダー・コールダー（Alexander Calder）の作品集。2018年5月から9月までイギリス、サマセットのギャラリー「ハウザー＆ワース（Hauser \u0026amp; Wirth）」で開催された展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e絵画、モビール、\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eスタビル、宝飾品、家庭用品、家具などを含む90点以上の作品に加え、6つの巨大な屋外彫刻作品を収録した本作は、イギリスの田園風景が広がるサマセットで開催された展覧会の様子を記録している。コネチカット州ロックスベリーに建つ、作者が長らく居を構えた自宅兼スタジオの風景と並行する形で、今まで非公開であった作品も多数収録している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e美術評論家でありライターのジェシカ・ホームズ（Jessica Holmes）が\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eエッセイを寄稿しており、作者が手作業で制作した家庭用品に焦点を当て、その人生と独創性に富む活動を深い洞察をもって解説する。「コールダー財団」でディレクターを務めるスーザン・ブラウアー・ダム（Susan Braeuer Dam）は、1933年に作者がロックスベリーへと移住したこととそれに伴う作品の変遷に注目し、自然、制作プロセス、不朽である存在といったテーマを描き、殊に今回より研究を掘り下げた1934年の彫刻作品と関連付ける。\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e \u003cb data-stringify-type=\"bold\"\u003eEXHIBITION\u003c\/b\u003e:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ci data-stringify-type=\"italic\"\u003eカルダー：そよぐ、感じる、日本\u003c\/i\u003e\u003cbr\u003e会期：2024年5月30日（木）- 9月6日（金）\u003cbr\u003e休館日：6月4日（火）、7月2日（火）、8月6日（火）\u003cbr\u003e時間： 10:00 - 18:00（金\/土\/祝前日  10:00 - 19:00）\u003cbr\u003e開催場所：麻布台ヒルズ ギャラリー\u003cbr\u003e\u003ca rel=\"noopener noreferrer\" href=\"https:\/\/www.azabudai-hills.com\/azabudaihillsgallery\/sp\/calder-ex\/\" data-sk=\"tooltip_parent\" data-stringify-link=\"https:\/\/www.azabudai-hills.com\/azabudaihillsgallery\/sp\/calder-ex\/\" class=\"c-link c-link--focus-visible\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003eA walkthrough of an ambitious Calder exhibition in the British countryside, including many previously unseen works\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eFeaturing over 90 works by Alexander Calder (1898–1976) including paintings, mobiles, stabiles, jewelry, domestic objects and furniture, plus six monumental outdoor sculptures, this catalog vividly illustrates a walkthrough of an ambitious exhibition in the British countryside in Somerset. Drawing a parallel with Calder’s longtime home and studio in Roxbury, Connecticut, it includes many previously unseen works.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAn essay by Jessica Holmes focuses on the artist’s handcrafted domestic objects, offering insight into Calder’s life and inventive practice. Susan Braeuer Dam focuses on Calder’s move to Roxbury in 1933 and the shifts in his work, drawing upon themes of nature, process and monumentality, specifically as related to the 1934 sculptures surveyed here.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40627966640208,"sku":"9783906915258","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_1b1223a7-bcad-4335-b74a-10e06f648753.jpg?v=1714285075"},{"product_id":"alexander-calder-david-smith-by-alexander-calder-david-smith","title":"ALEXANDER CALDER \/ DAVID SMITH by Alexander Calder, David Smith","description":"\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan\u003eアメリカ人アーティスト、アレクサンダー・コールダー（Alexander Calder）とアメリカ人彫刻家、デイビッド・スミス（David Smith）の作品集。2017年6月から9月にかけて、チューリッヒのギャラリー「ハウザー＆ワース（Hauser \u0026amp; Wirth）」で開催された展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e20世紀を代表する重要な彫刻家である二者は、そのキャリアの中で金属による彫刻作品を、実践通じて新たな高みへと押し上げた。アメリカ美術史の歴史的瞬間における中枢的な彫刻作品を集めたこのモノグラフは、イタリア人フォトグラファー、ウーゴ・ムラス（Ugo Mulas）の写真もあわせて掲載している。ムラスは、イタリアのスポレートで1962年に両彫刻家に出会い、生涯を通じて二人を記録した。\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cb data-stringify-type=\"bold\"\u003eEXHIBITION\u003c\/b\u003e\u003cspan\u003e:\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003ci data-stringify-type=\"italic\"\u003eカルダー：そよぐ、感じる、日本\u003c\/i\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e会期：2024年5月30日（木）- 9月6日（金）\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e休館日：6月4日（火）、7月2日（火）、8月6日（火）\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e時間： 10:00 - 18:00（金\/土\/祝前日  10:00 - 19:00）\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e開催場所：麻布台ヒルズ ギャラリー\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003ca class=\"c-link c-link--focus-visible\" data-stringify-link=\"https:\/\/www.azabudai-hills.com\/azabudaihillsgallery\/sp\/calder-ex\/\" data-sk=\"tooltip_parent\" href=\"https:\/\/www.azabudai-hills.com\/azabudaihillsgallery\/sp\/calder-ex\/\" rel=\"noopener noreferrer\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eTwo of the most important American sculptors of the 20th century, Alexander Calder (1898–1976) and David Smith (1906–65) pushed sculptural practice in metal to new heights over the course of their careers. Bringing together pivotal sculpture of a historic moment in American art history, this monograph also features photographs from Italian Ugo Mulas, who met both sculptors in Spoleto in 1962 and documented them throughout his life. This publication is released on the occasion of an exhibition at Hauser \u0026amp; Wirth Zürich from June 10 to September 17, 2017.\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40627966902352,"sku":"9783906915036","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_829ad111-4e68-45ce-8706-25595ba30f6f.jpg?v=1717862180"},{"product_id":"calder-nonspace-by-alexander-calder","title":"CALDER: NONSPACE by Alexander Calder","description":"\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eアメリカ人アーティスト、アレクサンダー・コールダー（Alexander Calder）の作品集。2018年10月から2019年1月にかけて、ロサンゼルスのギャラリー「ハウザー＆ワース（Hauser \u0026amp; Wirth）」で開催された展覧会に伴い刊行された。本書のタイトルは、アメリカ人小説家ジェームズ・ジョーンズ（James Jones）が1963年に著した\u003ca rel=\"noopener\" href=\"https:\/\/calder.org\/bibliography\/esquire-1964\/\" target=\"_blank\"\u003eエッセイ\u003c\/a\u003eの内容から由来しており、フランス、サッシェにある作者のスタジオで一連の大規模彫刻作品に出会ったのちに書いたものだという。本書にも再録されたこのエッセイの中で、ジョーンズは作者が持つ建築や自然環境への深い洞察を鋭く描いており、その記述は、作者の彫刻作品を取り巻く世界に対する鑑賞者の理解を改めて整理させる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書はロサンゼルスでのインスタレーションを記録することで、作品の碑的視点をそのアングルから掘り下げることができる。ニューヨークを拠点とする日本人建築デザイナーであり、長年「コールダー財団 （Calder Foundation）」とも協力を行ってきた後藤ステファニー（Stephanie Goto）が展覧会の環境デザインを手掛けており、その中で織りなされる30点以上のスタビル、モビール、スタンディング・モビール、そして壮大なスケールの屋外彫刻5点で本書は構成されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eあわせて後藤は、\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e環境デザインによって、クラシックなギャラリーを統一された鑑賞体験に変えることを記したエッセイを寄稿。ヴィジュアルアート評論家でありキュレーターのアンドリュー・ベラルディーニ（Andrew Berardini）によるエッセイでは、作者の作品において、空間が芸術によって変貌する瞬間を考察する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cb data-stringify-type=\"bold\"\u003eEXHIBITION\u003c\/b\u003e:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ci data-stringify-type=\"italic\"\u003eカルダー：そよぐ、感じる、日本\u003c\/i\u003e\u003cbr\u003e会期：2024年5月30日（木）- 9月6日（金）\u003cbr\u003e休館日：6月4日（火）、7月2日（火）、8月6日（火）\u003cbr\u003e時間： 10:00 - 18:00（金\/土\/祝前日  10:00 - 19:00）\u003cbr\u003e開催場所：麻布台ヒルズ ギャラリー\u003cbr\u003e\u003ca class=\"c-link c-link--focus-visible\" data-stringify-link=\"https:\/\/www.azabudai-hills.com\/azabudaihillsgallery\/sp\/calder-ex\/\" data-sk=\"tooltip_parent\" href=\"https:\/\/www.azabudai-hills.com\/azabudaihillsgallery\/sp\/calder-ex\/\" rel=\"noopener noreferrer\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eCalder: Nonspace\u003c\/em\u003e takes its title from a 1963 essay by American novelist James Jones, written after his encounter with a series of large-scale sculptures at Alexander Calder’s studio in Saché, France. In his essay, reprinted in this book, Jones astutely describes Calder’s deep understanding of architectural and natural environments, which enabled him to reorder a viewer’s perception of the world surrounding his sculptures.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis catalog explores this angle on Calder’s monumental vision by documenting an installation at Hauser \u0026amp; Wirth Los Angeles. It consists of more than 30 stabiles, mobiles and standing mobiles woven through a specially designed environment created by New York architectural designer Stephanie Goto (whose projects include the New York restaurant Piora and the apartment of chef Daniel Boulud), along with five large-scale works set outdoors.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eGoto also contributes an essay that explores the transformation of a classical gallery into a unified experience, and an essay by Andrew Berardini looks at the moments in Calder’s work where space is transformed by art.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40627967557712,"sku":"9783906915364","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_89da9ba9-de80-445e-a5cd-fa261cc67c8b.jpg?v=1718040520"},{"product_id":"engadin-by-gerhard-richter","title":"ENGADIN by Gerhard Richter","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eドイツ人画家、ゲルハルト・リヒター（Gerhard Richter）の作品集。スイス南東部・グラウビュンデン州エンガディン地方の美しく崇高なアルプスの景観に敬意を評したシリーズ「\u003cem\u003eENGADIN\u003c\/em\u003e」をの源流を探る一冊。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e2023年から2024年にかけて、スイスのエンガディンに建つ3つの会場、「ニーチェハウス（Nietzsche-Haus）」、「セガンティーニ美術館（Segantini Museum）」、「ハウザー＆ワース・サンモリッツ（Hauser \u0026amp; Wirth St. Moritz.）」で開催された展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e1980年代後半に初めてこの地を訪れた作者は、青々と眩いばかりに輝く湖や雄大な山頂の荘厳な景色に魅了された。その後数十年にわたってこの地に幾度となく戻り、エンガディンを\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e作者独自のビジョンに変換してきた。本書は、エンガディンを訪れて制作した抽象画、写真の上に描いたオーバー・ペインテッド・フォトグラフィー、ドローイング、オブジェを80点のカラー図版で収録する。展覧会のキュレーターであるディーター・シュヴァルツ（Dieter Schwarz）によるエッセイも掲載しており、それによってアルプスの風景に向けた作者の哲学的、美学的な愛着がより深まる内容となっている。ドイツ語 \/ 英語併記。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA compilation of Richter’s tributes to the eastern Swiss Alps’ sublime vistas.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eConceived to accompany the eponymous exhibition, \u003cem\u003eEngadin\u003c\/em\u003e explores the wellspring of inspiration that German artist Gerhard Richter has found within the Engadin region of the Swiss Alps. On his first visit to the region in the late ’80s, Richter was seduced by the sublime views of dazzling blue lakes and majestic mountain peaks. Throughout the subsequent decades, the artist has continuously returned to the destination, translating the region into his own distinct vision.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eFeaturing 80 color illustrations, this catalog compiles the abstract paintings, overpainted photographs, drawings and objects Richter has created while visiting Engadin. The volume includes never-before-seen archival images, as well as an illuminating essay by the exhibition curator, Dieter Schwarz, who further fleshes out the artist’s philosophical and aesthetic attachments to the Alpine landscapes.\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40825808912464,"sku":"9783906915906","price":5500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_6ab3b1e2-750e-451d-a84f-e54c9b86e882.jpg?v=1720006017"},{"product_id":"yard-by-allan-kaprow","title":"YARD by Allan Kaprow","description":"\u003cp\u003eアメリカ人コンセプチュアルアーティスト、アラン・カプロー（Allan Kaprow）の作品集。2009年9月から10月にかけてアメリカの「Hauser \u0026amp; Wirth」で開催された展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は作者の代表作である「\u003cem\u003eEnvironment Yard\u003c\/em\u003e」を紹介する一冊であり、黒いゴムの自動車用タイヤを来場者が鑑賞できる形で展示した企画であった。本作は、1961年5月から7月にかけて「マーサ・ジャクソン\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e・ギャラリー（Martha Jackson Gallery）」で開催された展覧会「\u003cem\u003eEnvironments, Situations, Spaces\u003c\/em\u003e」を、同ギャラリーがあった場所と同じロケーションで、カプローの死後、アメリカ人ヴィジュアルアーティストのウィリアム・ポープ・L（William Pope.L）が再解釈し、\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e「Hauser \u0026amp; Wirth」での展示として展開したものである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eHauser \u0026amp; Wirth opened its first US gallery with a presentation of Allan Kaprow’s (1927–2006) seminal Environment Yard: a mountain of black rubber auto tires and tarpaper-wrapped forms through which visitors jumped and crawled, first made by the artist in 1961 and reinterpreted in other locations. This volume documents a reinvention of Yard by William Pope.L at the site of the work’s original creation.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eExhibition catalogue published in conjunction with show held September 23 – October 31, 2009. Catalogue features selected facsimile from the Allan Kaprow workfile published on the occasion of ‘Allan Kaprow Yard'' at Hauser \u0026amp; Wirth, a recreation of an installation originally presented at Martha Jackson Gallery''s exhibition \"Environments, Situations, Spaces,\" May 25 - Juen 23, 1961.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40841111109712,"sku":"9783033021129","price":5940.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_2b72eee1-f764-4b3b-b31d-40d6eaebdfac.jpg?v=1723163256"},{"product_id":"lygia-pape-by-lygia-pape-2018","title":"LYGIA PAPE by Lygia Pape (2018)","description":"\u003cp\u003eブラジル人ヴィジュアル・アーティストであるリジア・パペ（Lygia Pape）の作品集。2018年秋にニューヨークのギャラリー「ハウザー＆ワース（Hauser \u0026amp; Wirth）」で開催された個展に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eブラジルで最も著名な現代美術家である作者は、1950年代後半における「ネオ・コンクリート・アート・ムーブメント（Neo-Concrete movement）」を立ち上げた人物の一人であり、観る者の知覚的な体験を最も重要視し作品を制作してきた。本書は、彫刻から版画、絵画、インスタレーション、映像作品に至るまで、作者の数々の作品群を豊富に収録し、とりわけ「\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/tecelares-by-lygia-pape\"\u003e\u003cem\u003eTecelares\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e」（1952-59年）、「\u003cem\u003eTtéias\u003c\/em\u003e」（2003年）、「\u003cem\u003eAmazoninos\u003c\/em\u003e」（1989-2003年）等のシリーズに焦点を当てている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書の装丁はアートディレクターでありデザイナーのダミアン・サージアン（Damien Saatdjian）が手がける。作者の娘であるポーラ・パぺ（Paula Pape）、キュレーターのパウロ・ヘルケンホフ（Paolo Herkenhoff）、詩人のフェレイラ・グラール（Ferreira Gullar）らとの対談、加えて美術史家であるアレキサンダー・アルベロ（Alexander Alberro）による書き下ろしテキストを収録。今回掲載されている作品を中心に、多感覚的な芸術を深く探究している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA founding member of Brazil’s Neoconcrete movement, Lygia Pape (1927–2004) pioneered a unique approach to abstraction and valued art that favored the primacy of viewers’ sensorial experiences. This catalog, published on the occasion of Lygia Pape’s solo exhibition at Hauser \u0026amp; Wirth New York in fall 2018, brings together a variety of works from the artist’s rich oeuvre, from sculptures, prints and paintings to installations and films. It focuses particularly on the series \u003cem\u003eTecelares\u003c\/em\u003e (1952–59), \u003cem\u003eTtéias\u003c\/em\u003e (2003) and \u003cem\u003eAmazoninos\u003c\/em\u003e (1989–2003). Designed by Damien Saatdjian, the publication includes a 2009 conversation between Pape’s daughter Paula Pape, curator Paulo Herkenhoff and poet Ferreira Gullar, as well as a newly commissioned text by art historian Alexander Alberro that explores multisensorial art with a focus on the works surveyed here.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40841111306320,"sku":"9783906915142","price":9900.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_c3925695-e5b9-485a-9e1e-881d4ba69f84.jpg?v=1723163311"},{"product_id":"lygia-pape-by-lygia-pape-2017","title":"LYGIA PAPE by Lygia Pape (2017)","description":"\u003cp\u003eブラジル人ヴィジュアル・アーティスト、リジア・パペ（Lygia Pape）の作品集。ブラジルで最も著名な現代美術家である作者は、1950年代後半における「ネオ・コンクリート・アート・ムーブメント（Neo-Concrete movement）」を立ち上げた人物の一人であり、観る者の知覚的な体験を最も重要視し、作品を制作してきた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eその幾何学的な抽象表現は、彫刻、ドローイング、映像、インスタレーションを通じることで、\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e領域を豊かに築き出している。本書は1955年から2001年にかけて制作された作品を収録。1950年代から1960年代に制作された「\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/tecelares-by-lygia-pape\"\u003e\u003cem\u003eTecelares\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e」と題した幾何学模様の木版画作品やドローイングが刻む精密な線は、純粋な幾何学と有機的パターンを融合させている。1970年代後半からそのキャリアを通じて制作されたインスタレーション「\u003cem\u003eTtéia\u003c\/em\u003e」は、幾何学、空間、物質性の探求を形にし、多くの人を心を惹きつけた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者に傾倒する美術史家のブリオニー・フェール（Briony Fer）、キュレーターで美術評論のダニエル・ビルンバウム（Daniel Birnbaum）によるテキストに加え、作品の展示風景と細部を見せる図版が掲載されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA founding member of Brazil's Neo-Concrete movement, Lygia Pape (1927–2004) made art that favored the primacy of the viewer's sensorial experience. Pape's geometric abstractions explore rich territory through sculpture, drawing, engraving, filmmaking and installation. This publication brings together works spanning 1955 to 2001. The precise incised lines of Pape's \u003cem\u003eTecelares\u003c\/em\u003e woodcut prints and drawings of the 1950s and '60s marry pure geometry with organic patterns. Her subsequent Ttéia installations (begun in the late 1970s and continued throughout her career) present captivating explorations of geometry, space and materiality. Installation views and detail shots of these works complement texts by Briony Fer and Daniel Birnbaum, two ardent followers of Pape's work. \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40841111404624,"sku":"9783952446133","price":9900.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_8705b2a4-de23-4716-afe5-51998043bc05.jpg?v=1723163295"},{"product_id":"silence-by-vilhelm-hammershoi","title":"SILENCE by Vilhelm Hammershøi","description":"\u003cp\u003eデンマーク人アーティスト、ヴィルヘルム・ハマスホイ（Vilhelm Hammershøi）の作品集。ギャラリー「Hauser \u0026amp; Wirth」がスイス・バーゼルにオープンした新たなスペースの柿落として2024年6月から7月にかけて開催された展覧会に伴い刊行された。作者にとって、スイスでの個展は初めての開催となる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e19世紀デンマークの巨匠とも称される作者の絵画は、大画家（Old Master）たちの芸術と現代美術との架け橋になるような存在である。その極めてモダニズム的である感性は、過去20年の間、ロンドンから東京まで、多くの国々で国際的な回顧展などの展覧会が開催されており、世界中の人々の想像力を掻き立て続けている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本展では、極めて個性が強く出ている作者の芸術言語を深く理解できる構成となっている。展覧された18点はすべて個人蔵のものであり、これまでほとんど展示されてこなかったものも含まれる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e世に非常によく知られている室内画をはじめ、農場の風景、街並み、また貴重な自画像作品が一堂に会し、その活動の幅の広さと奥深さを見ることができる。静謐でありながら革新的な独創性も持つ作品群は、後に現れる現代美術の巨匠たちにとって力強い先駆者として作者を位置付けるものである。本展のキュレーターであり、ハマスホイ研究の第一人者である美術史家のフェリックス・クレマー（Felix Krämer）と、同じく美術史家であり「\u003cem\u003e1913: 20世紀の夏の季節\u003c\/em\u003e（英題：\u003cem\u003e1913: The Year Before the Storm\u003c\/em\u003e）」、「\u003cem\u003eLove in a Time of Hate: Art and Passion in the Shadow of War, 1929-39\u003c\/em\u003e」「\u003cem\u003eThe Magic of Silence\u003c\/em\u003e」などのベストセラー作家として知られるフローリアン・イリエス（Florian Illies）によるエッセイを収録しており、この画家を知る上で欠かせない資料となっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eDefying categorization, the timeless paintings of nineteenth-century Danish master Vilhelm Hammershøi visually bridge the art of the Old Masters with that of the modern era. His remarkably modernist sensibility continues to capture the imaginations of contemporary audiences around the globe, with major international retrospectives and exhibitions on view over the last twenty years from London to Tokyo. Accompanying the inaugural exhibition of Hauser \u0026amp; Wirth’s new Basel gallery––the first ever solo show of Hammershøi’s work in Switzerland––'Silence' offers an in-depth understanding of Hammershøi’s highly individual artistic language, encapsulated in eighteen works, all from private collections and some rarely exhibited before. Bringing together the interior paintings for which Hammershøi is best known with farmstead paintings, cityscapes, and a rare self-portrait, 'Silence' demonstrates the breadth and depth of the artist’s practice. The works’ quiet yet radical originality positions the artist as a powerful precursor to the modern masters who were to come. With illuminating essays by Felix Krämer, the exhibition’s curator and a leading expert on Hammershøi, and Florian Illies, art historian and bestselling author of 'Love in a Time of Hate' and '1913: The Year Before the Storm', 'Silence' is an essential resource on the celebrated painter.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40902638305360,"sku":"9783906915968","price":6050.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_7ef04ca3-a81d-4b91-a323-e2e53ee015ab.jpg?v=1725460612"},{"product_id":"eva-hesse-exhibitions-1972-2022-by-eva-hesse","title":"EVA HESSE: EXHIBITIONS, 1972–2022 by Eva Hesse","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eアメリカ人彫刻家、エヴァ・ヘッセ（Eva Hesse）の作品集。作者はラテックスやグラスファイバーなどの素材を用い、肉感的かつ有機的なフォルムを想起させる作品でよく知られる、ポストミニマリズムの先駆者的存在である。本書は、1970年に作者がこの世を去ったのち、1972年から現在に至るまで開催されてきている展覧会の歴史的記録を読者に提供する。展覧会の企画に携わったキュレーター陣による寄稿文では、展覧会の意図やレセプションのあり方など、展示を作り上げる上での個人的な視点が明らかにされている。加えて、関連するエフェメラを収録してより豊富に展覧会の様子を掲載することで、キュレーター陣のエッセイに歴史的な質感をもたらしている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eFifteen museum curators chronicle Hesse's landmark exhibitions over the years.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eGerman-born American artist Eva Hesse (1936–70) was a pioneering figure in Postminimalism, known for her use of materials such as latex and fiberglass to evoke fleshy, organic forms. This volume provides a historical account of Hesse’s landmark institutional exhibitions following her death, from 1972 to the present. Contributions from the museum curators involved in organizing these shows reflect the personal dimension of crafting an exhibition, such as intent and reception. Extensive installation views are included throughout, along with exhibition-related ephemera, lending historical texture to the curators’ essays.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eCurators and corresponding exhibitions include: Linda Shearer (Guggenheim Museum, New York, 1972); Nicholas Serota (Whitechapel Gallery, London, 1979); Ellen Johnson (Allen Memorial Art Museum, Oberlin College, Ohio, 1982); Helen Cooper (Yale University Art Gallery, New Haven, 1992); Elisabeth Sussman (San Francisco Museum of Modern Art, 2002); Renate Petzinger (Museum Wiesbaden, Germany, 2002); Sabine Folie (Kunsthalle Wien, Vienna, 2004); Fred Wasserman (Jewish Museum, New York, 2006); Catherine de Zegher (Drawing Center, New York, 2006); Briony Fer (Fruitmarket Gallery, Edinburgh, 2009); Luanne McKinnon (University of New Mexico Art Museum, Albuquerque, 2011); Brigitte Kölle and Petra Roettig (Hamburger Kunsthalle, Hamburg, Germany, 2013–14); Andrea Gyorody (Allen Memorial Art Museum, Oberlin College, Ohio, 2019\/22); Lena Stringari (Guggenheim Museum, New York, 2022).\u003cspan class=\"s1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40908363268176,"sku":"9783906915869","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_489bd261-da74-4a72-a98f-d6311df213df.jpg?v=1725460489"},{"product_id":"distinguishing-piss-from-rain-by-glenn-ligon","title":"DISTINGUISHING PISS FROM RAIN by Glenn Ligon","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、グレン・ライゴン（Glenn Ligon）の作品集。現在活躍するアーティストの中でも最も偉大な人物の一人として評価を得ている作者が、20年近くにわたり手がけてきた作品群とともに、人種や芸術、ポップカルチャーに関する作者自身の考察を読み取ることができる。1980年代にその才能の頭角を現して以来、作者はアメリカにおける人種、歴史、性のあり方、文化を鋭い視点で追い、ネオンやインスタレーション、絵画作品で表現してきた。本書は、作者による著作とインタビューを収めた待望ともいえる一冊である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e元々文章に対しては慣れ親しんでおり、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/james-baldwin\" data-mce-href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/james-baldwin\"\u003eジェイムズ・ボールドウィン（James Baldwin）\u003c\/a\u003e、ゾラ・ニール・ハーストン（Zora Neale Hurston）、リチャード・プライヤー（Richard Pryor）、ガートルード・スタイン（Gertrude Stein）などの著作を日常的に活用しながら作者は、芸術界や文化界の大部分において歴史的に白人が在り続ける背景の中で、黒人を中心に据えた作品を構築している。2000年代初頭から執筆活動に着手し、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/julie-mehretu\" data-mce-href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/julie-mehretu\"\u003eジュリー・メレツ（Julie Mehretu）\u003c\/a\u003e、クリス・オフィリ（Chris Ofili）、ローナ・シンプソン（Lorna Simpson）らアーティスト仲間たちと深く繋がりながら、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/philip-guston\" data-mce-href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/philip-guston\"\u003eフィリップ・ガストン（Philip Guston）\u003c\/a\u003e、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/david-hammons\" data-mce-href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/david-hammons\"\u003eデイヴィッド・ハモンズ（David Hammons）\u003c\/a\u003e、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/andy-warhol\" data-mce-href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/andy-warhol\"\u003eアンディ・ウォーホル（Andy Warhol）\u003c\/a\u003eのような先人たちの作品とも大いに関わってきた。唯一無二の声や魔法使いのような語り口をもって、美術史や、より広範な文化的シフトに対する鋭敏な視点を織り交ぜた本書は、現代における偉大なる記録者の一人として、作者のその地位を確固たるものとしている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAn expansive volume featuring over two decades of incisive reflections on race, art and pop culture by one of the greatest artists working today\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis long-awaited and essential volume collects writings and interviews by Glenn Ligon, whose canonical paintings, neons and installations have been delivering a cutting examination of race, history, sexuality and culture in America since his emergence in the late 1980s. No stranger to text, the artist has routinely utilized writings from James Baldwin, Zora Neale Hurston, Richard Pryor, Gertrude Stein and others to construct work that centers Blackness within the historically white backdrop of the art world and culture writ large. Ligon began writing in the early 2000s, engaging deeply with the work of peers such as Julie Mehretu, Chris Ofili and Lorna Simpson, as well as with artists who came before him, among them Philip Guston, David Hammons and Andy Warhol. Interweaving a singular voice and a magical knack for storytelling with an astute view of art history and broader cultural shifts, this collection cements Ligon’s status as one of the great chroniclers of our time.\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40908363563088,"sku":"9783906915883","price":7920.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/1_ab56ee3c-7005-4ff4-8115-a5dd08a19d48.jpg?v=1729727271"},{"product_id":"memory-ware-by-mike-kelley","title":"MEMORY WARE by Mike Kelley","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eアメリカ人アーティスト、マイク・ケリー（Mike Kelley）の作品集。2016年11月から12月にかけてニューヨークの「Hauser \u0026amp; Wirth」で開催された展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e40年間のキャリアの中で、作者は美的慣習に対し批判的な疑問を投げかけ、あらゆる形態の文化を検証してきた。本書では、21世紀最初の10年間に制作された約100点の「\u003cem\u003eメモリー・ウェア\u003c\/em\u003e（\u003cem\u003eMemory Ware\u003c\/em\u003e）」シリーズとその関連作品を紹介する。本シリーズは、アメリカ南部やヴィクトリア朝時代のイギリスの黒人社会で流行した民芸品から、「\u003cem\u003eメモリー・ウェア\u003c\/em\u003e」という言葉を借用している。この民芸品では、ボトルや花瓶、ランプといった一般的な日用品の表面に\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e粘土状の素材を塗り、鍵やボタン、貝殻、ビーズといった身の回りによくある小物や記念品を埋め込んでいる。作者が初めてこのジャンルの作品に出会ったのは、2000年にトロントの骨董市でこのような状態のボトルを購入したときであった。記憶や、過去の歴史を持つ素材を再利用することに以前から関心を抱いていた作者は、工芸や民芸の美学に長年関わってきたこともあり、この発見をきっかけに、「\u003cem\u003eメモリー・ウェア\u003c\/em\u003e」の美学にまったく異なる目的を与えて展開する可能性を見出した。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本シリーズは、壁掛けの平面作品（「\u003cem\u003eメモリー・ウェア・フラット\u003c\/em\u003e」と呼ばれる）と、独立した立体作品の両方で構成されている。この民俗的な伝統の流用により、下敷きとなるオブジェクトを排除し、より多様な記念品を埋め込むべく、オリジナルの手法を拡げている。それとは対照的に、「\u003cem\u003eメモリー・ウェア\u003c\/em\u003e」の彫刻作品は、ファウンド・オブジェクトが密集した塊と、最小限の、あるいは装飾のない領域とを並置することで、一つの全体的な構造も提示している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOver the course of his four-decade career, Mike Kelley (1954–2012) critically questioned aesthetic conventions and examined all forms of culture. The approximately 100 \u003cem\u003eMemory Ware\u003c\/em\u003e and associated works were made during the first decade of the 21st century; all are reproduced in this catalog. Named for a genre of North American folk art in which everyday utilitarian objects such as vases are coated with a claylike substance and then embedded with small objects including shells, beads and buttons, Kelley’s \u003cem\u003eMemory Ware\u003c\/em\u003e series consists both of wall-hung works (known as \u003cem\u003eMemory Ware\u003c\/em\u003e Flats) and freestanding pieces. The artist’s appropriation of this folk tradition eliminates recognizable underlying objects and expands the original method to include a wider variety of keepsakes. The \u003cem\u003eMemory Ware \u003c\/em\u003esculptures, by contrast, juxtapose dense clusters of found objects with minimally or undecorated areas and reintroduce an overall structure.\u003cbr\u003e\u003cspan class=\"s1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40948270596176,"sku":"9783952446140","price":14300.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_5bd438b0-929c-414c-ba65-d281e3fe579d.jpg?v=1728613028"},{"product_id":"nonmemory","title":"NONMEMORY by Mike Kelley","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eアメリカ人アーティスト、マイク・ケリー（Mike Kelley）の作品集。\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e2023年9月から2024年1月にかけてロサンゼルスの「ハウザー＆ワース（Hauser \u0026amp; Wirth）」で開催された展覧会に伴い刊行された。7人の現代美術アーティスト陣が、作者のコンセプト「\u003cem\u003eNONMEMORY\u003c\/em\u003e」に基づき、建築環境における生きた体験についてコメントするような作品を展覧する。作者と、ケリー・アカシ（Kelly Akashi）、メリエム・ベナーニ（Meriem Bennani）、ベアトリス・コルテス（ベアトリス・コルテス）、ラウル・デ・ニエベス（Raúl de Nieves）、オリビア・エルランガー（Olivia Erlanger）、ローレン・ホールジー（Lauren Halsey）、マックス・フーパー・シュナイダー（Max Hooper Schneider）といったアーティストたちによる作品を収録。作者の重要な作品群とあわせ、基礎となったエッセイ「\u003cem\u003eArchitectural Non-memory Replaced with Psychic Reality\u003c\/em\u003e」、各アーティストとの対談、展覧会のキュレーターであり本書の編集者でもあるジェイ・エズラ・ネイサン（Jay Ezra Nayssan）による書き下ろしテキストも収録されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eSeven contemporary artists build upon Mike Kelley’s titular concept, producing works that comment on lived experience within built environments.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"font-family: -apple-system, BlinkMacSystemFont, 'San Francisco', 'Segoe UI', Roboto, 'Helvetica Neue', sans-serif; font-size: 0.875rem;\" data-mce-style=\"font-family: -apple-system, BlinkMacSystemFont, 'San Francisco', 'Segoe UI', Roboto, 'Helvetica Neue', sans-serif; font-size: 0.875rem;\"\u003e\u003cem\u003eNonmemory \u003c\/em\u003ebrings together works by Mike Kelley and a group of artists—Kelly Akashi, Meriem Bennani, Beatriz Cortez, Raúl de Nieves, Olivia Erlanger, Lauren Halsey and Max Hooper Schneider—whose work similarly engages Kelley’s titular concept: the ‘non-memory’ of the various institutional spaces or built environments he encountered in his life. Documenting the eponymous exhibition at Hauser \u0026amp; Wirth Los Angeles in 2023–24, the book also features reproductions of important works by Kelley, his foundational essay, ‘Architectural Non-memory Replaced with Psychic Reality,’ conversations with each artist, and a new text by exhibition curator and editor of the publication Jay Ezra Nayssan.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40961550057552,"sku":"9783906915845","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/1_d05c633c-984c-4071-9a2b-ffbb32373e97.jpg?v=1730330025"},{"product_id":"francis-picabia-eternel-recommencement-eternal-beginning-by-francis-picabia","title":"FRANCIS PICABIA: ÉTERNEL RECOMMENCEMENT \/ ETERNAL BEGINNING by Francis Picabia","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eフランス人画家、詩人、作家であるフランシス・ピカビア（Francis Picabia）の作品集。印象派からフォーヴィスム、キュビスム、オルフィスム、ニューヨーク・ダダから具象絵画、抽象（非具象）画など、時期によりその作品のスタイルを目まぐるしく変えながら活動したことで知られている。作者の妻であるオルガ・ピカビア（Olga Picabia）が設立した「\u003ca href=\"https:\/\/www.picabia.com\/?lang=en\" target=\"_blank\"\u003eComité Picabia\u003c\/a\u003e」の代表を務めるビヴァリー・カルテ（Beverley Calté）による序文から始まり、本書は1945年から1952年までの活動を深く掘り下げている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eこれまでにない絵画を作者が生み出していた想像を超えるほど豊かな時代、この頃同時に批評家でありキュレーターのミシェル・タピエ（Michel Tapié）が提唱した美術運動「アンフォルメル（Art informel）」がパリで興隆しつつあった。美術史家でありキュレーターのアルノー・ピエール（Arnauld Pierre）とキャンディス・クレメンツ（Candace Clements）によるエッセイを収録し、作者の抽象画に埋もれてしまっていた隠れた記号やシンボル、取り入れてきた新たな絵画技法、そして作品にで用いられた「点」の出現がいかにミステリアスで幻想的なものであったか、新たな光を当てている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は、作者の生んだ作品の重要な一章を初めて集中的に探る重要な資料であると言えよう。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePrefaced by Beverley Calté, president of the Comité Picabia, this book delves into Picabia’s practice between the years 1945 to 1952—an incredibly rich period during which Picabia created paintings unlike anything he had produced before, working alongside the growing Art Informel movement in Paris. Essays by art historians Arnauld Pierre and Candace Clements shed new light on the hidden signs and symbols buried in his abstractions, the new painting techniques he employed, and the mysterious and fantastical reappearance of the “dot” in his work.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e'\u003cem\u003eÉternel recommencement \/ Eternal Beginning\u003c\/em\u003e' is an essential resource, marking the first focused exploration of a crucial chapter of Picabia’s practice.\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41156316528720,"sku":"9783906915999","price":13200.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_044c5cf7-f0aa-4040-8ed7-38af398f9983.jpg?v=1745563879"},{"product_id":"notes-from-the-woodshed-by-jack-whitten-new-edition","title":"NOTES FROM THE WOODSHED by Jack Whitten [NEW EDITION]","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人アーティスト、ジャック・ウィッテン（Jack Whitten）の作品集。本書は、2018年刊行の『\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/notes-from-the-woodshed-by-jack-whitten\"\u003e\u003cem\u003eNOTES FROM THE WOODSHED\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e』に72ページ追加する形で制作された新装版である。キュレーターであり美術史家のケイティ・シーゲル（Katy Siegel）による編集のもと、この新版はキュレーターのマティルデ・グイデッリ＝グイディ（Matilde Guidelli-Guidi）とゾエ・ウィットレイ（Zoé Whitley）、アーティストの\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/glenn-ligon\"\u003eグレン・ライゴン（Glenn Ligon）\u003c\/a\u003eによる対談形式の新たなあとがきとともに、洞察に満ちた、探求的な作者の文章を完全に書き起こし、収録している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e以下、2018年版の解説より引用\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e絵画に対する実験的なアプローチで名高い作者は、自らの制作行為と作品を研究・理解し、それらに向き合うための手段としてしばしばペンを執ってきた。作者の文章に捧げられた最初の作品集である本書は、多くの文章の表題として使った「\u003cem\u003eNOTES FROM THE WOODSHED\u003c\/em\u003e」をタイトルに冠している。キュレーターで作家のレガシー・ラッセル（Legacy Russell）は、2021年に行った文化理論家、詩人、学者のフレッド・モーテン（Fred Moten）との対談で、この「woodshed」（薪小屋）はジャズの世界から来た言葉だと説明した。「薪小屋に行く」というフレーズは「一人で練習する」という意味である。さらに、プライベート空間では様々な実験ができると同時に本当に厳密な仕事ができる、つまり特定の視線にさらされずに研鑽を積み、公に発表する前に過激な表現を吟味できるということも示唆されている。詳細な日々の記録から、練り上げられた長いエッセイ、出版された声明、公の場でのトークまで、様々なタイプの文章は、作者の50年のキャリアを振り返り、アクションペインティングとプロセスアートのリズムの橋渡しをした作品にコンセプチュアルな深みを与えている。これらの文章を一堂に会した本書は、機械的な自動化と強烈に個人的な表現の間を揺れ動き、独自のニュアンスを持つ絵画の言語を浮き彫りにしている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e「これらのメモを見ると、ウィッテンが私たちのために指数関数的・次元分裂的・根茎的な驚くべきやり方で自分の進む方向性を指し示していることがよくわかります。黒人であるということと、そのために課された制約に対する彼自身の、あるいはこの世界の定義を通じて、またそれらを超越して、美術史におけるある種の“偉大さ”に彼は向かい、こうした定義を全て打ち壊してしまうことでしょう」\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e—ジャック・ウィッテンをテーマにしたフレッド・モーテンとの対談（2021年1月）でのレガシー・ラッセルの言葉\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eWhen it was originally published in 2018, '\u003cem\u003eNotes from the Woodshed\u003c\/em\u003e' marked the first time that a book had been devoted to the writings of pioneering American artist Jack Whitten. Edited by art historian Katy Siegel, this new edition of the celebrated publication now presents a fully transcribed collection of Whitten’s insightful, searching writings, alongside a new afterword in the form of a conversation between curators Matilde Guidelli-Guidi and Zoé Whitley and artist Glenn Ligon.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eWidely renowned for his experimental approach to painting, Whitten often turned to writing as away to investigate, understand, and grapple with his practice and his milieu. Taking its title from the heading that Whitten scrawled across many of his texts—a term borrowed from the world of jazz that means “to practice in private”—\u003cem\u003eNotes from the Woodshed\u003c\/em\u003e is a fascinating, intimate insight into an artist at work.\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41156336386128,"sku":"9783907493113","price":8800.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_7d049e8c-b90a-498e-a8bd-20a1dd7638ad.jpg?v=1745565551"},{"product_id":"david-hammons-by-david-hammons-hauser-wirth","title":"DAVID HAMMONS by David Hammons (HAUSER \u0026 WIRTH)","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、デイヴィッド・ハモンズ（David Hammons）の作品集。2019年5月から8月にかけてロサンゼルスの「ハウザー\u0026amp; ワース（Hauser \u0026amp; Wirth）」で開催された展覧会を、改めて2025年に振り返り刊行された一冊。本書は作者自身のディレクションのもと制作されており、この伝説的とも形容できるアーティストがこれまでに開催してきた中でも最も大規模な個展であった。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis post-exhibition catalogue revisits David Hammons’ 2019 show at Hauser \u0026amp; Wirth Los Angeles. A singular book created entirely under the artist’s direction, this publication illustrates the most expansive exhibition of this legendary artist’s work to date.\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41160731820112,"sku":"9783907493137","price":22000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_b8af9abf-e42f-4a29-b498-757ffb5bc3f7.jpg?v=1745807613"},{"product_id":"self-portrait-as-a-coffee-pot-by-william-kentridge","title":"SELF-PORTRAIT AS A COFFEE-POT by William Kentridge","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003e南アフリカ人アーティスト、ウィリアム・ ケントリッジ （William Kentridge）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn William Kentridge’s '\u003cem\u003eSelf-Portrait as a Coffee-Pot\u003c\/em\u003e', the artist enters into a rich dialogue with himself in the studio, hashing out questions of art, work, memory, history, and time in magnitudes ranging from the intimate to the universal. Created in close collaboration with the artist, this publication translates his series of films of the same name into book form, with exquisite special features such as tipped-in drawings and transparent interleaves bringing the vivid materiality of the artist’s studio into the hands of the reader.\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41234352210000,"sku":"9783907493120","price":22000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_e55db091-86b5-4938-938d-ad1fec391a58.jpg?v=1752650815"},{"product_id":"the-insomnia-drawings-by-louise-bourgeois","title":"THE INSOMNIA DRAWINGS by Louise Bourgeois","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eフランス系アメリカ人アーティスト、ルイーズ・ブルジョワ（Louise Bourgeois）作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e不眠症は作者の一生涯にわたり付きまとった。1994年11月から1995年6月にかけて、彼女は眠れない時間に浮かび上がった思考や記憶、イメージを紙に書き留めた。こうして生まれた220点のドローイングは、作者にインスピレーションを与えた衝動、源泉、モチーフの真髄を体現している。2001年に「Scalo and The Daros Collection」より刊行された本書は、「イーストン財団（The Easton Foundation）」と出版社「Hauser \u0026amp; Wirth」の協力により新たに刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e第1巻では、各ドローイングの両面が95%の縮尺で忠実に再現されている。作者はドローイングの表面では視覚的イメージを構成し、裏面には詩的な文章、格言、日常の喧騒に関連する様々なメモを記した。第2巻には元「ルーヴル美術館」現代美術部門チーフキュレーターのマリ＝ロール・ベルナダック（Marie-Laure Bernadac）と評論家のエリザベス・ブロンフェン（Elisabeth Bronfen）によるエッセイに加え、年表と作品リストを収録し、作者がフランス語と英語の両方で記した文章の全文も掲載。美しくも不安を誘い、ユーモアと情熱に満ちた本書は、非凡な芸術家の生涯と作品を映す鏡である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e限定版（クロス装、ハードスリップケース、ナンバリングカード付属、1,500部限定発行）は\u003ca rel=\"noopener\" href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/the-insomnia-drawings-by-louise-bourgeois-limited-edition\" target=\"_blank\"\u003eこちら\u003c\/a\u003e。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eInsomnia was a lifelong companion of Louise Bourgeois’s nights. Between November 1994 and June 1995, she committed to paper the thoughts, memories, and images that surfaced during these sleepless hours. The resultant 220 drawings represent the quintessence of the impulses, sources, and motifs that inspired Bourgeois’s work. Originally published in 2001 by Daros and Scalo, the two-volume set of \u003cem\u003eThe Insomnia Drawings\u003c\/em\u003e is newly available courtesy of The Easton Foundation and Hauser \u0026amp; Wirth Publishers.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn Volume I, both sides of each drawing are faithfully reproduced at a 95% scale; Bourgeois composed mostly visual imagery on the drawings’ fronts, and inscribed the backs with poetic writings, aphorisms, and various notes related to the hustle and bustle of everyday life. Volume II features essays by Marie-Laure Bernadac and Elisabeth Bronfen, alongside a chronology and checklist of works, including full transcriptions of Bourgeois’s writings, which were written in French and English. At once beautiful and disquieting, humorous and passionate, '\u003cem\u003eThe Insomnia Drawings\u003c\/em\u003e' are a unique mirror of an extraordinary artist’s life and work.\u003c\/p\u003e","brand":"DAROS COLLECTION, PETER BLUM EDITION, SCALO, THE EASTON FOUNDATION, HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41261251067984,"sku":"9783908247395","price":24200.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_5d642c8c-8f2d-4bb5-ae5e-04958a6b0582.jpg?v=1762488306"}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/collections\/hauser_and_wirth.png?v=1602843314","url":"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/hauser-wirth.oembed?page=4","provider":"twelvebooks","version":"1.0","type":"link"}