{"title":"FEMINISM","description":"","products":[{"product_id":"8-women-by-collier-schorr","title":"8 WOMEN by Collier Schorr","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人フォトグラファー、コリエ・ショア（Collier Schorr）の作品集。「アプロプリエーション（盗用）」という既存のイメージを自作のなかに取り込む技法を用いて、90年代半ばから現在までに撮影してきた自身のファッションフォトを活用し制作された作品を収録。本作を通じて著者（オリジナル）と欲望（サンプリング）の問題に取り組むと共に、女性描写に対する議論に、女性側の視点を導入させた作品となっており、モデルやミュージシャン、アーティストなどパフォーマンスに携わる全ての人の様々なテーマを提議している。Richard Princeによる序文つき。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003eCollier Schorr’s latest book \u003cem\u003e8 Women\u003c\/em\u003e presents work which spans from the mid-nineties to the present. Schorr’s earliest works utilised appropriated adverts from fashion magazines to address issues of authorship and desire; the works introduced a female gaze into the debate about female representation. Appropriation was Schorr’s first medium and in some sense she returns to it, taking her own commissioned fashion images and folding them into a dialogue with other works. The works in \u003cem\u003e8 Women\u003c\/em\u003e propose a variety of subjects, all of whom are involved in performance, be it as artists, models or musicians. Schorr, who has been working in fashion for the last 10 years, created sets that doubled as her studio, teasing out images that could only be made with a subject that could travel between the object of desire and the enforcer of an identity crafted in that very moment. Working between out-takes and manipulations of tear sheets, Schorr questions who the women that desire to be looked at are, as well as what power exists in acknowledging that as a post-feminist position.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30451011148,"sku":"9781907946424","price":9350.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/140407_66308.jpg?v=1571703836"},{"product_id":"red-flower-the-women-of-okinawa-by-mao-ishikawa","title":"RED FLOWER, THE WOMEN OF OKINAWA \/ 赤花 アカバナー､沖縄の女 by Mao Ishikawa [SECOND EDITION]","description":"\u003cp\u003e沖縄出身の写真家、石川真生の作品集。 本書は、沖縄県の\u003cspan\u003eコザ市（現沖縄市）や金武町\u003c\/span\u003eで1975〜77年の間に撮影した処女作『\u003cem\u003e熱き日々 in キャンプハンセン\u003c\/em\u003e』（1982）からの作品を中心に、未発表の作品を含めたモノクロ写真80点を収録。沖縄の基地の街のバーで働く女性たちの姿を撮った本書は、昨今よりも日本と沖縄、米国の政治的背景が複雑であった時代に、心の赴くままに純粋に青春を謳歌し自由を愛する女性へ、作者が熱き想いを込めて制作。本書は作家が書き下ろしたエッセイに合わせ5つの章で構成され、ボーイフレンドについて噂をしあう女たち、バーに働きにでる姿、家でボーイフレンドと寛ぐ様子、海岸での楽しい午後、そして、未来の沖縄を支える子供たちのポートレイトとまとめられている。70年代中期から後期に撮影された本書は、作家の写真家への道を導くこととなった初期作品として重要な一冊となっている。これまで、沖縄というテーマは日本の著名な写真家（東松照明、森山大道、荒木経惟、北島敬三）の間でも関心の高い主題として人気を集めてきたが、石川は沖縄に生まれ育ち、生涯をかけて沖縄を精力的に撮り続ける女性作家として唯一無二の存在と言える。第二版。\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/blogs\/articles\/review-red-flower-the-women-of-okinawa-by-mika-kobayashi\" target=\"_blank\"\u003eレビュー：小林 美香（写真研究者 \/ 東京国立近代美術館客員研究員）\u003cbr\u003e\u003c\/a\u003e\u003ca href=\"http:\/\/www.tokyo-np.co.jp\/article\/culture\/doyou\/CK2017030402000240.html\" target=\"_blank\"\u003e関連記事：沖縄人の抵抗を撮る　「大琉球写真絵巻」で歴史描く　石川真生さん（写真家）\/ 東京新聞\u003cbr\u003e\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003cem\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003cstrong\u003eEVENT:\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003e石川真生「赤花」再版記念トークイベント\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/em\u003e日程：2022年12月3日（土）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：16:00 - 18:00　※15:30 開場\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e場所：Lagoon\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/akabana-talk-20221203.peatix.com\/view\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cem\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e※本イベントは終了いたしました\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003cem\u003eRed Flower, The Women of Okinawa\u003c\/em\u003e, is the first United States monograph by Okinawan photographer Mao Ishikawa. \u003cem\u003eRed Flower\u003c\/em\u003e consists of 80 black \u0026amp; white photographs that date from 1975 to 1977 in Koza and Kin, Okinawa, primarily from Ishikawa’s first book \u003cem\u003eHot Days in Camp Hansen\u003c\/em\u003e by A-man Shuppan in 1982, but it also includes unpublished work from the same period. \u003cem\u003eRed Flower\u003c\/em\u003e exhibits Ishikawa’s celebration of the courageous and honest lives of women she met and befriended while working at military bars at a time when social and political tensions between the US and Japan were on high alert. It consists of five chapters of pictures, followed by her essay dedicated to the publication: girls gossiping about boys, working at bar, meeting their boyfriends at home, enjoying themselves at the beach, and their children for the future of Okinawa. Red Flower is the pivotal work for Ishikawa, since it marks the starting point of her subsequent long career as a photographer. Okinawa has been one of the most popular subjects in the history of Japanese photography, having attracted many renowned Japanese photography masters such as Shomei Tomatsu, Daido Moriyama, Nobuyoshi Araki, and Keizo Kitajima. Born and raised in Okinawa, Ishikawa is, however, the only female photographer for still vigorously making work of Okinawa (and living in Okinawa) in spite of whatever taboo or challenges she came across along the way. Previously Ishikawa made two publications on the same subject. Her first book, \u003cem\u003eCamp Hansen\u003c\/em\u003e is not, in fact, her monograph since another photographer, Toyomitsu Higa took the photos in the second half of the book. Also, it was regretfully banned due to claims from two girls in the book shortly after it was released, so it is extremely rare and expensive. The other volume of Ishikawa’s Okinawa work was published on the occasion of her exhibition at Yokohama Civic Art Gallery Azamino in 2013. Since it mainly functions as reference to her general work, and it was laid out with large white framing surrounding smaller format photos, it loses the boldness, honesty and urgency which are characteristic of her work. Red Flower features full-bleed images in a large format with intense black and white printing, and successfully makes the original lively spirit and tension of Ishikawa’s legendary \u003cem\u003eCamp Hansen\u003c\/em\u003e work available again for wider public appreciation. Second edition.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/blogs\/articles\/review-red-flower-the-women-of-okinawa-by-mika-kobayashi\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003eREVIEW：RED FLOWER, THE WOMEN OF OKINAWA \/ 赤花 アカバナー、沖縄の女 by Mika Kobayashi（Photo Critic \/ Guest Researcher at National Museum of Modern Art, Tokyo）\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"SESSION PRESS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":34731174156,"sku":"9780692817445","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/170412_03992.jpg?v=1571703942"},{"product_id":"my-birth-by-carmen-winant","title":"MY BIRTH by Carmen Winant","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eアメリカ・オハイオ州で活動するフォトグラファー、カルメン・ワイナン（Carmen Winant）の作品集。本作は3人の子供を産んだ母親でもある作者の写真と、同じく出産経験を持つ匿名の女性たちのファウンド・フォトを織り交ぜて構成している。産みの苦しみから誕生へと生き生きとした物語が進むにつれて女性たちの立ち居振る舞いが互いに融合していき、一斉に緊張状態となり解放される - そんな一つの集合体を作り出す。 作者自身の日記の複写とも言える本作には、出産風景のシークエンスに加えて作者の文章が添えられており、生命誕生という共有されながらも孤独であるその経験の当事者を探究した人間として記されている。『\u003cem\u003eMY BIRTH\u003c\/em\u003e』は問う。大衆文化によって長い間覆われパロディ化されて描かれてきた「出産」が、目に見えるものとなっていたら？「出産」を物語るにふさわしい、心地良くも力強い言葉が存在していたら？「出産」の過程を数多と描写しその主観性を強く主張して、 我々が「出産」やその表現を政治的な行為であると理解していたら？この生命の誕生を祝福するプロジェクトは、作者の第一子の誕生直後、第二子を妊娠した際に着想を得て制作。本作は、MoMAで開催された『\u003ca href=\"https:\/\/www.moma.org\/calendar\/exhibitions\/3886?locale=ja\" rel=\"noopener noreferrer\" target=\"_blank\"\u003eBeing: New Photography 2018\u003c\/a\u003e』展にてインスタレーション作品として発表されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は、同作家の『\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/the-last-safe-abortion-by-carmen-winant\"\u003e\u003cem\u003eTHE LAST SAFE ABORTION\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e』（2024年）の刊行に伴い、同じタイミングで再版された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"http:\/\/blog.livedoor.jp\/tokinowasuremono\/archives\/53330227.html\" rel=\"noopener noreferrer\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003e記事：小林美香のエッセイ「写真集と絵本のブックレビュー」第27回 Carmen Winant『 My Birth』（ギャラリー ときの忘れもの）\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA book of text and image, \u003cem\u003eMy Birth\u003c\/em\u003e interweaves photographs of the artist Carmen Winant's mother giving birth to her three children with found images of other, anonymous, women undergoing the same bodily experience. As the pictorial narrative progresses, from labor through delivery, the women's postures increasingly blend into one another, creating a collective body that strains and releases in unison. In addition to the photographic sequence, \u003cem\u003eMy Birth\u003c\/em\u003e―a facsimile of Winant's own journal―includes an original text by the artist exploring the shared, yet solitary, ownership of the experience of birth. \u003cem\u003eMy Birth\u003c\/em\u003e asks: What if birth, long shrouded and parodied by popular culture, was made visible? What if a comfortable and dynamic language existed to describe it? What if, in picturing the process so many times over and insisting on its very subjectivity, we understood childbirth, and its representation, to be a political act? \u003cem\u003eMy Birth\u003c\/em\u003e, coincides with Winant's on-site installation at the Museum of Modern Art's Being: New Photography 2018. The complimentary projects were conceived of together, directly following the birth of the artist's first child and while she was pregnant with her second.\u003c\/p\u003e","brand":"SPBH EDITIONS \/ MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":12299620221008,"sku":"9781999814441","price":13200.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/180425_7684.jpg?v=1571703967"},{"product_id":"lina-scheynius-11-by-lina-scheynius","title":"LINA SCHEYNIUS 11 by Lina Scheynius","description":"\u003cp\u003eスウェーデン人フォトグラファー、リナ・シェイニウス（Lina Scheynius）の自身11冊目となる自費出版作品集。2018年に撮影された作品で構成されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e昨年、私の親友であるアマンダが1人の命を授かり、ルビーという女の子を出産するまでの期間にずっと立ち会えたのは本当に幸運だったと思っています。助産師である私の姉妹は出産にまつわるストーリーを沢山聞かせてくれました。アマンダと私は15年間互いを見てきてよく知っていたし、何をするにも一緒だったので、私が体験するであろうことを想像してアイデアを練っていましたが、実際のところ全く見当もつきませんでした。それは、感情や痛み（私自身の痛みではないですが、直に感じることが難しかった。）、多くの紆余曲折… 全てが私の想像をはるかに超えていました。そこには何かが満ちているけれど、その瞬間を何もせずにただ待っていました。そして…ルビーはじめまして。この世界へようこそ！あなたが生まれた瞬間に立ち会えて、私はとても幸せよ。2008年から手がけてきた自費出版のシリーズの11作目であるこの作品は、ほとんどの時間を編集に費やしました。そしてこれは私1人の作品というよりコラボレーション作であると言っても過言ではありません。何を決めるにも、アマンダと一緒に取り組んだからです。\u003c\/em\u003e」\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\"last year i was lucky enough to be there when my best friend amanda gave birth to her daughther ruby. my sister is a midwife and has told me a lot of birth stories, amanda and i have known each other for 15 years and done everything together, so i thought i had some idea of what i was going to experience, but i really had no clue. it was so much more. so many more feelings. so much more pain (not mine, but it was still hard to witness). so many more twists and turns of events. and moments of waiting and doing nothing that were still so full of something. welcome to the world Ruby, i am so happy i could be there when you arrived. \u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003ethis is my 11th book in my series of self published books that i have made since 2008 and the one that has taken most time to edit and been the absolute most like a collaboration. every single decision in putting it together has been made by me and amanda together.\"\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"SELF PUBLISHING","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":29167683829840,"sku":"","price":5060.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/190830_015.jpg?v=1571704033"},{"product_id":"sophie-by-camille-vivier","title":"SOPHIE by Camille Vivier","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eフランス人フォトグラファー、カミーユ・ヴィヴィエ（Camille Vivier）の作品集。4年ほど前にキャスティングエージェントを通じ、作者は「ソフィー」と出会った。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e撮影の為に当時鍛え抜かれた身体の女性を探していました。ソフィーと出会い、彼女の力強い彫刻のような体に魅了されただけでなく、女性的で優しい彼女の顔にも魅かれました。ソフィーはボディービルディングを通じて表現したいことが沢山あるのではないかと感じました。今もその当時も、ボディービルディングをすることは、肉体的だけでなく比喩的な意味でも彼女自身を再構成する行為なのです\u003c\/em\u003e」\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eソフィーは作者が作品を通じて表現しようとする性質の数々を体現している。まるで建築物のようなこのボディービルダーの肉体には、作者の興味を惹きつけてやまない主体と対象の両方の原動力が内に秘められている。また、それと同時に「女性らしさ」や「男性らしさ」とされているもの間の境界線を曖昧にしている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e自分自身のイメージを肯定し満足したいという、心の内側から湧き上がる私的な思いに導かれて自分自身を作り変えることによって、ソフィーは女性的な身体はこうあるべき、と規定する基準を書き換えていると感じさせる\u003c\/em\u003e」－ Another Magazine\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eVivier met Sophie through a casting agent around four years ago. “I was looking for a very athletic woman for a photoshoot,” she recounts. “\u003cem\u003eWhen I met Sophie, I was not only fascinated by her powerful, sculptural body but I was also drawn to her face which is sweet, feminine and tender. I felt that Sophie had a lot to say through her bodybuilding practice – it is, or at the time was, a reconstruction of herself in both an allegorical and a physical sense.\u003c\/em\u003e” Sophie embodies many of the qualities that the photographer seeks to convey through her work: the architectural nature of the bodybuilder’s form encapsulates both the subject and object dynamic that so intrigues Vivier, while simultaneously blurring the boundaries between preconceived notions of femininity and masculinity. \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eI felt that by reshaping herself with a very intimate, strong and personal motivation to feel good and comfortable with her own image, Sophie was reshaping the criteria of what the feminine body is supposed to be.\u003c\/em\u003e” (Another Magazine)\u003c\/p\u003e","brand":"ART PAPER EDITIONS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31854653243472,"sku":"9789493146341","price":6600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/sophie_00.jpg?v=1582348466"},{"product_id":"new-skin-by-mayumi-hosokura","title":"NEW SKIN by Mayumi Hosokura [SIGNED]","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003e日本人写真家、細倉真弓の作品集。ダナ・ハラウェイの文章に深い影響を受け制作された本作は、アイデンティティや身体、欲望について考える新しい方法を提示する。ゲイ雑誌の切り抜き、彫像写真、ファウンド・セルフィーに加え、作者自身が撮った写真から男性を捉えたイメージのみを意図的に選んで組み合わせて作った一枚の巨大デジタルコラージュが、この写真集のベースとなっている。このコラージュを12分割に切り分けてできた断片は、男性と女性、人間と動物、生きているものとそうではないものの境界線を曖昧にする。人間であることの新しい概念を提示するハイブリッドな本作は、欲望を抑圧している社会規範を揺るがす。作者はフェミニストの理論と最新の技術革新を用いて、デジタルとバイオテクノロジーが進化し続ける時代の中で身体に訪れる未来を描き出している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.thelovemagazine.co.uk\/article\/selfies-and-sex-artist-mayumi-hosokura-is-re-thinking-the-male-gaze\" target=\"_blank\"\u003e記事：SELFIES AND SEX: ARTIST MAYUMI HOSOKURA IS RE-THINKING THE MALE GAZE（LOVE MAGAZINE \/ 英語）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan style=\"color: #2b00ff;\"\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"color: #2b00ff;\"\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003eDeeply affected by Donna Haraway’s writing, \u003cem\u003eNew Skin\u003c\/em\u003e is Mayumi Hosokura’s proposition for a new way of thinking about identity, the body and desire. Its origin is one single, large-scale digital collage which Hosokura created using clippings from old gay magazines, statues, and found selfies, together with her own photographs — specifically choosing to use images of male figures only. Subsequently cut into 12 separate pieces the resulting fragments blur the boundaries between man and woman, human and animal, living and non-living beings; hybrid works that reimagine what it means to be human and which unsettle social conventions of desire. Drawing on feminist theory and current technological innovations, \u003cem\u003eNew Skin\u003c\/em\u003e anticipates the future of the body in a time of advancing digital and bio-technologies.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.thelovemagazine.co.uk\/article\/selfies-and-sex-artist-mayumi-hosokura-is-re-thinking-the-male-gaze\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003eArticle: SELFIES AND SEX: ARTIST MAYUMI HOSOKURA IS RE-THINKING THE MALE GAZE（LOVE MAGAZINE）\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003ciframe width=\"560\" height=\"315\" src=\"https:\/\/www.youtube.com\/embed\/7oTvjQrtMKs\"\u003e\u003c\/iframe\u003eMACK LIVE ARCHIVE - ONLINE FILM SCREENING '新しい肌 \/ NEW SKIN by Mayumi Hosokura' - from 'NEW SKIN #25 ttt'\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"サイン入 \/ SIGNED","offer_id":39451485306960,"sku":"978-1912339730","price":10780.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false},{"title":"サインなし \/ UNSIGNED","offer_id":39451485339728,"sku":"978-1912339731","price":10780.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/NEWSKIN.jpg?v=1584079555"},{"product_id":"new-books-edited-by-daniela-comani","title":"NEUERSCHEINUNGEN, HRSG. VON DANIELA COMANI (NEW BOOKS, EDITED BY DANIELA COMANI) by Daniela Comani","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eイタリア人アーティスト、ダニエラ・コマーニ（Daniela Comani）の作品集。『\u003cem\u003e新書 ダニエラ・コマーニ編』\u003c\/em\u003eと名付けられた本書は、ドストエフスキー（Dostoyevsky）、セルバンテス（Cervantes）、フローベール（Flaubert）、ヘミングウェイ（Hemingway）、アントワーヌ・ド・サン＝テグジュペリ（Antoine de Saint-Exupéry）、ロベルト・ムージル（Robert Musil）など、多くの人々の本棚を飾る著名な古典作品を紹介している。我々が読んだことのある本、あるいは読むべきだった本たちは、ある種の郷愁、過去の確実性を身にまとっているようである。それともこの感覚は作者の手によるものなのだろうか。『カラマーゾフの姉妹』、『\u003cem\u003eドン・キホーテ\u003c\/em\u003e』、『\u003cem\u003eムッシュー・ボヴァリー\u003c\/em\u003e』、『\u003cem\u003e老女と海\u003c\/em\u003e』、『\u003cem\u003e星の王女様\u003c\/em\u003e』、『\u003cem\u003e特性のない女\u003c\/em\u003e』に我々は本当に出会ったことがあるだろうか。世界的な文学作品の主人公たちはほとんどが男性であるが、ここでは奇跡的な性転換を遂げ、文学のジャンルや役割について私たちが抱いている既成概念を真剣に問い直している。ジェンダーにまつわる不安を繊細で巧緻な方法で可視化する作者の芸術は、西洋古典文学の名作を従来のものとは全く違う新鮮な視点から見直すことを我々に呼びかける。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eNeuerscheinungen, hrsg. von Daniela Comani (new books, edited by Daniela Comani)\u003c\/em\u003e presents books we are all acquainted with, well-known classics that adorn our bookshelves. Dostoyevsky, Cervantes, Flaubert, Hemingway, Antoine de Saint-Exupéry or Robert Musil. Books we once read or should have read, now endowed with a certain sense of nostalgia, of past certainties. Or does she? Have we really ever encountered \u003cem\u003eThe Sisters Karamazov, Doña Quixote, Monsieur Bovary, The Old Woman and the Sea, La Petite Princesse or Die Frau ohne Eigenschaften\u003c\/em\u003e? The protagonists of world literature, most of them male, undergo a miraculous gender transformation, seriously challenging our established notions of literary type and roles. Gender unease is made visible in a subtle and sensitive way. Daniela Comani’s art entices us to take a completely fresh look at some of the great classics of Western literature.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32296251064400,"sku":"9783905509786","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/NEWBOOKScover.jpg?v=1617877982"},{"product_id":"tacit-knowledge-post-studio-feminism-calarts-1970-1977-by-annette-jael-lehmann","title":"TACIT KNOWLEDGE - Post Studio\/Feminism – CalArts 1970-1977 by Annette Jael Lehmann","description":"\u003cp\u003eドイツ人美術史家であり教授のアンネッテ・ジャエル・レーマン（Annette Jael Lehmann）の作品集。カリフォルニア芸術大学（CalArts）の歴史の最初の10年間を特徴づけた複雑な芸術・教育実践について考察した一冊。アメリカ人アーティストであるジョン・バルデッサリ（John Baldessari）の「ポストスタジオ」学科、アメリカ人アーティストのジュディ・シカゴ（Judy Chicago）とカナダ生まれでアメリカを拠点として活動したアーティストのミリアム・シャピロ（Miriam Schapiro）の「フェミニストアートプログラム」から生まれ発展した、コンセプチュアルでありフェミニズムである戦略に特に重点が置かれている。フェミニストアートプログラムは1970年に始まり、同校で設立後間もない1971年からプログラムが提供されるようになった。CalArtsのポストスタジオ学科とフェミニストプログラムで実践されていた教育の特徴は、認識および（習慣に基づく）身体的な知識が深く絡み合っていることだとされている。このため本書においては、行動の社会的かつ遂行的文脈から得られる知識、すなわち暗黙知が収録されている全ての研究を関連付ける包含的な原則として機能している。短い概論、詳細な事例研究、幅広い文献や写真を雑誌の形式で組み合わせ、初期のCalArtsを形成した概念に様々な角度から大胆にアプローチした実験的な一冊。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eTacit Knowledge\u003c\/em\u003e provides an insight into the complex artistic and educational practices that characterized the first decade of the California Institute of the Arts (CalArts). There is a special focus on the conceptual and feminist strategies developed in and from John Baldessari’s Post Studio class as well as Judy Chicago and Miriam Schapiro’s Feminist Art Program, which was initiated in 1970 and brought to the newly founded art school in 1971. As Post Studio and feminist practices at CalArts are often characterized by the specific entanglement of cognitive and (habitual) bodily forms of knowledge, the idea of tacit knowledge, and thus learning through social and performative contexts of action, functions as an overarching principle linking all the contributions in the book. Combining short introductions with in-depth case studies and a broad range of documental and photographic material, the experimental publication takes the form of a magazine, allowing a diverse and lively approach to the ideas shaping the early years of CalArts. \u003cbr\u003e\u003cbr\u003eText by Kim Albrecht, Lea Becker, Katharina Brandt, Léïla Douliba, Carla Gabriel, Jennifer Gaschler, Pauline Gründing, Verena Kittel, Friederike Krause, Vivien Lambert, Annette Jael Lehmann, Alice Rugai, Jeffrey Schnapp, Anna Sønderup\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32577779826768,"sku":"978-3-959053-41-9","price":5280.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/Tacitknowledge00.jpg?v=1593012888"},{"product_id":"self-portraits-by-yurie-nagashima","title":"SELF-PORTRAITS by Yurie Nagashima [SECOND EDITION]","description":"\u003cp\u003e日本人写真家、長島有里枝の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e2017年、東京都写真美術館で開催された個展「\u003cem\u003eそしてひとつまみの皮肉と、愛を少々\u003c\/em\u003e」で展示された新作のひとつに、700点近いセルフポートレイトからなるスライドショーがありました。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e『\u003cem\u003eSelf-portraits\u003c\/em\u003e』は、そのなかから作家本人が選び抜いた、24年分のセルフポートレイトを集めた写真集。 1992年、バックパッカーとして旅をしていた学生時代のモノクロ作品から始まる本書は、アーチストとして知られるきっかけとなる初期のヌード作品や、90年代東京の空気を伝えるストリートでのセットアップ、カリフォルニア芸術大学留学中に撮影された写真へと続きます。帰国し、親となった2000年代以降にも、長島はセルフポートレイトを撮り続けています。 巻頭に収録された、アパーチャーファウンデーションのクリエイティブダイレクター、レスリー・A・マーティン（Lesley A. Martin）との対談で長島は、これらのセルフポートレイトはアクティビズムの一形態であると述べています。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eまた、特に初期の作品を指して、自らを被写体としてヌードグラビアや写真集のパロディーを撮ることは「\u003cem\u003eわたしにとっては、女性の身体に向けられる男性社会からの視線がどのようなものであるかに言及するための方法\u003c\/em\u003e」なのだともいいます。 「\u003cem\u003eヘアヌード写真ブームがとにかく許せなくて、動機がなんであれ、男の目的のために女が消費されるなんてあり得ない\u003c\/em\u003e」という長島は、”自分の身体は自分のもの” だという主張あるいは主体としての女性のありかたを、独自の表現でわたしたちに提示します。 \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e特にフェミズムの文脈において、セルフポートレートでは作者と主題、両方の役割を自分で果たします。長らく育まれてきた、写真表現における性別役割分担への抵抗を、象徴しているんです。\u003c\/em\u003e」 初期の作品に顕著であるパフォーマティブな側面は、シークエンスが進むにつれて次第に個人の日記のような印象を強めるように見えます。しかしそれも、幼い子や犬の姿が画面に登場する頻度が減り、ついに見られなくなる頃には再び、インスタグラムなどのSNSから生まれた「セルフィー」や「映え」のような、2010年代以降の新しい写真文化に対抗的な、スナップショットなのかセットアップなのかを一概には判別できない、コンセプチュアルな作品へと移行していきます。 「\u003cem\u003e写真はほぼ時系列に並んでいるから、わたしの変化がわかりやすいと思います。撮影方法、レンズそして機材。コンパクトフィルムカメラも4x5も、よく使うようになったのは子供が生まれてから。自分の経験や環境が変わると、主題も変わります。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003cem\u003e出産を機に、フェミニズム的な問題を取り上げて作品にすることが多くなり、2011年の原発事故を機に、自国の政治により目を向けるようになりました。個人的な興味や加齢によっても、主題は変わりました。 若いときは、自分の身体は自分のものだから好きなように使っていいと思っていましたけれど、息子が生まれてその考えは完全に変わりました。セットアップであれ、スナップショットであれ、わたしの写真はとてもパーソナルな作品だと思います。\u003c\/em\u003e」\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/imaonline.jp\/articles\/interview\/20201126yurie-nagashima_futoshi-miyagi\/\" target=\"_blank\"\u003e記事：長島有里枝 × ミヤギフトシ対談\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/imaonline.jp\/articles\/interview\/20201126yurie-nagashima_futoshi-miyagi\/\" target=\"_blank\"\u003e違和感を他者に伝えるために、パーソナルなセルフポートレイトが語るもの（IMA ONLINE）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/sheishere.jp\/interview\/202009-yurienagashima\/\" data-mce-fragment=\"1\" data-mce-href=\"https:\/\/sheishere.jp\/interview\/202009-yurienagashima\/\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003e記事：長島有里枝が自らを撮る理由。撮ることは、女性の人生を可視化すること - 生活を変えるのは女性、というジェンダー役割は変わっていない（She is）\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/imaonline.jp\/articles\/archive\/20211118yurie-nagashima\" target=\"_blank\"\u003e記事：長島有里枝 ―― フェミニズムの視点からその先へ【IMA Vol.36特集】（IMA ONLINE）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eEXHIBITION:\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003eぎこちない会話への対応策—第三波フェミニズムの視点で\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2021年10月16日（土）- 2022年3月13日（日）\u003cbr\u003e休館日：月曜日（ただし11月1日、11月22日、2022年1月3日、1月10日は開場）、 11月24日(水)、12月29日(水)〜2022年1月1日(土・祝)、1月4日(火)、1月11日(火)\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：10:00-18:00 \/ 金・土曜日は20:00まで\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：金沢21世紀美術館　展示室7～10、交流ゾーン\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.kanazawa21.jp\/data_list.php?g=17\u0026amp;d=1796\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003eTALK:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e長島有里枝＋岩根愛＋藤岡亜弥 トークイベント\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e日程：2020年8月21日（金）\u003cbr\u003e時間：19:00-20:30\u003cbr\u003e開催場所：百年 *オンライン配信会場となります。トークご参加のためにご来場いただく必要はございません。\u003cbr\u003e参加費：1,500円（税込）\u003cbr\u003e開催形態：オンライン \/ リアルタイム配信のみ\u003cbr\u003e\u003ca href=\"http:\/\/www.100hyakunen.com\/news\/info\/202007202837\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003cbr\u003e\u003c\/a\u003e\u003cspan style=\"color: #000000;\"\u003e※本イベントは終了いたしました\u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e長島有里枝＋カナイフユキ トークイベント\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e「Personal is political ーわからない”わたし”を探す表現」\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e日程：2020年9月5日（土）\u003cbr\u003e時間：19:00-21:00\u003cbr\u003e場所：本屋B\u0026amp;B *オンライン配信会場となります。トークご参加のためにご来場いただく必要はございません。\u003cbr\u003e参加費：1,500円（税抜） \/ 書籍付 5,500円（税抜）\u003cbr\u003e開催形態：オンライン \/ リアルタイム配信のみ\u003cbr\u003e\u003ca href=\"http:\/\/bookandbeer.com\/event\/20200905\/\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003cbr\u003e\u003c\/a\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e※本イベントは終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e長島有里枝 ✕ 伊藤貴弘　トークイベント\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e日程：2020年10月3日\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e（土）\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：19:00-20:30\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：NADiff a\/p\/a\/r\/t *オンライン配信会場となります。トークご参加のためにご来場いただく必要はございません。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e参加費：1,100円（税込）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催形態：オンライン \/ リアルタイム配信のみ\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"http:\/\/www.nadiff.com\/?p=20784\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e※本イベントは終了いたしました\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003eShown originally as a 30-minute slideshow of over 600 images as part of Nagashima’s survey exhibition And a Pinch of Irony with a Hint of Love at Tokyo Photographic Art Museum in 2017, \u003cem\u003eSelf-Portraits\u003c\/em\u003e by Yurie Nagashima charts the evolution of this major female artist over a period of 24 years from 1992-2016. The opening photograph taken while on a backpacking trip is closely followed by her early, much publicized, self-portrait nudes; scenes amongst her peers in Tokyo in the mid-90s through her studies abroad at CalArts in Los Angeles. Returning to Tokyo in 1999 she continued to take self-portraits through her pregnancy, the birth of her son and on during the proceeding years of maturing and motherhood. From a conversation with Lesley A. Martin, Aperture Foundation’s Creative Director, in the introduction Nagashima talks about her early self-portraits as a form of activism, that by creating a parody of self-portrait pin-ups she found “\u003cem\u003ea way of talking about how the gaze of male society works on the female body.\u003c\/em\u003e” She goes on “\u003cem\u003eI was angry at the Hair Nude boom, and thought, “Okay, there’s no way men can use and consume a female body for their own agenda\u003c\/em\u003e” literally claiming the agency of images of her own body on her own terms. “\u003cem\u003eI realized that self-portraiture is an important genre of photography, especially in the context of feminism…. The self-portrait means that you can take on both roles, as a model and as a photographer. When you have a camera on a tripod, you have the space in front of the camera and also the space behind the camera. It’s very symbolic. It’s a way of taking action against the historical roles of the male and female in photography.\u003c\/em\u003e” While the early work is clearly performative in this way as the sequence moves on, it seems to get more personal and diaristic. \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eIn this book, I sequenced the images chronologically, so you can see the change. There are often reasons behind my change in camera, lens, or style of shooting. For example, I started using compact-film cameras more, right after I had a child. My subject matter is often changed by my experiences and by the social changes I experienced. I became more aware of feminist issues after having a child, and then the earthquake in 2011 made me face domestic political issues. My personal interests also changed, and aging, too, is just another cause. When I was young, I thought my body was my own property so I could do whatever, but my son changed that idea completely. I think that my photographs――both set-ups and snap shots――are quite personal.\u003c\/em\u003e”\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eBook design by Charlotte de Mezamat, Interview by Lesley A. Martin, translation by Akiko Ichikawa\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"DASHWOOD BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32637936959568,"sku":"","price":4400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/SALF-PORTRAITS00.jpg?v=1595231280"},{"product_id":"jenny-jenny-by-tobias-zielony","title":"JENNY JENNY by Tobias Zielony","description":"\u003cp\u003eドイツ人フォトグラファー、映像作家であるトビアス・ツィローニ（Tobias Zielony）の作品集。作者の最新作は偶然の出会いから始まった。ベルリンの地下鉄で若いカップルと会話をしたのをきっかけに、彼らに写真を撮ってもいいかと持ちかけた。次の駅のプラットフォームでささっと何枚か写真を撮った。女性は作者に自分はいつもこの辺にいるから、ここに来ればいつでも写真を撮ってもよいと言った。「ここで？」「私はこの直ぐ近くの通りでいつも客引きをしているから！」そうしたことを経て再会し、作者は最初の内は彼女を、後には仲間の売春婦たちのポートレイトを撮った。こうしてできた40ページの『\u003cem\u003eJenny Jenny\u003c\/em\u003e』はドキュメンタリーではない。確かなものや真実を捉えるために作者は報道写真の煽情主義を避けている。ジャーナリズムとドキュメンタリーはどちらもドラマチックな要素から逃れることはできないが、作者にとって被写体に嘘偽りがないことはドキュメンタリーのイメージの客観性の問題と同じくらい大きな意味を持つのである。本書はベルリーニッシェ・ギャラリーで開催された個展「\u003cem\u003eTobias Zielony: Jenny Jenny\u003c\/em\u003e」に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eTobias Zielony’s recent photo series started with a chance encounter. A conversation with a young couple on a Berlin subway train led Zielony to suggest to photograph them. At the next stop they took a few quick shots on the platform. She told him that she could always be found around here, and he could come back anytime to take more pictures. »”Here?”―“I walk the street, right around the corner!” They meet again, Zielony first portrays her and then also her fellow prostitutes and friends. The result is the 40 part series “\u003cem\u003eJenny Jenny\u003c\/em\u003e”. It is not documentary: Tobias Zielony avoids the journalistic impetus for certainty and truth. To him, the authenticity of the subject is as relevant as the question of the objectivity of the documentary image: both are never free of dramatic elements. The book was published on occasion of the exhibition “\u003cem\u003eTobias Zielony: Jenny Jenny\u003c\/em\u003e” in the Berlinischen Galerie.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32671081332816,"sku":"978-3-944669-00-7","price":5720.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/JENNYJENNY00.jpg?v=1595951203"},{"product_id":"a-black-hole-is-everything-a-star-longs-to-be-by-kara-walker","title":"A BLACK HOLE IS EVERYTHING A STAR LONGS TO BE by Kara Walker","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp class=\"p1\"\u003e高い評価と影響力を誇るアメリカ人アーティスト、カラ・ウォーカー（Kara Walker）の作品集。作者のドローイングを堪能できる貴重な1冊に仕上がっている。1993年から2020年の間に紙に描かれた600点以上の作品を収録。その大部分が作者によって守り抜かれてきた私的なアーカイブに含まれていたものであり、本として出版されるのは今回が初めてである。近年巨大彫刻のインスタレーションで名を馳せた作者だが、今なおその創作活動の基盤になっているのは自然に湧き出てくる生々しい感情を紙にぶつけたドローイングである。本書は、作者の世界観、影響を受けたものやテーマを深く理解するためのまたとない機会を提供している。 作者は紙にブラシで描くことが多いが、これによって自由に流れる開放的な動きが生まれている。小さなスケッチ、習作、コラージュ、丹念に仕上げられた大作と、日記的なメモ、インデックスカードにライプライターで書かれた省察、夢日記などが隣り合って配置されている。それぞれのページに漂う親密さは、作品の驚くべき多様性と鮮やかな対比をなしている。本書のページをめくり、作者が自分の思考を紙上で展開し、人物や物語を描き換え、作り出し、変化させていく様を観察しているうちに、作者の芸術の根源にあるものが見えてくる。アーティスト、アフリカ系アメリカ人、女性、母親という自分自身のアイデンディディを細やかに分析しながら、作者はその個人的な重要性と今起きている出来事を背景とした社会的な意味の両方を探る。社会的な意味の問いかけは、バラク・オバマ氏の大統領時代と今も続く影響を反映したセンセーショナルな新作ポートレイトに特に強く見られる。 デザインはジュネーブのギャヴィエ＆シ（Gavillet \u0026amp; Cie）が手がける。600点以上のイメージに加え、バーゼル美術館の版画・ドローイング部門の責任者アニタ・ハルデマン（Anita Haldemann）、展覧会キュレーターであり文化史家のモーリス・バーガー（Maurice Berger）、批評家・アーティストのアリア・ディーン（Aria Dean）らによるエッセイも収録。 本書はバーゼル美術館（2021年）、シルン美術館（2022年）、ティルブルフのデ・ポント現代美術館（2022年）で開催される巡回展に伴い、バーゼル美術館と共同出版された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe drawing practice of Kara Walker: a unique opportunity to encompass the celebrated and impacting universe of Kara Walker, this publication gathers together 700+ works on paper realized by the artist between 1993 and 2020—most of them being reproduced for the first time, as they come out from her until now zealously-guarded private archive.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eRenowned for her recent monumental installations, drawing on paper remains the foundation of Walker's creative practice, offering an air of spontaneity and unfiltered emotion which make this volume an unprecedented insight into Walker's world, influences, and topics. Many of her works on paper are executed with a brush, which lends them a flowing and open dynamic. Small sketches, studies, collages, and meticulously finished large-format works appear side by side with diaristic notes, typewritten reflections on index cards, and dream journals. The intimacy of each individual page contrasts with the stunning range of works. Flipping through this publication, the reader effectively becomes an eyewitness to the genesis of Walker's art, observing her as she enacts her thinking on the paper and adapts, invents, and transforms figures and narratives. Scrutinizing her own identity—as an artist, an African-American, a woman, and a mother—Walker probes both its personal dimension and its social implications in the context of current events. The latter aspect is prominent in four new sensational portraits that reflect on Barack Obama's presidency and lasting influence. Designed by Gavillet \u0026amp; Cie, Geneva, the book features more than 600 reproductions as well as three essays by Anita Haldemann, Head of the Kunstmuseum Basel Prints and Drawings Department and show curator, cultural historian Maurice Berger, and critic and artist Aria Dean.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"JRP|EDITIONS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39347969097808,"sku":"9783037645574","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2103170614.jpg?v=1618466540"},{"product_id":"100-pisama-100-letters-by-marina-abramovic","title":"100 PISAMA \/ 100 LETTERS by Marina Abramović","description":"\u003cp\u003e旧ユーゴスラビア出身のパフォーマンスアーティスト、マリーナ・アブラモヴィッチ（Marina Abramović）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e手紙の送り方、受け取り方について\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003e私は幼い頃から30代前半まで、受け取った手紙を開けて読むことに大きな問題を抱えていました。手紙を開ける勇気が出るまで、何週間も机の上に置いたままになり、その間に罪悪感がどんどん大きくなっていきました。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003cem\u003eたいていの場合、手紙を開いたときには返事を出すのが遅すぎて、罪悪感は以前よりもひどくなりました。\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003e私は、1965年に母から受け取った最初の手紙から、1979年にベオグラードを離れるまで、すべての手紙を保管していました。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eそこで、送り主の名前は書かずに、すべての手紙の最初の文を時系列で書き留めてみたのです。そして書き終えたとき、これらの最初の一行によって作られたテキストを読むだけで、私の人生のすべてをたどることができるということに驚かされました。\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003e後で聞いた話では、マルセル・デュシャンは手紙を受け取ると、受け取った手紙を開いて返事をし、すぐに燃やしてしまったそうです。\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eジャン・ティンゲリーは一度も手紙を開けず、返事もせず、毎年クリスマスに未開封の封筒を燃やす儀式を行っていました。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eーマリーナ・アブラモヴィッチ\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003cem\u003eABOUT SENDING AND RECEIVING LETTERS\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eSince I was very young, until my early thirties, I had serious problems in opening and reading any letters I received. Letters would stay on my table for weeks before I found the courage to open them, and during this time my sense of guilt would grow and grow.\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eMost of the time, when I finally opened the letters, it was too late to answer them and my sense of guilt was worse than ever.\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eI kept every single letter, from the first notes received from my mother, in 1965, up to the time I left Belgrade for ever in 1979. I decided to chronologically write down the first sentence from all of these letters, without noting the name of the senders. When finished, I was astonished to see how it was possible to trace all my life just by reading the text created by all these first lines.\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eLater I heard that Marcel Duchamp, on receiving a letter, opened, answered, and immediately burnt the letter he’d received.\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eJean Tinguely never opened or answered any letter, and every christmas he made a ritual of burning unopened envelopes, which sometimes included important information and even checks.\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e– M. A.\u003c\/p\u003e","brand":"ONE STAR PRESS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39433559441488,"sku":"","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2107143418.jpg?v=1633592249"},{"product_id":"what-they-saw-historical-photobooks-by-women-1843-1999","title":"WHAT THEY SAW: HISTORICAL PHOTOBOOKS BY WOMEN, 1843–1999","description":"\u003cp\u003e写真集の歴史を研究し続ける写真集の魅力の普及、理解を通じて世界中の写真集コミュニティを育むことを目的とするニューヨークの非営利団体「\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/10x10-photobooks\"\u003e10x10 PHOTOBOOKS\u003c\/a\u003e」が刊行した作品集。写真集をテーマにした新作アンソロジー。写真のはじまりから21世紀の夜明けにかけて女性作家によって作られた写真集がまとめられている。アーティストの地理的・民族的な多様性はもちろん、昔ながらの装丁の本、ポートフォリオ、個人アルバム、未出版書籍、ジン、スクラップブックと形態も様々に、写真集の概念を最も広い意味で解釈した1冊。最初の女性写真家アンナ・アトキンス（Anna Atkins）の「\u003cem\u003eBritish Algae: Cyanotype Impressions 1843-1853\u003c\/em\u003e」のような有名どころかから、比較的知られていないアリス・シーリー・ハリス（Alice Seeley Harris）「\u003cem\u003eThe Camera and the Congo Crime\u003c\/em\u003e」（1906）、バーバラ・ステパーノヴァ（Varvara Stepanova）「\u003cem\u003eGroznyi smekh. Okna Rosta\u003c\/em\u003e」（1932年）、エスランダ・カロルゾ・グッド・ロブソン（Eslanda Cardozo Goode Robeson）「\u003cem\u003eAfrican Journey\u003c\/em\u003e」（1945）、フィーナ・ゴメス・レベンガ（Fina Gómez Revenga）「\u003cem\u003eFotografías de Fina Gómez Revenga\u003c\/em\u003e」（1954）、山沢栄子「\u003cem\u003eFar and Near\u003c\/em\u003e」（1962）、グレタ・アレグレ・サルファティ（Gretta Alegre Sarfaty）「\u003cem\u003eAuto-photos: Série transformações—1976: Diário de Uma Mulher—1977\u003c\/em\u003e」（1978）まで、幅広い作家がカバーされている。また、現代写真史におけるあからさまな格差や疎外、中でも西洋人以外の女性や有色人種の女性の写真集に対するアクセス、サポート、資金提供の欠如についても問題提起されている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e移動式の読書室、出版物、様々な公開イベントなどで構成されているこのプロジェクトは、2021年11月に本書の出版と同時に始動する。2022年5月には、ニューヨーク公立図書館（NYPL）ワラーチ部門の協力により、ニューヨーク市5番街／42丁目の「The New York Public Library（NYPL）」の本館で「the What They Saw」読書室が公開される。その後この読書室はプロジェクトで取り上げた50冊以上の本を世界中の人々に紹介するために世界各地を巡回する予定。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本書「\u003cem\u003eWhat They Saw: Historical Photobooks by Women, 1843–1999\u003c\/em\u003e」は、10×10 Photobooksのプロジェクト「\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/how-we-see-photobooks-by-women\"\u003eHow We See: Photobooks by Women\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e」の第二弾として立ち上げられた。第一弾は2000年から2018年の間に制作された現代の女性による写真集を紹介するもので、2018年にNYPLの読書室として始まり、5つの会場で巡回展が行われた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/imaonline.jp\/articles\/archive\/20211124russet-lederman\/\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003e記事：20 Photobooks Around Gender ラセット・レダーマン「日本人女性による戦後の写真集」【IMA Vol.36特集】（IMA ONLINE）\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/imaonline.jp\/articles\/bookreview\/20211227skwa-twelvebooks\/#page-1\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003e記事：2021年のベストセラー写真集3冊【SKWAT\/twelvebooks編】\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e10×10’s most recent “book-on-photobooks” anthology in its ongoing examination of photobook history, explores photobooks created by women from photography’s beginnings to the dawn of the 21st century.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePresenting a diverse geographic and ethnic selection, the anthology interprets the concept of the photobook in the broadest sense possible: classic bound books, portfolios, personal albums, unpublished books, zines and scrapbooks. Some of the books documented are well-known publications such as Anna Atkins’ \u003cem\u003ePhotographs of British Algae: Cyanotype Impressions\u003c\/em\u003e (1843-1853), Germaine Krull’s \u003cem\u003eMétal\u003c\/em\u003e (1928) and \u003cem\u003eDiane Arbus: An Aperture\u003c\/em\u003e \u003cem\u003eMonograph\u003c\/em\u003e (1972), while other books may be relatively unknown, such as Alice Seeley Harris’ \u003cem\u003eThe Camera and the Congo Crime\u003c\/em\u003e (c. 1906), Varvara Stepanova’s \u003cem\u003eGroznyi smekh. Okna Rosta\u003c\/em\u003e (1932), Eslanda Cardozo Goode Robeson’s \u003cem\u003eAfrican Journey\u003c\/em\u003e (1945), Fina Gómez Revenga’s \u003cem\u003eFotografías de Fina Gómez Revenga\u003c\/em\u003e (1954), Eiko Yamazawa’s \u003cem\u003eFar and Near\u003c\/em\u003e (1962) and Gretta Alegre Sarfaty’s \u003cem\u003eAuto-photos: Série transformações—1976: Diário de Uma Mulher—1977\u003c\/em\u003e (1978). Also addressed in the publication are the glaring gaps and omissions in current photobook history—in particular, the lack of access, support and funding for photobooks by non-Western women and women of color.\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eStructured as a traveling reading room, publication and series of public events, the project will launch in November 2021 with the release of this publication. In May 2022, in partnership with the Wallach Division of the New York Public Library (NYPL), the \u003cem\u003eWhat They Saw\u003c\/em\u003e reading room will be on view at the NYPL’s main building at Fifth Avenue and 42nd Street in New York City. The reading room will then tour internationally to allow the over 250 books in the project to be shared with a global community.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eContributing Essayists: Mariama Attah, Jörg Colberg, Elizabeth Cronin, Deirdre Donohue, Anthony Hamber, Christine Hult- Lewis, Michiko Kasahara, Paula V. Kupfer, Jeffrey Ladd, Carole Naggar and Tony White.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eContributing Book Description Researchers-Writers: Rose Bishop, María Beatriz H. Carrión, Jesse Dritz, Taylor Fisch, Lauren Graves, Anna Jacobson, Paula V. Kupfer, Ashley McNelis, Katherine Mitchell, Frankie Moutafis, Carole Naggar, Caroline M. Riley and Kelsey Sucena.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"10X10 PHOTOBOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39550538514512,"sku":"9780578932132","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/1_248a8947-5d25-4dc9-979b-1d2db124f419.jpg?v=1637657887"},{"product_id":"deana-lawson-by-deana-lawson","title":"DEANA LAWSON by Deana Lawson","description":"\u003cp\u003eアメリカ人フォトグラファー、ディアナ・ローソン（Deana Lawson）の作品集。本書は、作者について書かれた初めての学術的な一冊であり、15年に及ぶ歳月の中で撮影された作品を網羅した、初の包括的な展覧会に伴い刊行された。現代写真界において並ぶもののない独自のスタイルを持つ作者は、15年に渡りアフリカ系アメリカ人と海外で暮らすアフリカ人をいわゆる黒人として描く様式化された表現を調査し、こうしたステレオタイプに挑戦してきた。家族のアルバム、スタジオで撮影するポートレイト、演出された活人画、ドキュメンタリー写真、ファウンドイメージなど、幾つもの写真の言語を取り入れた作品は、家族、愛、欲望の物語を紡ぎ出している。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e作者の写真は被写体とのコラボレーションによって作られる。時には裸で、時には抱き合い、カメラを真っすぐに見つめる被写体は、写真＝対象を覗き見るだけの受け身の表現手段という概念を揺るがすものである。被写体がポーズを撮っている写真であれ、イメージのコラージュであれ、ローソンの作品はどれも、黒人の生活、愛、セクシュアリティ、家族、霊的な信仰についての個人的・社会的な歴史を伝えている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本展覧会は、2021年から2023年にかけて「ICA\/Boston」（2021年11月3日〜2022年2月27日）、「MoMA PS1」（2022年4月14日〜9月5日）、「High Museum of Art」（\u003cmeta charset=\"UTF-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e2022年10月7日〜2023年2月19日\u003c\/span\u003e）へと巡回する。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本展のキュレーターであるエヴァ・レスピーニ（Eva Respini）とピーター・エリー（Peter Eleey）、ダートマス大学教授キンバリー・ファニタ＝ブラウン（Kimberly Juanita Brown）、ブラウン大学教授ティナ・M・カンプト（Tina M. Campt）、スタンフォード大学教授アレクサンダー・ネメロフ（Alexander Nemerov）、作家・音楽家・プロデューサーのグレッグ・テイト（Greg Tate）によるエッセイ、作者とニューヨーク大学教授デボラ・ウィリス（Deborah Willis）の対談を収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eDeana Lawson\u003c\/em\u003e, the first scholarly publication on the artist Deana Lawson, surveying fifteen years of her photography, will be published to accompany the first comprehensive museum survey exhibition featuring Lawson’s artwork. A singular voice in contemporary photography, Lawson has been investigating and challenging conventional representations of black identities in the African American and African diaspora for over fifteen years. Her work samples numerous photographic languages, including the family album, studio portraiture, staged tableaux, documentary pictures, and found images, creating narratives of family, love, and desire. Lawson’s photographs are made in collaboration with her subjects, who are sometimes nude, embracing, and directly confronting the camera, destabilizing the notion of photography as a passively voyeuristic medium. Whether in posed photographs or assembled collages, Lawson’s works channel broader ideas about personal and social histories of black life, love, sexuality, family, and spiritual beliefs. This publication will include selections from Lawson’s personal family photographs and archives of vernacular images that have profoundly informed her work.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eAccompanies an exhibition at ICA\/Boston from 3 November, 2021 - 27 February, 2022; MoMA PS1 from 14 April - 5 September, 2022; and High Museum of Art from 7 October, 2022 - 19 February, 2023.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eIncludes essays by Eva Respini and Peter Eleey (curators of the exhibition), Kimberly Juanita Brown (Professor at Dartmouth College), Tina M. Campt (Professor at Brown University), Alexander Nemerov (Professor at Stanford University), Greg Tate (writer, musician, and producer), and a conversation between the artist and Deborah Willis (Professor at New York University).\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39597484769360,"sku":"9781912339983","price":11550.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/DeanaLawson_01.jpg?v=1641975782"},{"product_id":"eileen-gray-designer-and-architect-by-eileen-gray","title":"EILEEN GRAY, DESIGNER AND ARCHITECT by Eileen Gray","description":"\u003cp\u003eアイルランド出身のプロダクトデザイナーであり建築家のアイリーン・グレイ（Eileen Gray）の作品集。類まれな才能を持っていたにもかかわらず、長い間歴史の影に隠れてきたその人生と作品を紹介する一冊。\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eオランダ人グラフィックデザイナーの\u003c\/span\u003e\u003ca data-mce-fragment=\"1\" href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/search?q=Irma+Boom\"\u003eイルマ・ボーム（Irma Boom）\u003c\/a\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eが手がけた\u003c\/span\u003e美しい装丁で綴じられている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eデザイナー、建築家として多彩な才能を発揮した作者は、生涯を通じて文壇や美術界の様々な著名人と交流を重ねた。本書は、デザイナー、建築家、画家、写真家としてのキャリアを年代順に追っていく。新たな研究の成果に加え、当時の写真と新しく撮影した図版をふんだんに盛り込み、50点以上のデザイン、建築作品を詳細に分析したエッセイを収録。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eアイルランドに生まれた作者は、ロンドンで学んだ後パリに渡り、テキスタイルスタジオを設立。この時期に学んだ日本の漆工芸がデザイナーとしての仕事の要となった。またギャラリー兼店舗である「Jean Désert」を所有し、ディレクターとしても活躍。それでも、主に独学で学んできた「女性」である作者は、男性が支配する業界で認められるために苦闘を強いられた。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e現在は家具、照明、カーペットで知られる作者だが、個人的にも社会的にも意義深い建築、インテリアプロジェクトを多数手掛けている。ジャン・バドウィッチ（Jean Badovici）と一緒にデザインした作者の代表作であるモダン住宅「\u003cem\u003eヴィラ E-1027（Villa E 1027）\u003c\/em\u003e」や、経済的で解体もできる「\u003cem\u003eキャンピング・テント（Camping Tent）\u003c\/em\u003e」などのもそうしたものの1つである。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eパリ装飾芸術美術館のアールヌーボー、アールデコ、現代デザインのキュレーターのクロエ・ピトー（Cloé Pitiot）と、ニューヨークの「Bard Graduate Center（BGC）」ディレクターのニーナ・ストリッツラー＝レヴァイン（Nina Stritzler-Levine）による共著。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA smartly designed and beautifully illustrated look at the life and work of an elusive and influential designer and architect\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eEileen Gray (1878–1976) was a versatile designer and architect who navigated numerous literary and artistic circles over the course of her life. This handsome volume chronicles Gray’s career as a designer, architect, painter, and photographer. The book’s essays, featuring copious new research, offer in-depth analysis of more than 50 individual designs and architectural projects, accompanied by both period and new photographs.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eBorn in Ireland and educated in London, Gray proceeded to Paris where she opened a textile studio, studied the Japanese craft of lacquer that would become a primary technique in her design work, and owned and directed the influential gallery and store known as “Jean Désert.” Gray struggled for acceptance as a largely self-taught woman in male-dominated professions. Although she is now best known for her furniture, lighting, and carpets, she dedicated herself to many architectural and interior projects that were both personal and socially driven, including the \u003cem\u003eVilla E 1027\u003c\/em\u003e, the iconic modern house designed with Jean Badovici, as well as economical and demountable projects, such as the \u003cem\u003eCamping Tent\u003c\/em\u003e. \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"BARD GRADUATE CENTER","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39601790615632,"sku":"9780300251067","price":14300.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2111121203.jpg?v=1638006541"},{"product_id":"scumb-manifesto-by-justine-kurland","title":"SCUMB MANIFESTO by Justine Kurland","description":"\u003cp\u003eアメリカ人フォトグラファー、ジャスティン・カーランド（Justine Kurland）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eラディカル・フェミニストであったヴァレリー・ソラナス（Valerie Solanas）によるフェミニズムの象徴的な書籍「\u003cem\u003eSCUM（Society for Cutting Up Men - 男性を切り刻む会）Manifesto\u003c\/em\u003e」に着想を得た作者の手による強烈な一作は、その名も、「\u003cem\u003eSCUMB（Society for Cutting Up Men's Books - 男性の本を切り刻む会） Manifesto\u003c\/em\u003e」である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書には、作者が男性アーティストの写真集を切り刻み、再構成した一連のコラージュが収められている。素材として、写真界の王道を独占していたヘテロセクシュアルの白人男性たちの写真集を約150冊を自らの蔵書から一掃するために選んだ。コラージュは皆、不均質、ばらばら、変形、こなごな、サイボーグ的で、幻想的なものである。それは、今まで長い間、女性たちの人生や芸術の世界において生きる術でもあった。作者によって作り出されたコラージュ作品は、観る者を力づけ、愛に満ちた儀式となった。コラージュのひとつひとつが歴史の再生であり、父権社会制を壊した欠片であり、性別による所有権の反転であり、収入格差の埋め合わせをしようとするささやかな試みなのだ。スタイルは変化したものの、このコラージュの中に現れる挑戦的な女性たちの像は、作者の過去の写真作品である「\u003cem\u003eGirl Pictures\u003c\/em\u003e」（1997-2002）や「\u003cem\u003eMama Babies\u003c\/em\u003e」（2004-07）で描かれたものを受け継ぐものとなる。本作に収められた作品は、すべて、自由を求めて痺れるように叫ぶ声である。求められているのは、創造し、破壊し、想像して、我々の視覚的あるいは社会的な世界を作り替える自由なのである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eマリーナ・チャオ（Marina Chao）、レネー・グラッドマン（Renee Gladman）、キャサリン・ロード（Catherine Lord）、アリアナ・ライネス（Ariana Reines）によるエッセイも掲載。\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e「\u003cem\u003eカーランドの試みによる躍進…かつて見たことがないほど鋭くはっきりと、男性権力を串刺しにする一作である。あなた方がかつてみたこともないほどに...\u003c\/em\u003e」―AnOther誌\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eInspired by Valerie Solanas’ iconoclastic feminist tract SCUM (Society for Cutting Up Men) Manifesto, SCUMB Manifesto introduces us to photographer Justine Kurland’s own uncompromising initiative: the Society for Cutting Up Men’s Books. This volume presents a collection of collages Kurland created by cutting up and reconfiguring photobooks by male artists, as she went through the process of purging her own library of roughly 150 books by straight white men that have monopolized the photographic canon. The nature of collage — heterogeneous, pulled apart, shape shifting, disrupted, cyborg, fantasy — has long made it a feminist strategy in life and in art. Kurland’s is a restorative and loving ritual. Each collage is a reclamation of history; a dismemberment of the patriarchy; a gender inversion of the usual terms of possession; and a modest attempt at offsetting a life of income disparity. While markedly different in style, the defiant female visions pictured in these compositions are a continuation of those depicted in Kurland’s earlier photographic projects \u003cem\u003eGirl Pictures\u003c\/em\u003e (1997–2002) and \u003cem\u003eMama Babies\u003c\/em\u003e (2004–07). Each work in SCUMB sounds an electrifying call for freedom — the freedom to create, to destroy, to imagine, and to reshape our visual and social world.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eIncludes essays by Marina Chao, Renee Gladman, Catherine Lord, and Ariana Reines.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39651503800400,"sku":"9781913620561","price":18480.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_cae0193a-34b3-4c86-960e-1643c9d6c774.jpg?v=1643788751"},{"product_id":"facsimile-cabinet-of-women-origin-stories-by-theaster-gates","title":"FACSIMILE CABINET OF WOMEN ORIGIN STORIES by Theaster Gates","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、シアスター・ゲイツ（Theaster Gates）の作品集。2019年に「Colby Museum of Arts」で開催された展覧会に伴い刊行された。会場では「ジョンソン・パブリッシング・カンパニー（Johnson Publishing Company）」が所蔵する約3,000点の女性像がキャビネット上で展覧、もしくはキャビネット内に収納されており、本書ではその一部を抜粋して収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e1942年にアフリカ系アメリカ人実業家、ジョン・H・ジョンソン（John H.Johnson）によって設立された「ジョンソン・パブリッシング・カンパニー」は、雑誌『\u003cem\u003eEbony\u003c\/em\u003e』や『\u003cem\u003eJet\u003c\/em\u003e』を通じて、70年以上にわたりアフリカ系アメリカ人の生活を記録してきた。20世紀のアフリカ系アメリカ人のヴィジュアルカルチャーにおいて最も重要であるともいえるアーカイブで構成されたこの作品は、アフリカ系アメリカ人の歴史上不可欠でありながらこれまであまり語られてこなかった女性の役割に焦点を当ててている。作者はそのイメージ群と歴史を再度文脈化し、新たに可視化することを試みた。また本展は、作者が2018年に「バーゼル市立美術館」で開催した「\u003cem\u003eBlack Madonna\u003c\/em\u003e」展とも関連しており、自身の一大プロジェクト「\u003cem\u003eBlack Image Corporation\u003c\/em\u003e」の一つでもある。本プロジェクトは、「\u003cem\u003e世界に向けたイメージの投影\u003c\/em\u003e」だと作者は語る。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eまた、本展が開催された際には、アーキビストや法学者、人類学者、司書、キュレーター、ヴィジュアルアーティスト、映像作家、作家、美術史家など様々な分野で活躍する12名の女性が招待され、このイメージが持つ女性の共感性を浮かび上がらせる本展への考察を深めた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cb data-stringify-type=\"bold\"\u003eEXHIBITION\u003c\/b\u003e\u003cspan\u003e:\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003ci data-stringify-type=\"italic\"\u003eシアスター・ゲイツ展：アフロ民藝\u003c\/i\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e会期：2024年4月24日（水）- 9月1日（日）\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e休館日：会期中無休\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e時間： 10:00 - 22:00\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e開催場所：森美術館（六本木ヒルズ森タワー53階）\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003ca rel=\"noopener noreferrer\" href=\"https:\/\/www.mori.art.museum\/jp\/exhibitions\/theastergates\/\" data-sk=\"tooltip_parent\" data-stringify-link=\"https:\/\/www.mori.art.museum\/jp\/exhibitions\/theastergates\/\" class=\"c-link c-link--focus-visible\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA multidisciplinary look at the foremost archive of Black American visual culture, as recast by Theaster Gates\u003cbr\u003eThis book features essays and other reflections commissioned in response to the \u003cem\u003eFacsimile Cabinet of Women Origin Stories\u003c\/em\u003e, a monumental participatory work by Theaster Gates (born 1973). The \u003cem\u003eCabinet\u003c\/em\u003e includes nearly 3,000 framed images of women from the Johnson Publishing Company archive, and highlights from the collection appear in this edited volume.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eFounded in 1942, Chicago-based Johnson Publishing chronicled the lives of Black Americans for more than seven decades through the magazines \u003cem\u003eEbony\u003c\/em\u003e and \u003cem\u003eJet\u003c\/em\u003e. Composed from arguably the most important archive of American Black visual culture in the 20th century, Gates’ work centers the essential and too often unsung role of women in this history.\u003cbr\u003eWhen the \u003cem\u003eCabinet\u003c\/em\u003e was exhibited at the Colby College Museum of Art, 12 women from a wide range of disciplines (including archivists, legal scholars, anthropologists and librarians, as well as curators, visual artists, filmmakers, writers and art historians) were invited to reflect on a work that brings a sisterhood of images to light.\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39671882350672,"sku":"9781636810089","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_e8b64558-3e53-4bf9-ada5-fb25ac1bb542.jpg?v=1650347795"},{"product_id":"zanele-muholi-exhibition-book-by-zanele-muholi","title":"ZANELE MUHOLI EXHIBITION BOOK by Zanele Muholi","description":"\u003cp\u003e南アフリカ共和国を拠点とするアーティスト、活動家であるザネレ・ムホリ（Zanele Muholi）の作品集。2020年にロンドンの「テート・モダン（Tate Modern）」で開催された展覧会に伴い刊行された。作者は2000年代前半に、被害者意識や逸脱を超えた黒人のレズビアン、ゲイ、バイセクシャル、トランス、クィア、インターセックスの生活を思い描き写した作品で脚光を浴びるようになった。一貫してヘテロ、家父長制的な観念や表現に挑み、その\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e被写体は、\u003c\/span\u003e偏見や不寛容、時に暴力に直面しながらも勇気を持って生きる美しく自信に満ちた一個人として描かれている。作者のキャリアは、親密な雰囲気を纏った写真のシリーズから始まり、強烈なセルフポートレイトによって確かなものとなった。\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本書には過去20年の間に制作してきたシリーズに加え、未発表作品や最新作、6つのエッセイ、用語集や年表が収録されている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eCreated to accompany one of the most exciting exhibitions of 2020, this stunning paperback catalogue presents the full breadth of Muholi’s photographic and activist practice.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eRichly illustrated, it includes images from the key series Muholi has produced over the past twenty years, as well as never-before-published and recent works. The exhibition book also features six newly commissioned essays exploring their work, as well as a full glossary and chronology.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eBorn in South Africa, Zanele Muholi came to prominence in the early 2000s with photographs that sought to envision black lesbian, gay, bisexual, trans, queer and intersex lives beyond deviance or victimhood. Muholi’s work challenges hetero-patriarchal ideologies and representations, presenting the participants in their photographs as confident and beautiful individuals bravely existing in the face of prejudice, intolerance and, frequently, violence. While Muholi’s intimate photographs of others launched their international career, their intense self-portraits solidified it.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"TATE PUBLISHING","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39674856374352,"sku":"9781849766821","price":7150.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_3502539a-028d-47cb-9872-4500bff512d2.jpg?v=1652169408"},{"product_id":"white-shoes-by-nona-faustine","title":"WHITE SHOES by Nona Faustine","description":"\u003cp\u003eアメリカ人フォトグラファー、ビジュアルアーティストであるノナ・ファスティン（Nona Faustine）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eかつての奴隷貿易に関わる中心的な場所であるが、今では大部分がぼやかされ認知されていないニューヨーク周辺を舞台に撮ったセルフポートレート作品で構成されている。奴隷の競売場、奴隷が眠る埋葬地、農場、奴隷船が停泊していた沿岸地域を訪れ、そこで作者自身が白いハイヒールのみ身に付けたヌードの状態でポーズを取り、撮影を行った。歴史がありありと目に見える場所で自身を記録することで、本作が名前も記憶も失われたままそこに眠る人々と結びつき、導く者・受け入れる者としての役割を果たす。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e静寂でありながら反骨心に満ちたこの自己表現を通じ、作者は征服・骨相学・疑似科学で形成されてしまった黒人の描写史に応える。複雑さを纏う大判のイメージは、奴隷が写る銀板写真（ダゲレオタイプ）と学者によって依頼され撮影された写真をはじめとした資料を参照しながら制作されている。一方、ヌードの姿は、大胆な自己主張でありながら弱さを表現しつつ、西洋美術における黒人と女性のヌードが残した「遺産」を覆している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本作品で一貫して表されているのは、タイトルでもありお守りのような存在である「白い靴」が、過去に、そして未だに白人を優勢だとする文化に有色人種が適応するよう多くのことを要求されていることを示唆している。歴史的かつ推論的でありながら、本作は見えているものと見えていないもの、見せていることと隠されていることの間にある関係性に立ち向かう。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e詩人、パフォーマンス アーティスト、俳優であり、活動家、教育者でもあるパメラ・スニード（Pamela Sneed）、作家であり詩人、脚本家のジェシカ・ラネイ（Jessica Lanay）、美術評論家のセフ・ロドニー（Seph Rodney）によるテキストとラネイによる作者へのインタビューを収録。\u003cspan style=\"color: #2b00ff;\" data-mce-style=\"color: #2b00ff;\"\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eWhite Shoes\u003c\/em\u003e is a collection of self-portraits taken in locations around New York that were central to the city’s once pivotal – and now largely obscured and unacknowledged – involvement in the slave trade. Nona Faustine depicts herself at the sites of slave auctions, burial grounds, slave-owning farms, and the coastal locations where slave ships docked, posing nude apart from a pair of white high-heeled shoes. Documenting herself in places where history becomes tangible, Faustine acts as a conduit or receptor, in solidarity with people whose names and memories have been lost but are embedded in the land.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThrough quiet but defiant self-representation, Faustine responds to a history of depiction of Black people that is shaped by subjugation, phrenology, and pseudo-science. Her complex large-format images refer and respond to a range of sources including daguerrotypes of slaves and photographs commissioned by naturalists, while her nudity — expressive of fearless self-possession as well as vulnerability – subverts the legacy of Black and female nudes in Western art. Running throughout the images, the talismanic white shoes that give the series its name suggest the many adaptations to dominant White culture that were and are still demanded of people of colour.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eAt once historical and speculative, White Shoes confronts the relationship between the visible and invisible, between what is displayed and what is kept from view.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39684731109456,"sku":"9781913620516","price":14300.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/WhiteShoes_01.jpg?v=1647503123"},{"product_id":"georgia-okeeffe-photographer-by-georgia-okeeffe","title":"GEORGIA O'KEEFFE, PHOTOGRAPHER by Georgia O'Keeffe","description":"\u003cp\u003e20世紀のアメリカを代表するアーティスト、ジョージア・オキーフ（Georgia O'Keeffe）の作品集。作者はモダニズムに最も影響を与えた人物の一人であり、花、高層ビル、動物の頭蓋骨、アメリカ南西部の風景などを描いたペインティング作品で知られるが、その作者にとって、1946年に夫であるフォトグラファーのアルフレッド・スティーグリッツ（Alfred Stieglitz）が亡くなった後、作品制作において写真は実に重要な位置を占めるようになった。本書は作者の写真作品に関して初めて大規模に調べあげた内容がまとめられており、30年にわたり制作された作品を網羅し、写真という媒体に対する作者の探求の軌跡を辿っている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eアメリカ人フォトグラファーのトッド・ウェブ（Todd Webb）とともに、アメリカ南西部の地形、中庭の黒い扉、窓の外の道路、花など、かつて描いた題材を再び撮影した。慎重に構図を考え写された写真は、細部や決定的瞬間を追求したものでなく、むしろ形に対する構成に焦点を当てていることが見て取れる。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本書は2021年から2023年にかけて巡回する展覧会に伴い刊行されたものであり、展示は「ヒューストン美術館（Museum of Fine Arts, Houston）」を皮切りに、「アディソン・アメリカ美術館（Addison Gallery of American Art）」、「デンバー美術館（Denver Art Museum）」、「シンシナティ美術館（Cincinnati Art Museum）」で開催される。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA groundbreaking introduction to the photographic work of an iconic modern artist\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThe pathbreaking artist Georgia O’Keeffe (1887–1986) is revered for her iconic paintings of flowers, skyscrapers, animal skulls, and Southwestern landscapes. Her photographic work, however, has not been explored in depth until now. After the death of her husband, the photographer Alfred Stieglitz, in 1946, photography indeed became an important part of O’Keeffe’s artistic production. She trained alongside the photographer Todd Webb, revisiting subjects that she had painted years before—landforms of the Southwest, the black door in her courtyard, the road outside her window, and flowers. O’Keeffe’s carefully composed photographs are not studies of detail or decisive moments; rather, they focus on the arrangement of forms. \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThis is the first major investigation of O’Keeffe’s photography and traces the artist’s thirty-year exploration of the medium, including a complete catalogue of her photographic work. Essays by leading scholars address O’Keeffe’s photographic approach and style and situate photography within the artist’s overall practice. This richly illustrated volume significantly broadens our understanding of one of the most innovative artists of the twentieth century. \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"YALE UNIVERSITY PRESS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39695466823760,"sku":"9780300257809","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_acc582ba-e89e-4230-9383-22897223c0d7.jpg?v=1649393550"},{"product_id":"tete-a-tete-by-annette-messager","title":"TÊTE À TÊTE by Annette Messager","description":"\u003cp\u003eフランス人アーティスト、アネット・メサジェ（Annette Messager）の作品集。2022年3月にイスライルの「テルアビブ美術館（Tel Aviv Museum of Art）」で開催された展覧会に伴い刊行された。作者が過去10年間に制作したドローイングを初めて包括的にまとめたものである。中には、2020年から2021年の間に制作された未発表作品も収録されており、先駆的であり、型破りな作者の精神と作品群を伺うことができる貴重な1冊である。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e作者は、女性作家の役割や彫刻の概念を再定義し、その功績により、2005年に第51回ヴェネツィア・ビエンナーレでフランス代表として金獅子賞を受賞。2016年には彫刻部門で高松宮殿下記念世界文化賞を受賞。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e作者の被写体は動物から人間、フェミニスト活動家から宗教的人物、骸骨から幽霊にまで及ぶ。作者は、それらに存在する、愛、命、死、おとぎ話、迷信や虚栄心といった壮大なテーマを提示している。本書には、150点のフルカラーによる作品図版が収まっているほか、作者とキュレーターであり、ロンドン「Serpentine Galleries」のアーティスティック・ディレクターのハンス・ウルリッヒ・オブリスト（Hans Ulrich Obrist）との対談も収録。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eTête à Tête\u003c\/em\u003e is the first publication dedicated to Annette Messager’s drawings, featuring previously unseen drawings from 2020 and 2021, which constitute an invaluable lexicon to the mind and work of a trailblazing iconoclast.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eMessager redefined the role of women making art and the very nature of sculpture – accomplishments which won her the coveted Golden Lion for best national pavilion at the 51st Venice Biennale in 2005 and the Praemium Imperiale for sculpture in 2016.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eMessager’s subjects range from animal to human, feminist activists to devotional figures, skeletons to ghosts. She broaches the grand themes of love, life, death and the fairy tales, mythologies, superstitions and vanities that lie beneath. The book features 150 full-colour reproductions and a conversation with Annette Messager and Hans Ulrich Obrist from June 2021, published to coincide with an exhibition at Tel Aviv Museum of Art, Israel, opening 1 March 2022.\u003c\/p\u003e","brand":"HENI PUBLISHING","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39747537829968,"sku":"9781912122493","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_0132f495-5a29-499b-b6d0-7f25fde09b10.jpg?v=1653359867"},{"product_id":"notes-working-processes-re-concerns-that-take-on-deal-with-by-dara-birnbaum","title":"NOTE(S): WORK(ING) PROCESS(ES) RE: CONCERNS (THAT TAKE ON \/ DEAL WITH) by Dara Birnbaum","description":"\u003cp\u003eアメリカ人ビデオ・インスタレーションアーティスト、ダラ・バーンバウム（Dara Birnbaum）の作品集。本書の元となったのは、1977年に1冊だけ手製本によって制作され、作者の初期の映像作品やインスタレーション、テキスト、制作中のドローイング、写真資料やそのほかのエフェメラを集めた一冊である。作者自身によって制作されたこのオリジナル版の1冊は、1977年にニューヨークのオルタナティブ・スペース「フランクリン・ファーネス（Franklin Furnace）」にて開催された展覧会「\u003cem\u003eNotebooks, Workbooks, Scripts, and Scores\u003c\/em\u003e」で展示された。本書は、ビニールの表紙や章の仕切り、手で折られたページ、カラー画像などすべて再現されて再版され、アメリカ人ライターでバード大学助教授のアレックス・キトニック（Alex Kitnick）が新たに序文を寄せている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本書は、ビデオアート、そしてそのテレビとの関係について作者がキャリア初期に行った研究について貴重な見解を与えている。この時期、作者の作品は、視聴と表象の間で複雑な回路を構成していた。投影性同一視、退行、抵抗、間主観性といった精神分析的な概念に興味を持った作者は、これらを映像制作の形式やその中で起こる対人関係の政治性などと並行して分析した。これらの研究は、1987年の「\u003cem\u003eTechnology\/Transformation: Wonder Woman\u003c\/em\u003e 」や1979年の「\u003cem\u003eGirls: Make Them Cry\u003c\/em\u003e」といった作者の画期的な作品群の基礎となるものであり、人気のテレビ番組を流用してネットワーク・テレビで使われる言葉遣いやイメージを批評した。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e他にも、1975年の「\u003cem\u003eBack Piece\u003c\/em\u003e」、「\u003cem\u003eAttack Piece\u003c\/em\u003e」、「\u003cem\u003eMirroring\u003c\/em\u003e」、1976年の「\u003cem\u003eLiberty: A Dozen or So Views\u003c\/em\u003e 」、「\u003cem\u003eRelationship Perspectives: Perspective Relationships\u003c\/em\u003e」、「\u003cem\u003eAmerica: Land of Contrasts (A Day of Awakening) (A Shot in the Dark)\u003c\/em\u003e」、「\u003cem\u003ePivot: Turning Around Suppositions\u003c\/em\u003e 」、1997年の「\u003cem\u003eLesson Plans to Keep the Revolution Alive\u003c\/em\u003e」などの作品が本書で紹介されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOriginally created in 1977 as a single handmade copy, Dara Birnbaum’s \u003cem\u003eNote(s): Work(ing) Process(es) Re: Concerns (That Take On \/ Deal With)\u003c\/em\u003e gathers writings, working drawings, photographic documentation, and ephemera from the artist’s earliest video and installation works. The publication was originally produced by Birnbaum and exhibited in \u003cem\u003eNotebooks, Workbooks, Scripts, and Scores\u003c\/em\u003e at Franklin Furnace in 1977. The book’s vinyl cover and section dividers, hand-folded pages, and color images have all been reproduced, and Alex Kitnick provides a new introduction.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eNote(s)\u003c\/em\u003e provides a rare look into Birnbaum’s early investigations of video art and its relationship to television. Her work of this period orchestrates a complex circuit of viewership and representation, in which her interest in psychoanalytic concepts—projective identification, regression, resistance, and intersubjectivity—are analyzed in tandem with the formal and interpersonal politics of image making. These investigations lay the groundwork for the artist’s breakthrough works, such as \u003cem\u003eTechnology\/Transformation: Wonder Woman\u003c\/em\u003e and \u003cem\u003eKiss the Girls: Make Them Cry\u003c\/em\u003e, in which she appropriates popular television programs to critique the language and images of networked television.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eFeatured works include \u003cem\u003eBack Piece\u003c\/em\u003e (1975), \u003cem\u003eAttack Piece\u003c\/em\u003e (1975), \u003cem\u003eMirroring\u003c\/em\u003e (1975), \u003cem\u003eLiberty: A Dozen or So Views\u003c\/em\u003e (1976), \u003cem\u003eRelationship Perspectives: Perspective Relationships\u003c\/em\u003e (1976–77), \u003cem\u003eAmerica: Land of Contrasts (A Day of Awakening) (A Shot in the Dark)\u003c\/em\u003e (1976–77), \u003cem\u003ePivot: Turning Around Suppositions\u003c\/em\u003e (1976), and \u003cem\u003eLesson Plans to Keep the Revolution Alive\u003c\/em\u003e (1977).\u003c\/p\u003e","brand":"PRIMARY INFORMATION","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39769700073552,"sku":"9781734489774","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_d334ff8f-7c2e-4a19-b4cf-e5ca4e8637f4.jpg?v=1654143751"},{"product_id":"contact-high-by-d-angelo-lovell-williams-signed","title":"CONTACT HIGH by D’Angelo Lovell Williams [SIGNED]","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人フォトグラファー、アーティストのダンジェロ・ロベル・ウィリアムズ（D’Angelo Lovell Williams）の作品集。本書はアーティストブックであると同時に、作者のこれまでの作品を包括的に探究した一冊で、欲望の視覚化と黒人の身体の描写に幅広く取り組んでいる。作者による物語性を持ったイメージは、黒人のクィアの人々がお互いの生活の中でどのように存在するか、また歴史的に存在してきたか、その様々な形を、シッターや恋人、ケアワーカー、あるいは影として描くことで表現している。これらの人々の人生経験や物の見方に対する疑問、より幅広く人種や階級、セクシュアリティ、ジェンダー、そして親密さの表現にまつわる問いかけによって作者の制作は導かれている。本書のタイトルとなっている「\u003cem\u003eContact High\u003c\/em\u003e」は、作者の作品における触れることやジェスチャーの重要性に言及すると同時に、感覚の高まりや直感的な身振りを暗示している。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eセルフポートレートから他のコミュニティとの協働まで、作者の写真は演劇的かつダンスのような、時には日常のありふれたシーンにおける黒人の身体を視覚化し、共同体の歴史と黒人コミュニティが受け継いできた慣習を提示する。親密で対話的なこれらのイメージの中核には、親族関係や精神性の概念が、ひそかな政治性と過激さを伴ったジェスチャーと共に織り込まれている。作者の揺るぎない視線は黒人やクィアのコミュニティに対する認知度と敬意を主張し、その影響力が権威となる情景を作り出している。家族、文化、友人、恋人、そして先祖とその子孫の間で繰り広げられる関係性が、心遣いや優しさ、脆弱さといった曖昧な領域として視覚化され、歴史を語る中では見落とされがちな人生の複雑なニュアンスを物語っている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eBoth an artist’s book and comprehensive inquisition of D’Angelo Lovell Williams’s work to date, \u003cem\u003eContact High\u003c\/em\u003e offers an expansive engagement with the visualisation of desire and depiction of the Black body. Williams’s narrative images reflect the many forms in which Black queer people exist and have existed historically within each other’s lives, picturing them as sitters, lovers, caregivers, or shadows. Williams’s work is guided by their life experience and an interrogation of their own perspective, as well as wider questions around the representation of race, class, sexuality, gender, and intimacy. The title \u003cem\u003eContact High\u003c\/em\u003e references the importance of touch and gesture in Williams‘s work, and alludes to heightened senses and intuitive movement.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eFrom self-portraits to collaborations with community, Williams’s photographs visualise the Black body in performative scenes that are theatrical, dance-like, and occasionally mundane, pointing towards collective histories and Black ancestral practices. At the heart of these intimate, dialogic images are notions of kinship and spirituality interweaved with quietly political and radical gestures. Williams’s unfaltering gaze insists on visibility and deference, and creates scenes in which Black and queer voices are the authority. The dynamics that play out between families, cultures, friends, lovers, ancestors and descendants are visualised as a spectrum of care, tenderness, and vulnerability, speaking to the nuances of our complex lives often overlooked by historical depictions.\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39833558450256,"sku":"9781913620622","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_0c026867-983c-420b-929c-5c9ae453670a.jpg?v=1659169089"},{"product_id":"politics-power-by-faith-ringgold","title":"POLITICS \/ POWER by Faith Ringgold","description":"\u003cp\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eアフリカ系アメリカ人アーティスト、フェイス・リングゴールド（Faith Ringgold）の作品集。1967年から1981年にかけての作者の代表的な芸術・社会活動とその歴史的背景についての詳細な解説、そして作者自身による各作品への解説を収録した1冊。本書は、年代順に構成されており、同時代の社会的、政治的、芸術的な問題に対する作者の根本にある芸術へのアプローチを辿る。各作品の図版、未発表作品やアーカイブ資料も収録している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e熱心な公民権活動家であり、フェミニストである作者は、1960年代から1970年代にかけて、「ブラック・アーツ・ムーブメント（BAM）」の中でその発信力を確立した。作者は、美術史や現代アートの深い知識と、政治活動を通じて影響力の高い作品を制作してきた。本書で紹介される絵画、切り紙作品、ポスター、コラージュ、テキスタイルアートなど、様々なメディアを駆使した作品は、新しい素材や形式を取り入れ、ラディカルな美学と言語を創造し、作品に妥協のない並外れた迫力を与えた、作者の明確な政治的作品を前景に据えたものである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003eThe publication Faith Ringgold – Politics \/ Power provides detailed accounts on Faith Ringgold’s seminal artistic and activist work and its historical context between 1967 and 1981, including accounts by the artist herself on each artwork. Organized chronologically, the book allows readers to retrace the artist’s foundational creative approaches to contemporaneous social, political and artistic questions. It includes illustrations of individual artworks together with previously unpublished work and archival materials.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eDuring the 1960s and 1970s, Ringgold, a dedicated and impassioned civil rights advocate, established her voice as a feminist and within the Black Arts Movement. She produced particularly\u2028impactful work in connection with her in-depth knowledge of art history and contemporary art as well as her political activism. Spanning media such as painting, cut paper works, posters, collage, and textile art, the works presented in this publication foregrounds the artist’s explicitly political work for which she deployed new material and formal processes and developed radical aesthetics and language that give her work and its uncompromising content exceptional intensity.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eFaith Ringgold (born 1930) is a painter, mixed-media sculptor, performance artist, teacher and writer. In 2020, the New York Times described her as an artist “who has confronted race relations in this country from every angle, led protests to diversify museums decades ago, and even went to jail for an exhibition she organized.” Her work is in the collections of the Museum of Modern Art, New York, the Brooklyn Museum and the Baltimore Museum of Art, among others. Ringgold lives and works in Englewood, New Jersey.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"WEISS PUBLICATIONS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39865644810320,"sku":"9783948318130","price":9350.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/1_343ed9d4-c984-4feb-b988-9327eb664ed3.jpg?v=1662527018"},{"product_id":"1960s-darkness-and-light-by-louise-fishman","title":"1960s: DARKNESS AND LIGHT by Louise Fishman","description":"\u003cp\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eアメリカ人アーティスト、ルイーズ・フィッシュマン（Louise Fishman）の作品集。本書は、2022年にニューヨークのギャラリー「KARMA」にて開催された展覧会\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eに伴い刊行された。作者にとって「KARMA」では2度目の個展である本展では、初期の抽象画への取り組みに焦点を当て、形成期であった学生時代の1960年代に制作された未公開作品9点を紹介している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e動作を利用したマークメイキングと、雰囲気に富む空間の使い方で広く知られる作者は、1961年に初めて制作した抽象画を皮切りに、非具象的な表現へと惹かれていく。「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e抽象表現主義の作品は、クィアである自分にとってふさわしい言語に感じた。それは、ラディカルな周縁における秘められた言語であり、周囲から隔てられた状態が持つ独特の言語でもある\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」と語る。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eこのキャリア初期において、作者の芸術界における女性としてのアイデンティティは、プロの画家として活躍した母親と叔母という身近な存在に影響を受けている。作者はその頃を振り返り、「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e特定のスタイルよりも、彼女たちが示す絵画に対する決意、そして愛情にこそ、最も影響を受けた\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」と書き記している。本展で紹介されているのは、作者がアーティストとしての自己について学び、その後のキャリアでも直面するプロとしての期待や制限を初めて経験した形成期に制作された作品群である。認識ができる形の世界から離れ、黒やバーガンディで構図全体を覆うような表現を用い、より抽象的な要素に焦点を当てている。\u003c\/span\u003eまたこれらの初期作品は、アカデミックな環境における絵画の規範に対する反抗であり、作者がキャリアを通して持ち続けるエネルギーを含有するものでもある。それはすなわち、女性として、同性愛者として、フェミニストとして、また生涯にわたって絵画を学び続ける者としてのアイデンティティがもたらす、古い慣習への決別である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は、「ロチェスター大学（University of Rochester）」で准教授を務める美術史家、批評家のレイチェル・ハイドゥ（Rachel Haidu）、アメリカ人アーティストのアーチー・ランド（Archie Rand）、アメリカ人美術評論家、作家、詩人のカーター・ラトクリフ（Carter Ratcliff）による書き下ろしのエッセイを収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eNew York–based artist Louise Fishman (1931–2021) was widely known for her gestural markmaking and atmospheric spaces. This volume presents nine previously unseen paintings from the artist’s foundational years as a student, featuring her early forays into abstraction. \u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"KARMA","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39866032324688,"sku":"9781949172768","price":7150.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/1_06215459-7e2e-46c0-b3da-be9adec51920.jpg?v=1662713534"},{"product_id":"contact-high-by-d-angelo-lovell-williams","title":"CONTACT HIGH by D’Angelo Lovell Williams","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人フォトグラファー、アーティストのダンジェロ・ロベル・ウィリアムズ（D’Angelo Lovell Williams）の作品集。本書はアーティストブックであると同時に、作者のこれまでの作品を包括的に探究した一冊で、欲望の視覚化と黒人の身体の描写に幅広く取り組んでいる。作者による物語性を持ったイメージは、黒人のクィアの人々がお互いの生活の中でどのように存在するか、また歴史的に存在してきたか、その様々な形を、シッターや恋人、ケアワーカー、あるいは影として描くことで表現している。これらの人々の人生経験や物の見方に対する疑問、より幅広く人種や階級、セクシュアリティ、ジェンダー、そして親密さの表現にまつわる問いかけによって作者の制作は導かれている。本書のタイトルとなっている「\u003cem\u003eContact High\u003c\/em\u003e」は、作者の作品における触れることやジェスチャーの重要性に言及すると同時に、感覚の高まりや直感的な身振りを暗示している。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eセルフポートレートから他のコミュニティとの協働まで、作者の写真は演劇的かつダンスのような、時には日常のありふれたシーンにおける黒人の身体を視覚化し、共同体の歴史と黒人コミュニティが受け継いできた慣習を提示する。親密で対話的なこれらのイメージの中核には、親族関係や精神性の概念が、ひそかな政治性と過激さを伴ったジェスチャーと共に織り込まれている。作者の揺るぎない視線は黒人やクィアのコミュニティに対する認知度と敬意を主張し、その影響力が権威となる情景を作り出している。家族、文化、友人、恋人、そして先祖とその子孫の間で繰り広げられる関係性が、心遣いや優しさ、脆弱さといった曖昧な領域として視覚化され、歴史を語る中では見落とされがちな人生の複雑なニュアンスを物語っている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eBoth an artist’s book and comprehensive inquisition of D’Angelo Lovell Williams’s work to date, \u003cem\u003eContact High\u003c\/em\u003e offers an expansive engagement with the visualisation of desire and depiction of the Black body. Williams’s narrative images reflect the many forms in which Black queer people exist and have existed historically within each other’s lives, picturing them as sitters, lovers, caregivers, or shadows. Williams’s work is guided by their life experience and an interrogation of their own perspective, as well as wider questions around the representation of race, class, sexuality, gender, and intimacy. The title \u003cem\u003eContact High\u003c\/em\u003e references the importance of touch and gesture in Williams‘s work, and alludes to heightened senses and intuitive movement.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eFrom self-portraits to collaborations with community, Williams’s photographs visualise the Black body in performative scenes that are theatrical, dance-like, and occasionally mundane, pointing towards collective histories and Black ancestral practices. At the heart of these intimate, dialogic images are notions of kinship and spirituality interweaved with quietly political and radical gestures. Williams’s unfaltering gaze insists on visibility and deference, and creates scenes in which Black and queer voices are the authority. The dynamics that play out between families, cultures, friends, lovers, ancestors and descendants are visualised as a spectrum of care, tenderness, and vulnerability, speaking to the nuances of our complex lives often overlooked by historical depictions.\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39869399269456,"sku":"9781913620622","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_5248ef65-765e-40e7-b68f-ffeadbdd9e00.jpg?v=1661235795"},{"product_id":"mes-badges-by-annette-messager","title":"MES BADGES by Annette Messager","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003eフランス人アーティスト、アネット・メサジェ（Annette Messager）の作品集。本書は、作者の缶バッジ作品を収録した1冊。作者はここ数年間、小さな丸い紙にスケッチや文字を書いたり、写真を転写したり、絵を描いては、後で缶バッジマシンに入れている。その多くは、壁やオブジェに掛けられた黒い紐に付けられたり、箱に入れられた状態で展示されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003e本書は、2009年にパリのギャラリー「マリアン・グッドマン・ギャラリー（Marian Goodman Gallery）」で開催された展覧会「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003eAnd Tidy your Bedroom\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003e」のインスタレーション「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003eEt range ta chambre\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003e」に収められていた缶バッジ作品を中心に収録している。滑らかな女性の顔、謎めいた色彩の人物、幼稚な怪物、抽象的なドローイングなどが黒い紐に一列に並べられたり、一枚のページに収録されている。このオリジナルの缶バッジで覆われた、作者が再解釈したオブジェも多数掲載されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003e数枚のリーフレットを含む本書の独自の形式は、作者の作品と同様、遊び心と驚きに満ちたオブジェとなっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003e「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003e写真、体の一部、小さなポルノの絵、私のサイン『A. Messager』、いつも、どこかタントラな雰囲気を持つ絵、コーヒーと一緒に出される小さなチョコレートを包むキラキラの包装紙。私の缶バッジには私が愛するあらゆるものが少しづつ入っています。これは、私たちが体や服や財布につけて、どこへ行くにも持っていくもので、ポピュラー・アートのような安物です。オリジナルのドローイングを描くことは、このオブジェが持っているものと矛盾している。そして、私は矛盾していることが好きです！\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003e』―アネット・メサジェ（フランス新聞『\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003eLe Journal des Arts\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003e』2009年10月2日より）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eFor several years now, Annette Messager has been sketching, writing words, transferring photographies, or drawing on little paper disks that she later puts in her badge making machine… Most of them are attached to black strings hanging on the walls or to different objects during her exhibitions, others are on kept in boxes.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003eThis artist’s book reproduces a selection of Annette Messager’s pins, especially those of the installation “Et range ta chambre” [“And Tidy your Bedroom”] (Marian Goodman Gallery, 2009). Smooth women’s faces, enigmatic and colored figures, childish monsters and abstract drawings, all in a single file on black strings or isolated on a page. A large selection of objects the artist reinterpreted, covered with these original pins, are also included in the book.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIts original format, which includes several leaflets, defines it as a playful and surprising object, much like the artist’s work. \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003e“\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003eThere is a little bit of everything I love on my pins: photos, body parts, little porn drawings, my signature ‘A. Messager’, always, drawings which are somewhat tantric, or that shiny paper covering the little chocolates served with coffee... And these are things we put on our bodies, clothes, purses, that we bring along wherever we go; a cheap thing, of popular art. Making original drawings is in contradiction with what this object is... and I like being in contradiction!\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003e” –Annette Messager, Le Journal des Arts, October 2, 2009\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"ÉDITIONS DILECTA","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39886208598096,"sku":"9791090490079","price":4400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_15f18e31-2094-42f9-9836-067ed637c690.jpg?v=1662800424"},{"product_id":"the-world-we-make-by-amy-sherald","title":"THE WORLD WE MAKE by Amy Sherald","description":"\u003cp\u003eアメリカ人画家、エイミー・シェラルド（Amy Sherald）の作品集。本書は、アフリカ系アメリカ人の被写体をカラフルな単色や日常的なシーンを背景に描く、シンプルなリアリズム肖像画の独特なスタイルで高い評価を得ている作者の初の包括的なモノグラフである。作者は2018年、ワシントンD.C.の「ナショナル・ポートレート・ギャラリー（National Portrait Gallery）」のために、当時の前大統領夫人ミシェル・オバマ（Michelle Obama）の肖像画を描く画家として選ばれたことで一躍名声を得ている。これはアフリカ系アメリカ人の女性として初の栄誉でもあった。「ハウザー＆ワース ロンドン（Hauser \u0026amp; Wirth London）」で2022年秋に開催された個展に伴い出版された本書は、近作の複写に合わせて、初期のイラストレーションや作者の制作とプロセスが垣間見えるスタジオの写真シリーズが掲載されている。また、ジェニ・ソーキン（Jenni Sorkin）が寄稿した作品の美術史的な分析、文化研究者ケヴィン・クアシー（Kevin Quashie）による作者の肖像画の美学と政治に関する考察、また作家タナハシ・コーツ（Ta-Nehisi Coates）と作者との対談が新しく含まれている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis is the first comprehensive monograph on acclaimed painter Amy Sherald, whose distinctive style of simplified realist portraiture features African American subjects rendered against colorful monochrome backdrops or in everyday settings. Sherald rose to fame after being chosen by former first lady Michelle Obama to paint her official portrait for the National Portrait Gallery in Washington, DC, in 2018, becoming the first African American woman to receive this honor. In addition to reproductions of Sherald’s recent works, the book—published to accompany her solo exhibition at Hauser \u0026amp; Wirth London in fall 2022—includes illustrations of earlier paintings, as well as an intimate glimpse into Sherald’s process and practice through a series of in-studio photographs. Newly commissioned texts include an art historical analysis of the artist’s work by Jenni Sorkin; a meditation on the politics and aesthetics of Sherald's portraiture by cultural scholar Kevin Quashie; and a conversation between Sherald and acclaimed author Ta-Nehisi Coates.\u003ca href=\"https:\/\/richter.exhibit.jp\/\" target=\"_blank\"\u003e\u003c\/a\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"WALTHER KÖNIG \/ HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40008685584464,"sku":"9783906915722","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_aefbd3c4-8ad8-4e9a-ba14-1054af21247e.jpg?v=1674110825"},{"product_id":"the-artist-s-books-by-francesca-woodman","title":"THE ARTIST’S BOOKS by Francesca Woodman","description":"\u003cp\u003eアメリカ人フォトグラファー、フランチェスカ・ウッドマン（Francesca Woodman）の作品集。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e作者は13歳で初めて写真作品を完成させ、後にその特異なスタイルと写真への革新的なアプローチで世に絶賛された作品群を作り出した。個展やグループ展、著書の出版など生前の功績に加え、1981年に早逝した後に広く作品が賞賛されるようになったにも関わらず、作品集が見せる非凡なるシリーズに関しては今まで知られていることが極めて少ない。\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e本書は、作者が手がけた8冊のユニークなアーティストブックの全ページを初めて包括的な一冊としてまとめた作品集。著名な一作「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eSome Disordered Interior Geometries\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」に加え、これまでに公開されたことのない新たに発見された2冊を収録。本シリーズの基盤となったのは、1970年代後半にローマの書店や蚤の市で作者が収集した、19世紀や20世紀初頭のぼろぼろの日誌やノートである。作者はこれらを掘り出し、その想像力をかき立てさせるそれぞれのページに自身のプリントやスライドフィルム、注釈文などを貼り付け、変身させた。物語とシークエンスの間にある精巧な関係性を示し、本という形に対する作者の関心の領域に新たな見解をもたらすシリーズである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003eFrancesca Woodman made her first mature photographs at the age of thirteen and went on to create a body of work that has been critically acclaimed for its singularity of style and innovative approach to photography. Despite her lifetime accomplishments – which included solo and group exhibitions and the publication of one of her books – and her work being celebrated widely in the years since her untimely death in 1981, very little has been published about her remarkable series of artist’s books until now.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eFrancesca Woodman: The Artist’s Books collects for the first time every page of all eight of Francesca Woodman’s unique artist’s books in one comprehensive volume, including two newly discovered books which have never been seen before, alongside better-known titles such as \u003cem\u003eSome Disordered Interior Geometries\u003c\/em\u003e. The basis of these works is in tattered nineteenth- and early-twentieth-century journals and notebooks that Woodman collected from bookshops and flea markets in Rome in the late 1970s. She later transformed these found volumes, attaching her prints, transparencies, and written annotations to their evocative pages. These books demonstrate a sophisticated relationship to narrative and sequence and offer a new understanding of the scope of Woodman’s engagement with the book form.\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40009194831952,"sku":"9781913620882","price":16500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_ca2c41cb-dafe-4953-8736-8b54a2a23819.jpg?v=1686712718"},{"product_id":"gail-rebhan-about-time-by-gail-rebhan-sally-stein","title":"GAIL REBHAN, ABOUT TIME by Gail Rebhan, Sally Stein","description":"\u003cp\u003eアメリカ人フォトグラファー、アーティストであるゲイル・レバン（Gail Rebhan）の作品集。本書はニューヨーク州ロチェスターで行われていた「ヴィジュアル・スタディーズ・ワークショップ（Visual Studies Workshop）」に基づいた一冊である。1980年代、初めてカリフォルニア大学アーバイン校名誉教授のサリー・スタイン（Sally Stein）博士とレバンはそこで出会い、フェミニズムと批評的な考察と観察、とりわけ特にコミック的な一面を持つトピックに対して似た関心を共有していることに気づき、その後数十年間、親しく交流を持った。スタインは写真史で教鞭を取りつつ文章も書き、レバンもまた教職につき、さまざまな形式でのイメージ制作を続けた。当時、その視覚的なステートメントにテキストは不可欠な要素となりつつあった。「アメリカン・ユニバーシティ・ミュージアム（American University Museum）」で回顧展をしないかと提案された時、レバンはスタインをゲスト・キュレーターとして招いた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は、スタインの本質を突きながらもユーモラスな解説に導かれ、家庭生活の反復行動を捉えたスナップショットを用いた初期のシリーズから、故郷であるワシントン D.C.における不平等とジェントリフィケーションにまつわるより広範な考察まで、作者のユニークでアーティスティック、そして政治的な進歩を図解している。これらを締めくくる最新シリーズでは、女性が最も恐れるようになった時間が引き起こす痕跡を自身の体の変化でどう刻まれるのか観察したものである。鋭い洞察力、探究心、そして政治性が内在する作品の中で、作者は写真が持つ静寂や沈黙を否定し、連続性や変容を肯定している。その姿勢全てが、時間そのものこそレバンの永遠のミューズであるのだと示している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe roots of this book lie in the Visual Studies Workshop, Rochester, NY, where Sally Stein and Gail Rebhan met in the 1980s, discovering their shared interests in feminism and critical modes of thinking and seeing – especially those that involved shades of the comic. They stayed in touch over the course of the intervening decades, Stein pursuing teaching and writing about the history of photography while Rebhan pursued teaching and image-making in various formats, with increasing recourse to text as an integral part of her graphic statements. When Rebhan was invited to show a retrospective at the American University Museum, she invited Stein to serve as guest curator.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eLed by Stein’s insightful and often humorous commentary, this book charts Rebhan’s unique artistic and political progressions, from early works using serial snapshot photographs to track the repetitive actions of domestic life through to wider-reaching studies of gentrification and inequality her home city of Washington, DC. The publication culminates with her most recent series, which examines the ways her own body bears the marks of time that women especially have learned to fear. Among the incisive, inquisitive, and politically engaged work in this collection, Rebhan’s consistent rejection of photography’s affiliation with stillness and silence in favour of sequence and transformation reveals time itself as the artist’s perennial muse.\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40009391145040,"sku":"9781913620929","price":10780.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_37fe590c-e103-4e07-931f-221f286ec44b.jpg?v=1671612847"},{"product_id":"diane-arbus-documents-by-diane-arbus","title":"DIANE ARBUS DOCUMENTS by Diane Arbus","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人フォトグラファー、ダイアン・アーバス（Diane Arbus）の作品集。1967年から現在にいたるまでの記事や評論、エッセイを集め、作者の作品への反響を追った革新的な一冊。多大なる影響を残した作者を巡る批評的発言や誤解について包括的に理解することができる。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e人間であることの意義を探る鋭い作品で知られる作者は、戦後のアメリカ写真史において極めて中心的かつ唯一無二の人物である。モノクロの写真群は美学的な慣習を打ち壊し、あらゆる確信を覆した。「アウトサイダー」と扱われた人々を写した写真は讃えられると同時に批判され、作者はその被写体とアプローチを取り囲む多種多様な意見を引き受ける避雷針であり続けている。批評家や作家はその作品を「不吉」「ぞっとする」と評したが、「隠されたものを明らかにする」「誠実」「慈愛に満ちている」とも表現した。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e美術評論における50年間の進歩を明らかにすると共に、本書は奇なるほどの素晴らしいアーティストの作品を理解するために適用できる新たなテンプレートを提示している。作者の作品から発生した主要な展覧会や重大な出来事、そのメソッドや意図などに焦点を当てた11のセクションで構成されており、\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e誰が見ても立派なアーカイブの山である過去の記事ないしエッセイ69点のファクシミリは、作者についての言説を辿り、比類なきその全作品の文脈を追っている。補足として600以上の項目の注釈付き出版目録と展覧会の包括的な年表も収録。写真家、研究者、美術史家、美術評論家だけでなく、美術評論を学ぶ学生たちや関心深い読者まで、誰にとっても一様に有用な資料となる。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eヒルトン・アルス（Hilton Als）、A. D. コールマン（A. D. Coleman）、ホランド・コッター（Holland Cotter）、ジェイコブ・デシン（Jacob Deschin）、ジャーメイン・グリア（Germaine Greer）、ヒルトン・クレイマー（Hilton Kramer）、アーサー・ルボウ（Arthur Lubow）、ジャネット・マルカム（Janet Malcolm）、フランシーン・プローズ（Francine Prose）、スクデフ・サンドゥー（Sukhdev Sandhu）、ピーター・シュエルダール（Peter Schjeldahl）、エイドリアン・サール（Adrian Searle）、スーザン・ソンタグ（Susan Sontag）、リン・ティルマン（Lynne Tillman）、コーム・トイビン（Colm Toíbín）ら55人の著者によるテキストを収録。編集はマックス・ローゼンバーグ（Max Rosenberg）、序文をジェフリー・フレンケル（Jeffrey Fraenkel）とルーカス・ツヴィルナー（Lucas Zwirner）が執筆。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eThrough an assemblage of articles, criticism, and essays from 1967 to the present, this groundbreaking publication charts the reception of the photographer’s work and offers comprehensive insight into the critical conversations, as well as misconceptions, around this highly influential artist.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eBest known for her penetrating images exploring what it means to be human, Diane Arbus is a pivotal and singular figure in American postwar photography. Arbus’s black-and-white photographs demolish aesthetic conventions and upend all certainties. Both lauded and criticized for her photographs of people deemed “outsiders,” Arbus continues to be a lightning rod for a wide range of opinions surrounding her subject matter and approach. Critics and writers have described her work as “sinister” and “appalling” as well as “revelatory,” “sincere,” and “compassionate.” Through an assemblage of articles, criticism, and essays from 1967 to the present, \u003cem\u003eDiane Arbus Documents\u003c\/em\u003e charts the reception of the revolutionary photographer's work.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eIlluminating fifty years of evolution in the field of art criticism, Documents provides a new template for understanding the work of any formidable artist. Organized in eleven sections that focus on major exhibitions and significant events emerging from Arbus’s work, as well as on her methods and intentions, the sixty-nine facsimiles of previously published articles and essays––an archive by all accounts––trace the discourse on Arbus, contextualizing her inimitable oeuvre. Supplemented by an annotated bibliography of more than six hundred entries and a comprehensive exhibition history, Documents serves as an important resource for photographers, researchers, art historians, and art critics, in addition to students of art criticism and the interested reader alike.\u003c\/p\u003e","brand":"DAVID ZWIRNER BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40086424584272,"sku":"9781644230657","price":15400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_e95ffcbf-fabd-4172-a738-8971c76aedaf.jpg?v=1677729985"},{"product_id":"nicola-l-life-and-art-by-nicola-l","title":"NICOLA L.: LIFE AND ART by Nicola L.","description":"\u003cp\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eもし私がすべてを書き、すべてを探し、見つけるとしたら、それは何が起こったかを理解しようとするためかもしれない。すべては最終的に結びついている。アートと生活、子供、愛、誤り、喜び、希望\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」―ニコラ・L\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eモロッコ生まれのフランス人アーティスト、ニコラ・L（Nicola L.）による作品集。本書は、作者の先駆的な活動を初めて包括的に紹介する一冊。作者は、アイデンティティ、ジェンダー、身体に対して問いを持つことが一般化されるより以前からそのような考えに挑戦し、幅広く分類が不可能な作品群を発表してきた。モロッコでフランス人の両親のもとに生まれた作者は、パリの芸術アカデミーに通いながらも、1965年にほとんどの絵画作品を焼却し、衣装として着られる壁掛けキャンバス、腰掛けにもなる彫刻、一度に多くの人が着られるようにデザインされたコート、過激な政治家の映画を制作するなど、より人々に直接関わる形式へと移行した。地中海西部に位置するイビサ島の自由奔放なコミュニティ、ニューヨークのカウンターカルチャー、そして一時はレバノンの刑務所にまで、物理的にも芸術的にも居場所を見つけ、時代と場所に定着せず、世界中を旅して回った。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e作者の作る芸術は、自身の人生から生まれたものであり、両者の間に境界線はない。本書も同じ論理に沿って、304ページにわたり、作者の作品を包括的にまとめたカタログレゾネと、未公開の手記を集めたファンジンが絡み合うような構成となっている。その手記の中では、フランス人哲学者のジャン・ポール・サルトル（Jean-Paul Sartre）、スペイン人画家のサルバドール・ダリ（Salvador Dali）、\u003c\/span\u003e\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/yves-klein\"\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eイヴ・クライン（Yves Klein）\u003c\/span\u003e\u003c\/a\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e、\u003c\/span\u003e\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/apartamento-issue-28-spring-summer-2021\"\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eフランス人アーティストのニキ・ド・サンファル（Niki de Saint Phalle）\u003c\/span\u003e\u003c\/a\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e、ブラジル人作曲家のカエターノ・ヴェローゾ（Caetano Veloso）、アメリカ人アーティストの\u003c\/span\u003e\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/andy-warhol\"\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eアンディ・ウォーホル（Andy Warhol）\u003c\/span\u003e\u003c\/a\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e、アメリカのパンク・バンド「バッド・ブレインズ（Bad Brains）」、アメリカ人アーティストのカロリー・シュニーマン（Carolee Schneeman）の逸話を差し挟みながら、驚くべき人生が語られている。\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e本書は、作者の文章に加え、二人の息子クリストフとデイヴィッド・ランゼンベルグ（Christophe and David Lanzenberg）、長年の友人である、アメリカ人作家のゲイリー・インディアナ（Gary Indiana）とアルゼンチン人アーティストのマルタ・ミヌヒン（Marta Minuj\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eí\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003en）、フランス人批評家であり作者の師であるピエール・レスタニー（Pierre Restany）、作者が1982年に制作したドキュメンタリーの題材となっている、「バッドブレインズ」のヴォーカリストであるH.R、 そしてキュレーターのアレクサンドラ・カニンガム・キャメロン（Alexandra Cunningham Cameron）、フラヴィア・フリゲリ（Flavia Frigeri）、ルバ・カトリブ（Ruba Katrib）、 ミリアム・ベン・サラ（Myriam Ben Salah）など、作者を知る人々による個人的な話、そして作者の作品と繫りのある人々による解説が添えられている。編集はハンナ・マーティン（Hannah Martin）とオマール・ソーサ（Omar Sosa）が手がけており、ロンドンのギャラリー「Alison Jacques（アリソン・ジャック）」、ニコラ L.コレクション＆アーカイブ（Nicola L. Collection and Archive）」の協力のもと本書は制作された。作品の図版、アーカイブ写真、エッセイ、インタビュー、日記などを収録しており、作者のパズルのピースをすべて集めた一冊となっている。\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e‘\u003cem\u003eIf I write it all, search and find it all, it’s maybe to try to understand what happened, everything is ultimately bound, art and life, children, loves, errors, joys, hopes’\u003c\/em\u003e.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e—Nicola L.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eNicola L.: Life and Art\u003c\/em\u003e is the first comprehensive monograph about the pioneering artist Nicola L. (1932-2018), whose wide-ranging work—impossible to categorise—challenged ideas about identity, gender, and the body long before such questions were de rigueur. Born in Morocco to French parents, she spent her formative years in Paris attending the Beaux-Arts, only to burn most of her paintings in 1965 and move towards formats that engaged people more directly: wall-mounted canvases that could be worn as costumes, sculptures that doubled as seats, coats designed for many people to wear at once, or films about radical political figures. Far from settling in a time and place, she travelled the world, finding physical and artistic homes in the free-spirited community of Ibiza, in countercultural New York, and even, briefly, in a Lebanese jail.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThe art Nicola made stemmed from the life she lived—there were no boundaries between the two. This book follows the same logic, intertwining both throughout its 304 pages: on one hand, a comprehensive catalogue raisonné of her artworks; on the other, a fanzine of Nicola’s never-seen-before memoirs, in which she narrates her incredible life, punctuated with anecdotes involving Jean-Paul Sartre, Salvador Dalí, Yves Klein, Niki de Saint Phalle, Caetano Veloso, Andy Warhol, Bad Brains, and Carolee Schneemann. Her writing is complemented by the personal stories of those who knew her and the commentary of those who have connected with her work: Christophe and David Lanzenberg (her sons), Gary Indiana (writer and longtime friend), Marta Minujín (artist and longtime friend), Pierre Restany (late critic and mentor), H.R. (Bad Brains frontman and film subject), Alexandra Cunningham Cameron, Flavia Frigeri, Ruba Katrib, and Myriam Ben Salah (curators), among many others. Edited by Hannah Martin and Omar Sosa, and made with the support of Alison Jacques, London and the Nicola L. Collection and Archive, this book brings together original images of the work, archival photographs, essays, interviews, and journals—in sum, all the pieces of Nicola’s puzzle.\u003c\/p\u003e","brand":"APARTAMENTO","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40118516449360,"sku":"9788409474363","price":12650.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/NICOLAL.-LIFEANDARTbyNicolaL._00.jpg?v=1685516231"},{"product_id":"to-see-takes-time-by-georgia-okeeffe","title":"TO SEE TAKES TIME by Georgia O'Keeffe","description":"\u003cp\u003e20世紀のアメリカを代表するアーティスト、ジョージア・オキーフ（Georgia O'Keeffe）の作品集。2023年4月から8月にかけて「ニューヨーク近代美術館（Museum of Modern Art）」で開催された展覧会に伴い刊行された。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e作者は1916年に制作した木炭画を後にこう振り返る。「\u003cem\u003eこのドローイングをすでに何度も描いた。しかし以前に描いたものを思い出すこともなく、何から着想を得ているかもわからない。\u003c\/em\u003e」\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e作者のドローイング作品の大部分は木炭、水彩、パステル、鉛筆で描かれ、観察と抽象の間にあるモチーフに発展と変化をもたらす。アーティストとしての人物像を形成した1915年から1918年にかけて、その後の40年間で制作した数と同等の数の作品を紙に描き出した。水彩の抽象的な線、有機的な風景やヌードの連作、抽象的な木炭画のシリーズである「スペシャルズ（specials）」を制作した。作者の実践は、後にキャンバスを使用したペインティングが中心になるものの、1930年代に花を描いた木炭画や、1940年代のポートレイト、1950年代の空中から風景を描いた作品など、紙を使用した重要なシリーズは再び姿を現すこととなる。ペインターとしてより広く知られる作者であるが、本書ではドローイングを豊富に取り上げ、個々の作品の文脈を繋げ直し、一連の絶え間ない実践とその一貫性に光を当てている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e作者はウィスコンシン州のサン・プレイリーで生まれた作者は、1916年にニューヨークのギャラリーにて木炭画が展示されたことで初めて注目を集めた。2年後には、創作活動に集中するため、ニューヨークに移住。さらに、1929年から2度の夏を過ごしたニューメキシコ州へと1949年に拠点を移した。活躍した時代の最もよく知られている女性アーティストでありながら、作者は自身を「最も優れた女性ペインター」ではなく「最も優れたペインターのうちの1人」と捉えていた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eRecalling a charcoal she made in 1916, Georgia O'Keeffe later wrote, “\u003cem\u003eI have made this drawing several times—never remembering that I had made it before—and not knowing where the idea came from.\u003c\/em\u003e” These drawings, and the majority of O’Keeffe’s works in charcoal, watercolor, pastel and graphite, belong to series in which she develops and transforms motifs that lie between observation and abstraction. In the formative years of 1915 to 1918, she made as many works on paper as she would in the next 40 years, producing sequences in watercolor of abstract lines, organic landscapes and nudes, along with charcoal drawings she would group according to the designation “\u003cem\u003especials.\u003c\/em\u003e” While her practice turned increasingly toward canvas in subsequent decades, important series on paper reappeared—including charcoal flowers of the 1930s, portraits of the 1940s and aerial views of the 1950s.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003ePublished in conjunction with an exhibition at the Museum of Modern Art, New York, this richly illustrated volume highlights the drawings of an artist better known as a painter, and reunites individual sheets with their contextual series to illuminate O’Keeffe’s persistently sequential practice.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"THE MUSEUM OF MODERN ART (MoMA)","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40142721581136,"sku":"9781633451476","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_28882d5a-081f-4232-b67b-4b2321a5d3e6.jpg?v=1688527777"},{"product_id":"tree-of-knowledge-by-hilma-af-klint","title":"TREE OF KNOWLEDGE by Hilma af Klint","description":"\u003cp\u003eスウェーデン人アーティスト、ヒルマ・アフ・クリント（Hilma af Klint）の作品集。本書は2021年にニューヨーク、2022年にロンドンの「David Zwirner」で開催された展覧会に伴い刊行、革新的なシリーズである「\u003cem\u003eTree of Knowledge\u003c\/em\u003e」をまとめた初めての作品集となる。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e「\u003cem\u003e啓示的、かつ荘厳。クリントの作品は、鑑賞者がそれぞれの答えを導き出す余地を概念的に存分に開放しており、観るものが自身なりの意義をそこへ組み込むことにより、燦然たる異世界へと誘われていることを感じるのである\u003c\/em\u003e」ーニューヨーク・タイムズ\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e最も創意に富んだ20世紀のアーティストの一人である作者は、抽象絵画の先駆者でもあった。ワシリー・カンディンスキー（Wassily Kandinsky）やピート・モンドリアン（Piet Mondrian）よりも早くから非具象的な絵画制作を試み、科学と宗教分野の根本から開拓していった人物である。本シリーズに見られるように、スピリチュアリズムと哲学への深い関心から、作者は形而上学における難解な概念を探るイコノグラフィー（図像学）を発展させた。軌道を描く不思議な形、統一と分離、闇と光、始まりと終わり、生と死、精神と物質の視覚的な寓話を紙上に描いた貴重なシリーズである。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e美術史学者のスーザン・エイバート（Susan Aberth）が作者のスピリチュアルないし神智学的な影響を論じたテキストを寄稿、キュレーターのヘレン・モールスワース（Helen Molesworth）とアメリカの桂冠詩人であるとジョイ・ハルジョ（Joy Harjo）による「\u003cem\u003eTree of Knowledge\u003c\/em\u003e」と先住民たちの理論の関係性を語る対談を収録、作者の不朽の名作を解釈し、より広く哲学的な視点をもたらす。また、作者の研究者として知られるユリア・フォス（Julia Voss）によって新たに書き下ろされたエッセイを序文として掲載し、アーティストのスーザン・フレコン（Suzan Frecon）によるテキスト、美術史学者のマックス・ローゼンバーグ（Max Rosenberg）による、なぜ当時作者の作品が評価されることがなかったのかという疑問を追求した論考も収録する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe first detailed survey of Swedish artist Hilma af Klint’s groundbreaking \u003cem\u003eTree of Knowledge\u003c\/em\u003e series. \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e“\u003cem\u003eRevelatory and sublime. . . . Her work remains conceptually open enough for viewers to draw their own conclusions, insert their own meaning and feel transported to other glorious worlds.\u003c\/em\u003e” —The New York Times\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eOne of the most inventive artists of the twentieth century, af Klint was a pioneer of abstraction. Her first forays into nonobjective painting preceded the work of Kandinsky and Mondrian and radically mined the fields of science and religion. Deeply interested in spiritualism and philosophy, af Klint developed an iconography that explores esoteric concepts in metaphysics, as demonstrated in \u003cem\u003eTree of Knowledge\u003c\/em\u003e. This rarely seen series of works on paper renders orbital, enigmatic forms, visual allegories of unification and separateness, darkness and light, beginning and end, life and death, and spirit and matter.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003ePublished on the occasion of the exhibition \u003cem\u003eHilma af Klint: Tree of Knowledge\u003c\/em\u003e at David Zwirner, New York, in 2021 and David Zwirner, London, in 2022, this book features a text by the art historian Susan Aberth examining af Klint’s spiritual and theosophical influences. With a conversation between curator Helen Molesworth and the US Poet Laureate Joy Harjo discussing connections between \u003cem\u003eTree of Knowledge\u003c\/em\u003e and Native theories, the publication broadens the scope of philosophical interpretations of af Klint's timeless work. Also included is a newly commissioned essay by the celebrated af Klint scholar Julia Voss, a contribution by the artist Suzan Frecon, and a text by art historian Max Rosenberg that further develops the conversation around why af Klint’s work was not recognized in its time.\u003c\/p\u003e","brand":"DAVID ZWIRNER BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40149382987856,"sku":"9781644230848","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_2329ccdf-4c0a-435c-825b-1304ecb2f8d9.jpg?v=1688528307"},{"product_id":"hilma-af-klint-and-piet-mondrian-forms-of-life-by-hilma-af-klint-piet-mondrian-softcover","title":"HILMA AF KLINT AND PIET MONDRIAN: FORMS OF LIFE by Hilma af Klint, Piet Mondrian [SOFTCOVER]","description":"\u003cp\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eスウェーデン人アーティスト、ヒルマ・アフ・クリント（Hilma af Klint）とオランダ人アーティスト、ピート・モンドリアン（Piet Mondrian）の作品集。2023年4月から9月までロンドンの「テート・モダン（Tate Modern）」で開催された展覧会に伴い刊行された。イギリスにおいて初公開となる作品を収録する本書は、革新的な2人の芸術家に対し、我々の理解を深め、高揚させ、知を刺激する一冊であろう。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e2人は面識こそないものの、いずれも自然界との深くてダイナミックな繋がりを感じたことをきっかけに風景画家としてのキャリアをスタートした。二者にとって科学と神秘主義とは、排他的な実戦ではなく、身の回りの生命力を理解するための本質的な枠組みの一部であった。両作家は、自然の根底に宿る構造を探り、芸術と人生に与える意味を探求する手段として、科学と秘教的思想の理解に努めた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は、両者の活動を詳細に紹介している。自然物は原子レベルまで抽象化され、細胞は進化し、分裂することでキャンバスの色彩を拡大し、曲がりくねる茎は螺旋状に天空へと進み、結晶状のグリッドの形が伸びていくことで、無限の宇宙が形成される。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e編集は、ナビラ・アブデル・ナビ（Nabila Abdel Nabi）、ローラ・スタンプス（Laura Stamps）、ブリオニー・フェール（Briony Fer）が手がける。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eロンドンを拠点に活動するエジプト人美術史家、アブデル・ナビは、「シカゴ大学（University of Chicago）」で学士、「コートールド美術研究所（The Courtauld Institute of Art）」で修士号を取得。ドバイの「サード・ライン（The Third Line）」にてギャラリー・マネージャー、トロントの「パワー・プラント・コンテンポラリー・アート・ギャラリー（The Power Plant Contemporary Art Gallery）」でアソシエイト・キュレーターとして従事、本書刊行現在ロンドンの「テート・モダン（Tate Modern）」でインターナショナル・アート部門のキュレーターを務める。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eスタンプスは、オランダ、デン・ハーグの「GEM 現代美術館（KM21）」を経て、「デン・ハーグ市美術館（Kunstmuseum Den Haag）」でモダン・アートとコンテンポラリー・アートのキュレーターを務める。\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/alice-neel\"\u003eアリス・ニール（Alice Neel）\u003c\/a\u003e、リー・ボンテクー（Lee Bontecou）、ポーラ・レゴ（Paula Rego）、2016年に開催されたコンスタント・ニーヴェンホイス（Constant Nieuwenhuys）『\u003cem\u003eConstant – New Babylon\u003c\/em\u003e』をはじめとした展覧会やその図録を手がける。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e美術史家のフェールは近現代美術に関する著作を数多く手がけており、前衛芸術（アヴァンギャルド）の歴史とコンテンポラリー・アート作品との間を跨ぎ、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/zoe-leonard\"\u003eゾーイ・レオナルド（Zoe Leonard）\u003c\/a\u003e、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/gabriel-orozco\"\u003eガブリエル・オロスコ（Gabriel Orozco）\u003c\/a\u003e、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/roni-horn\"\u003eロニ・ホーン（Roni Horn）\u003c\/a\u003e、ヴィヤ・セルミンス（Vija Celmins）、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/tacita-dean\"\u003eタシタ・ディーン（Tacita Dean）\u003c\/a\u003eなどを研究する。2018年に「テート・モダン（Tate Modern）」と「ノルトライン=ヴェストファーレン州立美術館（Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, K20）」にて開催された\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/anni-albers\"\u003eアニ・アルバース（Anni Albers）\u003c\/a\u003eの回顧展では、マリア・ミュラー・シャレック（Maria Muller-Schareck）とアン・コクソン（Ann Coxon）と共同でキュレーションを手がけた。現在は「ユニヴァーシティ・カレッジ・ロンドン（University College London）」で美術史の教鞭を執る。「イギリス学士院（British Academy）」のフェローでもある。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書はソフトカバー版。\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003eFeaturing works never before seen in the UK, this paperback exhibition book will elucidate and invigorate our understanding of two ground-breaking artists and will be sure to get synapses firing.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eAlthough they never met, Hilma af Klint and Piet Mondrian shared a deep dynamic connection to the natural world and began their careers as landscape painters. For them, science and mysticism were not exclusive practices, but part of the same essential framework for understanding the life forces around them. Both artists engaged with science and esoteric thought as tools for exploring the underlying structures of nature and how they give meaning to art and life.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThe catalogue explores both artists’ practices in rich detail. Natural forms are abstracted to their atomic levels; cells evolve, dividing and expanding the canvas in colour; sinuous stems spiral into the ether whilst the crystalline formations of grids stretch out to form an infinite universe.\u003c\/p\u003e","brand":"TATE PUBLISHING","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40182667149392,"sku":"9781849768450","price":7920.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/0893.jpg?v=1689210100"},{"product_id":"on-being-an-angel-by-francesca-woodman","title":"ON BEING AN ANGEL by Francesca Woodman","description":"\u003cp\u003eアメリカ人フォトグラファー、フランチェスカ・ウッドマン（Francesca Woodman）の作品集。本書は、2015年から2017年にかけてストックホルムの「ストックホルム近代美術館（Moderna Museet）」、アムステルダムの「FOAM写真美術館（FOAM Photography Museum）」、パリの「アンリ・カルティエ・ブレッソン財団（Fondation Henri Cartier-Bresson）」、ヘルシンキの「フィンランド撮影美術館（The Finnish Museum of Photography）」を巡回した展覧会に伴い刊行された。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eタイトルである「\u003cem\u003eON BEING AN ANGEL（天使であること）\u003c\/em\u003e」は、頭を後ろに倒し、胸を前に突き出した姿のセルフポートレート2作に作者が刻んだキャプションを参照している。作者は女性の身体を物理的、肉体的に捉えると同時に、非物質的にも扱う作風が特徴である。このような写真と示唆的なタイトルの組み合わせは、作者の悲劇的な経歴と22歳で自ら命を絶ったことが、必然的に作品に否応なしに反映され、その作品を要約すべくを適切に捉える。わずか10年足らずの期間に、作者はモノクロ写真とカラー写真共に魅力的な作品群を生み出し、ジェンダー、表象、セクシュアリティ、身体を探求しようと自身や友人の身体を撮影した。亡くなった後も作者の作品は徹底的に研究される対象となり、展覧会も開催され、今なお世界中のアーティストに影響を与え続けている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本書は時系列順に構成された作品に加え、スウェーデンを拠点に活動するキュレーターであるアンナ・テルグレン（Anna Tellgren）、スウェーデン人作家のアンナ・カリン・パーム（Anna-Karin Palm）、作家の父親でありアメリカ人アーティストのジョージ・ウッドマン（George Woodman）による文章を収録。作品群を概観できる一冊となっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eOn Being an Angel\u003c\/em\u003e takes its title from a caption the artist inscribed on two of her photographs―self-portraits with her head thrust back and her chest thrust forward. Typical of Woodman’s work in the way they cast the female body as simultaneously physical and immaterial, these photographs and the evocative title they share are apt choices to encapsulate the work of an artist whose legacy has been unavoidably colored by her tragic personal biography and her death, at age 22, by suicide. In less than a decade, Woodman produced a fascinating body of work―in black and white and in color―exploring gender, representation, sexuality and the body through the photographing of her own body and those of her friends. Since her death, Woodman’s influence continues to grow: her work has been the subject of numerous in-depth studies and exhibitions in recent years, and her photographs have inspired artists all over the world. Published to accompany a travelling exhibition of Woodman’s work, \u003cem\u003eFrancesca Woodman: On Being an Angel\u003c\/em\u003e offers a comprehensive overview of Woodman’s oeuvre, organized chronologically, with texts by Anna Tellgren, Anna-Karin Palm and the artist’s father, George Woodman.\u003c\/p\u003e","brand":"WALTHER KÖNIG","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40209151721552,"sku":"9783863357504","price":7480.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_4abdb4cb-fc0b-425a-b51a-b43e1d199829.jpg?v=1689144254"},{"product_id":"paintings-for-the-future-by-hilma-af-klint","title":"PAINTINGS FOR THE FUTURE by Hilma af Klint","description":"\u003cp\u003eスウェーデン人画家、ヒルマ・アフ・クリント（Hilma af Klint）の作品集。2018年10月から2019年4月まで「ソロモン・R・グッゲンハイム美術館（Solomon R. Guggenheim Museum）」で開催された展覧会に伴い刊行された。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e作者は、1944年に81歳で年齢でこの世を去った時、その生涯でほとんど公開することのなかった1,000点以上ものペインティングや紙に描いた作品を後に遺した。世間はまだその芸術を受け入れる準備ができていないと考え、20年は隠しておくようにと作者が求めたことを受けてのことであった。その前衛的な抽象画群と対面できる機会を大衆が得たのは、ここ十年ほどのことである。ワシリー・カンディンスキー（Wassily Kandinsky）や他の現代の抽象主義の草分けとされているアーティスト達の作品の先をいく、大胆なほどにカラフルな作品の多くが大判のものであり、全体化した目に見えない世界秩序を、自然的あるいは幾何学的な形、文字の要素、深遠なシンボリズムを合わせた図で表現しようとする野心的かつ精神的に洗練された試みを反映するものである。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eアメリカにおける初の大規模かつ包括的な展覧会にあわせて刊行された本書は、作者の画期的な絵画シリーズを紹介すると共に、その人生と芸術の全貌を明らかにする最新の学識についても述べる。エッセイでは、スウェーデンのモダニズムと民芸の伝統、現代の科学的発見、スピリチュアルやオカルト的運動という視点から作者を考察し、フィギュレーション（具象）と決別しそれに続く発展へと踏み出した1906年の社会的ないし知的、芸術的日系を探る。現代アーティストや学者、キュレーターを交えた討論では21世紀における作者の芸術の原動力と関連性を論じている。思いがけずも本展覧会が開催されたのは、「グッゲンハイム美術館」の丸天井の広間であるが、らせん状の殿堂に作品を展示したいという作者の叶わなかった願いについても深く研究している。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e同美術館のシニア・キュレーターであるトレイシー・バシュコフ（Tracey Bashkoff）のテキスト、美術史・文化史家であるテッセル・M・ボードウィン（Tessel M. Bauduin）、キュレーターであり評論家のダニエル・ビルンバウム（Daniel Birnbaum）、美術史家、評論家、キュレーターのブリオニー・フェール（Briony Fer）、作家のヴィヴィアン・グリーン（Vivien Greene）、同美術館のアシスタント・キュレーターデヴィッド・マックス・ホロヴィッツ（David Max Horowitz）、美術史で教鞭を執るアンドレア・コルニッツ（Andrea Kollnitz）、現代美術キュレーターのヘレン・モールスワース（Helen Molesworth）、美術史家のユリア・フォス（Julia Voss）による寄稿を収録。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eWhen Swedish artist Hilma af Klint died in 1944 at the age of 81, she left behind more than 1,000 paintings and works on paper that she had kept largely private during her lifetime. Believing the world was not yet ready for her art, she stipulated that it should remain unseen for another 20 years. But only in recent decades has the public had a chance to reckon with af Klint's radically abstract painting practice—one which predates the work of Vasily Kandinsky and other artists widely considered trailblazers of modernist abstraction. Her boldly colorful works, many of them large-scale, reflect an ambitious, spiritually informed attempt to chart an invisible, totalizing world order through a synthesis of natural and geometric forms, textual elements and esoteric symbolism.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eAccompanying the first major survey exhibition of the artist's work in the United States, \u003cem\u003eHilma af Klint: Paintings for the Future\u003c\/em\u003e represents her groundbreaking painting series while expanding recent scholarship to present the fullest picture yet of her life and art. Essays explore the social, intellectual and artistic context of af Klint's 1906 break with figuration and her subsequent development, placing her in the context of Swedish modernism and folk art traditions, contemporary scientific discoveries, and spiritualist and occult movements. A roundtable discussion among contemporary artists, scholars and curators considers af Klint's sources and relevance to art in the 21st century. The volume also delves into her unrealized plans for a spiral-shaped temple in which to display her art—a wish that finds a fortuitous answer in the Guggenheim Museum's rotunda, the site of the exhibition.\u003c\/p\u003e","brand":"GUGGENHEIM MUSEUM","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40211589627984,"sku":"9780892075430","price":13200.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_34bd41e0-7fea-49be-836e-9db7dc99f402.jpg?v=1693193657"},{"product_id":"remembering-a-dance-part-of-some-sextets-1965-2019-by-yvonne-rainer","title":"REMEMBERING A DANCE – PART OF SOME SEXTETS 1965\/2019 by Yvonne Rainer","description":"\u003cp data-mce-fragment=\"1\" class=\"p1\"\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eニューヨークを拠点に活動するアメリカ人ダンサー、振付家、映画監督であるイヴォンヌ・レイナー（Yvonne Rainer）の作品集。1965年に発表された、マットレス12枚とパフォーマー10人からなるパフォーマンス作品「Parts of Some Sextets」は、作者の転機となった作品である。自身が「マットレス・モンスター」と呼んだその作品は、ニューヨークのダウンタウンで実験的な集団、「ジャドソン・ダンス・シアター（Judson Dance Theater）」を結成した時期に築かれた。本作では、ナラティブの構成を考慮せず、「日常的な」行為への探求を主張し、30秒ごとに新たなシーンが展開する複雑な振付を作り上げている。初演から半世紀以上の時を経て、作者は振付家兼ダンサーのエミリー・コーツ（Emily Coates）とのコラボレーションにより、2019年に開催されたニューヨークの「パフォーマ19ビエンナーレ」のために再演を指揮し、作者の先鋭的なパフォーマンスの新たなプレゼンテーションが変化する文脈に向け取り組んだ。本書は、このダンスの原型から再構成まで、あらゆる側面を掘り下げている。アメリカ人アーティストのニック・マウス（Nick Mauss）によりデザインされた本書は、1965年にニューヨークの「ジャドソン記念教会（Judson Memorial Church）」とコネチカット州・ハートフォードの「ワズワース・アテネウム美術館（Wadsworth Atheneum Museum of Art）」で上演された際に記録された未発表のアーカイブ写真と資料が収録されている。また作者や、エミリー・コーツ、美術史家のローズリー・ゴールドバーグ（RoseLee Goldberg）、フェミニスト作家であり文化評論家のジル・ジョンストン（Jill Johnston）、キュレーターのキャシー・ノーブル（Kathy Noble）、パフォーミング・アーティストのデイヴィッド・トムソン（David Thomson）、小説家のリン・ティルマン（Lynn Tillman）、美術史とヴィジュアル・スタディで教鞭を執るユン・ソヨン（Soyoung Yoon）によるテキストが掲載されているほか、作者の新たなインタビューでは、ダンスの生涯とその後をたどりながら、作品、パフォーマー、観客の軌跡について問いかける。\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eA re-examination of Yvonne Rainer's \u003cem\u003eParts of Some Sextets\u003c\/em\u003e, a radical performance and pivotal piece in the American choreographer's career, which led her to theorize her conception of dance in the 1960s, before being revived in 2019.\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eParts of Some Sextets\u003c\/em\u003e, Yvonne Rainer's 1965 performance for ten people and twelve mattresses, represents a turning point in the American choreographer's oeuvre. \"My mattress monster,\" as Rainer calls it, was built in her formative years with the experimental downtown New York group Judson Dance Theater. In this work, she asserted her exploration of \"ordinary\" actions as well as her disregard for narrative constructions to create an intricate choreography that unfolded with a new scene every thirty seconds.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eMore than half a century after its premiere, Rainer, in collaboration with choreographer and dancer Emily Coates, directed the 2019 revival of the piece for the Performa 19 Biennial in New York, grappling with the changing contexts of a new presentation of her radical performance. Remembering a Dance: \u003cem\u003eParts of Some Sextets, 1965\/2019\u003c\/em\u003e delves into every aspect of this dance, from its original manifestation to its reconstitution.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThis book, designed by visual artist Nick Mauss, includes previously unpublished archival images and documents from the 1965 stagings at the Judson Memorial Church in New York and the Wadsworth Atheneum in Hartford, Connecticut. Texts by Emily Coates, RoseLee Goldberg, Jill Johnston, Kathy Noble, Yvonne Rainer, David Thomson, Lynne Tillman, and Soyoung Yoon, as well as a new interview with Rainer, pose questions about the trajectories of artworks, performers, and audiences, all while tracing the life—and afterlife—of a dance.\u003c\/p\u003e","brand":"LENZ PRESS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40218491551824,"sku":"9791280579119","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_124fc8d2-697d-410e-9da3-7a8a75050cc1.jpg?v=1696918513"},{"product_id":"lick-of-tongue-rub-of-finger-on-soft-wound-by-keisha-scarville","title":"LICK OF TONGUE, RUB OF FINGER, ON SOFT WOUND by Keisha Scarville [SIGNED]","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eアメリカ人フォトグラファー、ケイシャ・スカーヴィル（Keisha Scarville）の作品集。作者は、自らのルーツを明らかにすべく、カリブ海とアメリカ間の移動の経路を辿ることに人生の大半を費やしてきた。帰属意識やアイデンティティの概念がどのように形成され構造化されるかを理解しようとして生み出されるイメージには、世代を超えた記憶の閾値に刻まれている潜在的な物語が視覚化されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者にとって初の作品集となる本書は、印象的なモノクロの作品に、アーカイブ画像、書籍からの抜粋、コラージュ、個人的なテキスト、映画のスチール写真などが何かを暗示するかのように織り交ぜられた、不規則に広がる魅惑的なビジュアルエッセイとして展開していく。実践とアーカイブの間を行き来しながら、従来の直線的な歴史を破壊することで新たな系譜を生み出すことの意味を考察するために、作者はアーティストブックというフォーマットを用いた。こうして出来上がった作品は、黒人のディアスポラを描いた個人的・歴史的ないくつもの物語の多様性の旅となった。本書において作者は、世界中に散らばった黒人のディアスポラ的想像力によって形作られる過程について考察している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eアフリカ系アメリカ人で詩人・作家のハーモニー・ホリデー（Harmony Holiday）による文章を収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eKeisha Scarville has spent much of her life tracing routes of movement between the Caribbean and America in order to investigate her own lineage. Attempting to understand how notions of belonging and identity are formed and structured, her image-making practice visualises the latent narratives inscribed within the thresholds of memory across generations.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThis first publication by Scarville unfolds as a sprawling, hypnotic visual essay, evocatively interweaving the artist’s striking black-and-white photography with archival imagery, passages from books, collages, personal texts, and film stills. Moving between practice and archive, Scarville uses the form of the artist’s book to reflect on what it means to create new genealogies by disrupting conventional, linear histories. The result is a journey through a multiplicity of personal and historical narratives of the Black diaspora. With this book, Scarville reflects on a process of becoming shaped by the diasporic imagination of Black people throughout the world.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eAccompanied by a text by poet and author Harmony Holiday\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40234067263568,"sku":"9781915743183","price":14300.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_b03bc1fd-7277-4b58-97b0-ee132d2d3347.jpg?v=1705742744"},{"product_id":"cindy-sherman-2023-by-cindy-sherman","title":"CINDY SHERMAN: 2023 by Cindy Sherman","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人アーティスト、シンディー・シャーマン（Cindy Sherman）の作品集。同世代における最も重要なアメリカ人アーティストの一人とされている作者の1970年代の初期の作品にまで遡り、ポートレイトの分野において探究を続けながら生まれた新たな作品群を紹介する。2023年6月から9月までチューリッヒの「Hauser \u0026amp; Wirth」にて開催された展覧会に伴い刊行された。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e36点もの写真にわたって作者は自身の顔のパーツのコラージュを作成し、デジタル処理によってその重層性と柔軟性を引き立たたせながらさまざまなモデルのアイデンティティを作り出した。作者本人によるスタジオでの制作過程の記録にまつわるテキストを収録し、作品について本人の思考を間近で垣間見ることができる。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003e本展示は、作者による2つの他の展覧会と同時期に開かれており、2023年2月から6月までデンマークの「アロス・オーフス美術館（ARoS Aarhus Art Museum）」で開催された「\u003cem\u003eCindy Sherman – Tapestries\u003c\/em\u003e」展、2023年4月から9月までドイツの「シュトゥットガルト州立美術館（Staatsgalerie Stuttgart）」にて開催された「\u003cem\u003eCindy Sherman: Anti-Fashion\u003c\/em\u003e」展がそれにあたる。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eThis publication presents a new body of work by Cindy Sherman that continues her explorations of the genre of portraiture going back to her early work of the 1970s.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eAcross thirty-six photographs, the artist collages parts of her own face to construct the identities of various sitters, using digital manipulation to accent the layered aspects and plasticity of the self. The book also includes a text by Sherman chronicling her process in the studio, offering an intimate glimpse into her thinking about the work.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003ePublished with Hauser \u0026amp; Wirth, on occasion of the exhibition ‘\u003cem\u003eCindy Sherman’\u003c\/em\u003e, 9 Jun – 16 Sep 2023, Hauser \u0026amp; Wirth, Zurich. The exhibition coincide withs two museum shows from Sherman: ‘\u003cem\u003eCindy Sherman – Tapestries\u003c\/em\u003e’, 4 Feb – 5 Jun 2023, ARoS Aarhus Art Museum, Denmark and ‘\u003cem\u003eCindy Sherman: Anti-Fashion’\u003c\/em\u003e, 21 Apr – 10 Sep 2023, Staatsgalerie Stuttgart, Germany.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eSherman is considered to be one of the important American artists of her generation. Hauser \u0026amp; Wirth announce worldwide representation of the artist in 2021.\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40236575752272,"sku":"9783906915821","price":7480.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_c96b3ec8-3108-4da2-be59-b263b19b62c2.jpg?v=1689738426"},{"product_id":"women-by-nadia-lee-cohen","title":"WOMEN by Nadia Lee Cohen [FIFTH EDITION]","description":"\u003cp\u003eイギリス人フォトグラファー、ナディア・リー・コーエン（Nadia Lee Cohen）の作品集。本書は、2020年に刊行された同名の初作品集『\u003cem\u003eWOMEN\u003c\/em\u003e』の第5版として刊行された。6年の歳月をかけて制作された「女性らしさ」を考察した100のポートレートを収録している。これらのポートレートは、常に映画のスチル写真のようでもあり、動いている現実の生活のスナップ写真のようでもあり、フレームの端から物語がこぼれ落ちていく。しかし、あまり知られていないことだが、本シリーズのイメージの多くは、実際に映像として撮影されたものであり、鑑賞者にこれらの想像上の現実への洞察を与える。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eロンドン、ニューヨーク、ロサンゼルスで撮影されたこのシリーズは、それまでのキャラクターが主体の写真と同様、作者の言う「\u003cem\u003e西洋消費主義の薄気味悪い残骸\u003c\/em\u003e」を探求している。映画、広告、モールがインスピレーションとなり、都市環境の極限を超現実的に表現している。「女性」という概念について作者はこう語る。「\u003cem\u003eこの場合、『Women』という言葉は、『個性』に関連する考えである。それは、私たちの世界には存在しないし、同じ政治、美しさの規範、価値観を共有するものでもない。この100のミザンセーヌ（演出）のシリーズの中で、強い女性らしさを表現しているのです。\u003c\/em\u003e」\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eドイツ人写真家、エレン・フォン・アンワース（Ellen von Unwerth）、「ヴォーグ・イタリア（Vogue Italia）」のフォトエディター、アレッシア・グラヴィアーノ（Alessia Glaviano）、そして作者による寄稿文も掲載している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe first monograph of British Los Angeles based photographer Nadia Lee Cohen. Six years in the making. One hundred portraits of women in one gold cloth-covered superheavyweight book. Texts by Nadia, Ellen von Unwerth, and Italian Vogue’s Alessia Glaviano.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"IDEA","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40285170466896,"sku":null,"price":16500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_a7d27ca4-5f53-46be-9be4-25885b6ef215.jpg?v=1694000700"},{"product_id":"happy-gas-by-sarah-lucas","title":"HAPPY GAS by Sarah Lucas","description":"\u003cp\u003eイギリス人アーティスト、サラ・ルーカス（Sarah Lucas）の作品集。2023年9月から2024年1月までロンドン「テート・ブリテン（Tate Britain）」で開催されている展覧会に伴い刊行された。彫刻からインスタレーション、写真作品まで、作者の作品の多様性を詳細に見ることができる一冊。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者は、材料と心象を刺激的に用いた作品で国際的に知られている。過去40年間にわたり、世の中のありふれたものを思いがけない方法で混ぜ合わせ、我々が持つセックスや階級、性別に対する解釈に挑み続けてきた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は、作者が台頭した1990年代の「ヤング・ブリティッシュ・アーティスト（Young British Artists \/ YBAs）」世代の先にあるものを見据えながら、展示のテーマと作品を研究した成果である。猥褻なユーモアと大胆な斬新性をもって、作者は人間であることの本当の意味、そしてそのすべての面を見せてくれるのだ。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e現代美術の放送者であり作家のルイーザ・バック（Louisa Buck）、ジャーナリストであり編集者のナタリー・オラー（Nathalie Olah）、作家であり翻訳者のローレン・エルキン（Lauren Elkin）らが寄稿、そのテキストが作者の世界をより我々に深く探究させる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eテート美術館 | YBA \u0026amp; BEYOND 世界を変えた90s英国アート\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e東京展\u003cbr\u003e会期：2026年2月11日（水・祝）- 5月11日（月）\u003cbr\u003e時間：10:00 - 18:00\u003cbr\u003e休館日：火曜日（5\/5は開館）\u003cbr\u003e開催場所：国立新美術館 企画展示室2E\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e京都展\u003cbr\u003e会期：2026年6月3日（水）- 9月6日（日）\u003cbr\u003e時間：10:00 - 18:00\u003cbr\u003e休館日：月曜日（月曜日が祝・休日の場合は開館）\u003cbr\u003e開催場所：京都市京セラ美術館\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.ybabeyond.jp\/\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan\u003eTake a closer look at the diversity of Sarah Lucas’s work across sculpture, installation and photography with this stunning hardback exhibition book.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003eSarah Lucas is an internationally celebrated artist known for the provocative use of materials and imagery in her work. Incorporating ordinary objects in unexpected ways, she has consistently challenged our understandings of sex, class and gender over the last four decades.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003eLooking beyond the generation of 1990s Young British Artists during which Lucas emerged, the book explores the themes and artworks of Tate Britain’s \u003c\/span\u003e\u003ci\u003eSarah Lucas: Happy Gas\u003c\/i\u003e\u003cspan\u003e exhibition. Breaking boundaries with her bawdy humour and bold daring, Lucas shows us the whole spectrum of what it truly means to be human. Contributions from Louisa Buck, Nathalie Olah, Lauren Elkin and more help us delve into Lucas's world.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003eDominique Heyse-Moore is Senior Curator, Contemporary British Art, at Tate Britain. \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eAmy Emmerson-Martin is Assistant Curator, Contemporary British Art, at Tate Britain.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003eLouisa Buck is a writer and broadcaster. Since 1997, she has been the contemporary art columnist for \u003c\/span\u003e\u003ci\u003eThe Art Newspaper\u003c\/i\u003e\u003cspan\u003e, and is a regular reviewer on BBC radio and TV. She has authored catalogue essays for institutions including Tate and Whitechapel Gallery. Her books include \u003c\/span\u003e\u003ci\u003eMarket Matters: The Dynamics of the Contemporary Art Market\u003c\/i\u003e\u003cspan\u003e, and \u003c\/span\u003e\u003ci\u003eCommissioning Contemporary Art : A Handbook for Curators, Collectors and Artists\u003c\/i\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003eNathalie Olah is a freelance journalist and editor. Her work has been published widely, including in \u003c\/span\u003e\u003ci\u003eDazed\u003c\/i\u003e\u003cspan\u003e, \u003c\/span\u003e\u003ci\u003eAnOther\u003c\/i\u003e\u003cspan\u003e and the \u003c\/span\u003e\u003ci\u003eTimes Literary Supplement\u003c\/i\u003e\u003cspan\u003e. Her first book, \u003c\/span\u003e\u003ci\u003eSteal as Much as You Can: How to Win the Culture Wars in an Age of Austerity\u003c\/i\u003e\u003cspan\u003e was published by Repeater Books in 2019. She is the author of Tate Publishing’s \u003c\/span\u003e\u003ci\u003eLook Again: Class\u003c\/i\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003eLauren Elkin is a writer and translator, most recently the author of \u003c\/span\u003e\u003ci\u003eNo. 91\/92: a diary of a year on the bus\u003c\/i\u003e\u003cspan\u003e and the UK translator of Simone de Beauvoir's previously unpublished novel \u003c\/span\u003e\u003ci\u003eThe Inseparables\u003c\/i\u003e\u003cspan\u003e. \u003c\/span\u003e\u003ci\u003eFlâneuse: Women Walk the City\u003c\/i\u003e\u003cspan\u003e was a finalist for the 2018 PEN\/Diamonstein-Spielvogel Award for the Art of the Essay, a New York Times Editor’s Choice and a Notable Books of 2017, a Radio 4 Book of the Week, and a best book of 2016 by the Guardian, the Financial Times, the New Statesman, and the Observer. It is being translated into nine languages.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"TATE PUBLISHING","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40336067657808,"sku":"9781849768535","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_5e296373-dc6f-4b7e-95c7-c0a498ed8aaf.jpg?v=1706557288"},{"product_id":"arch-contemporary-feminist-spatial-practices-by-arch-melissa-makele-anh-linh-ngo-torsten-lange-charlotte-malterre-barthes-daniela-ortiz-dos-santos-gabrielle-schaad","title":"ARCH+ 246: CONTEMPORARY FEMINIST SPATIAL PRACTICES","description":"\u003cp\u003eドイツ発の建築・都市化に焦点を当てた雑誌「ARCH+」246号。本号のテーマは「CONTEMPORARY FEMINIST SPATIAL PRACTICES」。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e何十年もの間、平等と機会の均等性を求める声は建築の階層的世界の内部から挙がっていた。変化を求めて活動する者の数は増えつつあり、その目的は、建築を、倫理的責任を持つ社会的かつ環境的にサステナブルな実践へと変えることにある。本書は、いかに社会的不公平の形が様々な段階における「場」と結びついているかという問いのもとに制作された。その考察が展開されるにつれ、建造環境における男女格差に対する闘争は、いまや社会に公正さを求める他の動き（人種差別反対主義、植民地反対主義、トランスフォビアやホモフォビアに対抗する運動など）と共に考えられなければならないことが明らかになってくる。政治的媒体として、建築は、物事を変革させる力を持つ公正さのもと、新たなる自由の誓いを尊重し、授けることができるのである。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e同雑誌チーム編集のメリッサ・マケレ（Melissa Makele）、建築家であり同雑誌の編集長であるアイン＝リン・ゴー（Anh-Linh Ngo）、建築史家であり建築理論家のトルステン・ランゲ（Torsten Lange）、建築家であり都市デザイナーのシャルロット・マルテール＝バルト（Charlotte Malterre-Barthes）、建築家であり建築史家のダニエラ・オルチス・ドス・サントス（Daniela Ortiz dos Santos）、美術・デザイン・建築史家であり理論家のガブリエル・シャード（Gabrielle Schaad）が編集を手がける。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eFor decades, the call for equality and equal opportunity has been heard within the hierarchical world of architecture. The number of those actively working for change is growing. Their goal is to turn architecture into an ethically responsible and socially and ecologically sustainable practice. The publication proceeds from the question of how forms of social injustice are entwined on different spatial levels. As its enquiry unfolds, it becomes clear that the fight for gender equality in the built environment must now be linked to other forms of campaigning for social justice (anti-racism, anti-colonialism, the fight against transphobia and homophobia, etc.). As a political medium, architecture can help honour a new pledge of freedom based on a transformative idea of fairness.\u003cbr\u003eARCH+ is Germany’s leading magazine for discourse in the fields of architecture and urbanism.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40343690215504,"sku":"9783959057011","price":6050.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/246.jpg?v=1701668029"},{"product_id":"love-me-again-by-michella-bredahl","title":"LOVE ME AGAIN by Michella Bredahl","description":"\u003cp\u003eデンマーク出身のフォトグラファー、映像作家であるミシェラ・ブレダール（Michella Bredahl）の作品集。作者は、繊細で親密なポートレートの制作という内省的な実践を続けることで、女性らしいエネルギーと力を取り戻すための空間を写真で創り出している。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eポートレート撮影という行為を通じて、安心できる場や共感を生み出すにはどうすればよいのだろうか？本作で作者は、友人や知人の親密なポートレートを10年という長い期間に渡って撮り続けることで、女性が持つエネルギーを探求し、このエネルギーに力を与え、自らのニーズと理由に応じて誰に遠慮することもなく自分自身を完全に表現できる空間を取り戻していった。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/nan-goldin\"\u003eナン・ゴールディン（Nan Goldin）\u003c\/a\u003e、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/corinne-day\"\u003eコリーヌ・デイ（Corinne Day）\u003c\/a\u003e、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/lise-sarfati\"\u003eリーズ・サルファティ（Lise Sarfati）\u003c\/a\u003e、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/deana-lawson\"\u003eディアナ・ローソン（Deana Lawson）\u003c\/a\u003eなど、大きな影響を与えてきた女性ポートレート作家の系譜に連なる作者のポートレートは、内省と自己観察から生まれ、他者の静止した眼差し、物憂げなポーズ、親密な空間の中に欠落した自己の一部を見出している。ホイエグラッドサクセというコペンハーゲン郊外の巨大な公営団地で壮絶な子供時代を過ごした作者は、若くしてモデルにスカウトされ、カメラの前に晒され、物として扱われ、注視され、男性と力の意のままにされることになる。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003e本書は、セクシュアリティ、安全な場所、被写体のありのままの現実と並行して女性らしさの本質を位置づけることでその力を取り戻していくための実践である。家庭という安全な場所に潜り込み、散らかったベッドの上でメールをしたり、寒い朝に抱き合ったり、壁の戸棚の中を探したり、バスタブにお湯が満ちるのを待っていたりと、女性や他の被写体の最もリラックスし、最も物憂げで、最も多面的で、最も自然な姿を写し出す。作者にとって被写体とは自分で選んだ家族である。自ら体験した家庭内のトラウマを思い出させる面影を彼らの中に探し、カメラ、彼女自身、そして彼女が言葉や言語を越えて擁護し、いつまでも記憶に残したいと願う人々のイメージを通じて、美しく力強い何かを創り出している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eポートレートにおける新たな表現の登場を告げる本書は、アイデンティティと経験をエンパワーメント、解放、抵抗といった陳腐でつまらない表現におとしめるかわりに、洗練された美意識と連帯感をもって現代に生きる女性であることの静かな奇跡と女性らしい喜びの力を表現している。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eBredahl creates spaces for feminine energy and power through an ongoing, self-reflective practice of tender and intimate portraiture.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003eHow do we create safety and empathy through the act of portraiture? In \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eLove Me Again\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, Danish photographer and filmmaker Michella Bredahl explores feminine energy through a decade of intimate portraits of friends and acquaintances, reclaiming through portraiture an empowering space for this energy to express itself entirely for its own needs and reasons, without shame.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003eLike the lineage of influential female photographic portraitists before her—Goldin, Day, Sarfati and Lawson, to name a few—Bredahl’s portraits arise from a place of introspection and self-scrutiny, finding the missing parts of herself in the arrested gazes, languid poses and intimate spaces of others. Raised in a turbulent home environment within the Høje Gladsaxe Vulnerable Residential Area outside of Copenhagen, the artist eventually found herself before the camera, scouted as a model at a tender age: objectified, gazed upon, subjected to the whims of men and power.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eLove Me Again\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003eis an exercise in taking that power back, by locating the essence of femininity alongside sexuality, safety, and the plain unfiltered reality of her subjects. Bredahl burrows into the safety of the home, showing women and others at their most relaxed, their most languid, their most multi-dimensional and their most natural: texting on their messy beds, cuddling on a cold morning, searching through the medicine cabinet or waiting for the bathtub to fill. Bredahl’s self-chosen family are the people she photographs, seeking a recognition in them where she revisits the trauma of the domestic sphere, creating something beautiful and empowering through the camera, herself and the people she wants to advocate and perpetuate, beyond words and language.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eWith the arrival of a new voice in portraiture, \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eLove Me Again\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003edoes not attempt to flatten identity and experience to clichés of empowerment, emancipation or resistance, instead showing with grace and solidarity the quiet miracles of contemporary womanhood and the power of feminine joy.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40349202284624,"sku":"9781912719440","price":10450.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_9603b18b-73d1-49ad-a33b-7bdcf4aae7aa.jpg?v=1698231952"},{"product_id":"work-1961-73-by-yvonne-rainer","title":"WORK 1961-73 by Yvonne Rainer","description":"\u003cp\u003eアメリカ人ダンサー、振付家、映画監督であるイヴォンヌ・レイナー（Yvonne Rainer）の作品集。1974年に「ノバスコシア美術デザイン大学（Nova Scotia College of Art and Design）」より刊行された同名作品集の復刻版。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eダンスはダンスであり、ダンスの本は本であることは言うまでもない。この2つは芸術と善意が交差する場所で出会うのかもしれないが、私はそれでは満足できない。私は長年言葉に夢中になってきた。他の何よりも言葉こそが明晰さへの鍵を与えてくれるという確信は、簡単に覆されるものではない。言葉は経験に取って代わるものではなく、むしろ私たちの経験を映し出す鏡であり、必要なときには体験との間に距離を置かせてくれるものなのだ。だから私は、ある意味で、自分のパフォーマンスを本に『置き換え』ようとしている。すでに他の表現で明らかになっていたことを、貪欲に言葉によって明確にしようとしている。しかし、残念ながら、それは消えてしまった。このことは、言葉が出るにまかせて、私のパフォーマンスの痕跡を1冊の本にまとめるための良い理由だと思う。そこにはこう書いておこう『彼女は普段はパフォーマンスをしているが、本も作ったことがある』と。\u003c\/em\u003e」－イヴォンヌ・レイナー\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003e1974年、作者はそれまでの自身のパフォーマンス作品を豊富な図版をまじえてまとめた作品集『\u003cem\u003eWORK 1961–73\u003c\/em\u003e』を出版した。芸術界がミニマリズムに傾倒していくのと時を同じくして、「ジャドソン・ダンス・シアター（Judson Dance Theater）」を立ち上げた作者と仲間たちは、同じようにダンスの前衛的な再定義に挑んでいた。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003e彼らはダンスから人目を引くための華やかさや真面目くさった超絶技巧を取り除き、ダンサーで振付師のパット・キャターソン（Pat Catterson）が呼ぶところの 「民衆のダンス」を創り出していた。あるいは、作者がやっていたように、伝統的なダンスの「大げさな筋書き」の代わりに、「立つ、歩く、走る、食べる、レンガを運ぶ、映画を観せる、あるいは自分以外の何かによって動き、動かされる」といった「明白な」別の方法を探求した。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003e本書は、作者がダンス、パフォーマンス、アートにおける革命の中心に自分自身と自分の作品があることを意識した時代を、年を追って記録したものである。写真、手書きの楽譜、スケッチ、プレス記事、その他の印刷物で彩られた本作は、作者の率直で面白く、鋭敏な素晴らしい散文で書かれた時代の記録であり、取扱説明書であり、アーカイブであり、マニフェストでもある。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e希少なこの名作は、巻末に新しく少しばかりの注釈を追加した他は完全な再現版として復刻された。同世代の中で最も大きな影響力を持つアーティストの1人で、ダンサー、振付家、映像作家として活躍する作者は、ニューヨークの「ジャドソン・ダンス・シアター」の創設メンバーであり、ミニマリズムとポストモダンの発展に貢献した。作者と1960年代のダンス、パフォーマンスの過激な展開に興味を注ぐ者には必見の一冊である。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eOriginally published in 1974 by the Nova Scotia College of Art and Design, Yvonne Rainer’s\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eWork 1961-73 \u003c\/em\u003edocuments the artist’s landmark early works at the intersection of dance, performance, and art. The publication provides multifaceted insight into some of the artist’s most celebrated choreographic works, including\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eTerrain \u003c\/em\u003e(1962),\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eTrio A \u003c\/em\u003e(1966),\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eContinuous Project-Altered Daily\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e(1970),\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eWar \u003c\/em\u003e(1970), \u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eStreet Action\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e(1970), and\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eThis is the story of a woman who …\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e(1973)\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003e, \u003c\/em\u003eamong many others.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-mce-fragment=\"1\"\u003eAssembled ostensibly as a survey,\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eWork 1961-73 \u003c\/em\u003efeatures a multitude of documentary forms, including scripts, excerpts from the artist’s notebooks, press reviews, correspondence, photographic documentation, literary excerpts, contextualizing texts by the artist, diagrams, film stills, floor plans, scores, and more. As such, the publication resembles an artist book that generously gives the reader access to Rainer’s modes of working, as well as the social and political context around which the work was made. The publication is also a book of writing, with the artist’s frank, witty, and sometimes humorous prose intimately leading the reader through each work.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-mce-fragment=\"1\"\u003eAs the artist states in the book’s introduction:\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eI have a longstanding infatuation with language, a not-easily assailed conviction that it, above all else, offers a key to clarity. Not that it can replace experience, but rather holds a mirror to our experience, give us distance when we need it. So here I am, in a sense, trying to ‘replace’ my performances with a book, greedily pushing language to clarify what already was clear in other terms. But, alas, gone. This has seemed one good reason to compile a book ‘out of’ the remains of my performances, letting the language fall where it may. Let it be said simply “She usually makes performances and has also made a book.”\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eWork 1961-73 \u003c\/em\u003eis an indispensable publication for anyone interested in the artist and the radical developments in dance and performance in the 1960s.\u003c\/p\u003e","brand":"PRIMARY INFORMATION","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40375248945232,"sku":"9781732098633","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_393308a7-2f4f-4209-9aef-9ec990097416.jpg?v=1699799276"},{"product_id":"simone-leigh-by-simone-leigh","title":"SIMONE LEIGH by Simone Leigh","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人アーティストのシモーネ・リー（Simone Leigh）による作品集。本書は2023年4月から9月まで「ボストン現代美術館（The Institute of Contemporary Art Boston \/ ICA Boston）」で開催祭れた展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eマルチメディアを駆使してコミュニティ、ブラックフェミニズム、在外アフリカ人（ディアスポラ）の伝統と物質文化を探求する作者の初の広域にわたるモノグラフ。過去20年もの間、ブラックフェミニズムの主観性に関わる問いを現代美術の言説の中心に据えた作品を制作し、彫刻、動画、インスタレーション、社会的実践を通じて、視覚的・物質的文化における人種、美、コミュニティの概念を作者は探求してきた。作品において歴史上の時代、地理、伝統といった幅広いテーマを取り上げ、アフリカン・ディアスポラに関わる素材や、昔からアフリカの芸術や建築と関連づけられてきたかたちを具体的に参照する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書には、様々な表現手段やトピックに沿って作品を読み解く新たな文章を多数収録。作者にとって初めての集大成的な巡回展の開催に合わせて出版された本書には、長年コラボレーションを行ってきたアーティスト陣の寄稿、多様な洞察と視点を提供する新たな論考、作者の声に焦点を当てた対談も含まれている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eさらに、「第59回ヴェネチア・ビエンナーレ国際美術展」で高い評価を受けた作品をはじめ、20年のキャリアの中で生み出された数々の作品を豊富な図版で楽しむことができる。リサーチ資料から抜粋した画像からなる特別セクションでは、そのリサーチの方法論を紹介し、作品のあらゆる側面にしっかりと向き合うことを促している。展覧会を機に、画期的なアーティストの複雑で深く心に響く作品への全体的な理解を深める機会を与えてくれる一冊となっている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThe first major monograph on Simone Leigh’s multimedia explorations of community, Black feminism and the traditions and material cultures of the African diaspora. \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eOver the past two decades, Simone Leigh has created artwork that situates questions of Black femme-identified subjectivity at the center of contemporary art discourse. Her sculpture, video, installation and social practice explore ideas of race, beauty and community in visual and material culture. Leigh’s art addresses a wide swath of historical periods, geographies and traditions, with specific references to materials across the African diaspora, as well as forms traditionally associated with African art and architecture.This publication includes substantial new scholarship addressing Leigh’s work across mediums and topics. The volume, timed with the artist's first museum survey and national tour, includes contributions by her longtime collaborators, new scholars who add diverse insights and perspectives, and a conversation highlighting Leigh’s voice. Additionally, generous and lushly illustrated plates feature her critically acclaimed work for the 59th Venice Biennale and works made throughout her 20-year career. A special section featuring Leigh's research images gives access to Leigh’s research methodologies and encourages readers to fully engage with all aspects of Leigh’s work. This monograph provides a timely opportunity to gain a holistic understanding of the complex and profoundly moving work of this groundbreaking artist.\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eBorn in Chicago in 1967, Simone Leigh received a BA in fine art with a minor in philosophy from Earlham College, Richmond, Indiana, in 1990. In 2022, Leigh represented the United States at the 59th Venice Biennale with her critically acclaimed exhibition Sovereignty. She has had solo presentations at the Kitchen, New York (2012); Creative Time, New York (2014); New Museum of Contemporary Art, New York (2016); Hammer Museum, Los Angeles (2016); and the High Line, New York (2019); among other venues. Leigh lives and works in Brooklyn.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40375251402832,"sku":"9781636810782","price":16500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_6b2e8ce9-5052-4a30-bffa-e56aa84e452d.jpg?v=1702930759"},{"product_id":"cyberfeminism-index-by-mindy-seu","title":"CYBERFEMINISM INDEX by Mindy Seu","description":"\u003cp\u003eニューヨークを拠点に活動するアーティスト、テクノロジストであるミンディ・セウ（Mindy Seu）の作品集。本書は、あらゆる地域、人種、性的指向におけるハッカー、学者、アーティスト、活動家たちによる、人間がテクノロジーによってどのように自己を再構築するかを考えた一冊。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eインターネットの歴史を学ぶとき、我々はエンジニアリング、軍産複合体、そして建築やプロトコルを作り上げた先達に焦点を当てるよう教わるが、インターネットはケーブルやサーバー、コンピュータのネットワークに限られない。それはネット上の住人とその利用によって形作られ、そしてまた形作られる環境でもある。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本書の創造と使用は社会的かつ政治的な行為である。本書はサイバーフェミニズムという名称の傘下で、それを複雑にし、前面に出している。本書は、デザイナーであり、教授であり、リサーチャーである作者（「ハーバード・ロースクール（Harvard Law School）」の「バークマン・センター（Berkman Klein Center）」でのフェローシップ参加中に本プロジェクトを開始し、後に「ニューミュージアム（New Museum）」で発表）によって編集され、論考や学術論文の抜粋、ハッカースペースやデジタル権利活動家グループ、バイオハクティビズムに関する記述、フェミニストのネットアートやニューメディアアートの描写など、さまざまなメディアにおけるラディカルなテクノクリティカル活動に関するする700以上のエントリーが収録されている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e多くの一般の人々にとっては重要な入門書であり、教育者にとっては強力なリソース・ガイドである本書は、ある種反規範的とも言え、この「不完全な分類」という分類を行う多様な実践を讃え、長らく放置されてきたサイバーフェミニズムの起源とその広大な遺産を可視化している。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eコントリビューター：\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eスカウェンナティ（Skawennati）、シャーロット・ウェブ（Charlotte Web）、メラニー・ホフ（Melanie Hoff）、コンスタンザ・ピナ（Constanza Pina）、メリッサ・アギラール（Melissa Aguilar）、コーネリア・ソルフランク（Cornelia Sollfrank）、パオラ・リカウル・キハノ（Paola Ricaurte Quijano）、メアリー・マジック（Mary Maggic）、ニーマ・ギテレ（Neema Githere）、ヘレン・ヘスター（Helen Hester）、アニー・ゴー（Annie Goh）、VNSマトリックス（VNS Matrix）、クラウ・チンチェ／クラウ・キンキー（Klau Chinche \/ Klau Kinky）、イリーナ・アリスタルホワ（Irina Aristarkhova）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"font-family: -apple-system, BlinkMacSystemFont, 'San Francisco', 'Segoe UI', Roboto, 'Helvetica Neue', sans-serif; font-size: 0.875rem;\"\u003eIn \u003cem\u003eCyberfeminism Index\u003c\/em\u003e, hackers, scholars, artists, and activists of all regions, races and sexual orientations consider how humans might reconstruct themselves by way of technology. When learning about internet history, we are taught to focus on engineering, the military-industrial complex, and the grandfathers who created the architecture and protocol, but the internet is not only a network of cables, servers, and computers. It is an environment that shapes and is shaped by its inhabitants and their use.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThe creation and use of the \u003cem\u003eCyberfeminism Index\u003c\/em\u003e is a social and political act. It takes the name cyberfeminism as an umbrella, complicates it, and pushes it into plain sight. Edited by designer, professor, and researcher Mindy Seu, it includes more than 700 short entries of radical techno-critical activism in a variety of media, including excerpts from academic articles and scholarly texts; descriptions of hackerspaces, digital rights activist groups, and bio-hacktivism; and depictions of feminist net art and new media art.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eBoth a vital introduction for laypeople and a robust resource guide for educators,\u003cem\u003e Cyberfeminism Index\u003c\/em\u003e—an anti-canon, of sorts—celebrates the multiplicity of practices that fall under this imperfect categorization and makes visible cyberfeminism’s long-ignored origins and its expansive legacy.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eContributors include: Skawennati, Charlotte Web, Melanie Hoff, Constanza Pina, Melissa Aguilar, Cornelia Sollfrank, Paola Ricaurte Quijano, Mary Maggic, Neema Githere, Helen Hester, Annie Goh, VNS Matrix, Klau Chinche \/ Klau Kinky and Irina Aristarkhova.\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"INVENTORY PRESS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40419552329808,"sku":"9781941753514","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_fb2655d3-8e1a-4ae2-9983-05a00de27fb7.jpg?v=1702460891"},{"product_id":"infinity-mirrors-by-yayoi-kusama","title":"INFINITY MIRRORS by Yayoi Kusama","description":"\u003cp class=\"redstrong\"\u003e日本人前衛彫刻家、画家、小説家である草間彌生の作品集。作者の創作物の中でもっとも著名であり、壮大であり、作者を象徴する作品の一つである『\u003cem\u003eInfinity Mirrored Room（無限の鏡の間）\u003c\/em\u003e』シリーズを中心に作品を紹介し、50年以上にわたり現代美術の潮流に影響を与え続けてきたその軌跡を描く、初であり唯一の包括的な出版物である。2017年に本書の初版が刊行。本作は2023年刊行版である。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e版元であるワシントンD.C.の「ハーシュホーン博物館と彫刻の庭（HIRSHHORN MUSEUM AND SCULPTURE GARDEN）」は、『\u003cem\u003eInfinity Mirrored Room—My Heart Is Dancing into the Universe（無限の鏡の間—私の心は宇宙へと踊り出す）\u003c\/em\u003e』（2018年）を購入し、2022年に公開している。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e作者が制作した部屋は、無限に続く無数のカラーライトで満たされている。「のぞきからくり」のような一室やマルチメディア・インスタレーションなど、作者の万華鏡的な空間はどれも無限空間に一歩踏み入れてしまったような幻想を体験する機会が与えられる。この決定版的な一冊は、一連のインスタレーションを辿り、ベトナム戦争時期の「\u003cem\u003e自己消滅（self-obliteration）\u003c\/em\u003e」から現在のより調和的な野心まで、長い年月をかけ、作品がいかに様々な様式を象徴するようになったかを明らかにする。不安を想起させるような初期のインスタレーションを最近の作品の雰囲気とともに紐解くことで、現代における新しく実験的な創作に対する関心の中に見られる先進的な表現を歴史化している。豊富な作品群に彩られた本書は、『\u003cem\u003eInfinity Mirrored Room\u003c\/em\u003e』シリーズが作者のキャリアに及ぼした影響を我々に見せてくれる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe first and only comprehensive volume exploring the artist’s best-known and most spectacular series.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThis book presents world-renowned Japanese artist Yayoi Kusama’s most famous series, the \u003ci\u003eInfinity Mirror Rooms\u003c\/i\u003e, and charts its influence on the course of contemporary art for over 50 years.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eKusama’s rooms are filled with multicolored lights that reflect endlessly. Ranging from peep-show-like chambers to multimedia installations, each of Kusama’s kaleidoscopic environments offers the chance to step into an illusion of infinite space. This definitive publication traces these installations and reveals how, over the years, the works have come to symbolize different modalities, from Kusama’s “\u003cem\u003eself-obliteration\u003c\/em\u003e” in the Vietnam War era to her more harmonious aspirations in the present. By examining her early unsettling installations alongside her more recent atmospheres, this publication historicizes her pioneering work amid today’s renewed interest in experiential practices. Generously illustrated, this book invites readers to examine the series’ impact over the course of the artist’s career.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eYayoi Kusama (born 1929) has worked not only in sculpture and installation but also painting, performance, video art, fashion, poetry, fiction and other arts. In her early career in Japan, she produced mostly works on paper. With her late-1950s move to New York City, she joined the ranks of the avant-garde, working in soft sculpture and influencing the likes of Warhol and Oldenburg. At this time, she was also involved with happenings and other performance-oriented works and began to deploy her signature dots. Her work fell into relative obscurity after her return to Japan in 1973, but a subsequent revival of interest in the 1980s elevated her work to the canonical status that it still enjoys today.\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS \u0026 HIRSHHORN MUSEUM AND SCULPTURE GARDEN","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40419554820176,"sku":"9781636811215","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_314c9929-4724-4dd5-b162-40d8652a4bd1.jpg?v=1710487009"},{"product_id":"one-woman-show-1960-1971-by-yoko-ono","title":"ONE WOMAN SHOW, 1960–1971 by Yoko Ono","description":"\u003cp class=\"redstrong\"\u003e日本人アーティスト、オノ・ヨーコ（Yoko Ono）の作品集。2015年5月から9月にかけて「ニューヨーク近代美術館（MoMA）」で開催された展覧会に伴い刊行された。ニューヨーク、東京、ロンドンを股に掛け活動する作者のキャリア初期に焦点を当てている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本書は、1960年代から1970年代初期における作者のビジュアル・アート、パフォーマンス、音楽における表現のパイオニア的な存在感を提示している。その起源は、作者がチャンバーズ通り（Chambers Street）に位置する自身のロフトでアメリカ人現代音楽作曲家の\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/la-monte-young\"\u003eラ・モンテ・ヤング（La Monte Young）\u003c\/a\u003eと共にパフォーマンスを始めた1960年12月のニューヨークにある。その後の10年間、作者は1964年に京都と東京で「\u003cem\u003eCut Piece\u003c\/em\u003e」というパフォーマンスを行い、1966年にロンドンの「インディカ・ギャラリー（Indica Gallery）」で展覧会を開催し、1969年にジョン・レノン（John Lennon）と共に世界的な「\u003cem\u003eWar Is Over!\u003c\/em\u003e」キャンペーンを始動させたことで、国際的な評価を得た。1970年初期にはニューヨークに戻り、「MoMA」にて無許可の「\u003cem\u003eone woman show\u003c\/em\u003e」を開催している。非公式の「MoMA」デビューから40年を経て、本美術館は初めて作者の作品に特化した展覧会を行った。本展覧会に伴い制作されたこの作品集は、作者のキャリア初期の文化的文脈を紐解く書き下ろし3点、当時の作者の地理的位置、そしてそれに紐づくアート制作の進化を振り返る5つの章を収めている。各章は、ゲスト研究者による紹介、作品解説、新聞や雑誌、ジャーナルから抜粋した一次資料、作者による自身のテキストとドローイングのセレクションが含まれている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eYoko Ono’s early years: between New York, Tokyo and London.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ci\u003eYoko Ono: One Woman Show, 1960–1971\u003c\/i\u003e examines the beginnings of Ono's career, demonstrating her pioneering role in visual art, performance and music during the 1960s and early 1970s. It begins in New York in December 1960, where Ono initiated a performance series with La Monte Young in her Chambers Street loft. Over the course of the decade, Ono earned international recognition, staging \"Cut Piece\" in Kyoto and Tokyo in 1964, exhibiting at the Indica Gallery in London in 1966, and launching with John Lennon her global \"War Is Over!\" campaign in 1969. Ono returned to New York in the early 1970s and organized an unsanctioned \"one woman show\" at MoMA. Over 40 years after Ono's unofficial MoMA debut, the Museum presents its first exhibition dedicated exclusively to the artist's work. The accompanying publication features three newly commissioned essays that evaluate the cultural context of Ono's early years, and five sections reflecting her geographic locations during this period and the corresponding evolution of her artistic practice. Each chapter includes an introduction by a guest scholar, artwork descriptions, primary documents culled from newspapers, magazines and journals, and a selection by the artist of her texts and drawings.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eBorn in Tokyo in 1933, Yoko Ono moved to New York in the mid-1950s and became a critical link between the American and Japanese avant-gardes. Ono's groundbreaking work greatly influenced the international development of Conceptual art, performance art and experimental film and music. In celebration of Ono's eightieth birthday in 2013, the Schirn Kunsthalle Frankfurt organized a major traveling retrospective.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"THE MUSEUM OF MODERN ART (MoMA)","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40421232214096,"sku":"9780870709661","price":10450.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/26_1_1d7c4140-13fc-49a8-a60e-a024d6b65cc0.jpg?v=1712068477"},{"product_id":"marina-abramovic-by-marina-abramovic","title":"MARINA ABRAMOVIC by Marina Abramović","description":"\u003cp\u003e旧ユーゴスラビア出身のパフォーマンスアーティスト、マリーナ・アブラモヴィッチ（Marina Abramović）の作品集。2023年9月から2024年1月にかけてロンドンの「ロイヤル・アカデミー・オブ・アーツ（Royal Academy of Arts, RA）」で開催された展覧会に伴い刊行された一冊であり、その全キャリアの作品をイギリスで初めて見せた個展を記録している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者は今日までの半世紀にわたり、自らの身体と精神の限界に挑戦し、パフォーマンス・アートのパイオニアとして世界中から高い評価を受けてきた。本展の開催に伴い特別に制作された新作とともに世に広く知られた先鋭的な作品群が掲載されており、\u003ca rel=\"noopener\" href=\"https:\/\/www.anartcompany.com\/app\" target=\"_blank\"\u003eiOSとAndroid用のAR（拡張現実）アプリ\u003c\/a\u003eを使用することで、展覧会に行かずとも、本書を用いて作者のオリジナル・パフォーマンスの映像を鑑賞することができる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は作者のキャリアを知る全ての者にとって重要な一冊であり、その作品群が巻き起こす物議に専門家陣の声が加えられている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e彼女などこまで自らを追求すべきなのか？パフォーマンスの創造において観客はどのような役割を果たすのか？どのようにパフォーマンスアートは実施されるその瞬間を越えられるのだろうか？\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAn art world icon and a performance art pioneer – Marina Abramović has captivated audiences by pushing the limits of her body and mind, for the past 50 years.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eOver the past half century, Marina Abramović has earned worldwide acclaim as a pioneer of performance art. This new book records the first UK exhibition from 23 September 2023 - 1 January 2024 at RA (Royal Academy of Arts) to include works from her entire career. Some of her best-known and most radical works appear alongside new works created especially for the exhibition. An augmented reality app for iOS and Android enables readers to watch films of Abramović’s original performances while reading the book.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eAn essential purchase for all followers of Abramović’s extraordinary 50-year career, this important new publication brings expert voices into the debate that her ground-breaking work engenders. How far should an artist push herself in pursuit of her work? What role does the audience play in creating a performance? How can performance art outlive the moment in which it takes place? \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ciframe width=\"560\" height=\"315\" src=\"https:\/\/www.youtube.com\/embed\/W3PXft_mtXE?si=kYgtDEVJSA4j1etm\" title=\"YouTube video player\" frameborder=\"0\" allow=\"accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share\" allowfullscreen=\"\"\u003e\u003c\/iframe\u003eRA in store video updated by Royal Academy of Arts \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"ROYAL ACADEMY OF ARTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40447466242128,"sku":"9781912520411","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/29_1.jpg?v=1710480775"}],"url":"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/feminism.oembed?page=7","provider":"twelvebooks","version":"1.0","type":"link"}