{"title":"FILM","description":"","products":[{"product_id":"familia-aeminium-by-pedro-costa-rui-chafes-signed","title":"FAMILIA AEMINIUM by Pedro Costa \u0026 Rui Chafes [SIGNED]","description":"\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eポルトガル人映画監督 ペドロ・コスタ（Pedro Costa）と彫刻家 ルイ・シャフェス（Rui Chafes）による作品集。本書はコインブラの都市にあるローマ時代の地下回廊で開催された両作家による展覧会「Família」のミステリアスな様子を捉えたものを収録。時空を漂うかのような空虚で静寂な地下回廊はその昔、活気あふれる会議場であった。その遠い過去の回廊に住み着くルイ・シャフェスの彫刻作品は失われた視線、囁きと所作を思い起こさせる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e総合開館30周年記念 ペドロ・コスタ インナーヴィジョンズ\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e会期：2025年8月28日（木） - 12月7日（日）\u003cbr\u003e時間：10:00-18:00（木・金 -20:00）\u003cbr\u003e休館日：毎週月曜日（月曜日が祝休日の場合は開館、翌平日休館）\u003cbr\u003e開催場所：東京都写真美術館 B1F 展示室\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eTALK:\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eARTIST TALK\u003cbr\u003e日程：2025年8月28日（木）\u003cbr\u003e時間：18:30-20:30\u003cbr\u003e登壇者：ペドロ・コスタ\u003cbr\u003e開催場所：東京都写真美術館 1階ホール\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eCONVERSATION WITH GUEST\u003cbr\u003e日程①：2025年8月29日（金）\u003cbr\u003e時間：18:30-20:30\u003cbr\u003e登壇者：ペドロ・コスタ、長島有里枝（写真家）\u003cbr\u003e日程②：2025年8月30日（土）\u003cbr\u003e時間：15:30-17:30\u003cbr\u003e登壇者：ペドロ・コスタ、諏訪敦彦（映画監督、東京藝術大学教授）\u003cbr\u003e会場：東京都写真美術館 1階ホール\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca rel=\"noopener\" href=\"https:\/\/topmuseum.jp\/contents\/exhibition\/index-5093.html\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本イベントは終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eFamília Aeminium\u003c\/em\u003e is a book by filmmaker Pedro Costa and sculptor Rui Chafes. A mysterious sequence of photographs done during the exhibition Família conceived by the artists for the Roman Cryptoporticus in the city of Coimbra. The Cryptoporticus, suspended in time, vacant and silent, was once a lively and vibrant forum. The sculptures and the images living in these distant chambers, recall the lost gazes, the memory of whispers and movements.\u003c\/p\u003e","brand":"PIERRE VON KLEIST EDITIONS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":29264167494,"sku":"","price":5500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160628_5802.jpg?v=1571703833"},{"product_id":"belongs-to-joe-by-casper-sejersen","title":"BELONGS TO JOE by Casper Sejersen","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eデンマークを拠点とするフォトグラファー、キャスパー・セイェルセン（Casper Sejersen）による、ラース・フォン・トリアー監督の映画『ニンフォマニアック』の台本への解説として編集されたフォトエッセイブック。プルーストの『失われた時を求めて』やフィボナッチ数、アイザック・ウォルトンの『釣魚大全』、バッハの作曲原理など様々な要素が映画の台本に用いられている。キリスト教会の歴史や、サディズム、ファシズム、植物学など様々な題材が重なり合って複雑になった物語を、作者の写真と美術歴史学者、Cecilie Høgsbroの文章で紐解いていく。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003eBelongs to Joe\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e is a photographic essay, compiled as set of notes on Lars von Trier’s film script for \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eNymphomaniac\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e. The script’s elemental material draws from varied sources: Proust’s \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eIn Search of Lost Time\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, Fibonacci numbers, Izaak Walton's \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eThe Compleat Angler\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, and Bach’s principles of composition – material woven in a continuous chain of associations embracing ecclesiastical history, sadism, fascism, pyrotechnics and botany.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30449194572,"sku":"","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150602_0950.jpg?v=1571703835"},{"product_id":"casa-de-lava-by-pedro-costa","title":"CASA DE LAVA by Pedro Costa","description":"\u003cp\u003eポルトガル人映画監督、ペドロ・コスタ（Pedro Costa）が\u003cspan\u003e1994\u003c\/span\u003e年に制作した映画「\u003cspan\u003eCasa de Lava\u003c\/span\u003e（溶岩の家）」の制作準備の過程の中で思いついたイメージやアイデアを纏めたスクラップ・ブックから着想された作品集。写真や新聞記事、映画のスチールなど、彼が見たもの読んだものを通して、彼の思考の記録に迫る作品となっています。\u003cspan\u003e2010\u003c\/span\u003e年にシネマトリックスより発行された日本語版の英語版として版元を変えての発行。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e総合開館30周年記念 ペドロ・コスタ インナーヴィジョンズ\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e会期：2025年8月28日（木） - 12月7日（日）\u003cbr\u003e時間：10:00-18:00（木・金 -20:00）\u003cbr\u003e休館日：毎週月曜日（月曜日が祝休日の場合は開館、翌平日休館）\u003cbr\u003e開催場所：東京都写真美術館 B1F 展示室\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cstrong\u003eBOOK SIGNING:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e日程：2025年8月31日（日）\u003cbr\u003e時間：11:00-\u003cbr\u003eゲスト：ペドロ・コスタ\u003cbr\u003e開催場所：東京都写真美術館 2階ミュージアム・ショップ ナディッフ バイテン\u003cbr\u003e※対象書籍ご購入者先着50名限定\u003cbr\u003e※本イベントは終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eTALK:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003eARTIST TALK\u003cbr\u003e日程：2025年8月28日（木）\u003cbr\u003e時間：18:30-20:30\u003cbr\u003e登壇者：ペドロ・コスタ\u003cbr\u003e開催場所：東京都写真美術館 1階ホール\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eCONVERSATION WITH GUEST\u003cbr\u003e日程①：2025年8月29日（金）\u003cbr\u003e時間：18:30-20:30\u003cbr\u003e登壇者：ペドロ・コスタ、長島有里枝（写真家）\u003cbr\u003e日程②：2025年8月30日（土）\u003cbr\u003e時間：15:30-17:30\u003cbr\u003e登壇者：ペドロ・コスタ、諏訪敦彦（映画監督、東京藝術大学教授）\u003cbr\u003e会場：東京都写真美術館 1階ホール\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/topmuseum.jp\/contents\/exhibition\/index-5093.html\" rel=\"noopener\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本イベントは終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eDuring the course of the production preparation for his film \u003cem\u003eCasa de Lava\u003c\/em\u003e (1994), portuguese filmmaker Pedro Costa compiled what he saw, what he read, his many ideas and images into a scrapbook instead of a screenplay. \u003cspan\u003ePaintings, movie stills, letters, newspaper articles, scribbles, quotes from novels, postcards, lines of dialogue, snapshots, that guided him throughout the shooting of the film and that he continued - and finished - after returning to Lisboa. \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eThis green covered notebook became an autonomous object, a visual record of Costa's way of thinking. \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eIncludes a booklet with an exclusive interview with Nuno Crespo and a text by Philippe Azoury (both in portuguese, english and french).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"PIERRE VON KLEIST EDITIONS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31774420364,"sku":"978-9-8997763-3-3","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/140414_69037_d9f105fc-0d12-432e-975b-aa9f874d66bb.jpg?v=1571703891"},{"product_id":"tokyo-diaries-by-andre-principe-marco-martins-signed","title":"TOKYO DIARIES by André Príncipe \u0026 Marco Martins [SIGNED]","description":"\u003cp\u003eポルトガル人アーティスト、アンドレ・プリンシペ（André Príncipe）とマルコ・マルティンズ（Marco Martins）による作品集。荒木経惟、森山大道、中平卓馬、ヒロミックス、吉行耕平、梶井松陰といった日本人写真家の日常を\u003cspan\u003e16\u003c\/span\u003eミリフィルムで追った短編映画『\u003cem\u003eTraces of a Diary\u003c\/em\u003e』の撮影と並行して撮られた写真を元に構成され、映画の編集段階でカットされた為に日の目を見ることは無かったイメージを数多く収録。普段見ることの出来ない写真家達の姿に加え、川田喜久治「地図」のデザイン等でも知られるグラフィック・デザイナー杉浦康平も登場している。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eIn 2009 André Príncipe and Marco Martins travelled to Tokyo to shoot a film about elliptical narratives and the importance of the diaristic practise in Japanese photography. \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eDuring a month and in a totally improvised way, the Portuguese filmmakers shot hours of 16mm footage and thousands of photographs of their daily life as well as their encounters with photographers such as Nobuyoshi Araki, Daido Moriyama, Takuma Nakahira, Hiromix, Kohei Yushiyuki and Kajii Syoin. \u003cem\u003eTraces of a Diary\u003c\/em\u003e was shown in film festivals around the world and received the jury prize at Documenta Madrid. \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eInitially, the film was going to be a mixture of still photographs and 16mm material but during editing it was decided that only the moving images were to be used. About one hundred rolls of Tri-X 400 film remained in a box, unused. These photographs are now revisited in T\u003cem\u003eokyo Diaries\u003c\/em\u003e, a book that is as much about photo books and the way we read them as it is about Japanese photographers. Special appearance by legendary designer Kohei Sugiura.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"PIERRE VON KLEIST EDITIONS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31774821516,"sku":"978-9-8997763-6-4","price":6380.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150303_3566.jpg?v=1571703891"},{"product_id":"far-by-emile-hyperion-dubuisson","title":"FAR by Emile Hyperion Dubuisson","description":"\u003cp\u003eNY在住フランス人フォトグラファー、エミール・ハイペリオン・デュブイソン（\u003cspan\u003eEmile Hyperion Dubuisson\u003c\/span\u003e）の作品集。90年代初頭に旧ソ連に関するドキュメンタリー映画の撮影でロシア・シベリアを訪れた作者が、極限の環境の中でなかなか進まない映画撮影の合間に立ち寄ったシベリア・ヤマル半島に住む人々や街並を捉えた作品で構成されている。高性能印刷技術によってイメージに浮かび上がる修復不可能の為に残されたフィルムのダメージが、ロシアという過酷な環境をより感じさせる演出となっている。ロンドンの国立近代美術館「テート・モダン（\u003cspan\u003eTATE MODERN\u003c\/span\u003e）」で写真部門のチーフキュレーターを務める\u003cspan\u003eSimon Baker\u003c\/span\u003eの元でアシスタントを務めたフランス人キュレーター、\u003cspan\u003eInes de Bordas\u003c\/span\u003eと\u003cspan\u003eAlix Janta-Polczynski\u003c\/span\u003eによって2013年に立ち上げられたロンドンを拠点とする出版社「ADAD BOOKS」最初の写真集。旧ソ連出身のフォトグラファー、\u003cspan\u003eBoris Mikhailov\u003c\/span\u003eによる序文付き。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis previously unpublished series of photographs was made in Siberia in the early 1990s while Dubuisson was working as assistant director in a film crew shooting a documentary about the former Soviet Union. Challenged by the extreme conditions, filming was difficult and Dubuisson began taking pictures with a small all-weather camera around the villages in the Yamal Peninsula where gas workers, scientists and local reindeer herders lived and worked. On his return to Moscow, Dubuisson struggled to process his film and believed his negatives to have been damaged beyond repair. It is only recently that he returned to this material and has finally been able to produce photographic prints. The resulting images offer a strange, poetic vision of the bleakness of Siberia evoking its remoteness in both time and space through a combination of Dubuisson’s singular scenes of sub-zero life and the unintentional effects of the passage of time and the photographic process. \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eEverything here reminds me of the cold, of life without a fridge; and the terrible smoke, which covers the sky...I also see traces of dust and fingerprints, which tell a story of their own. \u003c\/em\u003e- Boris Mikhailov\u003cem\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"ADAD BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32045190604,"sku":"978-0-9576923-0-5","price":8800.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_R.jpg?v=1571703899"},{"product_id":"traces-of-a-diary-by-andre-principe-marco-martins-dvd","title":"TRACES OF A DIARY – 日記をたどる by André Principe \u0026 Marco Martins [DVD]","description":"\u003cp\u003eポルトガル人アーティストのアンドレ・プリンシペ（André Principe）とマルコ・マルティンス（Marco Martins）が6名の日本人写真家の日常を16ミリフィルムで追ったドキュメント映画。約1年半かけて行われた撮影を通じて、日本人写真家達のイメージの制作プロセスやストーリーテリング、日記式表現の本質を追求。ロシア・ソ連時代に作られたレンジファインダーカメラ「クラスノゴルスク3」を使用し、シナリオを設けずに偶発性を取り込みながら写真家達を記録、時には記録者自らが映像に映り込み、写真家らと会話を交わすさながら道中記のような記録映像作品となっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e出演： 森山大道、荒木経惟、中平卓馬、ヒロミックス、梶井松陰、吉行耕平、ジェリー・バッジャー\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ci\u003eTraces of a Diary\u003c\/i\u003e is a cinematographic travel journal. Through a series of encounters with some of Japan’s most significant photographers, the directors reflect on the nature of creating images, telling stories and the diaristic process. Filming with two 16mm Krasnogorsk 3 wind-up cameras, Martins and Príncipe value the rawness of spontaneity and contingency over studied treatment. Both a diary and a reflection on the diaristic genre. \u003ci\u003eTraces of a Diary\u003c\/i\u003e is a personal view on some of today’s most important photographers and the city they photograph. With Daido Moriyama, Nobuyoshi Araki, Takuma Nakahira, Hiromix, Kaiji Syoin, Kohei Yoshiyuki and Gerry Badger. \u003c\/p\u003e\n\u003cdiv\u003e\u003cspan style=\"text-decoration: underline;\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/div\u003e","brand":"PIERRE VON KLEIST EDITIONS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32051559756,"sku":"","price":2200.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160725_8124.jpg?v=1571703900"},{"product_id":"familia-aeminium-by-pedro-costa-rui-chafes","title":"FAMILIA AEMINIUM by Pedro Costa \u0026 Rui Chafes","description":"\u003cp\u003eポルトガル人映画監督 ペドロ・コスタ（Pedro Costa）と彫刻家 ルイ・シャフェス（Rui Chafes）による作品集。本書はコインブラの都市にあるローマ時代の地下回廊で開催された両作家による展覧会「Família」のミステリアスな様子を捉えたものを収録。時空を漂うかのような空虚で静寂な地下回廊はその昔、活気あふれる会議場であった。その遠い過去の回廊に住み着くルイ・シャフェスの彫刻作品は失われた視線、囁きと所作を思い起こさせる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003e総合開館30周年記念 ペドロ・コスタ インナーヴィジョンズ\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e会期：2025年8月28日（木） - 12月7日（日）\u003cbr\u003e時間：10:00-18:00（木・金 -20:00）\u003cbr\u003e休館日：毎週月曜日（月曜日が祝休日の場合は開館、翌平日休館）\u003cbr\u003e開催場所：東京都写真美術館 B1F 展示室\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eBOOK SIGNING:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e日程：2025年8月31日（日）\u003cbr\u003e時間：11:00-\u003cbr\u003eゲスト：ペドロ・コスタ\u003cbr\u003e開催場所：東京都写真美術館 2階ミュージアム・ショップ ナディッフ バイテン\u003cbr\u003e※対象書籍ご購入者先着50名限定\u003cbr\u003e※本イベントは終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eTALK:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003eARTIST TALK\u003cbr\u003e日程：2025年8月28日（木）\u003cbr\u003e時間：18:30-20:30\u003cbr\u003e登壇者：ペドロ・コスタ\u003cbr\u003e開催場所：東京都写真美術館 1階ホール\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eCONVERSATION WITH GUEST\u003cbr\u003e日程①：2025年8月29日（金）\u003cbr\u003e時間：18:30-20:30\u003cbr\u003e登壇者：ペドロ・コスタ、長島有里枝（写真家）\u003cbr\u003e日程②：2025年8月30日（土）\u003cbr\u003e時間：15:30-17:30\u003cbr\u003e登壇者：ペドロ・コスタ、諏訪敦彦（映画監督、東京藝術大学教授）\u003cbr\u003e会場：東京都写真美術館 1階ホール\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/topmuseum.jp\/contents\/exhibition\/index-5093.html#event\" rel=\"noopener\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本イベントは終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eFamília Aeminium\u003c\/em\u003e is a book by filmmaker Pedro Costa and sculptor Rui Chafes. A mysterious sequence of photographs done during the exhibition Família conceived by the artists for the Roman Cryptoporticus in the city of Coimbra. The Cryptoporticus, suspended in time, vacant and silent, was once a lively and vibrant forum. The sculptures and the images living in these distant chambers, recall the lost gazes, the memory of whispers and movements.\u003c\/p\u003e","brand":"PIERRE VON KLEIST EDITIONS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32434721420,"sku":"","price":6600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160628_5802_cc79da90-8768-4b63-a05a-b49a45822f26.jpg?v=1571703901"},{"product_id":"incoming-by-richard-mosse-signed","title":"INCOMING by Richard Mosse [SIGNED]","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDeutsche Börse Photography Prize 受賞のアイルランド人フォトグラファー、リチャード・モス（Richard Mosse）の作品集。第二次世界大戦後から現在に至るまで世界が直面し続けている難民・移民危機について、作者はヒューマニズムに関わる問題や政治的苦境、戦争による何百万もの移民、迫害、気候の変動をテーマにしている。本書は、撮影監督トレヴァー・トゥウィーテンと作曲家ベン・フロストとのコラボレーションによって制作された最新の映像作品（マルチ・チャンネル・フィルム・インスタレーション）のスチル写真を収録。神経を逆なでするようなサウンドトラックが大音量で流れる中、幅\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e8m\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eのワイドスクリーン\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e3\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e台に投影された映像作品は、見るものを飲み込むような圧倒的な力強さで迫ってくる。アメリカ空軍が地上の\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eDAESH\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e（イスラム国）に向けて機銃掃射する様子が生々しいシリア内戦の一場面や、病理学者たちがエーゲ海に浮かぶレロス島沖合で溺死した身元不明の難民の死体の骨から\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eDNA\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eを抽出するシーンなど、昨今の出来事の重要な場面を最新型兵器レベルの撮影技術を用いて映像化し、歴史的な証拠として残した本作は、歴史の記録を証明する空間を切り開いた。中東や北アフリカ、ヨーロッパを横断する旅について難民や移民たちが語る物語を捉えたのは、一般には流通していない非常に強力な赤外線サーマルカメラ。この超望遠軍事用カメラは、昼夜を問わず30.3km先に離れたところにいる人体をも感知することができる。人の生命の生物学的な痕跡を読み取るこのカメラにより、温度の違いによる熱放射の痕跡として表された世界は、強い光に照らされて浮かび上がるモノクロの眩いイメージとなって、低体温症、気候変化、標的に狙いを定めた銃口、国境警備、排外主義、国を失った人々の「むきだしの生（bare life）」を文字通り、そして同時に比喩的に表現している。\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e「このカメラは、ある種の美学的暴力として作用しており、主体の人間性を奪い、人々を怪物的なものとしてゾンビ化した形象に落とし込む上、身体から個別性を奪い、単なる生物学的な痕跡として人間を捉えている」\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e- リチャード・モス\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e本書では、映像作品で体験した飲み込まれるような感覚が再現され、全576ページの裁ち落としの構成に映像作品の全編から選び出したスチル写真を巧みに配置することによって、壮絶で胸をえぐるような物語を展開していく。\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"http:\/\/www.newsweekjapan.jp\/stories\/world\/2017\/04\/post-7365.php\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/blogs\/articles\/review-incoming-by-yumi-goto-independent-curator-co-founder-of-reminders-photography-stronghold\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003eレビュー：後藤由美（Reminders Photography Stronghold 共同創設者、インディペンデントキュレーター）\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"http:\/\/www.newsweekjapan.jp\/stories\/world\/2017\/04\/post-7365.php\" target=\"_blank\"\u003e記事：軍事用カメラが捉えた難民のむき出しの生命（Newsweek Japan）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003cem\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003eAt a moment when the world is facing the world’s largest refugee and migration crisis since the Second World War, Incoming by Irish artist and Deutsche Börse Photography Prize winner Richard Mosse deals with the major humanitarian and political plight of our time, the displacement of millions due to war, persecution and climate change. With illuminating texts by Mosse and the philosopher Giorgio Agamben, the 576-page book combines film stills from the artist’s latest video work made in collaboration with electronic composer Ben Frost and cinematographer Trevor Tweeten – a haunting and searing multi-channel film installation, accompanied by a visceral soundtrack. Journeys made by refugees and migrants across the Middle East, North Africa, and Europe are captured with a new weapons-grade surveillance technology that can detect the human body from 30.3km. Blind to skin colour, this camera technology registers only the contours of relative heat difference within a given scene, foregrounding the fragile human body’s struggle for survival in hostile environments. \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eAs Mosse writes in his essay, ‘\u003cem\u003ethe camera carries a certain aesthetic violence, dehumanizing the subject, portraying people in zombie form as monstrous, stripping the individual from the body and portraying a human as mere biological trace.\u003c\/em\u003e’ Alluding literally and metaphorically to hypothermia, mortality, epidemic, global warming, weapons targeting, border surveillance, xenophobia, and the ‘bare life’ of stateless people, Mosse’s use of a military telephoto camera serves as an attempt to reveal its internal logic – to see the way missiles see. Following the narrative sequence of the film, the book presents still frames from footage of a live battle inside Syria in which a US aircraft strafes IS positions on the ground, to scenes showing refugees boarding rescue boats off the coast of Libya or gathered along the shores of Turkey under cover of darkness, or making the dangerous journey through the Sahara Desert, and the burning of the Jungle refugee camp. Like the film, the artist’s book bears witness to chapters in recent world events – mediated through weapons camera technology – while also shedding light on the ethical, technological, logistical and aesthetic issues involved in creating this major new work.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/blogs\/articles\/review-incoming-by-yumi-goto-independent-curator-co-founder-of-reminders-photography-stronghold\" target=\"_blank\"\u003eREVIEW：INCOMING by Yumi Goto（Co-founder of Reminders Photography Stronghold \/ Independent Curator）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":34476292044,"sku":"978-1-910164-77-8","price":7425.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/170308_03428_d8802de2-db9e-4dea-8ac0-b583f4ceb138.jpg?v=1571703941"},{"product_id":"incoming-by-richard-mosse","title":"INCOMING by Richard Mosse","description":"\u003cp\u003eDeutsche Börse Photography Prize 受賞のアイルランド人フォトグラファー、リチャード・モス（Richard Mosse）の作品集。第二次世界大戦後から現在に至るまで世界が直面し続けている難民・移民危機について、作者はヒューマニズムに関わる問題や政治的苦境、戦争による何百万もの移民、迫害、気候の変動をテーマにしている。本書は、撮影監督トレヴァー・トゥウィーテンと作曲家ベン・フロストとのコラボレーションによって制作された最新の映像作品（マルチ・チャンネル・フィルム・インスタレーション）のスチル写真を収録。神経を逆なでするようなサウンドトラックが大音量で流れる中、幅\u003cspan\u003e8m\u003c\/span\u003eのワイドスクリーン\u003cspan\u003e3\u003c\/span\u003e台に投影された映像作品は、見るものを飲み込むような圧倒的な力強さで迫ってくる。アメリカ空軍が地上の\u003cspan\u003eDAESH\u003c\/span\u003e（イスラム国）に向けて機銃掃射する様子が生々しいシリア内戦の一場面や、病理学者たちがエーゲ海に浮かぶレロス島沖合で溺死した身元不明の難民の死体の骨から\u003cspan\u003eDNA\u003c\/span\u003eを抽出するシーンなど、昨今の出来事の重要な場面を最新型兵器レベルの撮影技術を用いて映像化し、歴史的な証拠として残した本作は、歴史の記録を証明する空間を切り開いた。中東や北アフリカ、ヨーロッパを横断する旅について難民や移民たちが語る物語を捉えたのは、一般には流通していない非常に強力な赤外線サーマルカメラ。この超望遠軍事用カメラは、昼夜を問わず30.3km先に離れたところにいる人体をも感知することができる。人の生命の生物学的な痕跡を読み取るこのカメラにより、温度の違いによる熱放射の痕跡として表された世界は、強い光に照らされて浮かび上がるモノクロの眩いイメージとなって、低体温症、気候変化、標的に狙いを定めた銃口、国境警備、排外主義、国を失った人々の「むきだしの生（bare life）」を文字通り、そして同時に比喩的に表現している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e「このカメラは、ある種の美学的暴力として作用しており、主体の人間性を奪い、人々を怪物的なものとしてゾンビ化した形象に落とし込む上、身体から個別性を奪い、単なる生物学的な痕跡として人間を捉えている」\u003c\/em\u003e- リチャード・モス\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書では、映像作品で体験した飲み込まれるような感覚が再現され、全576ページの裁ち落としの構成に映像作品の全編から選び出したスチル写真を巧みに配置することによって、壮絶で胸をえぐるような物語を展開していく。\u003cbr\u003e\u003ca href=\"http:\/\/www.newsweekjapan.jp\/stories\/world\/2017\/04\/post-7365.php\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/blogs\/articles\/review-incoming-by-yumi-goto-independent-curator-co-founder-of-reminders-photography-stronghold\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003eレビュー：後藤由美（Reminders Photography Stronghold 共同創設者、インディペンデントキュレーター）\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"http:\/\/www.newsweekjapan.jp\/stories\/world\/2017\/04\/post-7365.php\" target=\"_blank\"\u003e記事：軍事用カメラが捉えた難民のむき出しの生命（Newsweek Japan）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003cem\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eAt a moment when the world is facing the world’s largest refugee and migration crisis since the Second World War, Incoming by Irish artist and Deutsche Börse Photography Prize winner Richard Mosse deals with the major humanitarian and political plight of our time, the displacement of millions due to war, persecution and climate change. With illuminating texts by Mosse and the philosopher Giorgio Agamben, the 576-page book combines film stills from the artist’s latest video work made in collaboration with electronic composer Ben Frost and cinematographer Trevor Tweeten – a haunting and searing multi-channel film installation, accompanied by a visceral soundtrack. Journeys made by refugees and migrants across the Middle East, North Africa, and Europe are captured with a new weapons-grade surveillance technology that can detect the human body from 30.3km. Blind to skin colour, this camera technology registers only the contours of relative heat difference within a given scene, foregrounding the fragile human body’s struggle for survival in hostile environments. \u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eAs Mosse writes in his essay, ‘\u003cem\u003ethe camera carries a certain aesthetic violence, dehumanizing the subject, portraying people in zombie form as monstrous, stripping the individual from the body and portraying a human as mere biological trace.\u003c\/em\u003e’ Alluding literally and metaphorically to hypothermia, mortality, epidemic, global warming, weapons targeting, border surveillance, xenophobia, and the ‘bare life’ of stateless people, Mosse’s use of a military telephoto camera serves as an attempt to reveal its internal logic – to see the way missiles see. Following the narrative sequence of the film, the book presents still frames from footage of a live battle inside Syria in which a US aircraft strafes IS positions on the ground, to scenes showing refugees boarding rescue boats off the coast of Libya or gathered along the shores of Turkey under cover of darkness, or making the dangerous journey through the Sahara Desert, and the burning of the Jungle refugee camp. Like the film, the artist’s book bears witness to chapters in recent world events – mediated through weapons camera technology – while also shedding light on the ethical, technological, logistical and aesthetic issues involved in creating this major new work.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/blogs\/articles\/review-incoming-by-yumi-goto-independent-curator-co-founder-of-reminders-photography-stronghold\" target=\"_blank\"\u003eREVIEW：INCOMING by Yumi Goto（Co-founder of Reminders Photography Stronghold \/ Independent Curator）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":35537721548,"sku":"978-1-910164-77-8","price":9900.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/170308_03428.jpg?v=1571703942"},{"product_id":"blue-period-last-summer-arakinema-by-nobuyoshi-araki-japan-edition","title":"BLUE PERIOD \/ LAST SUMMER : ARAKINEMA  青ノ時代／去年ノ夏：アラキネマ by Nobuyoshi Araki [JAPAN EDITION]","description":"\u003cp\u003e日本人写真家、荒木経惟の作品集。本作は、作者の映像作品「アラキネマ」に焦点を当てた写真集として、NYを拠点とする出版社「\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/session-press\"\u003eSESSION PRESS\u003c\/a\u003e」と「\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/dashwood-books\"\u003eDASHWOOD BOOKS\u003c\/a\u003e」から共同出版された。日本国外でこの映像作品『\u003cem\u003e青ノ時代\u003c\/em\u003e』『\u003cem\u003e去年ノ夏\u003c\/em\u003e』を出版物として発表するのは初めてとなる。作者は「私写真」と称して自身の日常をありのままに撮影した写真作品を制作し、これまで500冊以上の写真集を出版。特に、緊縛、今は亡き妻陽子、花などの静物写真、ヌードは代表的な作品として国内はもとより海外でも周知されているが、80年代中期から約20年間、実験的な映像作品「アラキネマ」を制作し、ライブ上映してきたことはあまり知られていない。本写真集では、ライブの臨場感や雰囲気をできるだけ忠実に再現するために、両作品が上映された際のオリジナルスライドに基づいて編集、制作。『青ノ時代』『去年ノ夏』はともに2005年に発表された作品であり、前者は1980〜90年代に雑誌『写真時代』に掲載された作品でまとめられている一方、後者は2005年前後に撮り下ろされた作品が使用されている。 ヌードとポートレートを軸にしながら、街路の風景や花の写真なども併せて構成された両作品に共通しているのは、オリジナルの写真に手を加えることで力強い効果を生み出しているという点であり、『青ノ時代』では薬品で脱色することで引き出された色褪せたブルーが、まるで夢か消え去っていく記憶の中にでもいるかのような、メランコリックな儚さを作品にもたらしている。また『去年ノ夏』は明るく透明感のある色を写真の上に塗っていくことで、まるで万華鏡が映し出す幻想的な世界を表現している。作家自身も両作品が過去と未来を現す人生そのものであり対にして見られることをインタビュー（アートン：東京、2005年）の中で語っており、本書にも掲載されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"color: #ff00ff;\"\u003e\u003cstrong\u003e2種類のスリップケース展開（JAPAN EDITION \/ US EDITION）\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"color: #ff00ff;\"\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003eJAPAN EDITION　※\u003cspan style=\"color: #ff00ff;\"\u003eUS EDITIONは\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/blue-period-last-summer-arakinema-by-nobuyoshi-araki-us-edition\" style=\"color: #ff00ff;\"\u003eこちら\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"color: rgb(43, 0, 255);\"\u003e※本書はスリップケースに経年劣化による変色やダメージがございます。中身をご覧いただく上で問題はございません。尚、購入後の返品・交換は出来かねますのでご了承ください。\u003c\/span\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"text-decoration: underline;\"\u003eアラキネマ\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003eスライド写真に音楽をつけて投影するライブパフォーマンスであり、第1作の『\u003cem\u003e東京物語\u003c\/em\u003e』は、東京・渋谷にあったシネマライズで1986年に上映された。その後、ライブパフォーマンスとしての「アラキネマ」はセセッション館（ウィーン）、原美術館 、スパイラルホール、読売カルチャーサロン青山、台北市立美術館、東京都現代美術館、パレ・ド・トーキョー（パリ）、バービカン・センター（ロンドン）など世界各国の美術館や関連施設で90年代後半から2000年代半ばにかけて企画、上演。1991年からは「アラキネマ」のコンセプトを映像作品として残すために、映像制作を手がけるクエスト社より2010年までに30本の作品を発表してきた。これらはライブパフォーマンスと同じ手法をとり、スライド写真をオーバラップさせながら投影し、フリーフォームの即興音楽が添えられ、ライブで味わう臨場感に溢れた構成で制作されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOne of the most influential photographers of our time, Nobuyoshi Araki is known for his diaristic style or “shi-shashin” (I-photographs) through the publication of over 500 books throughout his career. His work has become practically synonymous with Japanese photography; closely associated with his work on bondage, his late wife, Yoko, as well as still-lifes and nudes. It is, however, less known that Araki had explored experimental film projects since the mid 80s. In 1986 at Cinema Rise in Tokyo, Araki staged a live performance entitled \u003cem\u003eTokyo Monogatari\u003c\/em\u003e (Tokyo Story). Using two projectors, Araki and his assistants, Nobuhiko Ansai and Shiro Tamiya, selected and sequenced slides to create a succession of overlapping images fading into one another, accompanied by a musical soundtrack. \u003cem\u003eTokyo Monogatari\u003c\/em\u003e became the first in a series of live performances entitled \u003cem\u003eArakinema\u003c\/em\u003e, which he staged until the mid-2000s in museums and art institutions around the world. \u003cem\u003eBlue Period\u003c\/em\u003e and \u003cem\u003eLast Summer\u003c\/em\u003e are made up primarily of nudes and portraits alternating with street scenes and images of flowers. The majority of the work is derived from Shashin Jidai, the important underground sub culture magazine of the 1980s in Japan. We especially feel excited about our publication since these two projects are essential among his film work. As Araki also explained at our initial meeting in Shinjuku last year, “The two films should be seen as a set, since \u003cem\u003eBlue Period\u003c\/em\u003e is about the past and \u003cem\u003eLast Summer\u003c\/em\u003e is about the future. By removing color using a chemical solution, \u003cem\u003eBlue Period\u003c\/em\u003e is about an act of subtraction (past), whereas adding color to the images in \u003cem\u003eLast Summer\u003c\/em\u003e is about an act of addition (future). This project is just like life itself.” Working directly from the 140 original slides used for both projections, the book successfully offers a fresh review of the photographer’s hidden oeuvre and regains the true spirit and atmosphere of the original \u003cem\u003eArakinema\u003c\/em\u003e performances\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"color: #ff00ff;\"\u003e\u003cstrong\u003eThis is JAPAN EDITION cover of slipcase. The US EDITION is \u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/blue-period-last-summer-arakinema-by-nobuyoshi-araki-us-edition\" style=\"color: #ff00ff;\"\u003ehere\u003c\/a\u003e.\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"SESSION PRESS \u0026 DASHWOOD BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47963553036,"sku":"9780996657419","price":13200.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/180118_5138.jpg?v=1571703962"},{"product_id":"blue-period-last-summer-arakinema-by-nobuyoshi-araki-us-edition","title":"BLUE PERIOD \/ LAST SUMMER : ARAKINEMA \/ 青ノ時代／去年ノ夏：アラキネマ by Nobuyoshi Araki [US EDITION]","description":"\u003cp\u003e日本人写真家、荒木経惟の作品集。本作は、作者の映像作品「アラキネマ」に焦点を当てた写真集として、NYを拠点とする出版社「\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/session-press\"\u003eSESSION PRESS\u003c\/a\u003e」と「\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/dashwood-books\"\u003eDASHWOOD BOOKS\u003c\/a\u003e」から共同出版された。日本国外でこの映像作品『\u003cem\u003e青ノ時代\u003c\/em\u003e』『\u003cem\u003e去年ノ夏\u003c\/em\u003e』を出版物として発表するのは初めてとなる。作者は「私写真」と称して自身の日常をありのままに撮影した写真作品を制作し、これまで500冊以上の写真集を出版。特に、緊縛、今は亡き妻陽子、花などの静物写真、ヌードは代表的な作品として国内はもとより海外でも周知されているが、80年代中期から約20年間、実験的な映像作品「アラキネマ」を制作し、ライブ上映してきたことはあまり知られていない。本写真集では、ライブの臨場感や雰囲気をできるだけ忠実に再現するために、両作品が上映された際のオリジナルスライドに基づいて編集、制作。『\u003cem\u003e青ノ時代\u003c\/em\u003e』『\u003cem\u003e去年ノ夏\u003c\/em\u003e』はともに2005年に発表された作品であり、前者は1980〜90年代に雑誌『\u003cem\u003e写真時代\u003c\/em\u003e』に掲載された作品でまとめられている一方、後者は2005年前後に撮り下ろされた作品が使用されている。 ヌードとポートレートを軸にしながら、街路の風景や花の写真なども併せて構成された両作品に共通しているのは、オリジナルの写真に手を加えることで力強い効果を生み出しているという点であり、『\u003cem\u003e青ノ時代\u003c\/em\u003e』では薬品で脱色することで引き出された色褪せたブルーが、まるで夢か消え去っていく記憶の中にでもいるかのような、メランコリックな儚さを作品にもたらしている。また『\u003cem\u003e去年ノ夏\u003c\/em\u003e』は明るく透明感のある色を写真の上に塗っていくことで、まるで万華鏡が映し出す幻想的な世界を表現している。作家自身も両作品が過去と未来を現す人生そのものであり対にして見られることをインタビュー（アートン：東京、2005年）の中で語っており、本書にも掲載されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"color: #ff00ff;\"\u003e\u003cstrong\u003e2種類のスリップケース展開（JAPAN EDITION \/ US EDITION）\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong style=\"color: #ff00ff;\"\u003eUS EDITION\u003c\/strong\u003e　\u003cspan style=\"color: #ff00ff;\"\u003e\u003cstrong\u003e※\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"color: #ff00ff;\"\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan style=\"color: #ff00ff;\"\u003eJ\u003c\/span\u003eAPAN EDITIONは\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/blue-period-last-summer-arakinema-by-nobuyoshi-araki-japan-edition\" style=\"color: #ff00ff;\"\u003eこちら\u003c\/a\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"text-decoration: underline;\"\u003eアラキネマ\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003eスライド写真に音楽をつけて投影するライブパフォーマンスであり、第1作の『\u003cem\u003e東京物語\u003c\/em\u003e』は、東京・渋谷にあったシネマライズで1986年に上映された。その後、ライブパフォーマンスとしての「アラキネマ」はセセッション館（ウィーン）、原美術館 、スパイラルホール、読売カルチャーサロン青山、台北市立美術館、東京都現代美術館、パレ・ド・トーキョー（パリ）、バービカン・センター（ロンドン）など世界各国の美術館や関連施設で90年代後半から2000年代半ばにかけて企画、上演。1991年からは「アラキネマ」のコンセプトを映像作品として残すために、映像制作を手がけるクエスト社より2010年までに30本の作品を発表してきた。これらはライブパフォーマンスと同じ手法をとり、スライド写真をオーバラップさせながら投影し、フリーフォームの即興音楽が添えられ、ライブで味わう臨場感に溢れた構成で制作されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOne of the most influential photographers of our time, Nobuyoshi Araki is known for his diaristic style or “shi-shashin” (I-photographs) through the publication of over 500 books throughout his career. His work has become practically synonymous with Japanese photography; closely associated with his work on bondage, his late wife, Yoko, as well as still-lifes and nudes. It is, however, less known that Araki had explored experimental film projects since the mid 80s. In 1986 at Cinema Rise in Tokyo, Araki staged a live performance entitled \u003cem\u003eTokyo Monogatari\u003c\/em\u003e (Tokyo Story). Using two projectors, Araki and his assistants, Nobuhiko Ansai and Shiro Tamiya, selected and sequenced slides to create a succession of overlapping images fading into one another, accompanied by a musical soundtrack. \u003cem\u003eTokyo Monogatari\u003c\/em\u003e became the first in a series of live performances entitled \u003cem\u003eArakinema\u003c\/em\u003e, which he staged until the mid-2000s in museums and art institutions around the world. \u003cem\u003eBlue Period\u003c\/em\u003e and \u003cem\u003eLast Summer\u003c\/em\u003e are made up primarily of nudes and portraits alternating with street scenes and images of flowers. The majority of the work is derived from Shashin Jidai, the important underground sub culture magazine of the 1980s in Japan. We especially feel excited about our publication since these two projects are essential among his film work. As Araki also explained at our initial meeting in Shinjuku last year, “The two films should be seen as a set, since \u003cem\u003eBlue Period\u003c\/em\u003e is about the past and \u003cem\u003eLast Summer\u003c\/em\u003e is about the future. By removing color using a chemical solution, \u003cem\u003eBlue Period\u003c\/em\u003e is about an act of subtraction (past), whereas adding color to the images in \u003cem\u003eLast Summer\u003c\/em\u003e is about an act of addition (future). This project is just like life itself.” Working directly from the 140 original slides used for both projections, the book successfully offers a fresh review of the photographer’s hidden oeuvre and regains the true spirit and atmosphere of the original \u003cem\u003eArakinema\u003c\/em\u003e performances\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"color: #ff00ff;\"\u003e\u003cstrong\u003eThis is US EDITION cover of slipcase. The JAPAN EDITION is \u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/blue-period-last-summer-arakinema-by-nobuyoshi-araki-japan-edition\" style=\"color: #ff00ff;\"\u003ehere\u003c\/a\u003e.\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"SESSION PRESS \u0026 DASHWOOD BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47963768140,"sku":"9780996657419","price":13200.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/180118_5127.jpg?v=1571703962"},{"product_id":"alien-diaries-by-h-r-giger","title":"ALIEN DIARIES by H.R.Giger","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eスイス人アーティスト、H・R・ギーガー（H. R. Giger）の作品集。作者は1978年2月から11月にかけてロンドン近郊の映画スタジオ「シェパートン・スタジオ（Shepperton Studios）」で、リドリー・スコット（Ridley Scott）監督の『\u003cem\u003eエイリアン\u003c\/em\u003e』（1979）のフィギュアと映画セットの制作にあたった。映画は世界的な大ヒットを記録し、作者はオスカー賞を受賞した。その当時の日記を複製、書籍化した本書には、このスタジオで行われた制作の様子が詳しく描かれている。作者は書き、スケッチをし、ポラロイドカメラ「SX-70」で写真を撮った。極端なまでの誠実さと辛辣さ、時には絶望に満ちた作者の言葉とイメージは、「ケチなプロデューサー」や「怠け者のスタッフ」などといった映画業界で働くことのリアリティと、自身のデザインが現実のものとなっていく過程を見るために、作者がどのようにして困難な状況を克服していったのかを提示している。ドイツ語で書かれたものを英語に翻訳した本書からは、アーティスト『H・R・ギーガー』のあまり知られていない人柄をうかがうことができる。また、スイス人アーティストという独自の視点からも、歴史的名作映画の制作の現場を細やかに描き出している。ドローイング、モンスターが作り上げられる過程を撮ったポラロイド写真、作者がシェパートン・スタジオで撮影した幾つものフィルムから撮ったスチル写真を含むほぼ未発表の資料を多数収録している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eHR Giger worked in the Shepperton Studios near London from February to November 1978, creating the figures and sets for the film \u003cem\u003eAlien\u003c\/em\u003e (1979) directed by Ridley Scott. The film became an international success, earning Giger an Oscar. In the transcribed \u003cem\u003eAlien Diaries\u003c\/em\u003e, published here for the first time as a facsimile, HR Giger describes his work in the studios. He writes, sketches, and takes photographs with his Polaroid SX70. With brutal honesty, sarcasm and occasional despair, Giger describes what it is like working for the film industry and how he struggles against all odds ― be it the stinginess of producers or the sluggishness of his staff ― to see his designs become reality. \u003cem\u003eThe Alien Diaries\u003c\/em\u003e (in German transcription with an English translation) show a little-known personal side of the artist HR Giger and offer an unusual, detailed glimpse into the making of a movie classic through the eyes of a Swiss artist. The book contains almost completely unpublished material, including drawings, Polaroids showing the monster coming to life, and several still shots from the plentiful film material that Giger took in Shepperton.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":21338380075088,"sku":"978-3-905929-45-4","price":22000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/Alien_spread-12_01.jpg?v=1617859048"},{"product_id":"la-bete-a-modern-tale-by-yasmina-benabderrahmane","title":"LA BÊTE A MODERN TALE by Yasmina Benabderrahmane","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eフランス人ヴィジュアルアーティスト、ヤスミナ・ベナブデラマ二（Yasmina Benabderrahmane）の作品集。2012年、作者は12年ぶりに故郷モロッコへ帰国し、砂丘や砂漠を渡り絶え間なく変わる風景をスーパー8カメラの映像に収めた。この映像作品のスチル写真からなる本書は、伝統と現代の間にある曲がりくねった道を辿ることを見る者に促す。祖先伝来の土地の現代性と変わりゆく地勢の象徴かつ新しい文化の中心地であるブルグレッグ・バレーをまず訪れる。更に進むと、時間が静止したかのような場所に活気のない村々が点在する岩だらけで何もないシシャワの砂漠が現れる。矛盾だらけの現代モロッコの歴史の舞台となってきた見覚えのある空間と身体を通じて、本書は不安定で無機質で直感的なモロッコの歴史を私たちに体験させる。本書は、2020年1月から4月の間にパリのギャラリー「Le Bal」で開催された展覧会「\u003cem\u003eÀ bras le corps\u003c\/em\u003e」に伴い刊行された。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003eIn 2012, Benabderrahmane returned to her home country of Morocco after 12 years, crossing the dunes and plains to create Super-8 films mapping out the ever-changing landscape. The film stills collected in this book invite us to follow the path winding between tradition and modernity. We travel to the Bouregreg Valley, a new cultural centre which symbolizes the modernity and changing physiognomy of ancestral lands. Further afield, we discover the desert plains of Chichaoua, rocky and stripped back, where sleepy villages nestle in a place where time stands still. From these familiar spaces and bodies, in which the history of contemporary Morocco is played out with all its contradictions, Benabderrahmane invites us to experience a sensitive, mineral and instinctive Moroccan history, where stones tumble, blood clots and where the artist’s gaze comes to a place at once familiar and ever-changing.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32298591420496,"sku":"9781912339655","price":12650.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/LaBetecover0.jpg?v=1588328156"},{"product_id":"stranded-in-canton-by-william-eggleston","title":"STRANDED IN CANTON by William Eggleston","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人フォトグラファー、ウィリアム・エグルストン（William Eggleston）の作品集。作者の先駆け的な映像作品『\u003cem\u003eStranded In Canton\u003c\/em\u003e』が制作から35年を経て、復元された一作。本書は、デジタルリマスター版から抽出したフレームの拡大写真40点、ガス・ヴァン・サント（Gus Van Sant）の謝辞、そして77分の映像作品に加え30分以上のボーナス映像と2005年のトロントフィルムフェスティバルで行われたエグルストンのインタビューを収めたDVDを収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e1974年にソニーのポルタパックで撮影された『Stranded In Canton』は、時代の先を信じられない速さで駆け抜けていった。地元出身の熟練したフォトグラファーだけが与えることのできる親密さ、気楽さ、不安定でエグルストンは南部の人々、飲んだくれたちを記録した。エグルストンの作品に南部ゴシックの香りが漂っているのは今に始まったことではないが、それが表面にはっきりと表れているこの作品は激しく、悲劇的で、誇り高い。\u003c\/em\u003e」－ニューヨーク・タイムズ\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eWilliam Eggleston’s pioneering video work, \u003cem\u003eStranded In Canton\u003c\/em\u003e, has been restored and is finally available, almost thirty-five years after it was made. The book contains forty frame enlargements from the digital remaster, an appreciation by Gus Van Sant, and a DVD of the seventy-seven-minute film itself, along with more than thirty minutes of bonus footage and an interview with Mr. Eggleston conducted at the 2005 Toronto Film Festival.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eShot in 1974 with a Sony Porta-Pak, the crazily careering Stranded in Canton documents a cast of hard-drinking Southerners with the intimacy, ease and instability of a seasoned participant. Whiffs of Southern Gothic are not new to Mr. Eggleston’s work, but here they rise to the surface―fierce, tragic and proud.\u003c\/em\u003e” ―New York Times\u003c\/p\u003e","brand":"TWIN PALMS PUBLISHERS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32522488676432,"sku":"978-1-931885-71-3","price":7480.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/190227_12926.jpg?v=1591798991"},{"product_id":"i-seem-to-live-the-new-york-diaries-vol-1-1950-1969-by-jonas-mekas","title":"I SEEM TO LIVE - The New York Diaries. vol.1, 1950-1969 by Jonas Mekas","description":"\u003cp\u003eリトアニアに生まれのちにアメリカへ亡命した映像作家、詩人、活動家のジョナス・メカス（Jonas Mekas）の作品集。『\u003cem\u003eThe New York Diaries\u003c\/em\u003e』は代表的な文学作品かつ、作者の映画作品と等しく重要な位置付けにある最高傑作とされている。1950年代から1960年代の活動を網羅した第1巻は作者がこの世を去ってから1年後に出版された。1949年にリトアニアを逃れてニューヨークにやってきた作者は弟のアドルファスと一緒に数々の映画を制作した。1954年にメカス兄弟は雑誌『\u003cem\u003eフィルム・カルチャー\u003c\/em\u003e』を創刊し、1958年から『\u003cem\u003eヴィレッジ・ヴォイス\u003c\/em\u003e』紙で作者は週刊コラムの連載を開始した。文章、映画、そして芸術へのたゆまぬ献身によって、アメリカのアヴァンギャルド映画とニューヨークのアートシーンのバロメーターとして認められたのはこの時期のことである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eジョナス・メカスは自然児、衰えることのない芸術的なエネルギーの源でした。彼はジャンルを無視し、あらゆる決まり事を破り、お決まりの表現や期待に応えるよりも純粋な表現と実験を常に選びました。彼は私が出会った中で最も人を奮い立たせるアーティストの一人でしたし、今もそれに変わりはありません。詩人におけるカンフーの達人です。ジョナス・メカス万歳！\u003c\/em\u003e」―ジム・ジャームッシュ\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e取り組んできたテーマの幅広さを考えると、その思想、イメージ、物語、書簡の持つ驚くべき重要性に茫然とするしかないでしょう。ここでは時間の重さが具体的なものとして感じられます。メカスの映像作品では、時間は強い存在感を持っているのに、いつの間にか逃げ出して踊り回っているような気がします…この作品集は、一人の人間が生きた生の瞬間を俯瞰するに留まらず、人生そのものを真剣に描いた肖像画でもあると思います。\u003c\/em\u003e」―コナー・ウィリアムズ（Conor Williams）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eI Seem to Live. The New York Diaries, 1950–2011\u003c\/em\u003e is Jonas Mekas’s key literary work. The first volume of this magnum opus, covering the period from 1950-69, appears posthumously one year after his death. It stands on an equal footing with his cinematic oeuvre, which he initially developed together with his brother Adolfas after their arrival in New York. In 1954, the two brothers founded \u003cem\u003eFilm Culture\u003c\/em\u003e magazine, and in 1958 Jonas began writing a weekly column for \u003cem\u003eThe Village Voice\u003c\/em\u003e. It was in this period that his writing, films, and unflagging commitment to art began to establish him as a pioneer of American avant-garde cinema and the barometer of the New York art scene.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eJonas Mekas was a force of nature – an untiring artistic energy field. He disregarded genres and broke all the rules, always favoring pure expression and experimentation over formulas and expectations. He was \/ is one of the most inspiring artists I’ve ever encountered – the poets’ version of a Kung Fu Master. Long live Jonas Mekas!\u003c\/em\u003e” – Jim Jarmusch\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\"\u003cem\u003eGiven the scope of the material, one might certainly feel disoriented by the sheer magnitude of the thoughts, images, stories, correspondences, the weight of time is felt concretely here, whereas in Mekas’s filmic work, time is both deeply felt and yet escaped, danced around. … This collection is not just a survey of moments from a single life lived, but a work of dedicated portraiture of life itself\u003c\/em\u003e.\" – Conor Williams, Interview Magazine\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32577723138128,"sku":"9783959052887","price":6380.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200629_09051.jpg?v=1594906654"},{"product_id":"scrapbook-of-the-sixties-writings-1954-2010-by-jonas-mekas","title":"SCRAPBOOK OF THE SIXTIES - Writings 1954-2010 by Jonas Mekas","description":"\u003cp\u003eリトアニアに生まれのちにアメリカへ亡命した映像作家、詩人、活動家のジョナス・メカス（Jonas Mekas）の作品集。アンディー・ウォーホル（Andy Warhol）、スーザン・ソンタグ（Susan Sontag）、ジョン・レノン（John Lennon）＆オノ・ヨーコ（Yoko Ono）…作者は非常に多くのニューヨーク在住のアーティストと通じていた。リトアニアに生まれた作者は1949年にドイツ経由でブルックリンに渡り、そこで初めて実験映画を撮り始めた。作者は日々観察したものを記録し、一種の映像日記の形式を作り上げた。そうしてニューヨークのアートシーンのバロメーター、さらにアメリカのアヴァンギャルドシネマのパイオニアとして評価されるようになる。1958年からは『\u003cem\u003eヴィレッジ・ヴォイス\u003c\/em\u003e』紙で伝説的な週刊コラム『\u003cem\u003eムービージャーナル\u003c\/em\u003e』の連載を始め、映画の世界に縛られることなく幅広いテーマについて書いた。作者はアーティストへのインタビューも数えきれないほど行っており、本書によってそのうちのいくつかが初めて出版されることとなる。作者は思慮深い日記作成者であり、類まれな時代の記録者であり、当時から50年以上にも渡って続いてきた一つの現象でもあることが、文章からよくわかる。未発表のものを含めて多数のテキストが収録されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAndy Warhol, Susan Sontag, John Lennon \u0026amp; Yoko Ono — Jonas Mekas was well acquainted with a great many New York artists. Born in Lithuania, he came to Brooklyn via Germany in 1949 and began shooting his first experimental films there. Mekas developed a form of film diary in which he recorded his daily observations. He became the barometer of the New York art scene and a pioneer of American avant-garde cinema. Every week, starting in 1958 he published his legendary \u003cem\u003eMovie Journal\u003c\/em\u003e column in the \u003cem\u003eVillage Voice\u003c\/em\u003e, writing on a range of subjects that were by no means restricted to the world of film. He conducted numerous interviews with artists, some of which will now appear for the first time in his Scrapbook of a Sixties. The book contains published and unpublished texts that reveal Mekas as a thoughtful diarist and an unparalleled chronicler of the day — a phenomenon that has continued now for over fifty years.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32577768751184,"sku":"978-3-959050-33-3","price":6050.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/ScrapbookoftheSixties00.jpg?v=1593010949"},{"product_id":"conversations-with-filmmakers-by-jonas-mekas","title":"CONVERSATIONS WITH FILMMAKERS by Jonas Mekas","description":"\u003cp\u003eリトアニアに生まれのちにアメリカへ亡命した映像作家、詩人、活動家のジョナス・メカス（Jonas Mekas）の作品集。作者はドイツを経由し1949年にブルックリンにやってきた。ここで初めて実験映画を撮り始め、日々観察したものを記録、一種の映像日記の形式を作り上げた。そうしてニューヨークのアートシーンのバロメーター、アメリカのアヴァンギャルドシネマのパイオニアとして評価されるようになる。1958年からは「\u003cem\u003eヴィレッジ・ヴォイス\u003c\/em\u003e」紙で伝説的な週刊コラム「\u003cem\u003eムービージャーナル\u003c\/em\u003e」の連載を始め、世界中の映画監督にインタビューをした。友人の映画監督や関係者への作者によるインタビューが書籍化されるのは本作が初めてとなる。作者は会話を写真と映像で記録し、写真またはスチル写真を一枚選んで各回のインタビューの紹介として使っていた。インタビューの書き起こしを補完するものとして、手紙、関連するシナリオやスクリプトからの抜粋、関係者の索引がついている。ストーム・デ・ハーシュ（Storm de Hirsch）とルイス・ブリガンテ（Louis Brigante）、アンディー・ウォーホル（Andy Warhol）、ニコ・パパタキス（Nico Papatakis）、アルバート\u0026amp;デイビッドメイスルズ兄弟（Albert and David Maysles）、ピーター・クベルカ（Peter Kubelka）、アニエス・ヴァルダ（Agnes Varda）、ハリー・スミス（Harry Smith）、ジョン・カサヴェテス（John Cassavetes）、スタン・ブラッケージ（Stan Brakhage）のインタビューを収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eJonas Mekas, born in Lithuania, came to Brooklyn via Germany in 1949 and began shooting his first films there. Mekas developed a form of film diary in which he recorded his daily observations. He became the barometer of the New York art scene and a pioneer of American avant-garde cinema. Every week, from 1958 until 1977, he published his “\u003cem\u003eMovie Journal\u003c\/em\u003e” column in the \u003cem\u003eVillage Voice\u003c\/em\u003e, conducting numerous interviews with filmmakers from all over the world. Conversations is the first time that these interviews with his filmmaker friends and associates have been put together in a book. Mekas recorded the conversations with his camera. From the films he shot with his interlocutors, Mekas selected one photo or still to introduce each interview. The collection of texts is supplemented by letters and extracts from related scenarios \/scriptsand rounded out with an index of the people involved.Jonas Mekas in conversation with Storm de Hirsch and Louis Brigante, Andy Warhol, Nico Papatakis, Albert and David Maysles, Peter Kubelka, Agnes Varda, Harry Smith, John Cassavetes, Stan Brakhage\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32585445965904,"sku":"978-3-959050-80-7","price":6380.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/ConversationswithFilmmakers0.jpg?v=1594877978"},{"product_id":"the-legend-of-barbara-rubin-film-culture-80-by-barbara-rubin","title":"THE LEGEND OF BARBARA RUBIN - FILM CULTURE 80 by Barbara Rubin","description":"\u003cp\u003eアメリカ人映画監督、パフォーマンス・アーティストであるバーバラ・ルビン（Barbara Rubin）の作品集。1960年代にニューヨークのアンダーグラウンドシーンに登場し、10代にして瞬く間にその世界の重要人物の一人となった。作者の先駆的な1963年の二重写し映画「\u003cem\u003eChristmas on Earth\u003c\/em\u003e」には煽情的でありながら時代の先を行く美意識が発揮されていた。作者はジョナス・メカス（Jonas Mekas）やアンディー・ウォーホル（Andy Warhol）と一緒に仕事をし、ボブ・ディラン（Bob Dylan）をアレン・ギンズバーグ（Allen Ginsberg）に紹介し、ウォーホルとThe Velvet Undergroundを繋げた。精力的に活動と旅をした一時期に、作者は映画とアンダーグラウンドについての情熱的な手紙を幾つもメカスに送った。『\u003cem\u003eFilm Culture\u003c\/em\u003e』誌第80号となる今回の特別版は、未発表のメカス宛ての手紙に加え、作者のインタビュー、あの名作の続編として制作される予定だった「\u003cem\u003eChristmas on Earth Continued\u003c\/em\u003e」の台本も収録。本書は2018年7月6日から22日にベルリンのsilent green Kulturquartier、SAVVY Contemporary、Arsenal – Institut für Film und Videokunstで開催された展覧会、フェスティバル「\u003cem\u003eEdit Film Culture!\u003c\/em\u003e」に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eHaving entered the New York underground in the 1960s while still a teenager, filmmaker Barbara Rubin quickly became one of its key figures. Her pioneering 1963 double-projection film \u003cem\u003eChristmas on Earth\u003c\/em\u003e was both sexually provocative and aesthetically innovative. She worked regularly with Jonas Mekas and Andy Warhol, introduced Bob Dylan to Allen Ginsberg, and connected Warhol with The Velvet Underground. During an intense period of activity and travel, Rubin wrote passionate letters about film and the underground to Mekas. This special eightieth issue of the magazine \u003cem\u003eFilm Culture\u003c\/em\u003e features her previously unpublished letters to Mekas. It also includes interviews and Rubin’s script, \u003cem\u003eChristmas on Earth Continued\u003c\/em\u003e, a planned sequel to her notorious film. This publication appears in conjunction with the exhibition and festival Edit Film Culture!, which runs from 6 to 22 July 2018 at silent green Kulturquartier, SAVVY Contemporary, Arsenal – Institut für Film und Videokunst, Berlin.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32638106206288,"sku":"978-3-959052-02-3","price":4840.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200507_0039.jpg?v=1595188009"},{"product_id":"i-will-survive-by-hito-steyerl","title":"I WILL SURVIVE by Hito Steyerl [ENGLISH \/ GERMAN EDITION]","description":"\u003cp\u003eドイツ人映像作家、ヒト・シュタイエル（Hito Steyerl）の作品集。現代社会の中で芸術や美術館が担っている役割を考察する際、作者の作品やテキストで示した見解は非常に参考になる。またこれらは、様々な形式のメディア表現を用いて実験的な作品を作ったり、人工知能とその利用について批判的な考察をしたりする際にも非常に重要である。この30年間、作者はアナログイメージとそのモンタージュの持つ多様な可能性から、デジタルのスプリットイメージの流動性と、それが戦争や虐殺、資本の移動などの表現に対して及ぼした影響まで、カメラが写し出すイメージの変化を追い続けてきた。作家のブライアン・クアン・ウッド（Brian Kuan Wood）は、作者が提示するデジタル・ビジュアルワールドについて「\u003cem\u003e私たちはもはやバーチャルではなく、まだよくわからない、おそらく全く別の具体的な概念に向き合っています。それについて私達はようやく理解し始めたばかりです\u003c\/em\u003e」と書いている。本書は、2020年秋にパリの「ポンピドゥー・センター」とデュッセルドルフの「ノルトライン・ヴェストファーレン州立美術館」で開催された作者の展覧会に伴い刊行された。本協同プロジェクトは、ドイツ連邦文化財団の助成を受けて行われている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eノラ・M・アルター、カレン・アーチー、テレサ・カストロ、アレクサンドラ・ドラージュ、フロリアン・エブナー、トーマス・エルセサー、アヤム・グラオウィ、トム・ホラート、ドリス・クリストフ、マルセラ・リスタ、ヴァネッサ・ジョアン・ミュラー、フロレンティーヌ・マーリー、マーク・テルケシディス、ブライアン・クアン・ウッドによるテキストの他、ヒト・シュタイエルとトレバー・パグレンによる講演の書き起こしを収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e英語、ドイツ語併記。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe positions adopted by Hito Steyerl in her works and texts are of key importance in any consideration of the contemporary role that art and the museum play in society. They are also crucial to experimental forays into different forms of media presentation and to the critical examination of artificial intelligence and its uses. Over the past thirty years, the artist has been tracking the way camera images have mutated, from the analogue image and its manifold possibilities for montage to the fluidity of the split digital image and the implications this then had for the representation of wars, genocides, and capital flows. “\u003cem\u003eWe are no longer dealing with the virtual but with a confusing and possibly alien concreteness that we are only beginning to understand\u003c\/em\u003e,” writes Brian Kuan Wood of the digital visual worlds that the artist presents. The book is being published in conjunction with Hito Steyerl’s survey show, which will take place in autumn 2020 at the Centre Pompidou in Paris and the Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen in Düsseldorf. The cooperative project is funded by the German Federal Cultural Foundation.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eWith texts by: Nora M. Alter, Karen Archey, Teresa Castro, Alexandra Delage, Florian Ebner, Thomas Elsaesser, Ayham Ghraowi, Tom Holert, Doris Krystof, Marcella Lista, Vanessa Joan Müller, Florentine Muhry, Mark Terkessidis, Brian Kuan Wood, and a lecture by Hito Steyerl and Trevor Paglen.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":33038653390928,"sku":"9783959053921","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/IWILLSURVIVE00.jpg?v=1606462696"},{"product_id":"shadow-fux-by-rita-ackermann-harmony-korine","title":"SHADOW FUX by Rita Ackermann, Harmony Korine","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eハンガリー人アーティスト、リタ・アッカーマン（Rita Ackermann）とアメリカ人映画監督、ハーモニー・コリン（\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eHarmony Korine\u003c\/span\u003e）による初コラボレーション作品集。ビニールやキャンバスに描かれた大規模なペインティング、ドローイング群、そして1本のフィルムで構成されており、不協和音の響きをもった壮大な作品を収録。両者ともに、心理的に衝撃を与える人物の創造が中心となり、その存在は断片的な物語によってさらに強調されている。コール \u0026amp; レスポンス方式で制作されたこのコラボレーションは、両者の作品におけるカットの重要性を示している。2人は、編集やスプライシング（※註）によって、不条理な瞬間を物語の流れに挿入し、筋書きを覆し、最終的にはストーリーテリングに対する我々の期待を裏切る。本作は、端から我々につきまとう真のエイリアンを作り出すことを目的としている。不気味なペインティングと映画の補足は、フリーク、ヒステリック、レーキ、エキセントリックへの揺るぎないモニュメントとなっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e※註 映像において、フィルムを切って繋ぐこと。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cstrong data-mce-fragment=\"1\"\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eRita Ackermann \u0026amp; Andro Wekua: Chapter 4\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2021年5月1日（土）- 7月31日（土）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e*会期延長\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：11:00-19:00\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e休廊日：日・月\u003c\/span\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e・\u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e祝\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：ファーガス・マカフリー 東京\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/fergusmccaffrey.com\/exhibition\/rita-ackermann-andro-wekua-chapter-4\/\" data-mce-fragment=\"1\" data-mce-href=\"https:\/\/fergusmccaffrey.com\/exhibition\/rita-ackermann-andro-wekua-chapter-4\/\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eShadow Fux\u003c\/em\u003e: The first collaborative work of New York artist Rita Ackermann and Nashville based director Harmony Korine consistes of large-scale paintings on vinyl and canvas, several drawings as well as one film, creating a grand presentation with dissonant overtones. Central to the praxis of both is the creation of psychologically jarring figures, whose presence is further enhanced by fragmented narratives. Produced in a call and response method, the collaboration illustrates the importance of cutting to both artists' works. Editing and splicing, Ackermann and Korine insert absurdist moments into narrative tropes, subverting plotlines and ultimately defying our expectations towards story telling. \u003cem\u003eShadow Fux\u003c\/em\u003e aims to create a veritable alien, who stalks the viewer from the fringe. The eerie paintings and their filmic complements are an unyielding monument to the freak, the hysteric, the rake, and the eccentric.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"SWISS INSTITUTE","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39390640439376,"sku":"9782906496590","price":7150.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2105143040.jpg?v=1622461626"},{"product_id":"what-we-leave-behind-by-stephan-crasneanscki","title":"WHAT WE LEAVE BEHIND by Stéphan Crasneanscki","description":"\u003cp\u003eフランス人アーティスト、ステファン・クラスニアンスキー（Stéphan Crasneanscki）の作品集。ドイツラジオ文化放送の依頼により、同じくフランス人の映画監督、ジャン＝リュック・ゴダール（Jean-Luc Godard）のアーカイブを題材に制作した重要作品『\u003cem\u003eWhat We Leave Behind\u003c\/em\u003e』を見つめ直し、1冊の本にまとめたもの。箱、コラージュ、静物、メモの4部構成になっている。映画界の巨匠ゴダールのアーカイブを探求するにあたり、作者はゴダールが個人的に収集していた短編映画、オープンリール、歴史的なエフェメラを撮影した。時代を感じさせるメモや参考文献をまとめ上げて散逸を防ぎ、ゴダールの芸術的な思考プロセスを垣間見ることができる断片的な「クリエイティブマップ」を作り上げている。1人の人間の所有物と文化的遺産の両方に向き合う中で、作者はこうしたものに散りばめられたアイデンティティ、トレーサビリティー、時間や空間の広がり、記憶、存在、物質性、史実性といった様々な概念に対する賞賛を表現し、自己の解釈を付け加えている。ミュージシャン、作家、詩人のパティ・スミス（Patti Smith）による序文、映画監督アベル・フェラーラ（Abel Ferrara）との対談、映画評論家、歴史家、編集者であるアントワーヌ・ドゥ・ベック（Antoine de Baecque）によるエッセイを収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003eMOT Plus サウンドウォーク・コレクティヴ \u0026amp; パティ・スミス｜コレスポンデンス\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e会期：2025年4月26日（土）- 6月29日（日）\u003cbr\u003e休館日：月曜日（5月5日は開館）、5月7日\u003cbr\u003e時間： 10:00 - 18:00\u003cbr\u003e開催場所：東京都現代美術館\u003cbr\u003e\u003ca rel=\"noopener\" href=\"https:\/\/www.mot-art-museum.jp\/exhibitions\/MOTPlus-correspondences\/\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eSubsequent to a commissioned sound composition for Deutschlandradio, multidisciplinary artist Stéphan Crasneanscki (b. 1969, French) further examines his significant opus What We Leave Behind, on French film director Jean-Luc Godard’s archive, into book form. The book is divided into four comprehensive sections: boxes, collages, still lifes and notes. When invited to explore the archive of the seminal film director, Crasneanscki photographed Godard’s personal collection of shot film, reel-to-reels and historical ephemera. The notes and references in the book attest to the passing of time, yet being saved from oblivion; as a fragmented creative map of a master film director’s artistic thought process. In addition to working with someone’s personal belongings and its cultural heritage, Crasneanscki also adds his own interpretation and admiration to the material’s constellation of ideas of identity, traceability, temporality, space, memory, existence, materiality and historicity. The book contains a foreword by musician, author and poet Patti Smith (b. 1946, American), a conversation with filmmaker Abel Ferrara (b. 1951, American) and an essay written by film critic, historian and editor Antoine de Baecque (b. 1962, French).\u003c\/p\u003e","brand":"LIBRARYMAN","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39412270071888,"sku":"9789188113450","price":7150.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/WHATWELEAVEBEHIND00.jpg?v=1744804281"},{"product_id":"5-poltergeist-ii-drawings-1983-1985-by-h-r-giger","title":"5 – POLTERGEIST II: DRAWINGS 1983-1985 by H.R.Giger","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eスイス人アーティスト、H・R・ギーガー（H. R. Giger）の作品集。作者が映画『\u003cem\u003eポルターガイスト2\u003c\/em\u003e』（1986, ブライアン・ギブソン（Brian Gibson）監督）に関わっていた際のスケッチブックを複製した一作。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者は、映画『\u003cem\u003eエイリアン\u003c\/em\u003e』（1979, リドリー・スコット（Ridley Scott）監督）にてクリーチャーデザインを手がけたことにより、ハリウッドでのオカルト的ホラー作品やSF作品において確固たる地位を築き上げた。その当時の日記を複製、書籍化した『\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/products\/alien-diaries-by-h-r-giger\" data-mce-href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/products\/alien-diaries-by-h-r-giger\"\u003eALIEN DIARIES\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e』（2013 \/ 初版, EDITION PATRICK FREY）でもその詳細を見ることができる。その後、『\u003cem\u003eポルターガイスト2\u003c\/em\u003e』で幽霊のデザインを担当。ロンドン近郊の映画スタジオ「シェパートン・スタジオ（Shepperton Studios）」で制作した『\u003cem\u003eエイリアン\u003c\/em\u003e』とは異なり、チューリッヒから遠隔で携わり、マーク・ヴィクター（Mark Victor）とマイケル・グレイス（Michael Grais）の脚本をベースにエアブラシで描き上げた「クリーチャー」をエアメールでロサンゼルスまで送ることで進行された。しかし、現場に作者が不在であることに加え、監督やスタジオとの誤解や行き違い、制作予算の不足により、最初に設定画として描かれていたミステリアスな暗さや、クリーチャーが変形していく可塑性が削がれ、セルロイド上でフラットなものとなって仕上がり、いかにも作りものらしいB級映画に出てくる安っぽいモンスターになってしまった。作者が出したサイケデリックなスケッチでは、ミミズのような幽霊がグロテスクなドワーフ（小人）に変化し、ギリシア神話のゴルゴンが魂を貪り喰ったような「The Great Beast」と名付けられた怪物へと変身していくようすが描かれていた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は、オリジナルのスケッチブックと同じサイズで作られ、表紙から背表紙、中身も現物を複写して忠実にそのまま再現されている。背に書かれたタイトル「ポルターガイスト」の綴りは誤っているが、作者がスペルを間違えてスケッチブックに書いてしまった状態をそのまま採用。135点のドローイングに加え、ブライアン・ギブソン監督に向けた疑問や提案が書かれた手紙の下書きが収録されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThanks to his work on the iconic creature for the film \u003cem\u003eAlien\u003c\/em\u003e (Ridley Scott, 1979)—a detailed account of which is given in his \u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/products\/alien-diaries-by-h-r-giger\"\u003e\u003cem\u003eAlien Diaries\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e (2013, first edition, Edition Patrick Frey)—H. R. Giger was firmly established in Hollywood’s supernatural horror and science fiction genres. Giger went on to design all the ghosts for \u003cem\u003ePoltergeist II: The Other Side\u003c\/em\u003e (Brian Gibson, 1986). Unlike his work on Alien on the set at Shepperton Studios in England, Giger collaborated on the movie remotely from Zürich, basing his creatures on Michael Grais and Mark Victor’s screenplay and airmailing the airbrushed designs to Los Angeles. Due to his absence as well as misunderstandings with the director and the studio and a meager production budget, the dark inscrutability and amorphous plasticity of Giger’s initial shape-shifting sketches ended up falling flat on celluloid, coming to resemble cheap-looking monsters in a campy B-movie. Giger’s in some cases psychedelic sketches were designed as sequences showing the metamorphosis of a worm-like ghost into a grotesque dwarf that ultimately morphs into a soul-devouring Gorgon-like monster called “The Great Beast”. \u003cem\u003ePoltergeist II—Skizzen 1983–1985\u003c\/em\u003e is a facsimile edition of Giger’s original sketchbook, containing 135 of his remarkable drawings as well as drafts of letters expressing doubts and suggestions to director Brian Gibson.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39447032561744,"sku":"9783907236208","price":16170.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/poltergeist-ansicht_dc119d92-fc4e-418b-a05d-6dc18f1941ad.jpg?v=1626325952"},{"product_id":"a-fascinating-plan-by-marius-goldhorn-enis-maci-mazlum-nergiz-tanita-olbrich-pascal-richmann","title":"A FASCINATING PLAN by Marius Goldhorn, Enis Maci, Mazlum Nergiz, Tanita Olbrich, Pascal Richmann","description":"\u003cp\u003eドイツ人作家のマリウス・ゴールドホーン（Marius Goldhorn）、エニス・マチ（Enis Maci）、パスカル・リヒマン（Pascal Richmann）、トルコ生まれの作家 マズルム・ネルギズ（Mazlum Nergiz）、ドイツ人映像作家のタニータ・オルブリッヒ（Tanita Olbrich）による作品集。ミュンヘン小劇場とのコラボレーションにより2020年のルール演劇祭のために制作された同タイトルのビデオインスタレーションの一部をまとめている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e何日も日照りが続いた後に突然雨が降ってきたところを想像してほしい。雨晒しの駐車場に停めてあるトヨタのプリウスが雨に濡れて輝いている。この車はガソリンエンジンを使うこともあれば、電気で走ることもある。アンバーグリスを髪に塗り、気分が高揚した女性が迸るようなキスをしようと誘ってきたとしたらどうだろう。パンクバンドの Carambolage は「\u003cem\u003e暗黒こそ魅力的だ\u003c\/em\u003e」と歌う。村に電気がつながり若者が強い感動を受けることと、冷ましてはいけないロモノーソフのスープとにいったいどんな関係があるというのだろうか。ビットコインをマイニングするテスラの自動車、美少女戦士セーラームーンの世界から電気ビームでワープしてくる魔女たち、ライン川のほとりで焼身自殺した2人の若い女性たち。さて、この3つに共通するものは何だろう。この本は、長期的な興味と新たな執着を原動力とする発電所である。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e小説「\u003cem\u003ePark\u003c\/em\u003e」（Suhrkamp）と詩集「\u003cem\u003eYin\u003c\/em\u003e」（Korbinian）の著者マリウス・ゴールドホーン、エッセイ集「\u003cem\u003eEiscafé Europa\u003c\/em\u003e」（Suhrkamp）の著者で最近では「\u003cem\u003eWÜST\u003c\/em\u003e」（ブレーメン劇場）をはじめとする数多くの戯曲を発表しているエニス・マチ、最近では「\u003cem\u003eSteve Temple\u003c\/em\u003e」（Blicke Festival 2020）、「\u003cem\u003eKajsa Athena\u003c\/em\u003e」（Kassel Documentary Festival 2019）などを制作した映像作家タニータ・オルブリッヒ、戯曲やエッセイの作者で最近では「\u003cem\u003eFalten \u0026amp; Inseln\u003c\/em\u003e」（Matthes \u0026amp; Seitz）を出版したマズルム・ネルギズ、エッセイ「\u003cem\u003eÜber Deutschland, über alles\u003c\/em\u003e」（Hanser）、「\u003cem\u003eMan vermisst diesen Planeten\u003c\/em\u003e」（Spector Books）の著者パスカル・リヒマンによる共著。\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eLet’s say it hasn’t rained for days and suddenly it starts raining. There’s a Toyota Prius in a wet car park, which is glistening in the rain. Sometimes the car’s combustion engine is running and sometimes it uses electricity. Let’s say a woman rubs her hair with amber, she gets charged up, inviting us ... to an electric kiss. The punk band Carambolage sings, ”The darkness is what is so alluring.“ What does the electrification of villages and teenagers have to do with Lomonosov’s soup, which mustn’t be allowed to get cold? What do the following have in common: a Tesla motor digging up Bitcoins, the witches electric warp from the Sailor Moon universe, and the self-immolation of two young women on the banks of the Rhine? This book is a power plant. It is fuelled by long-cherished interests and new obsessions.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eA Fascinating Plan is all about energy. Part of the video installation with the same title produced for the Ruhrfestspiele 2021 in cooperation with the Munich Kammerspiele.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eMarius Goldhorn has published the novel Park (Suhrkamp) and the poetry collection Yin (Korbinian). Enis Maci has authored the volume of essays Eiscafé Europa (Suhrkamp) and a number of plays, most recently WÜST (Theater Bremen). Tanita Olbrich is a film-maker. Her most recent productions are Steve Temple (Blicke Festival 2020) and Kajsa Athena (Kassel Documentary Festival 2019). Mazlum Nergiz writes plays and essays, most recently Falten \u0026amp; Inseln (Matthes \u0026amp; Seitz). Pascal Richmann is the author of the essays Über Deutschland, über alles (Hanser) and Man vermisst diesen Planeten (Spector Books).\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39534808236112,"sku":"9783959054737","price":3300.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_7.jpg?v=1632370047"},{"product_id":"doug-aitken-by-doug-aitken","title":"DOUG AITKEN by Doug Aitken","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、ダグ・エイケン（Doug Aitken）の作品集。「文明は我々に希望を与える」「文明は恐ろしい」、独特な世界観を持つ作者の作品からはこの2つの感情が感じられる。意味深長なイメージと循環する風景が渦を巻いて心を掴んではなさない、めくるめく映像・音響作品は、世界を巡る共感覚の旅、そして自分自身の内面へと見る者を誘う。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eフランクフルトのシルン美術館で開催された展覧会では、4つの大規模な映像インスタレーションとそれに関連する彫刻、サイトスペシフィックなサウンドインスタレーションを取り揃え、展示スペース全体を使って作者の世界が様々な要素から成っていることを示していた。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e万華鏡のようなその世界は、生きることにまつわる実存的な疑問を中心に展開していながらも、それに対するシンプルな答えは提示していない。その代わりに作者は、人間であることや、共同体や協力という人ならではの感覚に対するむき出しの興味を作品に昇華する。こうして、ワシントンにある国立公園ナショナル・モールの美術館の外壁をライトアップしたインスタレーションや、ニューヨークからサンフランシスコへ行く電車を舞台に様々なアーティストが参加し、緻密な演出の下で数週間をかけて作り上げた「Station to Station」などの作品を通じて展覧会のフォーマットを再定義し、世界的な注目を集めた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eCivilization raises hopes – civilization is terrifying. These feelings are palpable in the inimitable works of art by the American artist Doug Aitken. His spectacular film and sound works take visitors on a synaesthetic journey around the world and into themselves – in an irresistible maelstrom of expressive images and rhythmic landscapes. With four expansive film installations and correlating sculptures as well as a site-specific sound installation, the exhibition will present an overview of the internationally renowned artist’s heterogeneous oeuvre throughout the entire exhibition area of the SCHIRN – and beyond. Aitken’s kaleidoscopic universe revolves around life’s existential questions, yet it does not supply any simple answers. Instead, the artist lends expression to an almost naïve fascination with being human and people’s sense of collectivity and cooperation. Consequently, the recent projects by the Los Angeles-based artist have redefined the exhibition format and gained him worldwide attention, for instance through the illumination of the exterior walls of museums, like at the National Mall in Washington, D.C., or through an elaborately staged happening with the participation of various artists on the Station to Station train journey from New York to San Francisco lasting several weeks.\u003c\/p\u003e","brand":"VERLAG FÜR MODERNE KUNST","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39562755735632,"sku":"9783903004184","price":5500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2109174073.jpg?v=1633599775"},{"product_id":"artists-book-by-jonas-mekas","title":"ARTIST'S BOOK by Jonas Mekas","description":"\u003cp\u003eリトアニアに生まれのちにアメリカへ亡命した映像作家、詩人、活動家のジョナス・メカス（Jonas Mekas）の作品集。本書は、友人やアーティストが長年にわたり作者へ送ってきたポストカード、メモ、ドローイング、手紙で構成される。作者が撮影したり書くことで生まれた「日記」の続編ともいえる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eJonas Mekas's artist book is made up of postcards, notes, drawings and letters that friends and artists have sent him over the years. It is a sequel to his filmed and written diaries.\u003c\/p\u003e","brand":"ONE STAR PRESS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39563227725904,"sku":"","price":6600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2107143485.jpg?v=1633668733"},{"product_id":"antigone-by-tacita-dean","title":"ANTIGONE by Tacita Dean","description":"\u003cp\u003eベルリンを拠点として活動するイギリス人アーティスト、タシタ・ディーン（Tacita Dean）の作品集。\u003cmeta charset=\"UTF-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eスイスのバーゼル美術館（Kunstmuseum Basel）で2021年8月から2022年1月日まで開催された展覧会に伴い刊行された。\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e1時間の長編大作である本作は、神話上の登場人物、個人の歴史、偶然が絡みあう物語を紡ぎ出す作者の非凡な才能を物語っている。技術的に汎用性が高く、ざらざらとした質感が美しい35mmのアナログフィルムを作者は好んで用いる。多才であるがゆえ、作者は映像にとどまらず、写真、版画、文章など他のジャンルや技法にも精通している。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e作者は本作のアイデアを長い間温めてきたという。タイトルである「ANTIGONE（アンティゴネ）」は自身の姉の名前でもあり、古代ギリシア三大悲劇詩人であるソフォクレスの作品に登場する悲劇のヒロインでもある。オイディプス王の神話に初めて出会った日から、作者は幕間に置かれた場面で起きていることを想像してきたという。その間に、追放された盲目の王は、自分の娘であり妹でもあるアンティゴネに付き添われて荒野をさすらう。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e「『\u003c\/span\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eAntigone』は、どの瞬間を切りとっても混沌としていて、複雑で、面白い。そこには言葉とイメージ、場所と雰囲気が混然一体となった豊かな世界が広がっている\u003c\/em\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e」\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e– エイドリアン・アール（Adrian Searle \/ \u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e美術評論家） The Guardian\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe hour-long epic \"\u003cem\u003eAntigone\u003c\/em\u003e\" bespeaks the British-European artist's extraordinary ability to interweave mythological figures, personal history, and chance. Her primary medium is analog film, which she cherishes for its technical versatility and grainy brilliance. Yet she is also a master of other genres and practices such as photography, printmaking, drawing, and writing. The idea for Antigone had been on her mind for decades: Antigone is the name of her older sister, but also of the eponymous tragic heroine of the play by Sophocles. Ever since her first encounter with the myth of King Oedipus, Dean had wondered about what happens in the interval during which the blind exiled ruler, attended by his daughter and sister Antigone, wanders the wilderness.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"WALTHER KÖNIG","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39565842251856,"sku":"9783906315140","price":5500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_dc4881dc-2204-4035-9c54-9594377afff5.jpg?v=1637298074"},{"product_id":"theatre-by-dan-graham","title":"THEATRE by Dan Graham","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、ダン・グレアム（Dan Graham）の作品集。1969年から1977年にかけて行われた作者の初期の7つのパフォーマンスを、作品ごとにメモ、記録、写真で記録。1978年に刊行された作品集の複製版として制作された本書は、パフォーマンス会場の中で個人によって、もしくは個人個人の間に作られる心理的・社会的空間に対し、問い直したり壊すことで生まれた作品に焦点を当てている。作者の作品の多くがそうであるように、この作品群もまた、文化的規範に対する批判として存在し、時間の経過とともに増幅していくありふれた社会的行為を利用して作られた多くのパフォーマンスがそこにはある。\u003cem\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eTheatre\u003c\/em\u003e is an artist book that documents seven early performances by Dan Graham taking place from 1969 to 1977 with notes, transcripts, or photographs for each work. Originally published in 1978, and produced here in facsimile form, the publication focuses on several key works that interrogate or undermine the psychological and social space created by, or between, individuals inside the performance venue.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eLike most of Graham’s work, they also serve as a critique of cultural norms, with many of the performances utilizing quotidian, social acts that are amplified over time. For example, in \u003cem\u003eLax\/Relax\u003c\/em\u003e (1969), Graham’s subversion of West Coast new ageism, the artist chants “relax” in sync with a recording of a woman saying “lax” in a meditative manner, which implicates the audience into a group breathing exercise or hypnosis over the course of 30 minutes.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThroughout the ’70s, the artist engaged in a series of works that subverted the prescribed roles of the audience and performer by creating conditions in which each simultaneously functions as both (creating a type of feedback loop). Remarking on another work form this period, Graham once stated, “It begins with Minimal Art, but it’s about spectators observing themselves as they’re observed by other people.”* This paradigm is extended even further in \u003cem\u003ePerformer\/Audience Sequence\u003c\/em\u003e (1975) and \u003cem\u003ePerformer\/Audience Mirror\u003c\/em\u003e (1977), in which the artist performs by describing the audience as well as himself, creating conditions whereby the audience is performing for the artist as well as themselves.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eLike\u003c\/em\u003e (1971), \u003cem\u003ePast Future Split Attention\u003c\/em\u003e (1972), and \u003cem\u003eIdentification Projection\u003c\/em\u003e (1977) are also featured in the publication.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eDan Graham (b. 1942) is an artist based in New York. Since the 1960s, he has produced a wide range of work and writing that engages in a highly analytical discourse on the historical, social, and ideological functions of contemporary cultural systems. Architecture, popular music, video, and television are among the focuses of his investigations, which he articulates through essays, performances, installations, videotapes, and architectural\/sculptural designs.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"PRIMARY INFORMATION","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39576838996048,"sku":"9781736534632","price":3300.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/1_ee22a9b2-47bd-4ed9-9132-3a1ddec62c11.jpg?v=1640327469"},{"product_id":"heroes-and-ghosts-by-mathis-gasser","title":"HEROES AND GHOSTS by Mathis Gasser","description":"\u003cp\u003eロンドンを拠点に活動するスイス人アーティスト、マティス・ガッサー（Mathis Gasser）の作品集。各ページに不気味な空気を纏って直立する人物が配置された本書はすべて、ハリウッドの大作映画、パルプ・ホラー、SF、漫画、コミックなどのポップカルチャーから、秘伝的なものや芸術作品まで、さまざまなメディアから借用されたファウンドフォトを油絵によって再構築した作品で構成されている。架空のキャラクターたちによる人類学的絵画図鑑とも言える一冊である。各キャラクターは物語の中で社会秩序における暴力、抵抗、混沌の力を体現し、現代の自由民主主義が抱える抑圧された恐怖や不安を掘り起こし、それらを明るみに出す役割を担っているのだが、作者は人物を物語やメディアの文脈から切り離しキャンバスに移すことで、キャラクターの行動における点と点を結び、その本質を見極めることを鑑賞者に促している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn the middle of each painting stands a lone figure, facing the viewer, eerily still and, in some cases, menacing. The figures are borrowed from various media, ranging from pop culture, including Hollywood blockbusters, pulp horror, science fiction, manga and comics, to esoterica and works of art. Heroes and Ghosts is an ongoing series of figurative oil-on-canvas paintings by Swiss-British artist Mathis Gasser. This anthropological pictorial atlas of fictional characters is peopled by ghostly (anti-)heroes and (anti-)heroines, figures and narratives of the past that abide in our collective memory, continually transformed by contemporary culture—at an ever-increasing pace due to growing demand in the digital realm—and resurfacing in all sorts of different media. Gasser removes these figures from their narrative and media contexts and transfers them to the canvas, where they stand as if frozen in mid action, though it’s up to the viewer to connect the dots and divine the nature of that action. In the stories in which they debut, these characters often embody the forces of violence, resistance or chaos within the social order, dredging up the suppressed fears and anxieties of contemporary liberal democracies and bringing them to light. They circulate in the creative realm of the now globalized systems that begat them, functioning as a means of cultural management of social tension, civil commotion and revolt.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39583157649488,"sku":"9783907236284","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/1_8dd79113-41c4-4694-96f6-ce52f0501ff0.jpg?v=1645255345"},{"product_id":"the-films-of-andy-warhol-catalogue-raisonne-1963-1965-by-andy-warhol","title":"THE FILMS OF ANDY WARHOL CATALOGUE RAISONNE 1963-1965 by Andy Warhol","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、アンディ・ウォーホル（Andy Warhol）の作品集。2006年に刊行された作者の映像作品のカタログレゾネ『\u003cem\u003eAndy Warhol Screen Tests\u003c\/em\u003e』を補完するものであり、1963年から1965年にかけて制作された作品に焦点を当てている。作者が影響を受けたものや、素材、制作プロセス、革新的なその技術、作品に関わった人々など、さまざまな要素から構成されている。短編、長編、サイレント、サウンド、台本、即興など数多くのフィルムやビデオ作品を制作した作者による100点以上の作品にまつわる要約と分析も収録。また、映像作品をより深く理解すべく、スチル写真やドキュメンタリー画像も掲載しており、その中にはこれまでほとんど世に出てこなかったものも含まれている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cstrong data-mce-fragment=\"1\"\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eアンディ・ウォーホル・キョウト \/ ANDY WARHOL KYOTO\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2022年\u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e9月17日（土）-\u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e 2023年2月12日（日）\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：10:00-18:00 月曜\u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e（但し祝日の場合は開館）・年末年始休館\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：\u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e京都市京セラ美術館 新館「東山キューブ」\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.andywarholkyoto.jp\/\" data-mce-fragment=\"1\" target=\"_blank\" data-mce-href=\"https:\/\/www.andywarholkyoto.jp\/\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eThe provocative pop artist’s on-screen experiments, newly brought to light in this essential reference work\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eIn the 1960s, Andy Warhol (1928–1987) produced hundreds of film and video works—short and long, silent and sound, scripted and improvised. This catalogue raisonné of the artist’s films, a complement to 2006’s Andy Warhol Screen Tests, focuses on works he produced from 1963 to 1965. Detailed cataloguing of each work is combined with orienting and enlightening essays that cover Warhol’s influences, source material, working methods, and technical innovations, as well as his engagement with the people he filmed and how they came to life on the screen. In addition, rich entries offer detailed summaries and analysis of more than a hundred individual works. The vigorous illustration program includes countless stills and documentary images to further elucidate the film works, including many that have circulated only rarely. Warhol’s dynamic and creative approach to filmmaking redefined the genre, drawing audiences and receiving positive attention along with deep criticism. In 1970, he placed his films in storage for the next 14 years, taking them out of public view and distribution. During that time, critics and audiences could only piece together information about these works from hearsay, verbal accounts, and reviews. Since then, the works have been studied, preserved, and catalogued, culminating in this volume, which illuminates the true significance of Warhol’s radical experiments in film and his mastery of the medium.\u003c\/p\u003e","brand":"WHITNEY MUSEUM OF AMERICAN ART","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39614940250192,"sku":"9780300260113","price":16500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/1261.jpg?v=1642063747"},{"product_id":"i-seem-to-live-the-new-york-diaries-vol-2-1969-2011-by-jonas-mekas","title":"I SEEM TO LIVE - The New York Diaries. vol. 2, 1969-2011 by Jonas Mekas","description":"\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan\u003eリトアニアに生まれのちにアメリカへ亡命した映像作家、詩人、活動家のジョナス・メカス（Jonas Mekas）の作品集。『\u003c\/span\u003e\u003cem\u003eThe New York Diaries\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e』は代表的な文学作品かつ\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e自伝であり、作者の映画作品と等しく重要な位置付けにある最高傑作とされている。本作は、作者が\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eこの世を去ってから1年後に刊行された「\u003c\/span\u003e\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/i-seem-to-live-the-new-york-diaries-vol-1-1950-1969-by-jonas-mekas\" data-mce-href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/i-seem-to-live-the-new-york-diaries-vol-1-1950-1969-by-jonas-mekas\"\u003e\u003cem\u003eI SEEM TO LIVE - The New York Diaries. vol.1, 1950-1969\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003cspan\u003e」に続く第2巻であり、完結編となる。映像作品の年代順リスト、バイオグラフィーに加え、錚々たる巨匠らが名を連ねる人名索引が収録されている。前作に続き、ニューヨークのアンダーグラウンド・アートシーンで過ごした濃密な時間が丹念に描写されている。作者が一時期暮らしていたチェルシーホテルがクリエイティビティの震源地だった1970年代から物語は始まる。\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan\u003e1970年にジェローム・ヒル（Jerome Hill）、P・アダムス・シットニー（P. Adams Sitney）、ピーター・クーベルカ（Peter Kubelka）、スタン・ブラッケージ（Stan Brakhage）らとともに設立した「アンソロジー・フィルム・アーカイヴズ（\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003ethe Anthology Film Archives）」は、その後作者が購入した32丁目2番街の裁判所の建物で今も活動を続けている。\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eSeem to Live: The New York Diaries, 1950–2011\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e is Jonas Mekas’s key literary work. The first volume (1950–1969) of this magnum opus appeared posthumously in 2019. It ranks alongside his cinematic oeuvre, which he elaborated together with his brother Adolfas after their arrival in New York in 1949. In the 1950s, Mekas began to shoot his first films, in the process developing an essayistic format that he would use as a diary to record his day-to-day observations. His writing, films, and unflagging commitment to art made him a pioneer of American avant-garde cinema and the barometer of the New York art scene. I Seem to Live: The New York Diaries, 1969–2011, vol. 2, the second and concluding volume of his diaries, contains an extensive index of names as well as a filmography and biography.\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan\u003eJonas Mekas (1922–2019) was born in Lithuania and arrived in New York in 1949 via post-war DP camps in Germany. Co-founder of the Anthology Film Archives, Mekas was a filmmaker, writer, and poet, as well as a tireless advocate for experimental art and a New York City legend.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39616955154512,"sku":"9783959052900","price":6380.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_217ebfbc-99f7-40f9-8238-3ad75aaaba92.jpg?v=1646123055"},{"product_id":"nam-june-paik-by-nam-june-paik","title":"NAM JUNE PAIK by Nam June Paik","description":"\u003cp\u003eビデオアートの先駆者として知られる、韓国生まれのアメリカ人アーティスト、ナム・ジュン・パイク（Nam June Paik）の作品集。ロンドンの「テート・モダン（Tate Modern）」で開催された展覧会に伴い刊行された。最先端かつ革新的でありながら、遊び心にあふれたその作品は、今日に至るまで多分野に広がりながら、芸術と文化に大きな影響を与え続けてきた。作者の50年にわたるキャリアを、アーカイブ資料や著作の抜粋も交えてまとめられている。ヨーゼフ・ボイスと協働した「\u003cem\u003eユーラシア\u003c\/em\u003e」プロジェクトや「\u003cem\u003eエレクトロニック・スーパーハイウェイ\u003c\/em\u003e」といった、作者のアイデアやグローバルな時代に対する深い洞察や予見もトランスナショナリズムの文脈から初めて分析され、新たな世代との結びつきを感じさせるその軌跡とデジタル文化への大きな影響を紐解いている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eThis ground-breaking exhibition catalogue brings together works that span Nam June Paik’s five decade career, including archival materials and excerpts of Paik’s own writings. It offers an in-depth understanding of the artist’s innovative practice and his vision of a multidisciplinary future.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eConsidered to be the founder of video art, Nam June Paik was a visionary artist who foresaw the importance of mass media and new technology, and its impact on visual culture. His cutting-edge, innovative, yet playfully entertaining work continues to be a major influence on art and culture to this day.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eHis ideas such as ‘\u003cem\u003eEurasia\u003c\/em\u003e’ and ‘\u003cem\u003eElectronic Superhighway\u003c\/em\u003e’, and his profound insight into a global age is also analysed in the context of transnationalism for the first time. Texts elaborate upon Paik’s collaborations with other artists, musicians and choreographers, such as Charlotte Moorman, John Cage, Merce Cunningham, Joseph Beuys and Fluxus, highlighting Paik’s global trajectory and considerable impact on digital culture, which connect his art to a new generation.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"TATE PUBLISHING","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39645954900048,"sku":"9781849766357","price":6050.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2201200103.jpg?v=1643606100"},{"product_id":"digital-nudes-by-david-lynch","title":"DIGITAL NUDES by David Lynch","description":"\u003cp\u003eアメリカ人映画監督、脚本家、画家のデヴィッド・リンチ（David Lynch）の作品集。カルト映画の巨匠として知られる作者の表現は変幻自在であり、ドローイング、絵画、サウンドに加えて、写真を用いて制作に取り組んできた。本書は女性像を深く追求したヌードポートレイトシリーズの第二弾であり、前作『\u003cem\u003eNUDES\u003c\/em\u003e』に続き、アナログ写真の美学に沿いながら、デジタル技術がもたらす可能性を探る。足、腕、不可解な曲線状のフォルム、キアロスクーロ（コントラストの強調）のポートレイト、マニキュアを塗った爪やリップの写真など、約150点にのぼる未発表のデジタル写真作品を収録。西洋美術においてモチーフとされてきた女性の裸体を、独自の扱い方により「女性らしさ」というものに捧げている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eグラフィックデザイナーのソニア・ダヤコヴァ（Sonya Dyakova）が主宰する「アトリエ・ダヤコヴァ（Atelier Dyakova）」が装丁を手がける。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/blogs\/articles\/interview-sonya-dyakova-founder-and-creative-director\" data-mce-fragment=\"1\" data-mce-href=\"https:\/\/twelve-books.com\/blogs\/articles\/interview-sonya-dyakova-founder-and-creative-director\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eインタビュー ソニア・ダヤコヴァ　『Donald Judd, Artworks: 1970–1994』における制作プロセスとその理想\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eDigital Nudes\u003c\/em\u003e brings together a corpus of previously unpublished digital images by David Lynch. It follows the aesthetics of Nudes’ analogue photographs, while experimenting with the possibilities offered by digital technology.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eKaleidoscopic visions of legs, arms or undefined curves, chiaroscuro portraits, photographs of varnished nails and lacquered mouths … With 150 images, many of them published for the first time, these erotically charged photographs are an ode to femininity and attest to David Lynch’s fascination with the infinite variety of the human body while also echoing his cinematographic work.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"FONDATION CARTIER POUR L'ART CONTEMPORAIN","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39707473805392,"sku":"9782869251663","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_f7d595b0-1efb-4778-a71d-912fb867f5e2.jpg?v=1649212341"},{"product_id":"contrapposto-studies-by-bruce-nauman","title":"CONTRAPPOSTO STUDIES by Bruce Nauman","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、ブルース・ナウマン（Bruce Nauman）の作品集。2021年5月から2022年11月にヴェネツィアの現代美術館「プンタ・デラ・ドガーナ（Punta della Dogana）」で開催された展覧会に伴い刊行された。装丁はロンドンを拠点とするデザイン事務所「Zak Group」が手がける。この展覧会では、「フィラデルフィア美術館」と「ピノー・コレクション」の共同コレクションに所蔵する2つの作品「\u003cem\u003eContrapposto Studies, I through VII\u003c\/em\u003e」、「\u003cem\u003eWalks In Walks Out\u003c\/em\u003e」が展示された。本展では、ウィットに富んだ作者が、1960年代に制作した「歩く」作品に新たなひねりを加えている。「コントラポスト」とは、重心の大半を片足にかけることによって上半身が体の軸からずれる人物のポーズを指す。最新作では、この古くからある芸術的概念を探求し、狭い廊下を歩きながら、古典的なポーズを取ろうとする1968年のビデオ作品「\u003cem\u003eWalk with Contrapposto\u003c\/em\u003e」を再訪する。作者は、現代のデジタル加工の技術を駆使して、この初期作品を新たな文脈で構築し、人間の動きや静止している表現に対して疑問を投げかけている。本書は、2015年から2019年にかけて制作された「\u003cem\u003eContrapposto\u003c\/em\u003e」シリーズとオリジナルの映像の記録に加え、作者の活動を通じての空間とパフォーマンスの用い方を考察した新しいエッセイがスリップケース付きの2冊組書籍に収まっている。1巻は、エッセイ全7点と、「フィラデルフィア美術館（Philadelphia Museum of Art）」の「キースL.・アンド・キャサリン・サックス・コレクション（The Keith L. and Katherine Sachs Collection）」のキュレーターであるカルロス・バスアルド（Carlos Basualdo）と作者とのインタビューが収録されており、2巻は本展に出品された全32点の図版とエッセイが収録されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe witty American conceptualist offers a fresh twist on his classic 1960s walking piece\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e“Contrapposto” refers to a pose in which the human subject is turned slightly so that the bust is positioned off-axis from the lower body. American artist Bruce Nauman (born 1941) explores this ancient artistic concept with his most recent project, in which he revisits his 1968 video piece \u003cem\u003eWalk with Contrapposto\u003c\/em\u003e that depicts the artist’s attempt to hold the classic pose as he walks down a narrow corridor. Nauman uses today’s digital manipulation technologies to build upon this early work in an entirely new context, questioning the representation of human movement and human stillness throughout history. This volume, designed by London-based graphics studio Zak Group, presents documentation of Nauman’s \u003cem\u003eContrapposto\u003c\/em\u003e series from 2015 to 2019 as well as the original video, with new essays that extrapolate upon Nauman’s use of space and performance throughout his career.\u003c\/p\u003e","brand":"MARSILIO ARTE","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39769033211984,"sku":"9788829709267","price":13200.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/1_d29e4304-3d38-4f1d-a991-2afd01d6cb1a.jpg?v=1662188330"},{"product_id":"notes-working-processes-re-concerns-that-take-on-deal-with-by-dara-birnbaum","title":"NOTE(S): WORK(ING) PROCESS(ES) RE: CONCERNS (THAT TAKE ON \/ DEAL WITH) by Dara Birnbaum","description":"\u003cp\u003eアメリカ人ビデオ・インスタレーションアーティスト、ダラ・バーンバウム（Dara Birnbaum）の作品集。本書の元となったのは、1977年に1冊だけ手製本によって制作され、作者の初期の映像作品やインスタレーション、テキスト、制作中のドローイング、写真資料やそのほかのエフェメラを集めた一冊である。作者自身によって制作されたこのオリジナル版の1冊は、1977年にニューヨークのオルタナティブ・スペース「フランクリン・ファーネス（Franklin Furnace）」にて開催された展覧会「\u003cem\u003eNotebooks, Workbooks, Scripts, and Scores\u003c\/em\u003e」で展示された。本書は、ビニールの表紙や章の仕切り、手で折られたページ、カラー画像などすべて再現されて再版され、アメリカ人ライターでバード大学助教授のアレックス・キトニック（Alex Kitnick）が新たに序文を寄せている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本書は、ビデオアート、そしてそのテレビとの関係について作者がキャリア初期に行った研究について貴重な見解を与えている。この時期、作者の作品は、視聴と表象の間で複雑な回路を構成していた。投影性同一視、退行、抵抗、間主観性といった精神分析的な概念に興味を持った作者は、これらを映像制作の形式やその中で起こる対人関係の政治性などと並行して分析した。これらの研究は、1987年の「\u003cem\u003eTechnology\/Transformation: Wonder Woman\u003c\/em\u003e 」や1979年の「\u003cem\u003eGirls: Make Them Cry\u003c\/em\u003e」といった作者の画期的な作品群の基礎となるものであり、人気のテレビ番組を流用してネットワーク・テレビで使われる言葉遣いやイメージを批評した。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e他にも、1975年の「\u003cem\u003eBack Piece\u003c\/em\u003e」、「\u003cem\u003eAttack Piece\u003c\/em\u003e」、「\u003cem\u003eMirroring\u003c\/em\u003e」、1976年の「\u003cem\u003eLiberty: A Dozen or So Views\u003c\/em\u003e 」、「\u003cem\u003eRelationship Perspectives: Perspective Relationships\u003c\/em\u003e」、「\u003cem\u003eAmerica: Land of Contrasts (A Day of Awakening) (A Shot in the Dark)\u003c\/em\u003e」、「\u003cem\u003ePivot: Turning Around Suppositions\u003c\/em\u003e 」、1997年の「\u003cem\u003eLesson Plans to Keep the Revolution Alive\u003c\/em\u003e」などの作品が本書で紹介されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOriginally created in 1977 as a single handmade copy, Dara Birnbaum’s \u003cem\u003eNote(s): Work(ing) Process(es) Re: Concerns (That Take On \/ Deal With)\u003c\/em\u003e gathers writings, working drawings, photographic documentation, and ephemera from the artist’s earliest video and installation works. The publication was originally produced by Birnbaum and exhibited in \u003cem\u003eNotebooks, Workbooks, Scripts, and Scores\u003c\/em\u003e at Franklin Furnace in 1977. The book’s vinyl cover and section dividers, hand-folded pages, and color images have all been reproduced, and Alex Kitnick provides a new introduction.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eNote(s)\u003c\/em\u003e provides a rare look into Birnbaum’s early investigations of video art and its relationship to television. Her work of this period orchestrates a complex circuit of viewership and representation, in which her interest in psychoanalytic concepts—projective identification, regression, resistance, and intersubjectivity—are analyzed in tandem with the formal and interpersonal politics of image making. These investigations lay the groundwork for the artist’s breakthrough works, such as \u003cem\u003eTechnology\/Transformation: Wonder Woman\u003c\/em\u003e and \u003cem\u003eKiss the Girls: Make Them Cry\u003c\/em\u003e, in which she appropriates popular television programs to critique the language and images of networked television.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eFeatured works include \u003cem\u003eBack Piece\u003c\/em\u003e (1975), \u003cem\u003eAttack Piece\u003c\/em\u003e (1975), \u003cem\u003eMirroring\u003c\/em\u003e (1975), \u003cem\u003eLiberty: A Dozen or So Views\u003c\/em\u003e (1976), \u003cem\u003eRelationship Perspectives: Perspective Relationships\u003c\/em\u003e (1976–77), \u003cem\u003eAmerica: Land of Contrasts (A Day of Awakening) (A Shot in the Dark)\u003c\/em\u003e (1976–77), \u003cem\u003ePivot: Turning Around Suppositions\u003c\/em\u003e (1976), and \u003cem\u003eLesson Plans to Keep the Revolution Alive\u003c\/em\u003e (1977).\u003c\/p\u003e","brand":"PRIMARY INFORMATION","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39769700073552,"sku":"9781734489774","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_d334ff8f-7c2e-4a19-b4cf-e5ca4e8637f4.jpg?v=1654143751"},{"product_id":"presence-absence-by-bruce-nauman","title":"PRESENCE\/ABSENCE by Bruce Nauman","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、ブルース・ナウマン（Bruce Nauman）の作品集。2021年に香港のギャラリー「ホワイトキューブ・ホンコン（WHITE CUBE HONG KONG）」で開催された展覧会に伴い刊行された。本展はニューヨークのギャラリー「スペローネ・ウエストウォーター（Sperone Westwater）」との共同企画によって催された。ポストミニマルアートの先駆者である作者は、1960年代後半以降、身体とアイデンティティ、言語が果たす機能、空間の知覚といったテーマを探究している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eパリを拠点に活動するインディペンデント・キュレーター、ライターであり、1988年にアメリカの現代アート批評誌「\u003cem\u003eアート・イン・アメリカ（Art in America）\u003c\/em\u003e」に記事が掲載されて以来作者の研究者として広く知られている、ジョアン・サイモン（Joan Simon）がテキストを寄稿。2012年に「WHITE CUBE」より刊行された「\u003cem\u003eInside the White Cube publication\u003c\/em\u003e」が作者の1967年から1969年頃の映像作品を中心に掲載したのに対し、2冊目の刊行となる本書は1999年から2013年までの5つの映像作品に焦点を当てている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は、ビデオアートだけでなく彫刻、映像、ネオン、インスタレーションやパフォーマンスなど様々なメディアを組み合わせた作品を生み出し、カメラの後ろ側でも前側でも実験的なアプローチを続ける作者の姿勢を重要なものと位置付けている。殊に近年の映像作品をはより幅広い文脈で考察している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe gallery’s second book with Bruce Nauman, \u003cem\u003ePresence \/ Absence\u003c\/em\u003e is published to coincide with Nauman’s solo exhibition at White Cube Hong Kong (10 March - 8 May 2021), presented in collaboration with Sperone Westwater, New York.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eIncluding a text by independent curator and writer Joan Simon, whose scholarship on Nauman's work has been widely acknowledged since her 1988 Art in America article, this exhibition catalogue focuses on five of the artist's films. Making a pair with Nauman's 2012 \u003cem\u003eInside the White Cube publication\u003c\/em\u003e, which centred on films made between 1967 and 1969, this new title brings together five works ranging in date from 1999 to 2013.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThe book foregrounds the artist’s continued experimental approach, both in front of and behind the camera, and considers these more recent films within the wider context of the artist's entire oeuvre.\u003c\/p\u003e","brand":"WHITE CUBE","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39809427603536,"sku":"9781910844465","price":5720.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_a1114c28-1142-4e31-875e-1d798a8d80ff.jpg?v=1663396461"},{"product_id":"joseph-beuys-aktionen-1963-1986-by-joseph-beuys","title":"JOSEPH BEUYS: AKTIONEN 1963-1986 by Joseph Beuys","description":"\u003cp\u003eドイツ人アーティスト、ヨーゼフ・ボイス（Joseph Beuys）の映像作品を収録したDVDボックスセット。作者は、伝説的ともいえるその活動からアートに革命をもたらしてきた。彫刻というものを「行動」とし、デザインの概念を彫刻的題材から社会的なものへと拡張させた「社会彫刻」という概念を生み出した。本品は作者の重要な活動の全てを初めてDVDとしてまとめたセットである。もはや入手困難であり、すでに失われたと思われていた映像作品ないしビデオ資料を発見し、復元、デジタル化、一部再構成し直している。その結果、本書には新版および初公開もの、特典映像的素材も収録している。付属の作品集には、映像作品やビデオ資料には記録されていない作者の活動をふんだんに紹介している。また、ドイツ、カールスルーエの「カールスルーエ・アート・アンド・メディア・センター（ZKM | Center for Art and Media）」に所蔵された作者の視聴覚資料のリストをまとめたインデックスも掲載されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e※外側のボックスは、紙の性質上異素材が混ざり込んでいたり、制作プロセス上インク移りが多少発生している場合がございます。あらかじめご了承ください。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eWith his legendary actions, Joseph Beuys revolutionized art. They transformed sculpture into a form of action and expanded the concept of design from sculptural material into society:\u003cem\u003e the Soziale Plastik (social sculpture)\u003c\/em\u003e. This DVD edition presents for the first time all significant actions of Joseph Beuys. Film and video documents that were difficult to access and believed to be lost have been discovered, restored, digitized, and partially reassembled; thus these DVDs contain new editions, first releases, and bonus material. The accompanying publication is a rich source for Beuys' actions that were not documented on film or video; these are illustrated with texts and photographs. Further, the edition includes an index listing the audiovisual documents by Joseph Beuys at ZKM | Karlsruhe.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e*The cardboard of the outer box include an another material and ink dust because of the production process.\u003c\/p\u003e","brand":"WALTHER KÖNIG","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39816117157968,"sku":"9783753302591","price":19800.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_c50dc5c5-a684-4e74-ab70-61bfaab1547a.jpg?v=1679471745"},{"product_id":"rubber-pencil-devil-black-2021-by-alex-da-corte","title":"RUBBER PENCIL DEVIL (BLACK, 2021) by Alex Da Corte","description":"\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eアメリカ人アーティスト、アレックス・ダ・コルテ（Alex Da Corte）の作品集。\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e本書は、2018年に制作された57部作の映像作品「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eRubber Pencil Devil\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」をカタログ化しフリップブックの形で発表する現在も制作中のシリーズ第3作目である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eRubber Pencil Devil\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」は、昔のテレビの映像や20世紀のアニメーション、クィアの象徴や奇抜なアメリカ文化、風俗といった様々な象徴的、文化的な資料からインスピレーションを得た、高度に様式化された2時間40分の映像がループする作品である。人気のよく知られたキャラクターがゆっくりとした身振りで演じる映像は、催眠術のようですらある。これらの登場人物は、日常的なオブジェクトや家庭を象徴するシンボル、そして馴染みある規則で構成された飽和状態の世界に没入している。作者自身も映像内のパフォーマーの一人として演じており、様々な食べ物を模した人形やピンクパンサー、シルベスター・キャット、フレッド・ロジャース、悪魔といったアイコン的なキャラクターに扮している。作者によれば、「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eRubber Pencil Devil\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」は「総合芸術作品（Gesamtkunstwerk）」であり、映像、音楽、建築の要素を組み合わせ、観るものに没入型の体験を与える。前衛的なアーティスト、ポップ歌手、芸能人やマンガキャラクターへの示唆に富んだ作品である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e作者は、消費文化や美術史への深い知識を元にこれらを操り再利用することで、破壊的なユーモアと内省的な精神を持って、人間の欲望や疎外感をテーマとして探究している。知的かつ挑発的な、そして色彩豊かで不条理なファンタジーの世界は、現代における現実を批判的に捉えるだけではなく、規範的とされる権力システムの再構築、そして新しいアイデアと新しい始まりを創造することを試みている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書には、2021年アメリカの「ハーシュホーン博物館（Hirshhorn Museum）」で行われた、作者と同美術館チーフキュレーターを務めるカナダ人美術評論家、キュレーターのステファン・アキン（Stéphane Aquin）による、フランス人アーティストの\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/marcel-duchamp\"\u003eマルセル・デュシャン（Marcel Duchamp）\u003c\/a\u003eに関する対談の様子が収録されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eAlex Da Corte Fresh Hell　アレックス・ダ・コルテ　新鮮な地獄\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e会期：2023年4月29日（土）- 9月18日（月）\u003cbr\u003e休館日：月曜日、5月14日（日）、7月18日（火）※7月17日、9月18日を除く\u003cbr\u003e時間： 10:00-18:00\u003cbr\u003e開催場所：金沢21世紀美術館　展示室7〜12、14\u003cbr\u003e\u003ca rel=\"noopener noreferrer\" href=\"https:\/\/www.kanazawa21.jp\/data_list.php?g=17\u0026amp;d=1809\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\"I Can See the Whole Room . . . and There’s Nobody in It!\" – William Overgard, 1961\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAmerican Art Catalogues presents Rubber Pencil Devil, a new flipbook by Alex Da Corte.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eRubber Pencil Devil is the third in an ongoing series of flipbooks cataloging Da Corte's fifty-seven part film, Rubber Pencil Devil (2018).\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe flipbook features a conversation about Marcel Duchamp between Chief Curator at the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden Stéphane Aquin and Alex Da Corte, held at the Hirshhorn Museum on January 20, 2020.\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39819544658000,"sku":"9781639443185","price":3850.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_2270543a-311a-441e-8ead-f5dd8f49f8d3.jpg?v=1664343218"},{"product_id":"bruce-nauman-2021-by-bruce-nauman","title":"BRUCE NAUMAN (2021) by Bruce Nauman","description":"\u003cp\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003eアメリカ人アーティスト、ブルース・ナウマン（Bruce Nauman）の作品集。2020年10月から2021年2月にかけてロンドンの「テート・モダン（Tate Modern）」で開催された展覧会に伴い刊行された。本書は、20世紀と21世紀において独自の道を切り開いた作者の活動を豊富な図版で紹介する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003eこの展覧会は、作者の音、映像、没入型インスタレーションの実験に焦点を当てており、1980年代から1990年代に制作されたビデオ作品、スタジオ活動、最近の作品に関するテキストや、本展の共同キュレーションを担当したアンドレア・リッソーニ（Andrea Lissoni）、ニコラス・セロータ（Nicholas Serota）と作者との対談で構成されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003e1960年代後半以降、作者は現代アートの新しい解釈を確立し、20世紀で最も重要なアーティストの一人として認められている。最後のモダンアーティストであり、ニューメディアへの絶え間ない実験的アプローチを経てまさに最初の現代アーティストとなった作者は、その画期的にコンセプチュアルなアプローチで有名である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e \u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eAccompanying a momentous exhibition at Tate Modern, this richly illustrated catalogue reveals Nauman as an artist who has uniquely blazed a trail in both the twentieth and twenty-first centuries.\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eFocusing in particular on his experiments with sound, the moving image and immersive installations, this exhibition book comprises texts on Nauman’s video works of the 1980s and 1990s, as well as on his studio practice and more recent work, along with a conversation between the artist and Andrea Lissoni and Nicholas Serota.\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eSince the late 1960s Bruce Nauman has established a completely new understanding of contemporary art and has been acknowledged as one of the most relevant artists of the twentieth century. Both the last modern artist and – because of his ceaseless experimental approach to new media – the very first contemporary artist, Nauman has been noted for his landmark conceptual approach.\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eHenriette Huldisch is Chief Curator and Director of Curatorial Affairs at the Walker Art Center, Minneapolis. Andrea Lissoni is Artistic Director of the Haus der Kunst, Munich, and former Senior Curator, International Art (Film) at Tate Modern.\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eNicholas Serota is Chair of Arts Council England, and former Director of Tate.\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eJoan Simon is an independent curator and editor.\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eKaty Wan is Assistant Curator at Tate Modern.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"TATE PUBLISHING","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39865523273808,"sku":"9781849767187","price":5720.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/1_a9da930e-dfc6-455b-a904-aa105ce3c965.jpg?v=1662605157"},{"product_id":"steve-mcqueen-year-3-by-steve-mcqueen","title":"STEVE MCQUEEN: YEAR 3 by Steve McQueen","description":"\u003cp\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e現代美術界で重要な賞の一つである「ターナー賞」を1999年に受賞した、イギリス人映画監督、映像アーティストであるスティーヴ・マックィーン（Steve McQueen）の作品集。2019年12月から2020年5月にかけてロンドンの「テート・モダン（Tate Modern）」で開催された展覧会に伴い刊行された。本書は、イギリスの最も重要なアーティストの一人が描く、イギリスの未来像であり、これまでで最も意欲的な市民権のヴィジュアルポートレートの一つを記録している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eこの膨大なプロジェクトは、伝統的な学校のクラス写真というメディアを通じて、ロンドンの小学校に通う数万人の3年生の児童を撮影したものである。子供の成長におけるマイルストーンの1年、つまり一番身近な家族を超えて世界を意識するようになる瞬間を作品に収め、現在を写し出したものである。この時期は、人生のあらゆる場面で自信をつけ、変化する世界の中で自分の居場所をより深く理解し、将来について考える重要な時期である。先生や助手が生徒たちと共に列に並んで座ったり立ったりしている姿を捉えた本作\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eは、興奮や不安、希望に満ちたこの瞬間を映し出している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e本作は、ある世代のポートレート以上のものであり、今日のイギリスと世界に関連する様々な緊急課題を、これまでにない手法で記録し、探求している。本書は、写真を出発点として作品とそのメッセージについて解説し、文脈を明らかにしながら新しい声と新しいアイデアのためのプラットフォームを提供する、先を見据えたものである。この作品は、記念となるものというより、作品自体の延長線上にある、「\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e首都の未来を垣間見る、次世代の希望に満ちたポートレート\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eテート美術館 | YBA \u0026amp; BEYOND 世界を変えた90s英国アート\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e東京展\u003cbr\u003e会期：2026年2月11日（水・祝）- 5月11日（月）\u003cbr\u003e時間：10:00 - 18:00\u003cbr\u003e休館日：火曜日（5\/5は開館）\u003cbr\u003e開催場所：国立新美術館 企画展示室2E\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e京都展\u003cbr\u003e会期：2026年6月3日（水）- 9月6日（日）\u003cbr\u003e時間：10:00 - 18:00\u003cbr\u003e休館日：月曜日（月曜日が祝・休日の場合は開館）\u003cbr\u003e開催場所：京都市京セラ美術館\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.ybabeyond.jp\/\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan\u003eThis beautiful exhibition book documents Steve McQueen’s \u003c\/span\u003e\u003ci\u003eYear 3\u003c\/i\u003e\u003cspan\u003e exhibition: a vision of Britain's future from one of its most important artists, and one of the most ambitious visual portraits of citizenship ever undertaken.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003eUsing the medium of the traditional school class photograph, this epic work captures tens of thousands of London schoolchildren from a single academic year. Mapping a picture of the present, the artwork captures a milestone year in a child’s personal development: the moment when they become more conscious of the world beyond their immediate family. It is a critical time for them to develop confidence in all areas of life, to understand more about their place in the changing world and to think about the future. Depicting rows of children sitting or standing alongside their teachers and teaching assistants, \u003c\/span\u003e\u003ci\u003eYear 3\u003c\/i\u003e\u003cspan\u003e reflects this moment of excitement, anxiety and hope.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ci\u003eYear 3\u003c\/i\u003e\u003cspan\u003e is more than a portrait of a generation however: it documents and explores, in a way never before attempted, a range of urgent ideas connected to the UK, and to our world, today. This catalogue takes the photographs as a starting point and looks ahead, commenting on and contextualising the artwork and its message, but also providing a platform for new voices, and a new set of ideas. Year 3 is less a commemoration and more an active extension of the artwork itself: ‘a glimpse of the capital’s future, a hopeful portrait of a generation to come.’\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"TATE PUBLISHING","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39865570558032,"sku":"9781849767767","price":13200.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/1_06fc4e14-f9c1-4956-9547-8914303d1c46.jpg?v=1662522511"},{"product_id":"works-1992-2022-by-doug-aitken","title":"WORKS 1992–2022 by Doug Aitken","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、ダグ・エイケン（Doug Aitken）の作品集。\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e本書は、1990年代後半の重要な初期作品から現在に至るまで、作者の活動を包括的に紹介している。作者の作品群は、大規模映像インスタレーション作品「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eSleepwalkers\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」（2017年）、カリフォルニア州・カタリナ島の海岸に設置された作品を含むサイトスペシフィック彫刻「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eUnderwater Pavilions\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」（2016年）や、アーティストやミュージシャンの集団を乗せた列車が大西洋から太平洋までアメリカを横断し各駅でユニークなパフォーマンスのイベントを繰り広げるハプニングを記録した「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eStation to Statio\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003en」（2013年）などに及んでいる。イメージとテキストを織り交ぜた、リズム感と動きのある活気的な構成で作り上げている本書は、作者が複数の媒体で制作してきたコンセプチュアルな作品の中で、現代社会にどのようにアプローチし、探求してきたかを映し出している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e本書は、アメリカ人編集者のジョセフ・アケル（Joseph Akel）による序文や、スウェーデン人キュレーターであり美術批評家のダニエル・ビルンバウム（Daniel Birnbaum）による寄稿エッセイのほか、「アート・バーゼル（Art Basel）」のグローバル ディレクター、マーク・シュピーグラー（Marc Spiegler）、アメリカ人作曲家、テリー・ライリー（Terry Riley）、スイス人キュレーター、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/hans-ulrich-obrist\"\u003eハンス・ウルリッヒ・オブリスト（Hans Ulrich Obrist）\u003c\/a\u003e、イギリス人建築家兼批評家、ジョセフ・グリマ（Joseph Grima）、美術批評家、エイプリル・ラム（April Lamm）、アメリカ人教育者、スーザン・ソロモン（Susan Solomon）、スイス人美術批評家、ヨルグ・へイザー（Jörg Heiser）などによるエッセイとインタビューが掲載されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003eThis comprehensive new book explores the career of multimedia artist Doug Aitken, following the path from his first major works in the late 1990s through to the present day. Aitken’s work encompasses large-scale film installations such as \u003cem\u003eSleepwalkers\u003c\/em\u003e (2007), site-specific sculptures including his \u003cem\u003eUnderwater Pavilions\u003c\/em\u003e (2016) installed off the coast of Catalina Island, California, and peripatetic happenings like \u003cem\u003eStation to Station\u003c\/em\u003e (2013), which saw a train containing a travelling studio cross the USA from the Atlantic to the Pacific, staging unique performance events at each stop. Weaving together images and text in an energetic composition of rhythm and movement, this authoritative volume mirrors the ways in which Aitken has approached and explored the contemporary world in his conceptual body of work across multiple mediums.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eWith an introduction by Joseph Akel and a new extended essay on Aitken’s oeuvre by Daniel Birnbaum, plus archival essays and interviews with the artist by writers including Marc Spiegler, Terry Riley, Hans Ulrich Obrist, Joseph Grima, April Lamm, Susan Solomon, and Jörg Heiser.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39940713447504,"sku":"9781913620257","price":28600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_87e7d9f8-8ca3-4e62-ac80-1568d6016f68.jpg?v=1665730831"},{"product_id":"moving-off-the-land-by-joan-jonas","title":"MOVING OFF THE LAND by Joan Jonas","description":"\u003cp\u003eパフォーマンスとビデオアートの先駆者として知られるアメリカ人アーティスト、ジョーン・ジョナス（Joan Jonas）の作品集。本書は、2018年に発表した複合メディアのプロジェクト「\u003cem\u003e陸を離れて\u003c\/em\u003e（Moving Off the Land）\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e」\u003c\/span\u003eの過程を辿る1冊。編集はキュレーターのウテ・メタ・バウアー（Ute Meta Bauer）が手がける。\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e海洋環境をテーマとした本作は、歴史上における海の意義にまつわる3年間におよぶ研究を経て、彫刻、ドローイング、音、新しい映像作品などで構成されている。作者は、アメリカ文学を代表する、エミリー・ディキンソン（Emily Dickinson）やハーマン・メルヴィル（Herman Melville）といった作家の詩や散文、アメリカ人作家であり海洋生物学者のレイチェル・カーソン（Rachel Carson）やドイツ人博物学者のサイ・モンゴメリー（Sy Montgomery）によるテキスト、そして藻類の繁殖や乱獲によって生態系に緊急の脅威を与えているジャマイカや水族館で撮影された映像などを組み合わせている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本書は、作者のライブパフォーマンス映像の写真とともに、本パフォーマンスの台本と注釈の全文、そしてパフォーマンスの歴史が載った年表を収録している。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eThis volume closely follows the development of Joan Jonas’ (born 1936) multiformat project \u003cem\u003eMoving off the Land\u003c\/em\u003e. The artist’s most recent body of work, it encompasses three years of research into the significance of the ocean throughout history, and features sculptures, drawings, sound and new video productions. Jonas combines poetry and prose by writers such as Emily Dickinson and Herman Melville with texts by Rachel Carson and Sy Montgomery, and with moving images filmed in aquariums and in Jamaica, where algae bloom and over-fishing pose urgent threats to the ecosystem. The monograph includes the complete script for the performance along with annotations, images of Jonas’ live performance, and a complete chronology with documentation of the performance’s history.\u003c\/p\u003e","brand":"WALTHER KÖNIG","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39971296051280,"sku":"9783753302294","price":5500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_9b193437-b2d8-44f5-a20f-20a019197bd6.jpg?v=1670919386"},{"product_id":"rubber-pencil-devil-white-2021-by-alex-da-corte","title":"RUBBER PENCIL DEVIL (WHITE, 2021) by Alex Da Corte","description":"\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eアメリカ人アーティスト、アレックス・ダ・コルテ（Alex Da Corte）の作品集。\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e本書は、2018年に制作された57部作の映像作品「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eRubber Pencil Devil\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」をカタログ化しフリップブックの形で発表する現在も制作中のシリーズ第2作目である。（第3作目は\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/rubber-pencil-devil-by-alex-da-corte\"\u003eこちら\u003c\/a\u003e）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eRubber Pencil Devil\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」は、昔のテレビの映像や20世紀のアニメーション、クィアの象徴や奇抜なアメリカ文化、風俗といった様々な象徴的、文化的な資料からインスピレーションを得た、高度に様式化された2時間40分の映像がループする作品である。人気のよく知られたキャラクターがゆっくりとした身振りで演じる映像は、催眠術のようですらある。これらの登場人物は、日常的なオブジェクトや家庭を象徴するシンボル、そして馴染みある規則で構成された飽和状態の世界に没入している。作者自身も映像内のパフォーマーの一人として演じており、様々な食べ物を模した人形やピンクパンサー、シルベスター・キャット、フレッド・ロジャース、悪魔といったアイコン的なキャラクターに扮している。作者によれば、「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eRubber Pencil Devil\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」は「総合芸術作品（Gesamtkunstwerk）」であり、映像、音楽、建築の要素を組み合わせ、観るものに没入型の体験を与える。前衛的なアーティスト、ポップ歌手、芸能人やマンガキャラクターへの示唆に富んだ作品である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e作者は、消費文化や美術史への深い知識を元にこれらを操り再利用することで、破壊的なユーモアと内省的な精神を持って、人間の欲望や疎外感をテーマとして探究している。知的かつ挑発的な、そして色彩豊かで不条理なファンタジーの世界は、現代における現実を批判的に捉えるだけではなく、規範的とされる権力システムの再構築、そして新しいアイデアと新しい始まりを創造することを試みている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書には、2019年7月1日にアメリカの「ホイットニー美術館（\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan\u003eWhitney Museum of American Art\u003c\/span\u003e）」で行われた、作者と同美術館キュレーターを務めるデイビッド・ブレスリン（David Breslin）による、「\u003cem\u003eInteractions of Color\u003c\/em\u003e」と題した対談が収録されている。\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAlex Da Corte Fresh Hell　アレックス・ダ・コルテ　新鮮な地獄\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e会期：2023年4月29日（土）- 9月18日（月）\u003cbr\u003e休館日：月曜日、5月14日（日）、7月18日（火）※7月17日、9月18日を除く\u003cbr\u003e時間： 10:00-18:00\u003cbr\u003e開催場所：金沢21世紀美術館　展示室7〜12、14\u003cbr\u003e\u003ca rel=\"noopener noreferrer\" href=\"https:\/\/www.kanazawa21.jp\/data_list.php?g=17\u0026amp;d=1809\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003c\/em\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eI know there is a rainbow for me to follow\u003c\/em\u003e - Mariah Carey, 1999\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eProduced by American Art Catalogues, Alex Da Corte's new flipbook \u003cem\u003eRubber Pencil Devil\u003c\/em\u003e is the second in an ongoing series of flipbooks cataloguing Da Corte's fifty-seven part film, \u003cem\u003eRubber Pencil Devil\u003c\/em\u003e (2018).\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe flipbook features a conversation titled \u003cem\u003eInteractions of Colour\u003c\/em\u003e, between Director of Curatorial Initiatives at the Whitney Museum of American Art David Breslin and Alex Da Corte, held at the Whitney Museum on July 1st, 2019.\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39988867465296,"sku":"9781636844541","price":3850.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_dab77187-ed3d-46e2-9031-0d3c9f290b14.jpg?v=1670562630"},{"product_id":"requiem-for-a-manual-typewriter-by-jonas-mekas","title":"REQUIEM FOR A MANUAL TYPEWRITER by Jonas Mekas","description":"\u003cp\u003eリトアニアに生まれのちにアメリカへ亡命した映像作家、詩人、活動家のジョナス・メカス（Jonas Mekas）の作品集。マンハッタンの「アンソロジー・フィルム・アーカイヴズ（Anthology Film Archives）」の共同設立者の一人である作者は、実験芸術のたゆまぬ支持者であり、ニューヨークの伝説的人物である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e1997年3月25日、作者は自分の机の下に埃をかぶったロール状のタイプライター用紙を発見した。しばらくそこに転がして放置していたので、記憶から抜け落ちていたようであった。日記、詩、「ヴィレッジ・ヴォイス」紙の「ムービージャーナル」のコラム、インタビュー、マニフェスFIト、友人への手紙など、あらゆる文章を長年にわたって人差し指2本で打ち続けてきた愛用のタイプライター「オリンピア・デ・ラックス（Olympia De Luxe）」に、紙を引き伸ばした。ロール紙を使わざるを得なかった作者は、その上で小説という、自身にとっては極めて異例の文章を書き始めた。本書は、作者がその場で書く練習をするために使った「オリンピア・デ・ラックス」への悲歌であり、すでに技術的に時代遅れと考えられていた機械で現在を描写しているのである。そのテキストがはじめてここで公開される。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOn 25 March 1997, Jonas Mekas found a dusty roll of computer paper under his desk. It had been lying there for a while and had slipped his mind. He stretched the paper into his beloved Olympia De Luxe, on which he had typed all kinds of texts with his two index fingers for so many years: his diaries, poems, Movie Journal columns, interviews, manifestos, and letters to his friends. The roll of paper had to be used, and Mekas began to write a text on it that was quite unusual for him: a novel. Requiem for a Manual Typewriter is a hymn of praise to his Olympia De Luxe, which he uses to practise writing in the moment, describing the present on a machine that was already considered technologically outdated. The text appears for the first time.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eJonas Mekas (1922–2019) was born in Lithuania and arrived in New York in 1949 via post-war DP camps in Germany. Co-founder of the Anthology Film Archives, Mekas was a film-maker, writer, and poet, as well as a tireless advocate of experimental art and a New York City legend.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40006217990224,"sku":"9783959055215","price":2200.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_9d2e925f-92cb-4753-90af-1b7b387de08b.jpg?v=1685522316"},{"product_id":"sunshine-state-by-steve-mcqueen","title":"SUNSHINE STATE by Steve McQueen","description":"\u003cp\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e現代美術界で重要な賞の一つである「ターナー賞」を1999年に受賞した、イギリス人映画監督、映像アーティストであるスティーヴ・マックィーン（Steve McQueen）の作品集。2022年3月から7月にかけてミラノの美術館「ピレリ・ハンガービコッカ（Pirelli HangarBicocca）」で開催された展覧会に伴い刊行された。本書の編集はキュレーターのヴィセンテ・トドリ（Vicente Todolí）が担当し、デザインは\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/irma-boom\" target=\"_blank\"\u003eイルマ・ボーム（Irma Boom）\u003c\/a\u003eが手がけた。イルマ・ボームによるグラフィックプロジェクトは、異なる紙を交互に使用することによって、それぞれのページに載せられたコンテンツを強調し、より豊かなものに仕上げている。本書の題名にもなっているミラノで世界初公開された新作の映像インスタレーション『\u003cem\u003eSunshine State\u003c\/em\u003e』の解説とともに、作者が過去20年間に制作した作品の中から新たに選定した作品を収録。本展を幅広く記録した展示風景写真を収録するほか、各展示作品の詳細な解説も掲載している。さらに、研究者のコーラ・ギルロイ・ウェア（Cora Gilroy-Ware）によるエッセイ、ヴィセンテ・トドーリによる展覧会の紹介テキスト、カルチュラル・スタディースの研究者、ポール・ギルロイ（Paul Gilroy）と、美術史家であり批評家のソルヴェーグ・ネルソン（Solveig Nelson）によるテキスト、そしてハムザ・ウォーカー（Hamza Walker）と作者との対談（2020年の「ピレリ・ハンガー・ビコッカ」とロンドンの「テート・モダン（Tate Modern）」との共同で開催された個展に併せて刊行された展覧会カタログ『\u003cem\u003eSteve McQueen\u003c\/em\u003e』に掲載されたもので、今回初めて伊訳で掲載）など、美術史家やキュレーターによる批評も添えられた1冊となっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eテート美術館 | YBA \u0026amp; BEYOND 世界を変えた90s英国アート\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e東京展\u003cbr\u003e会期：2026年2月11日（水・祝）- 5月11日（月）\u003cbr\u003e時間：10:00 - 18:00\u003cbr\u003e休館日：火曜日（5\/5は開館）\u003cbr\u003e開催場所：国立新美術館 企画展示室2E\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e京都展\u003cbr\u003e会期：2026年6月3日（水）- 9月6日（日）\u003cbr\u003e時間：10:00 - 18:00\u003cbr\u003e休館日：月曜日（月曜日が祝・休日の場合は開館）\u003cbr\u003e開催場所：京都市京セラ美術館\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.ybabeyond.jp\/\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eOn the occasion of the solo show “\u003cem\u003eSunshine State\u003c\/em\u003e,” Pirelli HangarBicocca presents a monograph dedicated to Steve McQueen, the first published in Italian, realized in close collaboration with the artist. Edited by Vicente Todolí, the catalogue of the exhibition is designed by Irma Boom, whose graphic project is enriched by a series of different papers alternating to emphasize the contents reproduced on each of them. Together with an exploration on the new video installation that gives the title to the show, which had its world premiere in Milan, the volume features a new selection of works conceived by the British artist and filmmaker in the past twenty years. Besides a wide photographic documentation of the exhibition, the volume includes in-depth entries on each work on display. Furthermore, critical contributions by art historians and curators complement the editorial project, such as a specifically commissioned essay by Cora Gilroy-Ware and an introduction on the exhibition by Vicente Todolí, together with texts by Paul Gilroy and Solveig Nelson, as well as a conversation between Hamza Walker and Steve McQueen, originally published on the catalogue Steve McQueen related to his solo show at Tate Modern in collaboration with Pirelli HangarBicocca in 2020, and translated in Italian for the first time for this occasion.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MARSILIO ARTE \u0026 PIRELLI HANGARBICOCCA","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40006301646928,"sku":"9791254630082","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_34938ff5-69f3-4e6b-9158-c8da4dd03702.jpg?v=1671183925"},{"product_id":"works-1992-2022-by-doug-aitken-signed","title":"WORKS 1992–2022 by Doug Aitken [SIGNED]","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、ダグ・エイケン（Doug Aitken）の作品集。\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e本書は、1990年代後半の重要な初期作品から現在に至るまで、作者の活動を包括的に紹介している。作者の作品群は、大規模映像インスタレーション作品「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eSleepwalkers\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」（2017年）、カリフォルニア州・カタリナ島の海岸に設置された作品を含むサイトスペシフィック彫刻「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eUnderwater Pavilions\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」（2016年）や、アーティストやミュージシャンの集団を乗せた列車が大西洋から太平洋までアメリカを横断し各駅でユニークなパフォーマンスのイベントを繰り広げるハプニングを記録した「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eStation to Statio\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003en」（2013年）などに及んでいる。イメージとテキストを織り交ぜた、リズム感と動きのある活気的な構成で作り上げているこの本は、作者が複数の媒体で制作してきたコンセプチュアルな作品の中で、現代社会にどのようにアプローチし、探求してきたかを映し出している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e本書は、アメリカ人編集者のジョセフ・アケル（Joseph Akel）による序文や、スウェーデン人キュレーターであり美術批評家のダニエル・ビルンバウム（Daniel Birnbaum）による寄稿エッセイのほか、アートバーゼルのグローバル ディレクター、マーク・シュピーグラー（Marc Spiegler）、アメリカ人作曲家、テリー・ライリー（Terry Riley）、スイス人キュレーター、ハンス・ウルリッヒ・オブリスト（Hans Ulrich Obrist）、イギリス人建築家兼批評家、ジョセフ・グリマ（Joseph Grima）、美術批評家、エイプリル・ラム（April Lamm）、アメリカ人教育者、スーザン・ソロモン（Susan Solomon）、スイス人美術批評家、ヨルグ・へイザー（Jörg Heiser）などによるエッセイとインタビューが掲載されている。サイン入り。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003eThis comprehensive new book explores the career of multimedia artist Doug Aitken, following the path from his first major works in the late 1990s through to the present day. Aitken’s work encompasses large-scale film installations such as \u003cem\u003eSleepwalkers\u003c\/em\u003e (2007), site-specific sculptures including his \u003cem\u003eUnderwater Pavilions\u003c\/em\u003e (2016) installed off the coast of Catalina Island, California, and peripatetic happenings like \u003cem\u003eStation to Station\u003c\/em\u003e (2013), which saw a train containing a travelling studio cross the USA from the Atlantic to the Pacific, staging unique performance events at each stop. Weaving together images and text in an energetic composition of rhythm and movement, this authoritative volume mirrors the ways in which Aitken has approached and explored the contemporary world in his conceptual body of work across multiple mediums.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eWith an introduction by Joseph Akel and a new extended essay on Aitken’s oeuvre by Daniel Birnbaum, plus archival essays and interviews with the artist by writers including Marc Spiegler, Terry Riley, Hans Ulrich Obrist, Joseph Grima, April Lamm, Susan Solomon, and Jörg Heiser.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40008617951312,"sku":"9781913620257","price":29700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_86b1fdf8-de83-41b1-9794-1a2c6107d5e6.jpg?v=1671511484"},{"product_id":"this-is-the-future-by-hito-steyerl","title":"THIS IS THE FUTURE by Hito Steyerl","description":"\u003cp data-mce-fragment=\"1\" class=\"p1\"\u003eドイツ人映像作家、ヒト・シュタイエル（Hito Steyerl）の作品集。本作は2019年10月から2020年2月の間に「アートギャラリー・オブ・オンタリオ（Art Gallery of Ontario）」で開催された展覧会に伴い刊行された。本展では、作者によって過去15年間に制作された巨大スケールかつアイコニックなマルチメディア作品に注目し、インターネットと新しい技術が我々の生活へ与えた影響に対するリサーチを掘り下げる。アーティスト、映像製作者、作家である作者は、グローバル化・デジタル化した文化の鋭敏な観察者であり、解説者とも言える。本書では『\u003cem\u003eHell Yeah We Fuck Die\u003c\/em\u003e』（2016年）、『\u003cem\u003eExtraSpaceCraft\u003c\/em\u003e』（2016）、『\u003cem\u003eLiquidity Inc.\u003c\/em\u003e』（2014）の3作を紐解く。作者のエッセイ的なドキュメンタリー映画には、個人と政治、皮肉と真剣さが混和している。そのアートワークや文章のインスピレーション源となったのは、我々の生活におけるインターネットと新技術の影響についての研究であり、様々な形を成した支配や監視、軍隊化、文化的グローバリゼーションに対して常に批判的な存在なのである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eHighlighting Hito Steyerl’s large-scale and iconic multi-media works from the past 15 years, this book delves into the artist’s investigations of how the internet and new technologies impact our lives.\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eArtist, filmmaker, and writer Hito Steyerl is an acute observer and interpreter of globalized and digital cultures. This book examines three of Steyerl’s large-scale works—\u003cem\u003eHell Yeah We Fuck Die\u003c\/em\u003e (2016),\u003cem\u003e ExtraSpaceCraft\u003c\/em\u003e (2016), and \u003cem\u003eLiquidity Inc.\u003c\/em\u003e (2014)—as well as other iconic works from the last 15 years. These essayistic documentary films blend personal with political and satire with seriousness. Her artworks and writings are inspired by her investigations of the impact of the internet and new technologies on our lives and are critical of the various forms of control and surveillance, as well as militarization and cultural globalization.\u003cspan data-mce-fragment=\"1\" class=\"s1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"PRESTEL PUBLISHING","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40033865400400,"sku":"9783791359274","price":7150.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_99ac8767-9a28-4a17-8106-d6569ac73ecd.jpg?v=1674893834"},{"product_id":"alpha-by-doug-aitken","title":"ALPHA by Doug Aitken","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、ダグ・エイケン（Doug Aitken）の作品集。作者自身が構想、制作した本書は、作者が「\u003cem\u003eスクリーンの平面上では物足りなくなり、作品が段々と空間の別の部分へと展開していったのだ\u003c\/em\u003e」と語る。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e近年、作者は表現として、一つの構造上に複数の箇所から投影をしてきた。そして「広々とした孤独な風景」（「\u003cem\u003eElectric Earth\u003c\/em\u003e」、「\u003cem\u003eDiamond Sea\u003c\/em\u003e」）から、「広々とした孤独な人々」（「\u003cem\u003enew skin\u003c\/em\u003e」）へと移行した。シュールな本作のシナリオを辿る主人公は、どちらの要素も持つ。彼は旅をしながら非物質化し、やがて自身が居住する空間と化す。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本書はドイツ人俳優であるウド・キア（Udo Kier）を主役に据えた映像作品として生み出され、刊行物は男の横顔の形を模した装丁となっていることから、スクリーンに物足りなさを感じたのと同様に従来の本の持つ四角い形にも飽きてしまっていることが見受けられる。イメージには作者によるテキストが随所に添えられている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eThis artist’s book, conceived by Doug Aitken, is based on a surrealistic scenario: a man traveling all the time is dematerializing himself. He takes the form of the room he is living in. Produced as a film, with a main contribution of Udo Kier, the publication itself takes the shape of a man’s head. The images are accompanied by a text by the artist.\u003c\/p\u003e","brand":"JRP|EDITIONS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40046515617872,"sku":"9783905701111","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_9072f450-c5dd-4c1d-b1af-751fc529c14d.jpg?v=1678334503"},{"product_id":"two-way-mirror-cylinder-inside-cube-and-a-video-salon-by-dan-graham","title":"TWO-WAY MIRROR CYLINDER INSIDE CUBE AND A VIDEO SALON by Dan Graham","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、ダン・グレアム（Dan Graham）のDVD付き作品集。本作は、1991年に「ディア芸術センター（Dia Center for the Arts）」で展覧された「Rooftop Urban Park Project」、1992年に刊行された作品集を元に制作された。本作において作者は、小さな都市公園のような環境を創り出した。ガラス素材を採用することで、風景を屋根の中に取り込むと同時に屋根を景観に拡張させ、見た目の美しさと機能性、空間的体験と視覚的体験を兼ね合わせた。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e1992年に刊行されたオリジナルの刊行物にDVDが加えられパッケージングされた本作には、作者によるエッセイと20分の動画が収録されている。フランスのイエズス会司祭であり建築理論家であるマルク・アントワーヌ・ロージエ（Marc-Antoine Laugier）による、建築の起源に立ち返ろうと試みる「原始の小屋（Rustic Hut）」理論や、パリ風のショッピングアーケード、ウィンターガーデン、美術館、ディズニーランド、オフィスビルなどを題材に、作者による都市環境の探求を取り上げている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eThis video and publication are based on Dan Graham’s \u003cem\u003eRooftop Urban Park Project\u003c\/em\u003e, which opened as an extended exhibition at Dia Center for the Arts in 1991. Re-released as a DVD and packaged with the original 1992 publication, this title includes an essay by the artist and a 20-minute video.\u003c\/p\u003e","brand":"DIA ART FOUNDATION","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40093496639568,"sku":"9780944521830","price":4400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_4b793c7c-1324-47e5-b040-b646c550fbc8.jpg?v=1703261744"},{"product_id":"the-separatrix-project-by-alexander-kluge-katharina-grosse","title":"THE SEPARATRIX PROJECT by Alexander Kluge, Katharina Grosse","description":"\u003cp\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003eドイツ人アーティスト、カタリーナ・グロッセ（Katharina Grosse）とドイツ人作家、哲学者、映画監督であるアレクサンダー・クルーゲ（Alexander Kluge）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e本書は、キャンバスに留まらず、室内空間や屋外の建築物などの対象にスプレーガンを用いた「絵画」を施す作品が代表的なグロッセと、「ニュー・ジャーマン・シネマ」を代表する一人であり数々の映画や著書を世に送り出してきたクルーゲによるコラボレーション作であり、グロッセによる水彩画やドローイングとクルーゲによる映画のスチール写真と映像作品、文章が作中で触れ合う。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003e「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003e私たちは全ての章（STATION）、全てのページを共に作ってきました。私たちがしてきたこと、考えてきたことを全て説明しようとすることは不適切でしょう。結局のところ、決定とは主観的なもので、とりわけコラボレーションにおいてはそう言えます。多くの場合が実験的なケースであり、私たちが作業を続ければ続けるほど説明というものはより明確になっていくのです。\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003e」\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003eIn this book, Katharina Grosse's watercolours and drawings come into contact with film stills, cinematographic work, and texts by Alexander Kluge.\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eWe have worked together Station for Station, page for page. Attempting to explain all we have done and thought would be inappropriate. Ultimately, decisions are subjective, especially in collaborative work. Oftentimes, it was a case of experimentation, and explanations will become apparent the more we continue to work.\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40101099864144,"sku":"9783959056793","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_9fe8bcdd-8bf1-4477-9579-295ac8791dcf.jpg?v=1683859057"},{"product_id":"i-expose-the-music-by-nam-june-paik","title":"I EXPOSE THE MUSIC by Nam June Paik","description":"\u003cp\u003eビデオアートの先駆者として知られる、韓国生まれのアメリカ人アーティスト、ナム・ジュン・パイク（Nam June Paik）の作品集。2023年3月から8月にかけてドイツ・ドルトムントの「オストヴァル美術館（Museum Ostwall im Dortmunder U）」で開催された展覧会に伴い刊行された。本書は、作者の作品の中で、これまでほとんど見過ごされてきた特徴であり、作者の創作活動を通して一貫した要素でもある「生の瞬間」に焦点を当てている。観客による直接的な体験や積極的な参加は、作者の作品において極めて重要な構成要素である。本書は、作曲家としての初期の創作活動から始まり、作者の「スコア」、「コンセプト」、「イベント」としての音楽へのアプローチに重点を置いている。パフォーマンス、参加型の作品、生放送への関心、マルチメディア作品など、主要な作品シリーズを参照しながら、作者の創造的思考と手法を紹介する。パフォーマンスの様子を記録した写真では、その生の瞬間の生き生きとした印象を与える。ドイツ人アーティストのアニカ・カース（Anicka Kahrs）、アメリカ人アーティストのオータム・ナイト（Autumn Knight）、日本人アーティストのアキ・オンダ（Aki Onda）、香港生まれのアーティストであるサムソン・ヤン（Samson Young）らが本書のために特別にデザインしたページでは、現代における作者の作品の重要性を強調している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe publication homes in on a feature of the work of media artist Nam June Paik that has been largely overlooked: live moments, a consistent element running all through his artistic career. The immediate experience of the audience and their active involvement are crucial components in Paik’s work. Starting with his early career as a composer, one focus of the book is on the way Paik approaches music as a score, a concept, and an event. His artistic ideas and methods are presented with reference to key series of works — including his performances, his participatory pieces, his interest in live television, and his multimedia works. This richly illustrated chronicle of his performances conveys a vivid impression of these live moments. Specially designed pages created by the artists Annika Kahrs, Autumn Knight, Aki Onda, and Samson Young underscore the relevance of Paik’s work today.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40105136291920,"sku":"9783959057127","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_33e54791-f72e-4432-8525-ba406da40646.jpg?v=1683857931"}],"url":"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/film.oembed?page=10","provider":"twelvebooks","version":"1.0","type":"link"}