{"title":"EDITION PATRICK FREY","description":"\u003cp\u003eStarting in 1986, Edition Patrick Frey has published more than 200 books until today. Collaborating closely with mainly Swiss but also international artists, the publishing house focuses on unique projects and produces books in small print runs.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe purpose of Edition Patrick Frey is to provide particularly young artists an opportunity and a platform with a first publication, but EPF has also been engaged in long-term collaborations with several artists such as Walter Pfeiffer, Peter Fischli \u0026amp; David Weiss, and Andreas Züst. With an output of up to 20 books per year, the publisher focuses mainly on photography, art and projects dealing with everyday and popular culture.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.editionpatrickfrey.com\/en\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003ePublisher's website\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003c\/p\u003e","products":[{"product_id":"window-shopping-by-kelly-beeman","title":"WINDOW SHOPPING by Kelly Beeman","description":"\u003cp\u003eアメリカ、ニューヨークとロサンゼルスを拠点とするアーティスト、ファッションイラストレーターであるケリー・ビーマン（Kelly Beeman）の作品集。エキゾチックな庭、洒落たプールサイド、ピクニック、カントリーハウス、カクテルパーティー、家のソファーで親密にしているシーンやガールフレンドとのティータイム – 作者の描く人物は手足が長くどこかエレガントであり、夢のような衣服に身を包んで暮らしている。だがその人物がもつ美しさは、決して著名なファッションデザイナーの最新コレクションのためにだけ存在するわけではない。描かれた者たちは、作者がオクラホマで過ごした幼少期の思い出で溢れる幻想的な世界観の主役たちであり、そしてインテリアデザインや建築、音楽、文学に向けた非常に繊細な共鳴と賛辞の意である。そのインスピレーション源はルックブックやキャットウォークを歩くシーンであり、意匠を凝らした刺繍のブルゾンや、ストライプのベルボトム、レースのエンパイアドレス、若々しいバイカージャケット、遊び心に満ちたシルバーのイヤリング、そんな形がビーマンに刺激を与える。だからと言って単なるファッションイラストレーションの域に留まる訳ではなく、ファッションシーンの領域を遥かに越えた意義ある世界観をも作り出す。独学ではあるが、幼い頃より情熱に任せ絵を描きながらピアノを弾いて過ごした作者は、大人になって描くイメージの中にも豊かに楽譜やピアノの細やかな描写を取り入れている。ニューヨーク市立大学ハンター校で社会学を学んだのちボリビアやアルゼンチンで数年間働いており、そのような背景が作品への考え方を反映し、例えば文化とファッションとの間に生じる関係性、あらゆる社会における根本的な側面といったようなことが見えてくる。作者のテーマ「Dressing」は、人物像、物語、文化的背景を作り出す一つの方法であり、自己顕示の世界におけるそのような要素の意義を追求する。作者は社会評論家としてではなく、アーティスト、ファッションイラストレーターとして自身を見つめている。その創造性を刺激するのは新即物主義、とりわけクリスチャン・シャド（Christian Schad）やオットー・ディクス（Otto Dix）、また古典芸術、ビザンチン芸術だけでなくウィーン分離派のグラフィック作品なのである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn exotic gardens and cool swimming pools, at picnics, countryhouse and cocktail parties, at home on the sofa in moments of domestic intimacy or having tea with girlfriends – Kelly Beeman‘s elegant long-limbed figures lead their lives in dream apparel. But her beauties are not just models for the latest creations of big-name fashion designers. They are the protagonists of Beeman’s profuse fantasy world brimming with childhood memories of Oklahoma and subtle nods and tributes to interior design, architecture, music and literature. Beeman’s sources of inspiration are lookbooks and catwalk shots, from which she borrows an elaborately embroidered blouson, striped bell-bottoms, a lace Empire dress, a youthful biker jacket, playful silver earrings. She doesn’t just produce fashion illustrations, she creates a meaningful world far beyond the confines of the fashion scene.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAn autodidact, even as a child Beeman drew and painted and played piano with a passion, hence the recurrent sheet music and piano amongst the profusion of details in her pictures. After studying sociology at Hunter College in New York, Beeman worked for several years in Bolivia and Argentina. Her background in sociology informs how she thinks about her artwork: it’s about the relationship between culture and fashion, a fundamental aspect of every society. “Dressing” her subjects is a way for Beeman to create characters, stories and cultural context and explore their significance in a world of self-display. She doesn’t see herself as a social critic, however, but as both artist and fashion illustrator. Her inspirations, she says, are the New Objectivity, especially Christian Schad and Otto Dix, graphic works of the Vienna Secession as well as Classic and Byzantine art.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":12714236313680,"sku":"978-3-906803-46-3","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/Fashion-Cover.jpg?v=1617879278"},{"product_id":"there-are-no-homosexuals-in-iran-by-laurence-rasti","title":"THERE ARE NO HOMOSEXUALS IN IRAN by Laurence Rasti","description":"\u003cp\u003eイラン人の両親を持ちスイスで育ったフォトグラファー、ローレンス・ラスティ（Laurence Rasti）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e2007年 9月 24日、コロンビア大学で行ったスピーチで当時のイラン大統領マフムード・アフマディーネジャード（Mahmoud Ahmadinejad）氏はこう宣言した。『あなたがたの国とは違い、イランにはホモセクシュアルは存在しない。』西欧諸国の多くが同性愛を公的に認め、同性婚の制度を持つ国さえあるこの時代に、イランでは今だに同性愛は死刑に値する罪であるとされ、同性愛者が性自認を公にして生きることは許されていない。残された道は、法律で認められている性転換手術を受け、性的マイノリティとして差別の対象となり続けるか、国外に逃れるか、その二つに一つである。トルコの街デニズリでは、何百名ものゲイのイラン人が LGBT難民として避難生活を余儀なくされている。彼らはここで人生を一旦保留にされ、期待してはいけないと思いながら、カミングアウトし人生をやり直すことができる第三国に迎え入れられる日を夢見ている。祖国が彼らから奪い取った顔を取り戻すために、身の安全を確保するには自分が何者であるかを隠すしかない。そのような彼らの置かれた宙ぶらりんな状況を背景に、私はアイデンティティとジェンダーというデリケートなテーマを写真で表現した。この作品は、彼らを政治的抑圧や悲惨な記憶の被害者として描いているのではない。彼らが現在直面している苦境と、性やジェンダーに対する抑圧の手が及ばないところで自分たちの愛やセクシュアリティを堂々と表現できる、より自由で良質な生き方に対して抱く希望へと焦点を当てている。軽快さとシンプルさ、楽し気に見える要素さえも織り交ぜたイメージ群は、この問題の重みや被写体が置かれている状況の危険性を逆説的に表現している。また、顔を隠した写真と顔を出した写真を交互に登場させることによって、アイデンティティが剥奪された結果生まれた心の空隙を再び満たすことの難しさを強調しているのである。\u003c\/em\u003e」–ローレンス・ラスティ\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e'\u003cem\u003eSpeaking at Columbia University on September 24, 2007, Iranian president at the time Mahmoud Ahmadinejad proclaimed: “In Iran, we do not have homosexuals like in your country.” While most Western nations now officially accept homosexuality and some even same-sex marriage, homosexuality is still punishable by death in Iran. Homosexuals are not allowed to live out their sexuality there. Their only options are either to choose transsexuality, which is tolerated by law but considered pathological, or to flee. In Denizli, a town in Turkey, hundreds of gay Iranians are stuck in a transit zone, their lives on hold, hoping against hope to be welcomed into a host country someday where they can start afresh and come out of the closet. Set in this state of limbo, where anonymity is the best protection, my photographs explore the sensitive concepts of identity and gender and seek to restore to each of these men the face their country stole from them. My object is not to portray them as victims of political oppression and harrowing memories, but to focus on their current predicament and their hopes for a better, freer life in which to express their love and sexuality openly, beyond the reach of narrow sexual and gender dictates. The photographs paradoxically juxtapose light, simple, sometimes even festive elements with the gravity of the subject-matter and the precariousness of her subjects’ plight. Alternating between covered and uncovered faces, the series points up the difficulties these men face in reappropriating the identity space they’ve been deprived of.\u003c\/em\u003e' (Laurence Rasti, Carouge 2016)\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":12842544070736,"sku":"978-3-906803-38-8","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/Iran-00.png?v=1617878325"},{"product_id":"bildrausch-drawings-1966-2018-by-walter-pfeiffer","title":"BILDRAUSCH. DRAWINGS 1966-2018 by Walter Pfeiffer","description":"\u003cp\u003eスイス人フォトグラファー、ヴァルター・ファイファー（Walter Pfeiffer）の作品集。製図職やグラフィックデザイナー、ペインターとしてキャリアをスタートしていながら、作者のドローイングを知る幸運な人はあまりいない。作者の作品は写真にばかり注目が集まりがちだが、グラフィックと写真という異なる分野の間を行き来して常に新しいものを生み出しており。本書は、グラフィック作品がまとめられている。1970年代の初めには鉛筆でハイパーリアリスティックなドローイングの大作が幾つも描かれているが、その作品群は後の写真作品のもとにもなっている。作者のこの作風は個人制作とコミッションワークの両方で用いられ、チューリッヒのすぐれた旧作映画を上映する映画館「Filmpodium（フィルムポディウム）」のために作った伝説的なポスターの数々、雑誌のイラスト、ポートレイトなど多くの作品が生まれた。1980年代頃から絵画に深く傾倒したファイファーは1990年代に入ると、墨汁や色鉛筆、水彩などを使ったドローイングに専念するため写真から完全に離れていく。この頃の作品は、美しい少年や親しい女性の友人、静物画、花々などを主題とし、自由自在に踊る優美な線や色が前面に押し出されていた。ここに収められたイメージは、官能的でありながら生き生きとした生命力に溢れ、意識的に描かれた線、そしてそぎ落とされたデザインと豊かな装飾性が交互に現れる点が持ち味となっている。一般的な全集とは趣を異にする本書は一個の独立した作品集であり、ページをめくればドローイングから溢れるポジティブなエネルギーや見たことのないヴァルター・ファイファーを見つけることができるだろう。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eWalter Pfeiffer is now a world-renowned photographer. Although he began his artistic career as a draftsman, Pfeiffer’s drawings are known to precious few. So this book is an overdue overview of his graphic work, continually engaged in a fertile dialogue with his photographic work. In the early 1970s Pfeiffer produced large-scale hyper-realistic pencil drawings that served as points of departure and even working models for his photographs. This style gave rise to personal works as well as Pfeiffer’s legendary posters for the Zürich Filmpodium, magazine illustrations and commissioned portraits. Beginning in the 1980s and especially in the ‘90s, Pfeiffer gave up photography for a time to focus on drawings in China ink, colored pencils and watercolors, in which the elegant free play of lines and colors moves into the foreground: intimate portraits of beautiful boys and the artist’s close women friends, still lifes and flowers. These pictures are characterized by a cheerful, wakeful sensuality, sure lines and alternation between graphic reduction and a taste for rich ornamentation. This publication is not a conventional retrospective, but a stand-alone artist’s book in which to discover the vivacity of his drawings and a new Walter Pfeiffer.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":21338341933136,"sku":"978-3-906803-49-4","price":12870.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/EPF_249_Web-153_01.jpg?v=1571703976"},{"product_id":"originale-by-thomas-mullenbach","title":"ORIGINALE by Thomas Müllenbach","description":"\u003cp\u003eスイス人アーティスト、トーマス・ミュレンバッハ（Thomas Müllenbach）の作品集。本作は、2005年から2013年にかけて制作されたシリーズ「Halboriginale（英：Semi-originals）」を収録している。このシリーズが作られたきっかけは、自宅のポストに毎日届く大量の展覧会やイベントのインビテーションであり、それはアートシーンにおいて毎日どこかで必ず何かが起きているという証拠文書だった。作者は、その物的証拠を正確に水彩画で描き続けた。 そのインビテーションは、デューラーやゴッホもあれば、国籍はスイス国内だけでなく海外のアーティストも当然含まれ、ジャンルは具象から抽象まで様々である。それぞれ元となっている作品の知名度で遊んでいるようにも見えるこの「半オリジナル（Semi-originals）」作品は、贋作でもコピーでもなく、「風変わりな解釈」もしくは作者曰く「ハンドメイド・アプロプリエーション」と語ることができる。このアプロプリエーション・アート（盗用美術）への言及は重要な意味を持つ。 本書の表紙に描かれた作品は、作者によって一冊一冊直接カバーに描かれたものであるため、全ての表紙が異なる絵柄となっている。※購入の際の表紙の絵柄指定は不可とさせて頂きます。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eORIGINALE – Einladungskarten 2005 – 2013 is about Thomas Müllenbach’s series «Halboriginale» (“Semi-originals”), which he worked on from 2005 – 2013. The point of departure for this series was the countless invitations to exhibitions and other art events that the artist found in his mailbox every day – documentary evidence, as it were, of the day-to-day art scene. Müllenbach has transposed this documentation, which heavily influences his work as it is, into pictures, or more precisely watercolors, of his own. From Dürer to van Gogh, Swiss to foreign artists, figurative treatments to abstract color compositions, these works play on their recognizability. Müllenbach’s “semi-originals” are neither forgeries nor copies, but unusual interpretations or, in the artist’s own words, “handmade appropriation”. This reference to Appropriation Art is significant, given the huge influence the latter has had on contemporary artwork and, as a result, on the everyday life of the art scene where artist and viewer converge. Thomas Müllenbach has made his mark on Swiss art and culture since the 1970s. In his capacity as a professor at Zürich’s Hochschule der Künste, he has for years made an important contribution to current discourse about art. In 1985 he figured prominently in setting up the Kunsthalle Zürich association, which is celebrating its 30th anniversary this year – featuring among other things Müllenbach’s acclaimed solo show “T.F.T.”, which devotes one whole room to his “semi-originals”. Each book cover is unique, individually designed by Thomas Müllenbach.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":21338378502224,"sku":"978-3-905929-90-4","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/Mullenbach-Front_01.jpg?v=1576735299"},{"product_id":"summary-by-manuel-burgener","title":"SUMMARY by Manuel Burgener","description":"\u003cp\u003eスイス人アーティスト、マヌエル・バーゲナー（Manuel Burgener）の作品集。本書は、展覧会図録の目的を精査するというアイデアから制作されており、芸術作品の中でも彫刻を、見ればわかるような描写を用いて記録することがそもそも可能なのかを問いかけている。作者は、写真を手段として展覧会という空間のうち目に見える部分は記録できても、その雰囲気を捉えることはできないと考える。本作は展覧会を空間的に移動する体験を表現しようとするものではなく、カメラのレンズの設定によって遠近感を変化させ、単なる物体とインスタレーション作品との間の境界線をより一層曖昧にしている。図録という通常の手段に捉われず、一冊の本の中で自分自身の展覧会に自律的な形を与えるという芸術的な姿勢を示した作者は、作品の配置を示すのではなくその神髄を伝えるために、オフセット4色印刷でプリントしたイメージを上から白いUVインクでほぼ完全に塗りつぶした。この即興的な印刷プロセスにより、白いインクの被膜に所々にできた塗り残しは、逆にイメージがインクで覆われていることを強調し、触感を伴ったテクスチャーを作りだしている。インクの隙間に透けて見える色彩に私達は展覧会そのものを一瞬垣間見るが、同時にそこには何の意味も見出せないことを身をもって知る。そしてこの体験が本書を非常に実験的なものにしている。本書は、スイス・ベルン州の都市、ビールの現代美術館で開催された2018年度マノー賞受賞作品展に伴い出版された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eSUMMARY\u003c\/em\u003e by Swiss artist Manuel Burgener is a companion piece to his 2018 Manor Prize show at the Kunsthaus Pasquart in Biel, Switzerland. The idea behind this artist’s book is to undertake a fundamental examination of the purpose of an exhibition catalogue. It asks whether an artwork, especially a sculpture, can be documented at all in the form of a readable depiction. Burgener claims that photographic documentation fails to encompass the ambient space of an exhibition, showing merely the purely formal photographic aspect of that space. Instead of representing the experience of moving through a show, the setting of the camera lens alters the perspective, making it harder to identify an object or an installation. Burgener takes an artistic stance in forgoing conventional documentation of his exhibition and instead giving it an autonomous form of its own within a book. In an attempt to render the very essence of his work rather than showing its placement in space, the four- color offset print is almost entirely covered with a white UV print. In the improvised printing process, the artist added flaws to the white coating to emphasize the overlaid print and to give it a haptic texture. What is highly experimental about this book is that the color shining through the interstices affords us fleeting glimpses of the exhibition itself, even as we simultaneously experience the metaphor of its illegibility.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":21338378534992,"sku":"9783906803685","price":7920.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/Summary-Cover_01.jpg?v=1617859187"},{"product_id":"trapped-by-alex-hanimann","title":"TRAPPED by Alex Hanimann","description":"\u003cp\u003eスイス人アーティスト、アレックス・ハニマン（Alex Hanimann）の作品集。モーションセンサーや赤外線センサーを用いて自動で撮影する設置型の「カメラトラップ」を使い、家畜から珍しいものまで様々な動物を主に夜間に撮影したスナップショットで構成された一冊。言うなれば、これらは全てラッキーショットである。作者は、元々ごく一部の動物学者が野生動物の調査のために自分たちで開発した自動撮影装置を利用して幅広いオーディエンスを獲得した。この手法の誰も気づかなかった側面を明らかにし、そうすることでデジタル写真の所有権と使用に疑問を投げかける。自動的に作りだされた奇妙な構図は非常に独特な美しさに貫かれ、それぞれに臨場感が溢れている。さらにこれらは芸術というコンテクストに当てはめられ、その形式や内容が芸術的な観点から吟味されることになる。科学的な目的のために多様な生息地や気候帯で撮影されたこれらの写真は、ここでは改めて芸術としてライティング、クロッピング、テクスチャーといった構造的な側面に重点を置き、視覚的なロジックや芸術的な可能性といった観点から見直されている。一つの仕組み、というよりはむしろ動物の動きがシャッターを作動させ、その瞬間を切り取る。こうしてできた写真は、被写体が意識せずに、その意図とは関係なしに撮られた一種のセルフィーとも言える。作者は動物の観察と自動写真に対する芸術的な見方をさらに高いレベルに引き上げた。幅広いイメージを収集し、科学あるいは保存を目的とした動物の観察方法を整理した。しかし、動物の保護に携わる人達とは異なる視点を持つ作者は、これらの写真の灰色がかった緑色の世界が持つ雰囲気や、撮影が失敗し、カメラを横切って逃げていく動物の後ろ脚だけがちらりと写っているだけ、といった瞬間にも関心を抱いている。欠点のある断片的なイメージは、完全な姿を捉えることができた写真と同じくらい興味深いものとして扱われている。写真の歴史は、カメラが捉えたモチーフと、その結果である写真を見たり解釈したりする鑑賞者の主観的な視線の間の、一つの所に定まらない複雑な関係性の歴史でもある。夜に「捉えられた」場合でも、彼らが何であるか瞬時に識別し、イメージに固定してしまおうという我々の試みを動物たちはしばしば巧みにすり抜けていく。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis is a book of snapshots of domestic and exotic animals, mostly taken at night by automatically triggered “camera traps”. So they are lucky shots. The artist Alex Hanimann has succeeded in reaching a wider public with these automatic photographs, originally intended only for the use of a small circle of zoologists, and bringing out previously unnoticed aspects thereof, which in turn raise questions about the authorship and use of digital pictures. Moreover, these strange automatic compositions, each of which is animated by a highly idiosyncratic aesthetic, are reassessed according to artistic criteria of form and content by embedding them in the context of art. Shot for scientific purposes in various habitats and climatic zones, the pictures are reexamined here in terms of visual logic and artistic potential, with a particular focus on such compositional aspects as lighting, cropping and texture. A mechanism, or rather an animal’s behavior, its movements, triggers the shutter release in each photo. The upshot is, consequently, a form of unconscious and never-intended selfie. In this book Alex Hanimann takes his artistic perspective of animal observation to another level, that of automatic photography. With his extensive collection of images, he orders the ways in which animals are viewed for scientific and preservation purposes. But unlike animal preservationists, the artist is also interested in atmospheric aspects of these green gray worlds as well as the moments when the camera fails, capturing only a fleeting glimpse of the fleeing subject’s hind legs. Flawed fragments are just as exciting as successful wholes. The history of photography is that of a complex and ever-evolving relationship between the motif caught by the camera and the subjective gaze of the viewer who sees and interprets the resulting picture. Even when “captured” at night, the animals often elude our attempts to identify, to fix them, in a flash.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":21338378567760,"sku":"978-3-906803-33-3","price":9900.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/Trapped_front_01_cdb02107-ecd9-4aac-b36d-edded66de59c.jpg?v=1617878113"},{"product_id":"the-iceberg-by-giorgio-di-noto","title":"THE ICEBERG by Giorgio di Noto","description":"\u003cp\u003eイタリア人フォトグラファー、ジョルジオ・ディ・ノート（Giorgio Di Noto）による作品集。インターネットの世界を氷山（iceberg）に例えるなら、その90％が検索エンジンから逃れたいわゆる深層ウェブだと言われている。闇サイト、ダークウェブなどと呼ばれる秘密裏に不正オンラインビジネスが行われ、密輸業者が蔓延する場所が世界中に存在する。本書は、そこでの取引のために使用された広告イメージや、写真家自らが撮影した画像から構成されている。おそらく小さなカメラやスマートフォンで売人が撮影した写真は、被写体の神秘的でエキゾチックな美しさと、撮影スキルの低さや画質の粗さとの組み合わせが皮肉にも幻想的かつ抽象的に表れている。ボックスには書籍と一緒に薬物捜査などで使われるものと同じ紫外線ライトが付属しており、大部分が特殊インクで印刷された本書のイメージはその光を当てることによって初めて姿を現す。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe Internet can be regarded as an iceberg: the tip is the so-called surface web, the digital terrain we know and surf by means of search engines, social networks, blogs and news sites. The submerged part, roughly 90% of the iceberg, is the so-called deep web. Under the surface web that we use day in, day out, lies an encrypted and constantly evolving network of total anonymity, beyond the reach of search engines. This darknet is a lawless no-man’s land, only accessible using specific software, where anything goes and nothing is traceable, and where illicit online business, especially in contraband, proliferates. The Iceberg features a selection of stock images and original photographs drawn from the myriad ads for drug sales on the dark web designed to catch the consumer’s eye.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eThe original photographs, probably taken with small cameras or smartphones, often look surreal and abstract due to the mysterious, exotic aesthetic of the subject-matter, on the one hand, and the low quality of the photos or inferior skills of the drug-pushing photographers themselves, on the other. Unlike the stock pictures, these original photographs are invisible in The Iceberg under normal light: printed in invisible ink, they can only be viewed under ultraviolet light – the same light drug enforcers use to look for traces of narcotics. Anonymously uploaded and probably designed to self-erase once they’ve served their function, these pictures are not traceable or visible on the surface web, and only exist temporarily in this dark, secret space on the deep web.\u003c\/em\u003e” — Giorgio di Noto\u003c\/p\u003e\n\u003cbr\u003e\u003ciframe src=\"https:\/\/player.vimeo.com\/video\/234792598\" width=\"640\" height=\"360\" frameborder=\"0\" webkitallowfullscreen=\"\" mozallowfullscreen=\"\" allowfullscreen=\"\"\u003e\u003c\/iframe\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":21338378633296,"sku":"9783906803395","price":11550.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/EPF_239_Giorgio_di_Noto-Front_GW_neu.jpg?v=1617878197"},{"product_id":"die-wandlungen-the-metamorphoses-by-david-weiss-second-edition","title":"DIE WANDLUNGEN (THE METAMORPHOSES) by David Weiss [SECOND EDITION]","description":"\u003cp\u003e2012年に亡くなったスイス人アーティスト、ダヴィッド・ヴァイス（David Weiss）の作品集。本作は、作者が1975〜79年にかけて描いたドローイング作品シリーズ「DIE WANDLUNGEN（変身）」をまとめた一作であり、このドローイング作品は、1975年に当時付き合っていたガールフレンドが他の男性の元へと行ってしまい、取り残された作者がひとり傷心旅行でモロッコのマラケシュへ行った際に生まれた。何を描こうかと考えることもなく、ただ何となく紙の端に思いついたものを描き、そこから自然発生的にその絵を徐々に進化させていく、という手法で始めたこのシリーズは、その後4年間も続いた。失恋でぽっかりと心に空いてしまった大きな隙間に本能的であり自由な心が入り込んだのか、それはまるでどのように終わるのかがわからないからこそ続く、子供のような自由な遊び心で描かれている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eFollowing up on Nine Books 1973 – 1979, Edition Patrick Frey and Edition Weiss now proudly present an exclusive new publication of another important body of work by the late, internationally acclaimed Swiss artist David Weiss (1946 – 2012). DIE WANDLUNGEN (“The Metamorphoses”) for the first time reproduces all 82 series of graphic metamorphoses dating from 1975 to 1979 in Marrakesh, Carona (Switzerland), and Zurich.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eThe first series of Wandlungen dates from 1975 when, deeply upset because his girlfriend Carmen has started seeing Guy Barrier, a Zurich ‘revolutionary,’ David goes abroad. His travels take him via Yorkshire in England to Morocco, where he spends quite some time in Marrakesh. Without knowing in advance what he wants to draw, he begins each time at the upper left-hand corner of the sheet of paper, for example with a scribble, a dart, or a cube. The cube turns into a matchbox with a picture of a lion on it and a small deer inside it, which turns into a bone. The bone turns into a little man who pushes with all his might against the sides of the matchbox until the box collapses. The little man gets scared and, flat on his stomach, looks down over the edge of the cardboard base. The series of images ends with an ear of corn in which every grain has a face with a long nose. Pictures of those faces continue over several pages ― each page showing between 6 and 8 single drawings ― until a new series begins.\u003c\/em\u003e” – Iwan Schumacher, Chur, 2014\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn 1976, Edition Stähli published Wandlungen, a selection of 17 series of metamorphoses covering 73 pages, in a print run of 200 copies, each of which was numbered and signed by the artist. In the years that followed, Weiss continued his metamorphoses, switching from ballpoint pen on graph paper to china ink on plain white paper. By 1978 he had produced 84 drawings covering over 400 sheets of paper. The series vary from 1 to 37 pages in length.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":21338378731600,"sku":"978-3-905929-70-6","price":19800.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/david_01.jpg?v=1620355680"},{"product_id":"gut-holz-by-fabienne-eggelhofer-monica-lutz","title":"GUT HOLZ by Fabienne Eggelhöfer, Monica Lutz","description":"\u003cp\u003eスイスを拠点に美術史家、キュレーターとして活動するファビエンヌ・エグルホファー（Fabienne Eggelhöfer）と、本屋であり現在は精神科施設のソーシャルワーカーとして働くモニカ・ルッツ（Monica Lutz）による編集で制作された作品集。撮影はスイス人フォトグラファー、ロルフ・ジーゲンターラー（Rolf Siegenthaler）が担当。ヨーロッパスタイルのボーリング、通称「ケーゲルン」は、一般的に見られるボーリングよりもレーンが小さく、元来よりリラックスしてプレイすることが出来ると言われており、一般に人気のスポーツとして愛されてきた。しかし現在、スイスでそのアクティビティの存在が消えようとしており、その流れでケーゲルン場の存続も危ぶまれている。作家たちはこの状況を憂慮し一冊の作品に纏めるべく数え切れないほどのケーゲルン場を渡り歩いた。人を写さず真っ正面から撮影したその風景は、見るものを直接的にそのイメージへと引きつける不思議な魅力を持つ。スイス人ライター、ペドロ・レンツ（Pedro Lenz）のテキストを収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“Kegeln” is the European way of Bowling, with smaller alleys and basically more comfortable and relaxed. Together with the photographer Rolf Siegenthaler, the editors Fabienne Eggelhöfer and Monica Lutz (first book: Die schönsten Tea Rooms der Schweiz, Edition Patrick Frey, 2004) have published a wonderful, aesthetical journey through Switzerlands Kegelbahnen. Having enjoyed a general popularity for many years, the Kegelsport is teetering on the edge of extinction in Switzerland. Consequently the attached venues are directly endangered as well. These circumstances are what Fabienne Eggelhöfer and Monica Lutz take into consideration in their new book Gut Holz. They have embarked on a quest through the countless Kegel venues of Switzerland. Frontal views from a central perspective and devoid of humans, the images of these locations are capturing the beholders eye and draw us directly into the scene. With a text by Pedro Lenz, a historical review and technical background information.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":21338378764368,"sku":"978-3-905509-77-9","price":7150.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/GutHolz_01.jpg?v=1617879343"},{"product_id":"still-looking-works-1969-2016-by-billy-sullivan","title":"STILL, LOOKING. WORKS 1969-2016 by Billy Sullivan [SECOND EDITION]","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、フォトグラファーであるビリー・サリヴァン（Billy Sullivan）の作品集。1970年代初期よりニューヨークのアンダーグラウンドシーンやアート、ファッションをカメラと共に渡り歩き、そこで撮影した写真素材を元に油絵やパステル・ドローイング、そしてスライドショーのインスタレーション作品などを発表してきた。被写体は友人や家族、恋人たちやミューズから高級売春婦と幅広く、撮影場所もナイトクラブやアトリエ、散らかったホテルの部屋から優雅なビーチハウスまで様々であった。時間軸に全く沿わずに並べられたイメージの中においてアンダーグラウンドシーンと上流社会は常に近しいものであり、それはまるで、人生の浮き沈み、生への欲望と儚い若さとが表裏一体になっていることと同じようである。作者の写真やペインティング、ドローイングは、作品を特徴づけているカメラと絵筆の間で続いている対話であり、その写真は親密で官能的であり、かつ細部までよく観察されている。後期のペインティング作品では、40年前にカメラに収められた瞬間が時間の経過を拒み、あたかも昨日起きたばかりの出来事のように描かれる。その観察力は細部に至り、家族や恋人たち、夜遊び仲間やアート業界の人々全ての様相に日常の美や欲望、愛が常に存在する。強調するような効果や覗き見行為、皮肉や感傷、哀愁といった要素を用いず、被写体と接する時の誠実な姿勢こそが作品の鍵となっている。作者はそれぞれの作品にコメントや価値観をつけずに並べ、視覚的な自伝として本書をまとめている。それは同時に、自由奔放なニューヨークの年代記でもあるのかもしれない。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eSince the early 1970s Billy Sullivan has accompanied New York’s underground, art and fashion scenes with his camera, using the resultant photographic material as templates for oil paintings, pastel drawings and elaborate multi-part slideshow installations. Sullivan shows his friends, family, lovers and muses, as well as the worlds and demimondes in which they move: clubs, ateliers, rumpled hotel rooms and elegant beach houses. In Sullivan’s imagery, which dispenses with any chronological order, the underground scene, the cultural elite and high society are always very close together, as are surface and abyss, the lust for life and the transience of youth. This distillation of Sullivan’s photographs, paintings and drawings showcases an ongoing dialogue between camera and paintbrush that characterizese his work. Sullivan's pictures are intimate, sensual and minutely observed. In his latter-day paintings, moments captured by his camera forty years back look as though they’d taken place only yesterday, defying the passage of time. They are unabatedly existential in their painstaking observation of casual beauty, desire and love in their every facet – between family members, lovers, fly-by-night acquaintances and kindred artistic spirits. Sullivan succeeds in doing wholly without shock effects, voyeurism, irony and maudlin melancholy. The key to his work lies in the sincerity with which he approaches his subjects and to which they respond in kind. He juxtaposes images without comment or value judgment, piecing them together into a visual autobiography that is at the same time a chronicle of bohemian New York.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":21338378960976,"sku":"978-3-906803-03-6","price":15400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/Billy-Cover_01_ebadd19b-f586-4821-b5b1-7f7c3c10b65c.jpg?v=1617878971"},{"product_id":"alien-diaries-by-h-r-giger","title":"ALIEN DIARIES by H.R.Giger","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eスイス人アーティスト、H・R・ギーガー（H. R. Giger）の作品集。作者は1978年2月から11月にかけてロンドン近郊の映画スタジオ「シェパートン・スタジオ（Shepperton Studios）」で、リドリー・スコット（Ridley Scott）監督の『\u003cem\u003eエイリアン\u003c\/em\u003e』（1979）のフィギュアと映画セットの制作にあたった。映画は世界的な大ヒットを記録し、作者はオスカー賞を受賞した。その当時の日記を複製、書籍化した本書には、このスタジオで行われた制作の様子が詳しく描かれている。作者は書き、スケッチをし、ポラロイドカメラ「SX-70」で写真を撮った。極端なまでの誠実さと辛辣さ、時には絶望に満ちた作者の言葉とイメージは、「ケチなプロデューサー」や「怠け者のスタッフ」などといった映画業界で働くことのリアリティと、自身のデザインが現実のものとなっていく過程を見るために、作者がどのようにして困難な状況を克服していったのかを提示している。ドイツ語で書かれたものを英語に翻訳した本書からは、アーティスト『H・R・ギーガー』のあまり知られていない人柄をうかがうことができる。また、スイス人アーティストという独自の視点からも、歴史的名作映画の制作の現場を細やかに描き出している。ドローイング、モンスターが作り上げられる過程を撮ったポラロイド写真、作者がシェパートン・スタジオで撮影した幾つものフィルムから撮ったスチル写真を含むほぼ未発表の資料を多数収録している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eHR Giger worked in the Shepperton Studios near London from February to November 1978, creating the figures and sets for the film \u003cem\u003eAlien\u003c\/em\u003e (1979) directed by Ridley Scott. The film became an international success, earning Giger an Oscar. In the transcribed \u003cem\u003eAlien Diaries\u003c\/em\u003e, published here for the first time as a facsimile, HR Giger describes his work in the studios. He writes, sketches, and takes photographs with his Polaroid SX70. With brutal honesty, sarcasm and occasional despair, Giger describes what it is like working for the film industry and how he struggles against all odds ― be it the stinginess of producers or the sluggishness of his staff ― to see his designs become reality. \u003cem\u003eThe Alien Diaries\u003c\/em\u003e (in German transcription with an English translation) show a little-known personal side of the artist HR Giger and offer an unusual, detailed glimpse into the making of a movie classic through the eyes of a Swiss artist. The book contains almost completely unpublished material, including drawings, Polaroids showing the monster coming to life, and several still shots from the plentiful film material that Giger took in Shepperton.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":21338380075088,"sku":"978-3-905929-45-4","price":22000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/Alien_spread-12_01.jpg?v=1617859048"},{"product_id":"bilder-2005-2016-by-fabian-marti","title":"BILDER 2005-2016 by Fabian Marti","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eスイス人アーティスト、ファビアン・マルティ（Fabian Marti）の作品集。本書は作者の視覚の世界を行く旅である。宇宙を思わせるモノクロの景色に、時々登場する色がアクセントを添えている。乳白色の水晶、岩の洞窟の灰褐色、柱が立ち並ぶギリシャの遺跡の砂のような淡いベージュ。錬金術的なフォトグラムのプロセスの副産物としての色。形は奇抜だが見覚えのあるものばかり。作者はシンボルを再解釈し、近代以降の文化的な歴史を再考する。過去と現在が一斉に溶け合う時間の中を行く旅なのである。デジタルとアナログが一体化し、キノコ、石、トーストに両手とスキャンされた物体が姿を現す。どこから見つけてきた写真を加工したものもある。本書は薬物や形が引き起こす変性意識状態をテーマとする。精神的な物の見方や神秘的な体験と、これらに対する反証についての本である。暗く悲しいものでも、重苦しくもないが、瞑想的で意識は冴えわたっている。イエスとノーの間を振り子のように揺れ動いているようでもある。エリック・デイヴィス（Erik Davis）とアイルランド人フォトグラファーであるポール・J・エニス（Paul J. Ennis）のエッセイを収録。2016年度『Most beautiful Swiss books』賞受賞作。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis book is a trip. A trip through the visual realms of the artist Fabian Marti. Its prevailing cosmic black is subtly accentuated now and then by color: the milky white of mountain crystal, the raw dun of rock caves, the sandy beige of pillared Greek ruins. Or color as a by-product of alchemistic photogram processes. The shapes are original and familiar. Marti reinterprets symbols and reviews the cultural history of modernity and beyond. A journey through time as past and present blend in simultaneity. Digital and analog united. Scanned objects revealed: mushrooms, stones, toast, a pair of hands. And modified pictures from outside sources. This is a book about altered states of consciousness triggered by substances and shapes. It’s about spiritual views and mystical experiences – and their negation. Not somber, not sad, not heavy, but contemplative and awake. An oscillation between yes and no. The picture section is rounded out by essays by Erik Davis and by Irish philosopher Paul J. Ennis. Most beautiful Swiss books, 2016\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":21338380337232,"sku":"978-3-905929-99-7","price":9900.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/BILDER_2005_2016_00.jpg?v=1617859173"},{"product_id":"female-chic-thema-selection-story-of-a-fashion-label-by-gina-bucher","title":"FEMALE CHIC. THEMA SELECTION - STORY OF A FASHION LABEL by Gina Bucher","description":"\u003cp\u003eチューリッヒから程近い所に位置するリマト川沿いの穏やかな街オーバードルフに直営店を構えた\u003cspan\u003eスイスのファッションブランド 「テーマ・セレクション（Thema Selection）」は、\u003c\/span\u003e1970年代に大きな注目を浴びた。ユニークなスタイルと風変わりなファッションショーで注目され、直営店はチューリッヒのアート関係者達の溜まり場となった。ブランドの創始者カタリナ・ベビエ（Katharina Bebié）とウルスラ・ローデル（Ursula Rodel）、シッシ・ゾーベル（Sissi Zoebel）に加え、エリザベス・ボッサード（Elisabeth Bossard）が後に参加。その後、クリスタ・デアウングス（Christa Derungs）とソニルド・ケスラー（Sonnhild Kestler）が加わった。メンズ生地を用いた、ざっくりとカットされたレディースのワークウエアが直営店で発表された頃、その中性的な装いは時代の先を行くものだった。当時の女性のほとんどはヒッピースタイルか味気ない婦人服を着ているかのどちらかであった。最初の二年間は店が繁盛することはなかったが、1974年に「VOGUE」誌がオーバードルフのアヴァンギャルドなファッションについて取り上げたことを機に世に知られるようになった。その後開催した3度のファッションショーは街一番の話題となり、ウルスラ・ローデルとシッシ・ゾーベリによってスタイリングされた国際的な映画スターだけでなく、本書には収められないほど数多くの都市伝説が見出しを飾った。「Thema Selection」に関わった女性達は、何年も同じ体制が続いた後、顔ぶれが次から次へと変わっていった。このクリエイティブ事業の正式メンバーは固定的なものではなく、意欲的なビジネスの信条を分かち合うことが一番重要なことだった。本書の中で、生活に対する特別な趣に溢れる店の発起人やその仲間達が、このアヴァンギャルドな事業の歴史の背景について詳しく述べている。\u003cspan\u003e2015年の「The Most Beautiful Swiss Books」賞受賞作品集。\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe fashion label Thema Selection and its outlet in Oberdorf, a Zürich neighborhood, made quite a splash back in the 1970s in the placid city along the Limmat River. The label attracted notice with its unique style and eccentric fashion shows, and the shop itself became a favorite haunt of Zürich’s arts scene over the years. The shop and label creators Katharina Bebié, Ursula Rodel and Sissi Zoebeli were joined a few years later by Elisabeth Bossard, then Christa Derungs, and now Sonnhild Kestler. Their plainly-cut work clothes for women made from men’s fabrics, garments that play on their androgyny, were way ahead of their time when first displayed at their original shop at Weite Gasse 9: in those days, most women dressed either like hippies or staid matrons. For two years the shop hardly drew any business, until in 1974 Vogue magazine wrote rapturously about the avant-garde fashion in Oberdorf. The three fashion shows that followed were the talk of the town, bolstered by headlines about international movie stars outfitted by Ursula Rodel and Sissi Zoebeli, as well as plenty of urban legends – which, unfortunately, can’t all be cleared up within the scope of this book. For who these women from Thema Selection were varies from one account to the next: sometimes it was the same configuration for years, then the lineup changed again. The official membership of this creative undertaking was never decisive, it was a shared can-do business credo that really mattered. The backdrop to the history of this avant-garde enterprise is recounted here by the shop’s founders as well as their companions along the way, who were then, and remain to this day, part of that special zest for life. With texts by Elisabeth Bronfen, Katharina Tietze, Martin Jaeggi, Jacqueline Burckhardt, Laurence Frey, This Brunner, Sibylle Berg, Walter Keller, Bice Curiger, and many more. With an insert by Ursula Rodel. Most beautiful Swiss books, 2015\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":21338380795984,"sku":"978-3-906803-11-1","price":11550.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/FEMALECHIC_1070b25c-9893-4637-9aa6-55c9925534d2.jpg?v=1617878259"},{"product_id":"money-by-prill-vieceli-cremers","title":"MONEY by Prill Vieceli Cremers","description":"\u003cp\u003eスイスのデザインスタジオ「Prill Vieceli Cremers」による作品集。本書はその名の通り紙幣に印刷されている絵柄で構成された一冊。政治的なメッセージや、歴史的に重要な出来事、優れた人物、ステータスシンボルや風景などが描かれており、紙幣が理想的な世界を賛美する小さなポスターとも形容できる存在であることを示唆する。例えばユーロ紙幣では、橋の絵柄によって団結したヨーロッパ諸国のイメージを伝えようとしている。2002年に初めてユーロが通貨として誕生した際、およそ127億枚のユーロ紙幣が流通した。つまり127億の橋が理想の世界を作るために作られたということである。「肉体労働に従事する筋骨隆々で幸せそうな労働者たち」のように、紙幣の絵柄は物語を表現し、権力を賛美する。そしてそれは教育にも繋がり、また動物誌のように多くの生き物と夢のような風景のなかに在る。また国が異なっていても、紙幣の絵柄にはしばしば同じようなモチーフが繰り返し使われることがある。人間の姿は哀愁に満ちた形で描かれ、彼らの身振りと表情は世界中のどこでも解釈しやすいように表現される。 本書では、ドイツ人哲学者のヴァルター・ベンヤミン（Walter Benjamin）が言うところの「紙幣の装飾から語られるスピリット」を喚起させ、どういった絵柄が紙切れの上に印刷され、無価値なものを価値のあるものへと変化させてきたのかを紹介している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis is a book about the pictures on banknotes: pictures of political subject-matter, historical milestones, distinguished personages, status symbols, and landscapes. Banknotes are mini-posters proclaiming an idealized world. Money is a mystery: monetary value seeks a visual correlative. Euro bills, for example, strive to convey the idea of a united Europe through the metaphor of bridges. In 2002, when the euro was introduced as cash, there were approximately 12.7 billion euro bills in circulation – 12.7 billion bridges for an ideal world. The pictures on bills tell stories and glorify power. Strong, happy people engaged in physical labor, for instance. They have access to education and live in a fantastical landscape with abundant fauna. Monetary iconography often takes up similar motifs and reiterates basic patterns. Human figures are portrayed according to pathos formulae, their gestures and facial expressions to be uniformly construed the world over. In Money, Tania Prill, Alberto Vieceli and Sebastian Cremers conjure the “spirit that speaks from the ornamentation of banknotes”, as Walter Benjamin put it, and show which pictures are used to imprint value on slips of paper that would otherwise be worthless. This trio of graphic artists, Prill Vieceli Cremers, have designed various books for Edition Patrick Frey since 2006. Money is the first joint artist's book by Tania Prill, Alberto Vieceli, and Sebastian Cremers.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":21338381484112,"sku":"978-3-905929-91-1","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_Money-Front.jpg?v=1620355571"},{"product_id":"perfect-cherry-blossom-by-keiichi-tanaami-oliver-payne","title":"PERFECT CHERRY BLOSSOM by Keiichi Tanaami, Oliver Payne","description":"\u003cp\u003eイギリス人アーティストのオリバー・ペイン（Oliver Payne）と日本人ポップアーティスト、田名網敬一による初コラボレーションを収録した一冊。本シリーズでペインは、田名網の原画に日本の弾幕シューティングゲームがモチーフのスティッカーを貼って新たな作品とした。ハードコアなアーケードシューティングゲームは、純粋なビデオゲームの中でも最も優れたジャンルとみなされているが、「サバイバルシューティング」というサブジャンルは、カオスでサイケデリックな美しい世界観だけでなく、このジャンルにおけるニッチの代表であるという点でも特別な存在である。映画や最新のポップカルチャー全般からアイデアを拝借している最も人気のゲームとは違い、弾幕シューティングゲームのシステムやルールは概して非常に複雑であり、このジャンルだけに特化した自己完結的な世界の中で展開する。これらのゲームの原動力は、例えば「弾幕」のカーテンの絵柄を用いた「パターン」にあるとペインは考える。ゲーマーは一つのレベルをプレイしながら動きのパターンを記憶し、敵のボスの動きのパターンを見極めるテクニックを身に付けていく。これらのパターンは非常に美しく、また複雑なものであることが多い。日本版プレイボーイ誌の初代アートディレクターを務めた田名網は、日本とアメリカのポップアートの要素を融合してザ・モンキーズやジェファーソンエアプレインのレコードジャケットをデザインした。昔からお互いの作品のファンだったというペインと田名網。新たに制作されたコラージュの他には、コラボレーションのきっかけについてペインと田名網が語る、キュレーターのフレディ・フィッシュリ（Fredi Fischli）とニールス・オルセン（Niels Olsen）によるインタビューも収録。本書は STUDIOLO \/ Edition Patrick Frey シリーズの一冊として出版された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePerfect Cherry Blossom presents the first and long-awaited collaboration between British artist Oliver Payne and Japanese pop artist Keiichi Tanaami. For this new series, Payne has reworked original drawings by Tanaami, adding stickers featuring motifs from Japanese “bullet hell” games. This subgenre of “shoot ’em ups” is special in that the games are not only beautiful, chaotic and psychedelic, but they represent a niche in the world of hardcore arcade shooter games that could be considered the pure video games par excellence. Unlike most popular game genres that borrow from cinema and current pop culture in general, bullet hell games are self-enclosed worlds concerned exclusively with their own, often very complicated, systems and rules. For Payne, the driving force in these games is “pattern”: the patterns of “bullet curtains”, for example. Gamers memorize the patterns of movement through a level and learn to recognize patterns in the behavior of the enemy boss. These patterns can be very pretty and very complicated. Tanaami was the first art director of the Japanese edition of Playboy magazine. He designed record covers for The Monkees and Jefferson Airplane, in which he fused elements of American and Japanese pop art. Payne and Tanaami, who knew and admired each other’s work for years, finally met and exchanged artwork. Besides the new collages, the book presents an interview with Payne and Tanaami by Fredi Fischli and Niels Olsen discussing the origins of their collaboration. A publication in the STUDIOLO\/Edition Patrick Frey series.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":21338381811792,"sku":"978-3-906803-28-9","price":7920.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/pcb01.jpg?v=1617878389"},{"product_id":"scrapbooks-1969-1985-by-walter-pfeiffer","title":"SCRAPBOOKS 1969-1985 by Walter Pfeiffer","description":"\u003cp\u003eスイス人フォトグラファー、ヴァルター・ファイファー（Walter Pfeiffer）の作品集。作者が1969年から1982年に制作したスクラップブックは非常にユニークな『ヴンダーカンマー』（※註）である。自身の写真作品やポラロイド、新聞の切り抜き、ポストカード、パッケージ、チケット、短い言葉遊びを書き留めたメモなど種々雑多なものが次から次へと登場する。こうしたものを全部使用し、思いもよらない言及や比較をちりばめた1つの大きなコラージュを作りだし、これはヴィジュアルダイアリーであると同時に自身の作品に対するクリエイティブな拠り所にもなっている。本書では、エロス、時代精神、大衆文化を見つめる鋭敏なまなざし、傍若無人なユーモア、日常や陳腐なものの中にある詩情に対する理解などがありありと示されている。ここに収められたイメージは、とりとめもなく広がる遊び心に溢れた作者独自の世界観を垣間見せるだけでなく、つかの間の優美さが漂う1970年代と1980年代の精神を捉えたこの時代の記録でもある。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e註 『驚異の部屋』の意。15世紀から18世紀にかけてヨーロッパで作られていた、様々な珍品を集めた博物陳列室を指す。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eWalter Pfeiffer’s Scrapbooks from 1969 to 1982 are a very unique Wunderkammer. Pfeiffer’s polaroids and photographs alternate with miscellaneous objects – newspaper clippings, postcards, packaging, tickets – and brief punning notes. Pfeiffer assembles all of this into a large collage full of surprising references and comparisons that is both a visual diary and creative foundation of his artistic work. In his Scrapbooks, Pfeiffer’s keen view of Eros, Zeitgeist and popular culture, his disrespectful humor as well as his appreciation for the poetry in the mundane and banal, are sharply revealed. They offer a view into Pfeiffer’s meandering and playful universe and are a contemporary document that captures the Zeitgeist of the 1970s and 1980s with ephemeral elegance.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":21338382041168,"sku":"978-3-905929-25-6","price":14850.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/SCRAPBOOKS00.jpg?v=1573314288"},{"product_id":"still-noon-by-shane-lavalette","title":"STILL (NOON) by Shane Lavalette","description":"\u003cp\u003eアメリカ人フォトグラファー、シェーン・ラヴァレット（Shane Lavalette）の作品集。スイス人にとって作者の写真は、普段の生活の中で気にも留めていないことを改めて見るという不思議な体験となる。牧草の柔らかい葉、赤いケシの花、遠くに見える切妻屋根—。アウトサイダーの目を通じてスイス人は初めてこれらの情景の隅々にまで詩情が流れていることを発見する。そうした取るに足らない細部が寄り集まって、ふるさとと呼ぶ抽象的な何かを形作っている。本書の中に見出だす、というよりはむしろ感じる故郷は、スイス人の心の中にある、決して消えることのない感情を揺さぶるのである。作者の写真とは趣を異にする絵葉書の中のイメージに、スイス人は慣れ親しんでいる。山脈のパノラマ！湖！エーデルワイス！チーズフォンデュの小鍋！それらは詩情をすっかりはぎ取られ、観光客向けに大量生産された素晴らしい景観や愛すべきものたちである。だというのに、スイス写真財団（Fotostiftung Schweiz）は2017年5月、作者にスイスの12の街を巡り、全体としてこの国のポートレイとなるような作品の制作を依頼した。作者は著名な先達の足跡を辿り、カロナ、ガイス、リューダースヴィル、セーニュレジエ、サン＝サフォラン、サント・クロア、シュヴィーツ、ウンターシュタンムハイム、ヴィコゾーフラーノ、ヴィスペルターミーネン、ヴィル、ツオーツで撮影を行った。これは、初期のスイスのフォトジャーナリズムの立役者の一人であったテオ・フライ（Theo Frey）が8年ほど前に通ったのと同じコースである。長期のドキュメンタリープロジェクトの分野におけるヨーロッパの写真界のパイオニアであり、「村の生活を繊細に記録した人」（1997年ノイエ・チュルヒャー・ツァイトゥング紙掲載の弔辞より）と評価されたフレイもまた、1939年のスイス国家展覧会（National Suisse Exhibition）のために全く同じ村々を撮影した。本書は、スイスの田舎の生活を捉えた新旧両方の写真を並置し、独創的で感動的な一つの国のポートレイトを描き出している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eSomething we’re not accustomed to happens in Shane Lavalette’s pictures: we see the minor details of our everyday lives. We also notice something we Swiss are even less used to seeing: we discover, through the eyes of an outsider, the fine veins of poetry running through these scenes. The soft blades of bromegrass. The red blooms of poppies. Gable roofs in the distance. All mere details, to be sure, but altogether they form something abstract that we call home. We see it, or rather feel it, in Still (Noon), and it stirs something inside us that won’t let go. For we Swiss are accustomed to a different pictorial register, that of the picture postcard. Mountain panoramas! The lakes! Edelweiss! The fondue pot! All marvelous places and things, but stripped of any poetry by their mass-produced picture-packaging for tourists. In May 2017, however, the Fotostiftung Schweiz commissioned American photographer Shane Lavalette to photograph a dozen Swiss towns with a view to piecing together a portrait of the country as a whole. He shot Carona, Gais, Rüderswil, Saignelégier, Saint-Saphorin, Sainte-Croix, Schwyz, Stammheim, Vicosoprano, Visperterminen, Wil and Zuoz — thereby following in some prominent footsteps. About eighty years ago this was the itinerary of Theo Frey, one of the leading figures in early Swiss photojournalism. Regarded as the European pioneer of long-term documentary projects and a “subtle chronicler of village life” (NZZ 1997 obituary), Frey photographed those very villages for the Swiss National Exhibition in 1939. Still (Noon) juxtaposes these old and new views of rural life in Switzerland to offer up an unusual and moving portrait of a nation.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":21338382270544,"sku":"978-3-906803-65-4","price":12870.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/Still-Back_01.jpg?v=1617878052"},{"product_id":"sunsets-by-daniela-comani","title":"SUNSETS by Daniela Comani","description":"\u003cp\u003eイタリア人アーティスト、ダニエラ・コマーニ（Daniela Comani）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e写真シリーズ 『OFF』は、メディアに関する認識の余談のようなものである。テレビという常に我々の周りに付きまとってくる『動画再生装置』を綿密に細かい部分まで調べ上げた。しかしそんなテレビも、一度電源をオフにするとまるで死んだように見え、ただの冷んやりした物体となり、同時に視聴者が自分自身の幻想や恐れをそこに投影する画面として機能しだす。イメージが画面から消えたとしてもテレビは依然として暗い画面に部屋や人物を写り込ませてしまい、コンテンツを失わない。作者はアクティブに動いていないテレビを単に撮っているのではない。フラッシュがあたかもビッグバンが起きたかのように暗い画面に当たり、たとえ主役が写り込んでいなくてもそこに新たな光景や考察を生む。作者がシャッターを切った瞬間、一瞬のフラッシュの光がテレビの画面の構造と最も独特な形で混ざり合い、小さなフォーマットに描かれた夕暮れの風景のような新たなイメージと形を作り出す。また、このシリーズはデザインに関するものでもある。作者は、様々な形、サイズ、デザインのテレビが並ぶこの『ミザンセーヌ（舞台装置）』のために、それぞれのテレビが持つ物理的な特異性を引き出すべくブランド名を完全に消した。そしてテレビ群は皆一様に真正面を向いており、まるでたくさんの人が鑑賞者を凝視しているようである。テレビの枠は作品の額のように機能し、機械の本質を示唆している。作者が写し取ったイメージは、プラスチック製のテレビを二次元の画像に変え、それを板紙にマウントすることでまた別の新たな三次元の物質として定着する。それぞれの作品は、無限に複製できる技術的特徴を備えた写真という媒体が連続的に並んでいるにも関わらず、各々違う特徴を持つユニークな存在となっている。\u003c\/em\u003e」- レナータ・スティ（Renata Stih）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eOFF\u003c\/em\u003e, a photographic series by Daniela Comani, is an excursus into perception as it relates to the media. With painstaking precision she probes that ever-present device for the reproduction of moving images, the television set, but in off mode: turned off, TV sets seem dead, they become cold objects – and yet concomitantly they serve as surfaces for viewers to project their own fantasies and fears on. Even when the picture is extinguished, the TV is still not bereft of content, for the dark screen reflects the room and the people and objects in it. Daniela Comani doesn't merely take pictures of inactive TV sets, she shoots them: the flash hits the dark screen like a Big Bang that yields new sights and insights, even as it outshines and obliterates the protagonist’s reflection. At the instant she pulls the trigger, the split-second flash blends with the surface structure of the television sets in the most peculiar ways, producing new images and new shapes in these landscapes with sunset, small format. Daniela Comani's series is also about design: for this minimalistic mise-en-scène of an assortment of TV sets of varying shape, size and design, the artist has painstakingly removed the brand names in order to bring out the physical idiosyncrasies of each different setup. The objects are portrayed from the front, as though they were people gazing out from the picture at the viewer. The housing of each set serves as a picture frame and suggests the machine’s essential nexus to the picture. The photograph turns the plastic TV sets into two-dimensional pictures, which Comani then mounts on paperboard to create a new three-dimensional object. Each picture is unique despite the serial nature of photography with its technical capability of infinite reproduction. (Renata Stih, Berlin 2011)\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":21338382303312,"sku":"978-3-906803-17-3","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/SUNSETS00.jpg?v=1617857872"},{"product_id":"no-more-war-by-keiichi-tanaami","title":"NO MORE WAR by Keiichi Tanaami","description":"\u003cp\u003e日本人アーティスト、田名網敬一の作品集。日本のポップアートのパイオニアと呼ばれる作者が1980年代に制作し、近年に発表された彫刻作品の数々を収録。子供のおもちゃを思わせる木彫りの作品群は、作者が確立した独特のポップでカラフルなスタイルを良い意味で裏切っている。アメリカの商業的なグラフィックデザインと第二次世界大戦にまつわる断片的な記憶を結びつけた映像作品が初期に制作されたが、そこに登場する人物を思わせる物体が一つの不思議な空気を作りだしている。奇妙な世界観を放つこの彫刻を今の我々の目で見ると、ビデオゲームのキャラクターや空想的な建築模型、ポストモダンデザインが連想されるが、伝統的な日本の手工芸とのつながりも確実に感じさせる。1936年に服地問屋の息子として生まれた作者は、第二次世界大戦の終焉が近づくなか、9歳の時に東京大空襲を経験。その後武蔵野美術大学で学び、1969年にニューヨークのアンディ・ウォーホル（Andy Warhol）を訪ね、ロバート・ラウシェンバーグ（Robert Rauschenberg）や美術評論家のミシェル・タピエ （Michel Tapié）が来日した際には彼らと仕事をし、ジェファーソン・エアプレイン（Jefferson Airplane）からザ・モンキーズ（The Monkees）まで多数のバンドのレコードカバーをデザインしてきた。1975年に田名網は日本版プレイボーイ誌の初代アートディレクターに就任。また1991年から京都造形美術大学で教鞭をとっている。本書は、STUDIOLO \/ Edition Patrick Frey シリーズ第二弾として「Trix + Robert Haussman」に続き出版された。スイスのブックデザインアワード「The Most Beautiful Swiss Books」2013年度受賞作品。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe publication NO MORE WAR presents a group of recently discovered sculptural works created by the Japanese pop-art pioneer Keiichi Tanaami (b. 1936, Tokio) in the 1980s. The wood-cut sculptures recall children’s toys and represent an unexpected break from the artist’s usual style. They form an obscure world of objects reminiscent of the frozen figures from his early films that connect the aesthetic of American advertisements and fragmented memories of World War II. Today these unusual sculptures call to mind video game creatures, fantastical architectural models and post-modern design, but they also retain a connection to traditional Japanese handicrafts. Born in 1936 as the son of a textile wholesaler, Tanaami was nine years old when he experienced the bombing of Tokyo towards the end of World War II. He studied at the Musahino Art University, visited Andy Warhol in New York in 1969, worked with both Robert Rauschenberg and art critic Michel Tapié during their travels to Japan, and designed record covers for Jefferson Airplane and The Monkees. In 1975 Tanaami became the first art director of the Japanese edition of Playboy Magazine. He has been teaching at the Kyoto University of Art and Design since 1991. NO MORE WAR is, after Trix + Robert Haussmann (N° 127), the second publication in the series STUDIOLO \/ Edition Patrick Frey. Most beautiful Swiss books, 2013\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":21338382729296,"sku":"978-3-905929-40-9","price":5940.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/NoMoreWar_spread-9.jpg?v=1617878529"},{"product_id":"luftbad-by-hodel-schumacher-clavadetscher","title":"LUFTBAD by Hodel, Schumacher, Clavadetscher","description":"\u003cp\u003e3人組のアーティスト、ホーデル \/ シューマッハ \/ クラヴァデッチャー（Hodel\/Schumacher\/Clavadetscher）による作品集。1991年からマーティン・ホーデル（Martin Hodel）が死去した1995年まで活動していた。その当時マーティン・ホーデルとエリック・シューマッハ（Eric Schumacher）はウィーンで、アンドレア・クラヴァデッチャー（Andrea Clavadetscher）はチューリヒで学生をしていた。彼らは一緒に展覧会やプロジェクトを計画し、互いの都市や旅先からお互いにドローイングを送り合っていた。彼らは幅広い表現手段や題材を使って、サブカルチャー的現象、中でもテクノを自分達の芸術に反映させた。本書に収録されている作品は、この3人のコラボレーションにとって非常に重要な一面だった。郵便で絵をやり取りし、何層ものレイヤーができるまで受け取った絵にさらに描き足したり重ね塗りしたりしては送り返すということを繰り返した。1枚1枚が分厚い絵のパリンプセストのようになり、官能的な記号の森へと育っていった。こうしたドローイングが集まって、芸術の歴史やポップカルチャーから神話や漫画に至るまで実に様々な影響が、この3人の作家の芸術性と同じように、切っても切り離せないほどそれぞれが融合している絵画の宇宙が生まれた。このめくるめく視覚の迷宮は、彼らの世界にどっぷり浸かり、抜け出せなくなる感覚を楽しもうと私達に誘いかける。表紙は一つとして同じものが存在しない仕様となっており、シューマッハとクラヴァデッチャーがブックデザインを手掛けた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e※註 すでに書かれた文字等を消して別の内容を上書きした羊皮紙もしくは子牛皮紙の古文書。古代末期や中世にはこの紙が貴重だったため，不要な文書が消されて再使用された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eHodel \/ Schumacher \/ Clavadetscher were a trio of artists from 1991 till Martin Hodel’s death in 1995. Martin Hodel and Eric Schumacher were students in Vienna in those years, Andrea Clavadetscher in Zürich. They planned exhibitions and projects together, sending drawings back and forth between the two cities or from their travels. Employing a wide range of different media and materials, Hodel \/ Schumacher \/ Clavadetscher opened up their art to subcultural phenomena, including, in particular, techno. Luftbad presents their works on paper, an essential aspect of their collaborative work. They would mail each other pictures, repeatedly overpainting and adding to them until they comprised several layers. Each sheet became a thick pictorial palimpsest, a veritable forest of sensual signs. Taken together, they form a pictorial universe in which influences from art history and pop culture, mythology and comic books, fuse as indissolubly as the artistic signatures of the three artists. The book is an exuberant visual labyrinth that invites us to immerse ourselves and enjoy losing our way. Each book cover is unique, individually designed by Eric Schumacher and Andrea Clavadetscher.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31583387287632,"sku":"978-3-906803-78-4","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/Luftbad_front.jpg?v=1576742389"},{"product_id":"an-acrylic-glass-pyramid-and-three-pendulums-attached-to-a-triangle-on-a-table-by-athene-galiciadis","title":"AN ACRYLIC GLASS PYRAMID AND THREE PENDULUMS ATTACHED TO A TRIANGLE ON A TABLE by Athene Galiciadis","description":"\u003cp\u003eスイス人アーティスト、アテーネ・ガリシアディス（Athene Galiciadis）の作品集。カタログというものは通常展覧会に合わせて出版され、展示内容の詳細、裏付け、補足、時には批判といった役割を果たす。そして展示作品について書かれたエッセイや写真を厳選することによって完成される。また他の批評家やアーティスト、特に展示を行っているアーティストよりも年上のアーティストについて言及することが多い。すなわち、展覧会のカタログには記憶を補完する働きがある。過去の展覧会の「屍」であるカタログは図書館の芸術書の棚を埋めつくし、芸術として制作されたありとあらゆるものがいつかどこかの時点で展示されていたことを私達に思い起こさせる。過ぎ去った何千もの展覧会の「屍」は、作品とその製作者の人生を直接結び付けるという、後世とって非常に大切な役割を果たしている。本書は作者の生き方と作品に迫っており、展覧会に伴い出版されたわけではなく、収録されている作品も本の出版に先駆けて制作されたものではない。作者と作者に影響を与えた人々の年表という特定のタイムラインに沿って編纂された本書は、独立した作品集かつ比較対象となるべく制作され、今回の刊行で初めて公開されることとなった。グラフ紙にカラー印刷した人物像、螺旋、模様、器、アーティストのセルフポートレイトに加え、20世紀初頭のスイス人のアーティストでありヒーラー（治療師）、ビジョナリー（先見者）でもあったエマ・クンツ（Emma Kunz）にインスパイアされた写真による記録を収録。クンツの作品としては振り子を使ってグラフ紙に描いた幾何学的なドローイングが最も良く知られている。知識と芸術を生み出すことに対するクンツの精緻な実証的アプローチに基づき、作者は新たに一連のドローイングを制作した。その形とパターンによる構成は、自身が感じ解釈した世界に私達を導く。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA catalog usually comes out in connection with an exhibition and serves to elucidate, support, supplement and sometimes even criticize the exhibits. It does so by carefully selecting essays about and views of the exhibits, often by referring to other critics and other artists — who are often older than the exhibiting artists. Thus, contemporary exhibition catalogs serve as accessories to memory. These “corpses” of exhibitions past fill whole shelves in the art book sections of libraries, reminding us that just about everything produced in the way of art has at some point been exhibited. These “corpses” of thousands of bygone exhibitions perform a vital function for posterity, tying the artworks directly into the lives of those who produced them. An Acrylic Glass Pyramid and Three Pendulums attached to a Triangle on a Table draws on the life and work of the artist Athene Galiciadis. This book does not follow in the wake of an exhibition, nor were the artworks in the book produced before the book. Created to stand alone as well as side by side, and along specific timelines — the timelines of the artist and of those who inspired her –, they are shown for the first time here. The book contains color reproductions, printed on graph paper, of figures, spirals, patterns and vases, a self-portrait of the artist as well as photographic documents inspired by Emma Kunz, an early 20th-century Swiss artist, healer and visionary. Kunz is chiefly known for her geometrical drawings, which she executed on graph paper with the aid of a pendulum. Based on Kunz’s precise empirical approach to producing knowledge and art, Galiciadis has produced a new series of drawings, whose configurations of shape and pattern draw us into her perceptions and interpretation of the world.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31583523569744,"sku":"978-3-906803-60-9","price":7590.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/Acrylic_front.jpg?v=1617859007"},{"product_id":"giorgio-wolfensberger-foto-povera-by-margarete-berg-urs-stahel","title":"GIORGIO WOLFENSBERGER – FOTO POVERA by Margarete Berg, Urs Stahel","description":"\u003cp\u003eスイス人写真家、ジョルジョ・ヴォルフェンスベルガー（Giorgio Wolfensberger）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e「ジョルジョ・ヴォルフェンスベルガーは1945年にチューリッヒで生まれ、ヴィンタートゥールで育ち、自分の地理的・政治的故郷に選んだイタリアのウンブリア州で2016年に亡くなった。商業写真家であるだけでなく、映画監督、スライドショーのスペシャリスト、さらにはスイス人のモダンダンサーでダンスの先生でもあったスザンヌ・ペロテ（Suzanne Perrottet）の専門家でもあり、彼女についての著作も残している。アーカイブ写真の追跡にかけて彼の右に出るものはなかった。また、この世界の物事を感じ取る『第七の感覚』に恵まれたコレクターかつ写真家でもあった。日常生活に潜む奇妙な物事を惹きつける力も持っていた。視覚・嗅覚・触覚までもフル活用して物理的なリアリティを探索しているとでもいうように、常識から外れた領域に足を踏み込み、物体が演じる劇を見つめ、ユーモラスなものもグロテスクなものも等しくイメージに捉えていた。展覧会のためのプロジェクトであれ写真集の撮影であれ、都市を自由にさまよい歩くときも、田舎道を運転しているときも、彼は常になんでもない風景の中に奇妙なものを見出すことができた。普遍的なものの中に彼だけのものを、貧しいものの中に豊かさを、典型的なものの中に予想外のものを－。フリーランスで制作した作品をまとめた最初の作品集となる本書は、ある種の『驚異の部屋』、多彩なものたちが繰り広げるキャバレーともいえる。イタリアで過ごした最初の一年の間に撮影したモノクロのドキュメンタリー写真に始まり、“貧しく”平凡なものたちがによる哀愁漂う舞踏のような、味わい深く、ユーモラスでカラフルな“フォト・ポーベラ”（貧しい写真）が徐々に発展していく過程が興味深い。」\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e—キュレーター、ウルス・スターヘル（Urs Stahel）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eGiorgio Wolfensberger was born in 1945 in Zürich, grew up in Winterthur and died in 2016 in Umbria, which he’d made his adoptive geographical and political home. He was not only an industrial photographer, filmmaker, slide-show specialist, expert on and writer for the Swiss modern dancer and dance teacher Suzanne Perrottet, sleuth extraordinaire for archival photographs; he was also a collector and photographer equipped with a seventh sense for the things of this world. He seems to have been a magnet for the peculiarities of everyday life, departures from the norm, the play of objects, the humorous and the grotesque, as though his eyes, nose and fingers were probes immersed in physical reality. Whether on assignment for an exhibition project or a book, roaming freely on the prowl in the city or driving around the countryside, he always discovered something unusual in the commonplace, something of his own in the general, something rich in the poor, something strange in the norm. This book brings together his artistic freelance photography for the first time, to form a cabinet of curiosities, a variegated cabaret of things. Beginning with the black-and-white documentary photography of his first years in Italy, he gradually developed a rich, humorous, colorful photo povera, an enchanting, pensive dance of “poor” plain things.\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e—Urs Stahel\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31583696748624,"sku":"978-3-906803-79-1","price":9570.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/GIORGIO_WOLFENSBERGER_01.jpg?v=1576744686"},{"product_id":"the-whispering-of-things-by-thomas-krempke","title":"THE WHISPERING OF THINGS by Thomas Krempke","description":"\u003cp\u003eスイス人アーティスト、トマス・クルンプケ（Thomas Krempke）の作品集。作者は、2008年から毎日写真を撮るようになった。現像した写真をノートに貼り付け、相関関係を考察し、イメージについて文章化してきた。こうして、彼の物の見方の記録、写真日記、彼が目にしたものをマッピングした地図をまとめた一冊の本ができあがった。作者はどこにいても、どんなものでも構わずに写真を撮っている。イメージから何かを取り除いたり、逆に追加したりもしていない。ライティングさえも使わない。写真には、戦争も貧困も、奇抜なランドスケープも、目を引くようなものは何も映っていない。しかし、我々が日常生活と呼ぶシーンを写真に撮るという行為が、世界を見知らぬものに変えている。物事の表面の奥へ奥へと入り込んでいくカメラは、それまで誰も見たことがない未知の領域をミクロ的な視点から見つめる旅に観るものを誘う。撮ることによって何でもないものに威厳が生まれ、崇高さや詩情さえ漂うようになり、重みや重要性のスケールが変化する。自分が撮ったイメージを私たちの日常に溢れているメディア写真と対比させることによって、作者は記憶や夢で行われるのと同じように自分の人生をコード化し、自分だけのパラレルワールドを作り出す。朝目を覚ます時、私たちの知覚は心の中にある夜のイメージと客観的な昼間のイメージの間を揺れ動く。それと同じく彼のイメージは、目覚めているのに夢見ている、ぱっちりと目を開いた夢遊病者のように、何も考えずに自分の衝動に本能的に従う。イメージとテキストのモンタージュを通じて、彼は自分自身の日常における物の見方、物を見て写真を撮る自分なりのやり方、ひいては自分の世界に対する理解がどのように形成されるのかを探求している。本書は、ドイツ語版『Das Flüstern der Dinge』が2017年に出版されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn 2008, Swiss artist Thomas Krempke began taking pictures every day. He prints them and pastes them into notebooks, correlates them and writes about them. The upshot is a log of his perceptions, a photographic diary, a cartography of what he sees. He photographs wherever he happens to be, whatever he chances upon. He doesn’t take anything out or add anything to the images, not even light. The pictures don’t show any extraordinary occurrences: no wars, poverty, exotic landscapes, but what we call everyday life. And yet photographing everyday life alters it: the world is no longer the same as the camera delves deeper and deeper beneath surface appearances, taking us on an almost microscopic expedition into hitherto unseen, undiscovered realms. It gives a new dignity, even grandeur and poetry, to everyday objects and shifts the scales of magnitude and importance. Krempke sets his pictures against the ubiquitous flood of media pictures, thereby creating a parallel world for himself, a coded version of his life―as in memory or a dream. As in waking up in the morning, when perception still oscillates between the inner images of nighttime and the outer images of daytime, he photographs in a state of wakeful dreaming, clear-sighted somnambulism―intuitively following his impulses, without intention. In his montage of pictures and texts, he explores his day-to-day perceptions, his way of looking and photographing things, and ultimately the creation of his conception of the world.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31584173883472,"sku":"978-3-906803-85-2","price":9900.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2019-09-05_14.40.00.jpg?v=1576748930"},{"product_id":"walter-keller-beruf-verleger-by-urs-stahel-miriam-wiesel","title":"WALTER KELLER - BERUF: VERLEGER by Urs Stahel, Miriam Wiesel","description":"\u003cp\u003e出版者、編集者、キュレーターとして名を馳せたスイス人、ウォルター・ケラー（Walter Keller）の活動をまとめた1冊。1978年にニコラウス・ヴィース（Nikolaus Wyss）とカルチャー誌『\u003cem\u003eDer Alltag― Sensationen des Gewöhnlichen\u003c\/em\u003e』を生み出し、その後1984年にビーチェ・クリーガー（Bice Curiger）とジャクリーン・ブルクハルト（Jacqueline Burckhardt）、ピーター・ブルム（Peter Blum）と共に美術誌『Parkett』、1991年には写真集に特化した出版社「Scalo」を立ち上げ、1993年にはヴィンタートゥール写真美術館を設立した\u003cspan\u003eウォルター・ケラー\u003c\/span\u003e。誰の目にも華々しい経歴であるが、ジャーナリストにギャラリスト、キュレーター、写真家、グラフィックデザイナーからコレクターまで、彼は自らの友人も敵もお構いなしに魅了し、当惑させ、刺激を与える存在であった。2014年9月1日の夜、ウォルター・ケラーは、スイス人作家のフリードリヒ・デュレンマット （Friedrich Dürrenmatt）と冷戦をテーマにした展覧会の準備中に突然この世を去った。この展覧会と並行し、中国の現代写真に関する展覧会の企画など数えきれないアイデアを形にしている最中での出来事だったという。ウォルター・ケラーは、相手のやる気を引き出す優れた指揮官であり、ネットワーキングに長け、雑誌や本づくりに情熱を傾けた。しかし何より彼は愛すべき友であり最高の仲間であったと彼を知る者は皆言う。本書は、ウォルター・ケラーの活動を振り返る単なる解説本ではなく、どのように自らを取り巻く環境を自分だけの世界観へ変えて活動を続けてきたかに迫った内容となっている。本書の編集やサポート、キュレーション、寄稿、プロダクションは、ウォルター・ケラーとの出会いによって豊かな人生を切り開くことができた人々によって手掛けられた。本書はウォルター・ケラーの仕事を時系列でまとめるのではなく、彼の無限に広がる独創性の証を主観的に選んだ、印象派的なパッチワークを形成している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eWalter Keller founded the cultural magazine Der Alltag― Sensationen des Gewöhnlichen in 1978 with Nikolaus Wyss, the art magazine Parkett in 1984 together with Bice Curiger, Jacqueline Burckhardt and Peter Blum, the photobook publishing house Scalo―Books and Looks in 1991, and the Fotomuseum Winterthur in 1993. An impressive palmarès, to be sure, and yet it pales beside the exuberant creativity, curiosity, inspiration and energy with which for nearly forty years Walter Keller fascinated, nonplussed and motivated friends and foes alike, journalists and gallerists, curators and photographers, graphic designers and collectors―and often nearly drove them to distraction with his relentless tenacity. On the night of September 1, 2014, Walter Keller died all of a sudden in the midst of preparing exhibitions on Dürrenmatt and the Cold War, as well as on contemporary Chinese photography and a thousand other ideas. Walter Keller was a publisher, motivator, magazine maker, coach and networker. But above all he was an adorable friend and rousing companion. This book does not seek to explore or explain what he did, but how and why he turned his surroundings into exhibits in his very own world’s fair. Edited, backed, curated, written and produced by people whose lives were changed and enriched by Walter Keller, this book is not a chronology of Walter Keller’s work, but an impressionistic patchwork, a subjective selection of testaments to his unbridled originality.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31585012777040,"sku":"978-3-906803-36-4","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/Walter_Keller-Beruf__Verleger01.jpg?v=1617858996"},{"product_id":"funf-finger-fohn-frisur-by-peter-gaechter-bettina-clahsen","title":"FÜNF FINGER FÖHN FRISUR by Peter Gaechter, Bettina Clahsen","description":"\u003cp\u003eスイスを拠点とするフォトスタジオ「GAECHTER+CLAHSEN」の作品集。人の髪はしばしば山の頂上に例えられるが、山頂には大抵雲がかかっていてよく見えないのに対し、ボンネットや帽子、スカーフなどが使われなくなった今では、ヘアスタイルは常に視界に飛び込んでくる。そのため、素敵なヘアスタイルを手に入れなくてはというプレシャーを感じるのも当たり前となっている。写真家のぺーター・ゲヒター（Peter Gaechter）は、チューリッヒのヘアサロン「Elsässer Pour Dames」のために数十年に渡って様々な髪型を撮影し、20世紀後半のスイスの最新ヘアスタイルの変化とリバイバルの歴史を記録に残した。本書はこの高級サロンの店頭に飾られていたカタログから厳選したイメージを抜粋し、1970年代から1990年代の最新のヘアスタイルのトレンドを提示した。サロンでスタイリストが忠実に再現していた立体的なカットやヘアスタイルからは、その時その時の時代の雰囲気が伝わってくる。パンクカットに「冷戦」カット、「5本指の」ブロードライ、羽のようにふんわりした「チャーリーズ・エンジェルズ」に「オールド・ハリウッド」スタイルと、街の美人や「イットガール」、女優などが魅せる様々なヘアスタイルには、良いと思えば「なんでもあり」の消費文化の自由な気風だけでなく、例えばピクシーカットのアクセサリーとして突然登場する不格好な携帯電話のように、具体的な社会の変化までもが写し出されている。それだけでなく、作者の作品は、写真にもプロ精神が満ちていた時代があったことを思い出させる。スナップショットは一枚もなく、あえて素人っぽさを出したり、けばけばしくみせたりすることもない。そのイメージは、かつての写真家たちがそう願ったのと同じように、誰にも負けない個性を発揮したいと願う顧客に向けられている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA person’s hair may be likened to the top of a mountain. But while mountaintops are often shrouded from our eyes by clouds around them, a person’s top is almost always visible―especially in latitudes that have given up the daily use of bonnets, hats and headscarves. Hence the understandably heavy pressure on people’s heads―to get the hair just right. Over the course of several decades, photographer Peter Gaechter shot a wide array of hairdos for Zürich hairdresser Elsässer Pour Dames, tracking the changes in―and revivals of ―hairstyles in late 20th-century Switzerland. The present publication brings together a selection of his photographs from the catalogues on display at these upmarket salons, showing the latest hairstyle trends from the 1970s to the 1990s. These sculpturesque cuts and coiffures, which were to be reproduced à l’identique on the customers’ heads, were also telltale signs of the times. Whether a punk or “Cold War Kids” cut, a “five-finger” blow-dry, feathery “Charlie’s Angels” wings or “Old Hollywood” coiffure―the multifarious hairstyles of local beauties, “It girls” and actresses featured in this book reflect the “why not?” whateverism of liberal consumer culture as well as concrete changes in society, e.g. in the sudden apparition of a clunky cell phone included in the picture frame as a pixie cut accessory. Gaechter’s photographs also hark back to an age in which photography was still infused with a spirit of professionalism. There are no snapshots here, no affectations of an amateur aesthetic, no strategically trashy elements―Gaechter's pictures target a clientele aspiring to distinction, as could once be said of the photographer’s craft as well.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31585060454480,"sku":"978-3-906803-83-8","price":9350.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/Funf_Finger_Fohn_Frisur01.jpg?v=1617858900"},{"product_id":"coco-by-olivier-g-fatton","title":"COCO by Olivier G. Fatton","description":"\u003cp\u003eフォトグラファー、オリビエ・ファットン（Olivier Fatton）の作品集。トランスセクシュアル・アナキストを名乗るパフォーマンスアーティスト、家と呼べる場所もないマッチョな女性。スイスのデザイナー、マリアンヌ・アルヴォーニ（Marianne Alvoni）のファッションモデルを務め、スイスのタブロイド紙に付け狙われていた「ココ」、「ダナ」、「パトリシア」などと呼ばれていたイブ・クロディーヌ・ロレタン（Éve-Claudine Lorétan）は、あまりに短いその生涯の中で、様々な自分を演じていた。1989年11月のある日曜日に「ココ」と出会った作者は、「この美しくも悲し気な天使」に一目で心を奪われたという。ベルンのゲイバーでコーヒーを飲みながら、二人はある取引をした。それは、ココがモデルになる代わりに、作者がココの性転換手術を記録するというものだった。二人の仕事上の関係はすぐに恋愛に発展し、作者はココという華やかな存在を多面的なフォトエッセイで表現し続けた。自宅やクラブ、そしてアルプスを行く旅の途中で撮られた親密なポートレイトや演出を施したファッションショットが織りなすモザイクのようなイメージには、ココがかつて「私の2番目の口になった」と言った、あのメランコリックな大きな瞳が絶えず写し出されている。ココが記した1,000ページにも及ぶ手記は誰かに盗まれてしまった。20世紀の椿姫の悲しみを今に伝えるのは、残されたイメージの中のあの瞳だけである。スイス人作家のドゥニア・ミラーレス（Dunia Miralles）は、ココを夜の世界の文学者に他ならないと評している。ファットンの写真に添えられた、ココの伝記をベースにしたミラーレスの中編小説は、若きココの悲しみを物語る。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA performance artist, avowed transsexual anarchist with no place to call home, macho woman, a fashion model for Marianne Alvoni, a target for the Swiss tabloids: Éve-Claudine Lorétan, alias Coco, Dana What’s-her-name, Patricia, was so very many people in a life cut way too short. Olivier Fatton met Coco on a Sunday in November 1989. The photographer was mesmerized at first sight by “this bright and yet sorrowful angel\". Over coffee in a Bern gay bar, they made a deal: Coco would pose for him and Fatton would document her sex reassignment surgery. Their working relationship soon became a love affair, during which Fatton continued putting together his multi-faceted photo essay on colorful Coco, a mosaic of intimate portraits and staged fashion shots, at home and in clubs, on the road, in the Alps―images haunted by those large melancholy eyes, which Coco once said had become her second mouth. Coco's thousand-page autobiography was stolen by thieves, leaving those eyes to tell the sorrows of a 20th-century Dame aux Camélias. Dunia Miralles sees Coco as just such a literary figure of the demi-monde. In her biographically-based novelette, which accompanies Olivier Fatton’s photographs, Miralles recounts the sorrows of young Coco.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31585520255056,"sku":"978-3-906803-81-4","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/spreads-coco-01.jpg?v=1617858845"},{"product_id":"trix-robert-haussmann-by-fredi-fischli-niels-olsen","title":"TRIX + ROBERT HAUSSMANN by Fredi Fischli, Niels Olsen","description":"\u003cp\u003eスイスを拠点とする建築家、ロバート＆トリックス・オスマン（Trix + Robert Haussmann）の作品集。スイスの出版社「EDITION PATRICK FREY」とエキシビジョンスペース『STUDIOLO』がコラボレーションした『STUDIOLO \/ Edition Patrick Frey』シリーズの最初を飾る一冊。キュレーターのフレディ・フィッシュリ（Fredi Fischli）とニールス・オルセン（Niels Olsen）は、\u003cspan\u003e『STUDIOLO』\u003c\/span\u003eで現代美術に関する多彩な出版プログラムを提供している。本書は、このデザイナーカップルの作品に捧げられた展覧会『The Log-O-Rhythmic Slide Rule』（2012）をベースに、イラストレーション、エッセイ、テキストおよび作品の論考を収録し、二人が作り出した豊かな創造の世界を紹介する。この二人は、スイスの古典的なモダニズムを転換させた建築家、デザイナー、理論家として非常に重視されており、生涯を通じておよそ650のプロジェクトを実施した。チューリッヒで行ったものには、「Da-Capo-Bar」や中央駅の建物、ブティック「Weinberg」、「Kronenhallenbar」などがある。二人が結婚した1967年は、彼らの共同事務所『Allgemeine Entwurfsanstalt』設立の年でもある。この年から一緒に働き始めた二人のコラボレーションは、確立された建築のやり方の教義から解き放たれた作品を産み出していった。建物や家具のデザインに加え、彼らが磨き上げた数々の理論をまとめた初めての本として、今後彼らの作品を評価する際には欠かせない一冊になるだろう。2012年の「The Most Beautiful Swiss Books」賞受賞作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eTrix + Robert Haussmann’s monograph opens the publication series STUDIOLO \/ Edition Patrick Frey, a collaboration between the publisher and the exhibition space STUDIOLO. The curators Fredi Fischli and Niels Olsen run a varied program of contemporary art productions in an atelier house in Zurich. The exhibition The Log-O-Rhythmic Slide Rule shown in spring 2012 was dedicated to the work of Trix and Robert Haussmann and is the basis for this publication, which, with illustrations, essays, texts by artists and a discussion, provides an in-depth look into the rich creative work of the Swiss architect and designer couple. Trix and Robert Haussmann are two of the most important architects, designers and theoreticians, consequential in influencing and helping to displace classical modernism in Switzerland. They have realized about 650 projects in their lifetime; in Zurich these include the Da-Capo-Bar, the new main train station, the boutique Weinberg and the Kronenhallenbar. The year 1967 marks their marriage and the establishment of their joint office Allgemeine Entwurfsanstalt. It is also the year they began working together, a collaboration which has brought forth works breaking with the dogmas of entrenched architectural practices. In addition to designing buildings and furniture, they have developed a rich theoretical œuvre that is presented for the first time in this publication. This book will form the basis for any future assessment of their work. The most beautiful Swiss books, 2012\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31706916585552,"sku":"978-3-905929-27-0","price":5940.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/Trix_RobertHaussmann_01.jpg?v=1617858759"},{"product_id":"children-by-olivier-suter","title":"CHILDREN by Olivier Suter","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eスイスを拠点に活動するアーティストであり美術教育者のオリビエ・スッター（Olivier Suter）の作品集。本書に収められた写真が様々な時代のものであることは、ポートレイトの撮り方やスタイルの違いから理解できる。一人で、もしくは父親や母親、兄弟姉妹や友達と一緒に写っている子供たちの写真を見ていると、何故彼らがこのコレクションに加えられたのか疑問になってくる。ページを捲るうちに、彼らが未来の作家や数学の天才、果ては独裁者まで、有名無名の人々の幼い時の姿であることがどことなく分かってくる。そこに気づくと、子供たちの顔の特徴や表情から未来の姿を想像せずにはいられなくなる。この眠たそうな子供が、やがてジミ・ヘンドリックスになったのだろうか？クラスメイトの中で一人不機嫌そうにしている少年は、未来のアルチュール・ランボー？これは小さい頃のアンゲラ・メルケル？そしてこれは悪ガキ時代のアル・カポネ？この小粋な男の子は本当にミニサイズのフランシスコ教皇？あの元気いっぱいの子供がウサマ・ビンラディン！？驚くような発見があること請け合いである。顔の特徴からその人の性格や精神的特性が理解できると信じた17世紀のシャルル・ル・ブラン的な人相学や、1930年代にベルギーの植民地支配者たちが頭蓋骨の大きさや形状でツチ族とフツ族を分類するのに用いた骨相学のような疑似科学は今では過去の遺物になり果て、賢明な人なら人種によって違いがあるという考えも即座に否定するようになった。本書に登場する子供たちの顔を見ていると、子供であれ大人であれ、顔を見ればその人の運命がわかるという考えがいかにナンセンスであるかがよくわかる。我々は、作者が提示する世界中どこにでもいる子どもたちと何ら変わるところのない何十個もの幼い顔を見つめて、彼らがどんな大人になったかを知って、ただただ面白がったり驚いたりするばかりである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe photographs in \u003cem\u003eChildren\u003c\/em\u003e date from different eras, as can be seen from the different kinds and styles of portraiture. Looking at these children, some of them accompanied by a mother or father, siblings or friends, we wonder at first why they were picked for this collection. Leafing through the pages, it gradually dawns on us that these are the soft fresh faces of future writers, mathematical geniuses and other famous or infamous people—including some future dictators. And then we begin puzzling over the features and expressions on their faces: Could this sleepy-looking kid be—or rather have become Jimi Hendrix? What about this ill-humored youngster amid his classmates: Arthur Rimbaud in the making? Is this here a wee Angela Merkel? And over here Al Capone as an unwashed rascal? Is that dapper lad there really a pint-sized Pope Francis? And that cheerful child Osama Bin Laden?!? We’re in for some big surprises indeed! Pseudosciences like physiognomy à la Charles le Brun, who in the 17th century believed he could tell people’s characters and mental traits from their facial features, and phrenology, employed by the Belgian colonial rulers in the 1930s who divided their Rwandan subjects into Hutus and Tutsi based on measurements of their skulls—these are things of the past, and enlightened minds flatly reject racial profiling, too. Looking at the faces in \u003cem\u003eChildren\u003c\/em\u003e, it’s clear to us that a person’s destiny is not written on their face, whether as a child or as an adult. So all we can do is gaze at a few dozen young faces that Olivier Suter presents to us and delight in or marvel at what became of these kids, who looked so very much like so many other kids in the world.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31839709855824,"sku":"978-3-906803-99-9","price":9900.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/CHILDREN_01.jpg?v=1617858305"},{"product_id":"die-verwandte-aus-dem-fotografischen-nachlass-der-anne-marie-von-wolff-by-mimi-von-moos","title":"DIE VERWANDTE. AUS DEM FOTOGRAFISCHEN NACHLASS DER ANNE-MARIE VON WOLFF by Mimi von Moos","description":"\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eスイス人アーティスト、アン・マリー・ボン・ヴォルフ（Anne-Marie Von Wolff）の作品集。同じくスイス人アーティストで作者の甥の孫娘である、ミミ・ボン・モース（Mimi von Moos）による編集。作者は、スイスの都市ルツェルンで幼い頃からのけ者にされて育った。てんかんの発作に結核という持病があり、姪が亡くなったのは作者の病気がうつったせいだと誰もが思っていた。自分の家族とその周囲の状況を注意深く観察するようになったのは、疎外されていたことが一因なのかもしれない。しかし作者は、カメラを通じて徐々に家族と自分が暮らす狭い世界の中に居場所を見出していった。無口で陰鬱な人だったと言われているが、ルツェルンの日常風景、レ・マイヨン＝ド＝シオンでの夏休み、いとこでジャーナリスト、作家のカール・ボン・シューマッハーを訪れた時のこと、マウエンゼー城などを捉えた作品は、彼女が鋭敏な感覚と力強い構図のセンスを持っていたことを証明している。しかし存命中はその芸術的な才能が注目されることはなかった。その作品は、ミミ・ボン・モースが祖父の家でバナナの木箱にしまい込まれていた写真を偶然見つけてようやく日の目を見ることとなった。これまでに1930年代から1950年代にかけて作者が撮影したおよそ1500枚のモノクロ写真が発見されている。ミミ・ボン・モースは、いくつかの文学論の中で遠い時代の大切な瞬間を今に伝えるこれらの写真を現代の視点から見るという体験について書いている。また彼女は、これらの写真を手掛かりに決して表に出ることがなかった今では知ることができない一人の写真家のポートレイトを描き出そうと試みている。『\u003cem\u003eDie Verwandte\u003c\/em\u003e』（私の親族の女性）と名付けられた本書では、一つの類まれな発見に基づいて写真の様々な側面を探求した。いつも家族から少し離れた目立たない場所でカメラの影に隠れていた、遠い昔に亡くなった親戚が残した輝かしいイメージを深く分析した、アーティストで哲学者のティーネ・メルツァー（Tine Melzer）のエッセーと家族のインタビューの書き起こしが批評的な試みをより完全なものにしている。ミミ・ボン・モースによるテキストも収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAnne-Marie von Wolff (1893–1974) grew up in Lucerne, where she was an outsider from an early age. Epileptic seizures, tuberculosis and the claim that her disease had caused the death of her niece increasingly made her a child pariah, but may have also made her such an attentive observer of her family and immediate surroundings. Her camera eventually gave her a place in the family fold and in the narrow world she inhabited. She is said to have been taciturn and rather austere, but her photographs of everyday life in Lucerne, a summer holiday in Les Mayens de Sion and a visit to her cousin, journalist and writer Karl von Schumacher, at Schloss Mauensee testify to her tenderness as well as her eye for strong compositions. But her artistic talent went unnoticed during her lifetime. That changed when her great-grandniece, Mimi von Moos, happened upon some of her photos stowed in a banana box at her grandfather’s house. To date Mimi von Moos has gathered some fifteen hundred black-and-white photos shot by Anne-Marie von Wolff from the 1930s to the 1950s. In Mimi von Moos’ literary essays, she writes about viewing these photographs of a bygone epoch from a present-day perspective and draws on them to piece together a portrait of the all-but invisible and unknowable photographer. \u003cem\u003eDie Verwandte\u003c\/em\u003e (“\u003cem\u003eMy Kinswoman\u003c\/em\u003e”) explores various aspects of photography on the basis of a most unusual find. This critical endeavor is rounded out by transcribed interviews with family members and an essay by artist and philosopher of language Tine Melzer, which delve deeper into the luminous imagery of a long-gone relative who always kept a bit apart, in the shadows, behind the camera.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31839774998608,"sku":"978-3-906803-91-3","price":8800.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/DIE_VERWANDTE._AUS_DEM_FOTOGRAFISCHEN_NACHLASS_DER_ANNE-MARIE_VON_WOLFF_00.jpg?v=1617858413"},{"product_id":"notebooks-2005-2018-by-aldo-schmid","title":"NOTEBOOKS 2005–2018 by Aldo Schmid","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eスイス人アーティスト、製図者のアルド・シュミット（Aldo Schmid）の作品集。作品を描き込んだ10冊のモレスキンノートで発表された作品シリーズ「\u003cem\u003eMoleskin Series\u003c\/em\u003e」を再現したコレクション。2005年から2018年にかけて制作されたイメージの世界は、廃工場やどこか分からない絵葉書の中の牧歌的な風景から空洞化した現代記号の体系、報道写真が呼び覚ます記憶の空間へと次々と展開していく。その途中で我々はグロテスクな役人、歪んだ作り顔やマスクをつけた生き物、よどんだ眼をしたロボットのようなマンガ風のキャラクターといった奇妙な登場人物達に出会う。作者が用いたスタイルやテクニックは、交互に出てくる装飾や抽象表現と同じく多種多様である。一冊一冊のノートの内部では、確立された整合性を保った独自の言語とリズムに加え、これらと対をなすバラエティ豊かな視覚表現が何度もぶつかり合い、混乱が生まれている。都会的なモチーフを描いたシュールなドローイングは、水性ペンや色鉛筆、銀色のマーカーで異常なまでに緻密に描き込まれている。これに続いて哀愁漂う水彩画の風景が現れる。レトロフューチャー的なスチームパンクの名著『\u003cem\u003eLes Cités Obscures\u003c\/em\u003e』に、愛国的な風景画のスタイル『\u003cem\u003eHeimatmalerei\u003c\/em\u003e』を掛け合わせたような世界観。繰り返し出てくる湖の絵のような美しさを、湖面に写ったきのこ雲が台無しにしている。どこか分からない都市の上空に浮かんでいる離れ雲は、作者の視覚の宇宙に満ち満ちている計り知れないものに対する恐怖のように、そこはかとなく陰鬱な気配を漂わせている。特色印刷を施したモレスキンノート10冊が箱に収められた限定版。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eNotebooks 2005–2018\u003c\/em\u003e is a collection of ten facsimiled Moleskine notebooks filled with works by Swiss artist Aldo Schmid. Created from 2005 to 2018, these visual worlds take us through abandoned factories and obscure picture-postcard idylls to the hollowed-out codes of modernity and a space of memory evoked by press photos. En route we meet a bizarre cast of characters including grotesque officials, creatures wearing twisted grimaces and masks, and dopey robotic and cartoon-like characters. The styles and techniques employed by the artist are as diverse as the alternating figurations and abstractions in his pictures. Each Moleskine finds its own internally consistent language and rhythm, which are repeatedly disrupted by varying forms of visual counterpoint. Surreal drawings of urban motifs obsessively densified using felt pens, colored pencils and silver markers give way to watercolors of elegiac landscapes: the retro-futuristic steampunk of \u003cem\u003eLes Cités Obscures\u003c\/em\u003e meets \u003cem\u003eHeimatmalerei\u003c\/em\u003e. Lakes are a recurring topos, their picturesqueness undermined by mushroom clouds reflected in the water. Over an unspecified cityscape hangs a cloud as light and yet gloomy as the menace and inscrutability that inhabits Schmid’s visual universe. \u003cem\u003eNotebooks 2005–2018\u003c\/em\u003e, a limited-edition publication, comprises a boxed set of ten facsimiled Moleskine sketchbooks printed with additional colors.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31839837651024,"sku":"978-3-906803-87-6","price":16500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/191031_1919_641594f1-3ee3-4146-a8db-35e693342f63.jpg?v=1617858648"},{"product_id":"the-dynamics-of-dust-by-philippe-dudouit","title":"THE DYNAMICS OF DUST by Philippe Dudouit","description":"\u003cp\u003eスイス人フォトグラファー、フィリップ・ドュドイト（Philippe Dudouit）の作品集。歴史的、地理的、政治的な観点から、そして地図作成の記録の徹底的な考証、研究、分析に基づいて制作されている。本書に収められたプロジェクトは、2008年以降のサヘル・サハラ砂漠地帯の社会政治的革命というテーマを写真で捉えた長期的な研究である。作者は、遠い昔からずっとサヘル・サハラ砂漠地帯で遊牧生活を営んできた先住民が、自由あるいは安全に移動できなくなってしまった土地との間に築いた新しい関係性を記録した。かつては多くの観光客が訪れたこの地域は、誘拐事件が多発したために外国人の立ち入りが禁止されている。その結果、既に壊滅的だった経済が益々悪化し、人口の大部分が必要不可欠な収入の手段を失ってしまった。一見するとイスラム系のテロの増加が原因に思われるが、詳しく観察してみると、それよりもずっと複雑な現実が見えてくる。現在この地域は、低開発、貧困、政府の失態という要素が絡み合った危険な状況に直面している。イスラム過激派、人身売買組織、麻薬や武器の密輸組織の三つ巴の新しい力関係があり、その上に石油、金、ウランの採鉱権を勝ち取ろうと策動する国際企業が君臨している。この地域は、政治的な展望を描くことができない閉塞状況にあり、こうした背景の中で絶望に打ちひしがれた世代が成長している。作者は古典的なアナログの大判カメラのテクニックとデジタルテクノロジーを融合し、さらに革新的なドキュメンタリー写真の感性と環境を主題とするポートレイトのタブロー的な画面構成を組み合わせることによって混成文化を写真で表現した。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePhilippe Dudouit’s work is founded on in-depth historic, geopolitical and cartographic documentation, research and analysis. The presented project is a longterm photographic study on the sociopolitical evolution of the Sahelo-Saharan region since 2008. Dudouit documents the new relationships that historically nomadic native inhabitants of the Sahelo-Saharan region have forged with a territory through which they can no longer pass freely, or safely. The former tourist paradise is now also off-limits to foreigners, due to a burgeoning abduction industry, making the formerly dire economic situation even worse, with large parts of the population cut off from an essential source of income. At first glance, the rise of Islamic terrorism in the area is to blame, but a closer look reveals a reality that is much more complex: the area now faces a dangerous mixture of underdevelopment, poverty and state failure. The new constellation consists of armed Islamists, human traffickers, drugs and weapons smugglers, topped off by international businesses jockeying to win oil, gold and uranium mining rights. The lack of political vision for the area’s future is creating a scenario in which a doomed generation is growing up. Dudouit’s work embodies hybridity, in the fusion of classic analogue large-format camera technique and the usage of digital technologies, but also in the combination of an innovative documentary photographic sensibility with the tableau-type composition of his environmental portrait.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31840050544720,"sku":"978-3-906803-92-0","price":8800.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/THE_DYNAMICS_OF_DUST_01.jpg?v=1617858297"},{"product_id":"re-visions-by-marcia-resnick","title":"RE-VISIONS by Marcia Resnick","description":"\u003cp\u003eアメリカ人フォトグラファー、マーシャ・レズニック（Marcia Resnick）の作品集。1975年、 マンハッタンで自分の車を運転していた作者は、交通事故に巻き込まれ自分の人生が走馬灯のように流れるのを見たという。病院で目を覚まし、今ここにこうしていることに至った全ての出来事について考えはじめた。 新しい作品集の準備として、それまでの人生について思い巡らせ、思いついたことを絵や文章に表していった。1978年にトロントの出版社「ザ・コーチハウス・プレス」から初版が刊行された本書は、思春期から大人の女性への成長を演出した写真で自伝風に捉えた感動的でアイロニックな一冊である。記憶を再現したイメージのコレクションは、人間の条件のアイロニーとユーモアを増幅させるために修正されている。ここでは言葉と写真が等しい重要性を持っている。この二つの要素がお互いを強め合い、協調したり不協和音を鳴らしたりしながら物語を形成している。本書を評してアンディ―・ウォーホールは「\u003ci\u003eヤバい\u003c\/i\u003e」、アレン・ギンズバーグは「\u003cem\u003e女にしては…するどい\u003c\/em\u003e」と言葉を残している。長年の友人だった歌手のリディア・ランチは、41年の時を経て再版を迎えた本書を讃えて「\u003cem\u003eミステリアスに囁きかける、快く甘い、歪んだ世界観。ほころび始めたばかりの未熟さが持つ甘美な倒錯\u003c\/em\u003e」と述べている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn 1975, while driving her car in Manhattan, Marcia Resnick became embroiled in a car accident and her entire life flashed before her. When she awoke in the hospital, she began to think about all of the events which led to her being there. She began to write ideas and draw pictures considering her life thus far, in preparation for creating a new book. In 1978, her poignant and ironic, autobiographical book of staged photographs about female adolescence, Re-visions, was first published by The Coach House Press in Toronto. Re-visions is a collection of revisualizations of memories, often revised to augment the irony and humor of the human condition. The words and pictures are equally important; they feed off each other working in concert or in discord to form the narrative. Andy Warhol called it “\u003cem\u003eBad\u003c\/em\u003e,” and according to Allen Ginsberg it was “\u003cem\u003eSharp…for a girl.\u003c\/em\u003e” Now, 41 years later, longtime friend Lydia Lunch pays homage to the second edition of Re-visions: “\u003cem\u003eA sweet twist which whispers in mysterious tones predicting the delicious perversion of a budding adolescence.\u003c\/em\u003e”\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31854896054352,"sku":"978-3-906803-93-7","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/RE-VISTIONS_01.jpg?v=1617858706"},{"product_id":"mom-by-charlie-engman","title":"MOM by Charlie Engman","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eアメリカ人フォトグラファー、チャーリー・エングマン（Charlie Engman）の作品集。この作品の主人公が誰かはタイトルを見れば分かる。キャスリーン・マッケイン・エングマン（Kathleen McCain Engman）は、2009年から息子チャーリーのためにポーズをとってきた。彼女のそばかすだらけの顔立ちと強烈なまなざしは見慣れたものになっても、イメージの中で彼女がどんな役割を演じているのかはますます理解出来なくなっていく。作者が最初に自分の母親を撮り始めたのは、いつでも撮影がし易いことに加えて、自分の息子の要求に応えようと頑張ってくれるからであった。しかし、気軽で有機的なものとして始まったプロセスは、内容の濃いコラボレーションへと発展していった。こうして出来上がったものは、家族アルバムでも息子による母親の賛美でもなく、はるかに深く複雑な相互作用だった。本作は、親密さの限度、役割と描写のルールと境界線、脆弱性とコントロール、そして見ることと見られることの意味を問いかけている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe book’s title reveals the identity of its protagonist: Kathleen McCain Engman has been posing for her son Charlie since 2009. And yet \u003cem\u003eMOM\u003c\/em\u003e shows us a face we never really get to know: while we soon become acquainted with her freckled complexion and intense gaze, her position in the images becomes increasingly unclear. Engman first began shooting his mother because she was available, ever-willing to meet the demands of one of her children. But what began as a casual, organic process evolved into an intense collaboration. The result is neither a family album nor a filial tribute but a much deeper and far more complex interaction: one that raises questions about the limits of familiarity, the rules and boundaries of roles and representation, vulnerability and control, and what it means to look and to be seen.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32264731820112,"sku":"978-3-907236-04-8","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/MOMcover_78e5ee94-2baa-4441-a653-5cba7fdecad7.jpg?v=1617857509"},{"product_id":"appetite-for-the-magnificent-by-tania-willen-david-willen-jorg-scheller-1","title":"APPETITE FOR THE MAGNIFICENT by Tania Willen, David Willen, Jörg Scheller","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eスイス人エディター、タニア・ウィレン（Tania Willen）とフォトグラファー、デイヴィッド・ウィレン（David Willen）によるフォト・デュオ「Studio Willen（スタジオ・ウィレン）」と、 美術史家でありジャーナリスト、ミュージシャンでもあるヨルグ・シェラー（Jörg Scheller）による作品集。水族館の歴史と現在を写真とエッセイで表現した一作。タニアとデイヴィッドは、現代スイスの動物園やラグジュアリーな水族館の世界が魅せる絵画的な側面に焦点を当てた。スイスでは、「アクアスケーパー」と呼ばれる水槽づくりの専門家達が動植物と鉱物を組み合わせて目に美しい水中の庭をデザインしている。映像のように動き続ける水中の光景は現実と本質、存在と不在、生と死の世界の間に浮かび上がる。水槽の中を泳ぎ回る魚は呼吸している生きた存在であるが、私たちの目にはガラス越しに見える魚のイメージとしても映る。この作品では、全ての水槽が正面から撮影され、魚たちは宙に浮かんでいるように見える。テレビの先駆けと言っても過言ではない水槽のその仮想的な側面がこの効果によって強調されている。また、「アクアリウム」の名付け親であり、水槽設備の開発に関わりその普及に貢献したイギリス人博物学者のフィリップ・ヘンリー・ゴス（Philip Henry Gosse \/ 1810-1888年）に関するヨルグ・シェラーによるエッセイを収録。エッセイでは、芸術や科学、宗教の接点という視点からアクアリウムの進化の歴史を辿っている。自然の美化と人工化、海洋生物の体系的な観察と探求、そしてキリスト教の旧約聖書『創世記』に書かれている、神は人に「海の魚、空の鳥、地を這うすべてのものを支配」する地位を与えたという信仰―そのアクアリウムの根底にある原理には、芸術的なイラストを描き、独学で科学を学び、敬虔な福音主義者でもあったフィリップ・ヘンリー・ゴスの人生と思想が息づいている、と語られている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAppetite for the Magnificent is a photographic and essayistic exploration of the history and present-day world of the aquarium. David and Tania Willen focus their lenses on the pictorial, aesthetic dimension of present-day aquariums in Swiss zoos and Switzerland’s high-end aquarium scene: public and private labs in which “aquascapers” design animal-vegetable-mineral gardens of aqueous delights. These moving-picture aquascapes float between the poles of reality and virtuality, presence and absence, the animate and inanimate world. The fish swimming around in the tank may be present as living, breathing creatures, and yet we also perceive them through the glass as images of fish. In the Willens’ photographs, all shot from the front, the fish seem suspended in mid-air, an effect that brings to the fore the virtual side of the aquarium: it is nothing short of a precursor to the television set. In his essay on the co-founder and popularizer of aquaristics Philip Henry Gosse (1810 –1888), Jörg Scheller retraces the evolution of the aquarium at the\u003cbr\u003einterface between art, science and religion. Gosse was an artistic illustrator, a self-taught scientist and a devout evangelical, whose life and thought are reflected in the underlying principles of the aquarium: the aestheticization and artification of nature, the systematic observation and exploration of marine life, and belief, according to the Book of Genesis, in man’s God-given “dominion over the fish of the sea, and over the fowl of the air, and over the cattle, and over all the earth, and over every creeping thing that creepeth upon the earth”. (Jörg Scheller, 2017)\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32296195326032,"sku":"9783906803487","price":7095.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/AppetitefortheMagnificentcover.jpg?v=1617877967"},{"product_id":"new-books-edited-by-daniela-comani","title":"NEUERSCHEINUNGEN, HRSG. VON DANIELA COMANI (NEW BOOKS, EDITED BY DANIELA COMANI) by Daniela Comani","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eイタリア人アーティスト、ダニエラ・コマーニ（Daniela Comani）の作品集。『\u003cem\u003e新書 ダニエラ・コマーニ編』\u003c\/em\u003eと名付けられた本書は、ドストエフスキー（Dostoyevsky）、セルバンテス（Cervantes）、フローベール（Flaubert）、ヘミングウェイ（Hemingway）、アントワーヌ・ド・サン＝テグジュペリ（Antoine de Saint-Exupéry）、ロベルト・ムージル（Robert Musil）など、多くの人々の本棚を飾る著名な古典作品を紹介している。我々が読んだことのある本、あるいは読むべきだった本たちは、ある種の郷愁、過去の確実性を身にまとっているようである。それともこの感覚は作者の手によるものなのだろうか。『カラマーゾフの姉妹』、『\u003cem\u003eドン・キホーテ\u003c\/em\u003e』、『\u003cem\u003eムッシュー・ボヴァリー\u003c\/em\u003e』、『\u003cem\u003e老女と海\u003c\/em\u003e』、『\u003cem\u003e星の王女様\u003c\/em\u003e』、『\u003cem\u003e特性のない女\u003c\/em\u003e』に我々は本当に出会ったことがあるだろうか。世界的な文学作品の主人公たちはほとんどが男性であるが、ここでは奇跡的な性転換を遂げ、文学のジャンルや役割について私たちが抱いている既成概念を真剣に問い直している。ジェンダーにまつわる不安を繊細で巧緻な方法で可視化する作者の芸術は、西洋古典文学の名作を従来のものとは全く違う新鮮な視点から見直すことを我々に呼びかける。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eNeuerscheinungen, hrsg. von Daniela Comani (new books, edited by Daniela Comani)\u003c\/em\u003e presents books we are all acquainted with, well-known classics that adorn our bookshelves. Dostoyevsky, Cervantes, Flaubert, Hemingway, Antoine de Saint-Exupéry or Robert Musil. Books we once read or should have read, now endowed with a certain sense of nostalgia, of past certainties. Or does she? Have we really ever encountered \u003cem\u003eThe Sisters Karamazov, Doña Quixote, Monsieur Bovary, The Old Woman and the Sea, La Petite Princesse or Die Frau ohne Eigenschaften\u003c\/em\u003e? The protagonists of world literature, most of them male, undergo a miraculous gender transformation, seriously challenging our established notions of literary type and roles. Gender unease is made visible in a subtle and sensitive way. Daniela Comani’s art entices us to take a completely fresh look at some of the great classics of Western literature.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32296251064400,"sku":"9783905509786","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/NEWBOOKScover.jpg?v=1617877982"},{"product_id":"paintings-by-emil-michael-klein-1","title":"PAINTINGS by Emil Michael Klein","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eスイス人アーティスト、エミル・ミハエル・クライン（Emil Michael Klein）の作品集。2013年から2016年にかけて制作された大型の油画に対し、媒体、フォーマット、サイズを変えて印刷された本という形式に落とし込んだ。自身が選んだ30作の高品質アートプリントを、デザイナーのテオ・シフェリ（Teo Schifferli）が1冊の本にした。キャンバスを異なるアングルで捉えたイメージや、派生、独立してきた作品も収録されている。本書の制作に際し、作者はアーティストブックという特殊なフォーマットの中で印刷と絵画という対照的なプロセスを探求し、融合させた。色で描かれた線とモノクロの面で構成された網の目のような作者の絵は、印刷された作品が持つ整然とした様子や鮮やかな色彩といった効果を思い起こさせる。ここでは、その類似点と2つの表現手段の違い、さらには二つの間を自由に行き来することへの魅力が掘り下げられている。本書は、原画を複製することに付き纏う問題に向き合うことはもちろん、イメージがどのようにして鑑賞され、広まっていくのかについても問いを投げかけている。セリー主義とバリエーションに対する自分なりの考え方と抽象絵画の概念に基づき、作者は作品に短いキャプションしかつけないようにしている。作者の絵は文章、解説、説明を必要としないからである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003ePaintings\u003c\/em\u003e presents a recent series of works by Emil Michael Klein. These large-scale oil paintings on canvas, executed from 2013 to 2016, are transformed here by the medium, format and reduced size of the printed book. Designer Teo Schifferli has brought together the artist’s own selection of 30 high-quality art prints of his paintings, including different takes and angles on those canvases, as well as other stand-alone works by Klein. Emil Michael Klein’s main object here is to explore and intermingle the contrasting processes of printing and painting within the specific format of an artist’s book. The arterial web of colored lines and monochrome color fields in his paintings evokes the formal and chromatic effects of printed artwork. Klein delves into these similarities – as well as differences between the two artistic media – and his ambivalence about switching from one to the other. Besides grappling with the perennial problems involved in turning originals into reproductions, this artist’s book asks how images are viewed and disseminated. Based on his concept of serialism and variation as well as abstract painting, Emil Michael Klein provides only brief captions to the pictures: they need no accompanying text, commentary or explanations.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32656323608656,"sku":"978-3-906803-42-5","price":7920.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/PAINTING00.jpg?v=1617857784"},{"product_id":"bewegungen-movements-by-suzanne-perrottet","title":"BEWEGUNGEN \/ MOVEMENTS by Suzanne Perrottet","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eスイス人ダンサー、振付師のスザンヌ・ペロテ（Suzanne Perrottet）の作品集。作者が長年かけて蒐集した「動作（MOVEMENT）」にまつわるイメージ群で構成されている。作者は、スイス人作曲家、音楽教育家のエミール・ジャック＝ダルクローズ （Émile Jaques-Dalcroze）の元で彼が提唱したリトミックを学び、ドレスデン郊外のヘレラウで教鞭を執った。その生徒の一人は、ドイツ人ダンサーのマリー・ヴィグマン（Mary Wigman）であった。1912年にハンガリー人ダンサーであり振付師、理論家のルドルフ・フォン ラバン（Rudolf von Laban）に出会い、アスコナの背後の丘「モンテ・ヴェリタ」のアーティスト・コロニーに移り、その後はスイスへ移りダダ・ソワレでパフォーマンスを行った。1913年の夏は、モンテ・ヴェリタにとって大きな転機となる時期であった。ラバン、ヴィグマンらと共に作者は、音と言葉、自然な動きの流れとジェスチャーが持つ表現のパワーに気がつく。モダンダンスの誕生であった。誰もが皆、自然の動きのスピリットから恩恵を得るために在り、心身を解放することを到達点としているのである。1920年、作者はチューリッヒに学校を設立し、ダンサーや俳優、子供から大人、身体的もしくは精神的機能が不自由な人に教えるだけでなく、自身の研究にも熱を入れ専念した。新たな分野であるこの取り組みにおける文献の不足を補うべく、作者は雑誌から動きやジェスチャー、身体的表現にまつわるイメージを切り抜き、60年の間に1万枚を超える写真素材を集めてカテゴリーごとに分類した。作者は89歳まで活動を続け、この世を去った。しばらくの間、切り抜きの入った箱は忘れ去られていたが、本書によってそのユニークなコレクションは「動作」のヴィジュアルアーカイブとして蘇った。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eSuzanne Perrottet (1889–1983) grew up in Geneva, studied rhythmics with Émile Jaques-Dalcroze and taught in Hellerau, where Mary Wigman was one of her pupils. In 1912, she met the dancer, choreographer, and theorist Rudolf von Laban, moved with him to the Monte Verità artists’ colony near Ascona and later to Zürich, where she performed at the Dada soirées. The summer of 1913 was a great turning point on Monte Verità! Along with Laban, Wigman, and others, Perrottet discovered the expressive power of natural movements and gestures, of sounds and words. It was the birth of modern dance. Everyone was to benefit from the spirit of natural movement; the goal was to liberate body and mind. In 1920 Perrottet founded a school in Zürich. There she not only taught dancers, actors, children, and adults, including the physically and mentally impaired, but also devoted herself to intense, ongoing research. To compensate the lack of literature available in this new field, she started cutting pictures of movements, gestures, and physical expressions out of magazines. In the course of 60 years, she amassed an archive of over 10,000 pictures, which she classified by categories. Suzanne Perrottet continued working until she was 89 years old. After she died, her banana boxes of clippings were forgotten. Rediscovered in this book, they give an insight into a unique collection―a visual archive of movement.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32656357228624,"sku":"978-3-905929-50-8","price":15400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/MOVEMENTS00.jpg?v=1617857841"},{"product_id":"widerspruchliche-bewegungsreize-contradictory-motion-cues-by-huber-huber","title":"WIDERSPRÜCHLICHE BEWEGUNGSREIZE \/ CONTRADICTORY MOTION CUES by Huber.Huber","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eスイス人アーティストデュオ、フーバー・フーバー（Huber.Huber）の作品集。2011年に同出版社より刊行された『\u003cem\u003eUNIVERSEN\u003c\/em\u003e』の続編であり、二人のクリエーションを視覚的に手元で楽しめるように書籍化した、この10年間の集大成ともいえる一冊。ページをめくるうちに、イメージで満ち溢れたその世界観に思わず引き込まれてしまう。しかし本作は、前作とは対照的にコラージュやインクドローイングではなく写真作品に焦点を当てている。見開きページに対になるようにイメージが配置されているが、それぞれ大きさも違いがあり、上向きであったり下向きであったりと様々で、さらに個々に異なるテクニックが使用されてイメージが作られている。そんな目もくらむようなイメージのタペストリーが視覚的な不協和音を生み出し、極端な場合には乗り物酔いになったかのような気分にさせる。簡潔な説明から連想によって結びついた感覚的な印象まで、7か国語に翻訳された短いテキストは、いくつかの構成やシークエンスの理解につながるヒントを提供しつつイメージの洪水からの程よい息抜きになっている。その奇妙な視覚の小宇宙を読み解く手がかりとして、「リンゴ」、「シャーレ」、「塩湖」といった名詞から「湿った」、「幾何学的な」、「不気味なまでの」のような形容詞まで、非常に幅広い索引がついている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e単なる写真の複製を遥かに超えたこの作品集は、本という特殊な媒体にフーバー・フーバーの芸術を巧みに反映している。\u003c\/em\u003e」―ミリアム・フィッシャー（Mirjam Fischer）\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"color: #2b00ff;\"\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e\u003cem\u003eWidersprüchliche Bewegungsreize\u003c\/em\u003e picks up where the author’s previous book, Universen (Edition Patrick Frey, 2011), left off and gives visible, palpable form to their artistic work over the past ten years, transporting the reader once again into a teeming pictorial cosmos. In contrast to Universen, however, this artist’s book features huber.huber’s photographs rather than collages and ink drawings. Presented in two-page spreads, the pictorial compositions form ascending and descending series of various lengths in which other images using other techniques are embedded. The upshot is a dazzling tapestry of images, producing a sort of visual dissonance which, in extreme cases, is liable to cause the same symptoms as motion sickness. Brief texts (translated into a total of seven different languages), ranging from succinct descriptions to associative sensory impressions, provide clues to some of the compositions and sequencing whilst also serving as agreeable interludes. A remarkably comprehensive index of nouns (e.g. “apple”, “petri dish”, “salt lake”) and adjectives (e.g. “moist”, “geometric”, “eerie”) helps to render the artists’ enigmatic visual cosmos readable.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eThis new artist’s book goes far beyond the mere reproduction of photographs and once again masterfully reflects huber.huber’s artistic practices in the special medium of the book.\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e– Mirjam Fischer\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32656410542160,"sku":"978-3-907236-02-4","price":10450.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/CONTRADICTORYMOTIONCUES00_f48315f0-8d53-40b6-8612-1bcaaadae32d.jpg?v=1617857699"},{"product_id":"salon-moderne-by-fabienne-eggelhofer-monica-lutz","title":"SALON MODERNE by Fabienne Eggelhöfer, Monica Lutz","description":"\u003cp\u003eスイスを拠点に美術史家、キュレーターとして活動するファビエンヌ・エグルホファー（Fabienne Eggelhöfer）と、本屋であり現在は精神科施設のソーシャルワーカーとして働くモニカ・ルッツ（Monica Lutz）による編集で制作された作品集。「Hair Affair」「Haircore」「Jennyf'hair」… 独特の美的センスを宣伝し注目を集めるべく、ヘアサロン（美容院）は名付けられ、好奇心をくすぐる小さな宇宙を作り出している。本書に掲載されているスイスのヘアサロンの名前とウィンドウディスプレイはまるで宝石のようである。例えばギリシャ神殿のようなコリント式の柱と漁網と貝殻で飾られたウィンドウ、別のサロンではモデルカーとサッカーボールのディスプレイ、はたまた夏に合わせて置かれたカーニバルマスクとカラフルな浮き輪、新旧さまざまなミス・スイスの写真など、種々様々なデコレーションが施されている。しかし、発泡スチロールの台の上にかじられた松ぼっくりと背中の針の半分が壊れている木製のハリネズミの置物を並べている様子を見ると、一体何がスイスの美容師たちにそのような発想を与えたのだろうかと思わずにはいられない。おそらくヘアサロンのウィンドウデコレーションはそれ自体が自己完結型のアートであるが故、魅力的で難解、そしてコミカルなものとして仕上がっているのだろう。中にはヘアサロンの本質からかけ離れたディスプレイも少なくない。このようなそれぞれの店が唯一無二の独自性かつ多様性を持つ業界は、他の小売業界と一線を画している。本書が作られた理由の一つとして、このような奇妙な現象とも言える独特のデコレーション文化が、プロフェッショナル・ブランディングの時代の中で生き残っていくべきと考えるからである。作者は、スイスのボーリング場をテーマとした作品集『\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/products\/gut-holz-by-fabienne-eggelhofer-monica-lutz\"\u003eGUTZ HOLZ\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e』（2008）、1960年代と70年代のスイスのティールームの内装に焦点を当てた一冊『\u003cem\u003eDIE SCHÖNSTEN SCHWEIZER TEA ROOMS\u003c\/em\u003e』（2004）を制作。本作は、2人が手がけた3作目の作品集となる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eHair Affair, Haircore, Jennyf'hair: hair salons are curious little worlds. Their names angle for attention, as do the window displays touting their particular aesthetic. The names and window displays of the Swiss salons showcased in \u003cem\u003eSalon Moderne\u003c\/em\u003e are veritable gems: there’s a window adorned with Corinthian columns, fishing nets and shells, for example, another decorated with model cars and a signed soccer ball, still others featuring carnival masks, colorful life preservers during the summer season, or photos of Miss Switzerlands past and present. But what could Swiss hairdressers possibly be thinking when they place a nibbled-at pine cone and a wooden hedgehog (half of whose spines are broken) on a styrofoam pedestal in the window? Well, it appears that hair salon window-dressing is an art unto itself, at once fascinating, perplexing and risible, often more or less divorced from the core business itself, and the sheer diversity of its one-off productions is unrivalled in any other line of retail business. That such a decorative culture should survive into the age of professional branding is but one more reason to devote a whole book to this bizarre phenomenon. After \u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/products\/gut-holz-by-fabienne-eggelhofer-monica-lutz\"\u003e\u003cem\u003eGut Holz\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e (2008), presenting a selection of aesthetically intriguing bowling alleys in Switzerland, and \u003cem\u003eDie schönsten Schweizer Tea Rooms\u003c\/em\u003e (2004), featuring the most stylish Swiss tea room interiors of the 1960s and ’70s, \u003cem\u003eSalon Moderne\u003c\/em\u003e is the third book by editors Fabienne Eggelhöfer and Monica Lutz to be published by Edition Patrick Frey.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32662153298000,"sku":"978-3-905929-92-8","price":6050.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/SalonModerne_Front_01.jpg?v=1617857923"},{"product_id":"pursuit-of-wonders-by-andreas-zust","title":"PURSUIT OF WONDERS by Andreas Züst","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eスイス人フォトグラファー、アンドレアス・ツスト（Andreas Züst）の作品集。2000年にこの世を去るまで生涯を通じて自然現象に魅了された作者は、子供の頃から1日3回必ず天気模様を注意深く観察していたという。大学では雪氷学を専攻し、グリーンランドのチューレで数ヶ月間氷床コアを掘り、研究の一環として数え切れないほどのスライドを撮影した。果てしなく続く氷の世界、吹きつけてきたばかりの真っ白に輝く雪、窓にできた氷の結晶から、輝くブルー、氷に覆われた浜辺でカメラを覗き込む北極グマ、満月の光に照らされ氷に閉ざされた研究基地まで、作者のカメラで捉えられた氷は、様々に形を変え、一つの状態に決めつけられることを嫌がっているようにも見える。イメージが持つこの世のものとは思えないオーラは、氷が放つ不透明な青い輝き（実際に見せていた時と同じくスライドショーで見るのがベスト）に表れている。また、本書では「氷の物語」と「氷河学者としての人生と仕事」が別々に語られているが、氷の世界を行くシュールな旅の空気感がこの二つをしっかりと結びつけている。作者の友人で映画監督のペーター・メトラー（Peter Mettler）、文化研究者のヴェレーナ・クニ（Verena Kuni）、アーティストのジメナ・クロチェリ（Jimena Croceri）とサリーナ・シャイデッガー（Sarina Scheidegger）によるテキストを収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAndreas Züst (1947–2000) was fascinated by natural phenomena his whole life long. Even as a child he would stoically take note of the weather conditions three times a day. Later on, as a student of glaciology, he spent whole months at Thule in Greenland drilling ice cores—and shooting countless slides of his research work there. The resulting corpus of photographic material explores ice in a multitude of different forms and escapes determination, ranging from endless icescapes, freshly blown bright white snow, and ice crystals on a window to a glowing blue, a polar bear peering into the camera on an ice-covered beach, and an ice-bound research base camp under the light of the full moon. The opaque blue glow of ice (best viewed as originally presented in a slide show) epitomizes the otherworldly aura of these evocative images. The story of ice and that of a glaciologist’s life and work are told separately in Pursuit of Wonders, but tied together by the prevailing atmosphere of a surreal journey through a world of ice, rounded out by contributions by the film maker Peter Mettler, who was a friend of Züst’s, cultural studies scholar Verena Kuni as well as artists Jimena Croceri and Sarina Scheidegger.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32882907906128,"sku":"978-3-907236-06-2","price":9900.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/PERSUITOFWONDERS00.jpg?v=1617857148"},{"product_id":"the-museum-of-mistakes-by-pierre-leguillon","title":"THE MUSEUM OF MISTAKES by Pierre Leguillon","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eフランス人アーティスト、ピエール・ルギヨン（Pierre Leguillon）の作品集。「\u003cem\u003e間違いだらけの美術館（MUSÉE DES ERREURS \/ THE MUSEUM OF MISTAKES）\u003c\/em\u003e」に収蔵された、多岐にわたる作品群を紹介した初めての一冊。2013年に作者がベルギー、ブリュッセルで始めたこの美術館は、街にやって来ては去っていく巡回サーカスのように、現実の美術館を巡回している。展覧会が開催されていない時は、作者の自宅、主にキッチンの食器棚に保管されている。ほとんどがシリーズものであり、物としての価値がほとんどない素材、例えば絵葉書、レコードスリーブ、大小のポスター、布、陶器、民芸品、子供の絵など種々雑多なもので作られている。本書には、巡回展で飾るにはあまりにも小さかったり、壊れやすかったり、取るに足らないと判断されてきた作品に加え、このコレクションの様々な側面を示す日常的な街角の写真も含まれている。今の時代、実質的価値も美的価値もないヴィジュアルカルチャーがソーシャルメディアやインターネットで共有され、キャプションがなかったり、間違ったキャプションがついていることも当たり前となっている。その中でこの作品は、サインがあるものもないものも全てがありとあらゆる権利の主張を不可能にしている。この作品たちを絶えず並べ替え再編成することによって、ありきたりの解釈を再検討し、近頃はどの美術館でも提供されている文化的「プレタポルテ」のようなものをユーモアたっぷりに転覆させることを示唆している。パトリシア・ファルギエール（Patricia Falguières）とモラッド・モンタザミ（Morad Montazami）のエッセイは、美術館の伝統と文化的流用という現象を背景に「\u003cem\u003eMUSÉE DES ERREURS \/ THE MUSEUM OF MISTAKES\u003c\/em\u003e」を読み解いている。また、作品につけられたフリースタイルのキャプションはキャリー・ピルト（Carrie Pilto）によるもの。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis is the first book to present a wide selection of works from the \u003cem\u003eMusée des Erreurs\u003c\/em\u003e, or \u003cem\u003eMuseum of Mistakes\u003c\/em\u003e. Founded in Brussels in 2013 by Pierre Leguillon, the Musée des Erreurs is a traveling exhibition that encamps for a time in the halls of brick-and-mortar museums—like a traveling circus that comes to town—and then moves on. The rest of the time, the collection is stored in the artist's studio apartment, mainly in his kitchen cupboards. Most of the items are serially manufactured and of negligible material value: postcards, record sleeves, posters large and small, pieces of fabric, ceramics, folk art, children's drawings, and other miscellany. This book also includes items deemed too small, fragile or insignificant to take on tour in the past, as well as the artist's own photographs of everyday street scenes that shed some light on various facets of the collection. Whether signed or anonymous, these artifacts defy any claims of authoritativeness in an age in which visual culture is shared on social media and all over the web, with no distinctions in substantive or aesthetic value, often with no captions and, all too frequently, with erroneous attributions. For Leguillon, the constant sorting and reshuffling of the items in the collection helps us revisit conventional interpretations and subvert, with an ample dose of humor, the sort of cultural “prêt-à-porter” so many museums serve us up nowadays. Essays by Patricia Falguières and Morad Montazami situate the Musée des Erreurs in the tradition of art museums and the phenomenon of cultural appropriation. And Carrie Pilto contributes freestyle captions commenting on the featured items.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32882925699152,"sku":"978-3-906803-94-4","price":9570.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/TheMuseumofMistakes_PierreLeguillon00.jpg?v=1617857455"},{"product_id":"everybodys-ataturk-by-mine-dal","title":"EVERYBODY'S ATATÜRK by Mine Dal","description":"\u003cp\u003eトルコ系スイス人フォトグラファー、マイン・ダル（Mine Dal）の作品集。本作は、現代トルコの日常生活を巡るビジュアルジャーニーである。現在スイスを拠点に活動しているイスタンブール生まれの作者は、このプロジェクトのために長期間トルコを旅して回り、トルコ共和国の創設者ムスタファ＝ケマル・アタテュルク（Mustafa Kemal Atatürk、1881-1938）の様々な痕跡を拾い上げ、トルコ社会の多面的なポートレイトを作り上げた。近代トルコの創始者アタテュルクは、象徴的な存在として今なおトルコの社会や人々の生活の隅々にまで浸透している。仕立て屋、肉屋、八百屋、レストラン、学校、美容院、靴屋に至るまで、どこを見てもアタテュルクが目に入ってくる。死後80年以上経った今でもその記憶は生きており、広くあがめられている。西洋をモデルとした近代化と根本的な再定義を目指したアタテュルクは、社会、法律、経済と広範囲にわたる改革を実行した。作者の写真からは、「みんなのアタテュルク」だけでなく、大都市、アナトリアの村々、海辺や山間部の日常生活の様子もうかがうことができる。骨身を惜しまず集められた幅広い独自の記録資料の集大成であるこの作品には、世界的な視野を持つ開かれた国を目指すトルコの民衆の思いまでもが反映されている。\u003cem\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eEverybody’s Atatürk\u003c\/em\u003e is a visual journey through everyday life in contemporary Turkey. For this long-term project, Mine Dal, a photographer born in Istanbul and now based in Switzerland, travelled widely in Turkey, looking for traces of the protean presence of Mustafa Kemal Atatürk (1881–1938), the founder of the Republic of Turkey. The upshot is a multi-faceted portrait of Turkish society, for the symbolic figure of Atatürk permeates virtually every area of present-day social and public life there: at the tailor’s, butcher’s or greengrocer’s shop, at restaurants and schools, at the hairdresser’s and the shoe store—just about anywhere you look, you’ll find Atatürk. Even more than eighty years after the death of the founder of the modern state, his memory is still alive and widely revered. Atatürk undertook far-reaching social, legal and economic reforms to modernize and fundamentally redefine Turkey based on Western models. Mine Dal’s photographs show not only “everybody’s Atatürk”, but also day-to-day life in big cities as well as in Anatolian villages and coastal and mountain regions. This painstaking wide-ranging compilation of unique documentary material also reflects the Turkish people's allegiance to an openminded, cosmopolitan Turkey.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":33124926390352,"sku":"9783907236031","price":11220.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/Everybody_sAtaturk00.jpg?v=1617856835"},{"product_id":"via-lactea-by-alfio-tommasini","title":"VIA LACTEA by Alfio Tommasini","description":"\u003cp\u003eスイス人アーティスト、アルフィオ・トマジーニ（Alfio Tommasini）の作品集。取り立てて珍しくもない話だが、全ては遺伝子の突然変異から始まった。中央ヨーロッパ人が離乳後にミルクを消化するのに必要な酵素を獲得し始めたのは今からわずか7,500年前。初期の農耕集落から近代的な意味での酪農が生まれ、そこから自然が徐々に文化となり、最終的には文明と呼ばれるまでになっていった。収穫物や備蓄物に完全に依存する必要がなくなった畜産農家は、冷涼で雪に覆われ、土地も痩せていることが多い山間地域の厳しい気候条件の下でも生き抜くことができた。作者は、これらの地域とその住人達をテーマに本作を制作。作者は人と家畜が一つ屋根の下で共同生活を送る長い冬を選んで、スイスのアルプス山脈やその麓の丘陵地帯の小自作農や牧畜者をメインに、牛乳や人工授精に係わる大規模な研究所も訪れている。本書には、2015年から2019年の間に撮影された、キャンバス画のような風景写真と、細部まで緻密に描かれた絵画のような農夫や農場の動物たちの私的なポートレートを収録。変化と機械化が急速に進む農業と酪農産業を背景に、人間と動物、土地との関係性を視覚的に探求した。オランダ人建築家・都市計画家のレム・コールハウス（Rem Koolhaas）は、現代の都市生活の背後には高度に組織化・デジタル化された農産業、巨大な倉庫やデータセンターなど、都市を支える人やものの巨大なインフラが存在しているという。これらの非都市領域は、今再び良くも悪くも急激な変化を遂げている。本書からは、このようにして技術革新の最中に巻き込まれた辺縁的な小宇宙の一端を垣間見ることができる。民俗学や理想化とはかけ離れた作者の写真は、衣服や道具、機械のディテールを通じて、避けることのできない共進化による激変をさりげなくもはっきりと伝えている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIt all started, as so often, with a genetic mutation. It was only around 7,500 years ago that Central European adults began to retain the enzyme necessary to metabolize milk after infancy. Dairy farming in the modern sense began in the early agricultural settlements, where nature gradually became culture and eventually what we call “civilization.” No longer wholly dependent on harvests and food reserves, cattle farmers were able to survive even under the harsh climatic conditions of less fertile, often cold and snow-covered mountain regions. Those regions and their inhabitants are the subject of \u003cem\u003eVia Lactea\u003c\/em\u003e by Swiss photographer Alfio Tommasini. During the long winter months in particular, when man and beast live in close symbiosis under the same roof, he visited mostly smallholders and cattle breeders in the Alps and Alpine foothills as well as large-scale milk and insemination laboratories in Switzerland.\u003cbr\u003e\u003cem\u003eVia Lactea\u003c\/em\u003e presents tableau-like landscapes shot between 2015 and 2019 as well as precisely detailed and yet intimate painterly portraits of farmers and farm animals. Tommasini undertakes a visual study of the relationship between humans, animals and topography in the context of a rapidly changing and increasingly mechanized agriculture and dairy industry. For behind the scenes of our modern-day urban lives lies a vast infrastructure of people and things that a city needs to survive, including highly organized and digitized agro-industries, gigantic warehouses and data centers (Rem Koolhaas). These non urban realms are now, once again, undergoing a sea change—for better or for worse. \u003cem\u003eVia Lactea\u003c\/em\u003e provides a glimpse of one such peripheral microcosm caught up in the throes of technological transformation. Tommasini’s photographs are anything but folkloristic or romanticizing, for the details of the clothing, tools and machinery portrayed bear subtle but telltale signs of ineluctable coevolutionary upheavals.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":33124926881872,"sku":"9783907236017","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/VIALACTEA00.jpg?v=1617856686"},{"product_id":"jorg-binz-zeichner-maler-by-jorg-binz","title":"JÖRG BINZ, ZEICHNER, MALER by Jörg Binz","description":"\u003cp\u003eスイス人アーティスト、ヨルク・ビンツの作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e「\u003cem\u003e私は学校が嫌で嫌でたまりませんでした。口うるさい先生のいないところで絵を描いていたかった。春の洪水のような勢いで私は学校を可能な限り休みました。そこで（ルツェルン美術学校の）校長先生のヴェルナー・アンデルマット氏に呼び出されてしましまいた。退学にされるかもしれないと思い悩んだ私は、なんとか許してもらえるように少しでも良いところがあると思った作品をかき集めてポートフォリオを作りました。そして運命の日、校室に入ると、アンデルマット先生が巨大な机の向こう側から着席するように促しました。胸がどきどきして、自信は地に落ち、姿勢も悪くなってしまいました。それを見たアンデルマット先生は勘違いしてどなりました。「少しは敬意を見せて背筋を伸ばしたらどうだ。この馬鹿者！」私はショック状態でした。それから先生はどうして学校を休むのか尋ねました。私は自分のために絵を描いていること、集中できる静かな場所が欲しいことを伝えました。彼は私のポートフォリオを取ると、1ページずつ目を通していきました。ページをめくっては後戻りをして何度も見返し、深いため息をついて咳払いをしました。「君のやっていることは非常に良い。ずばぬけて素晴らしい。この調子で頑張れ！でも今後は学校に来なさい」それだけいうと、彼は私を放免してくれました。\u003c\/em\u003e」（抜粋） \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者の作品に捧げられた感動的な1冊。ポートレイトをはじめとする数々の絵画とスケッチブックから厳選したイメージを収録。びっくりするほど奇想天外で卓越した作品と、絵画について語り続ける文学的な伝記のような文章を織り交ぜている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eI was sick and tired of school again. I wanted to draw and paint without my teachers’ incessant comments. My absenteeism was swelling like a spring flood. So Director Werner Andermatt [head of Lucerne’s school of design] called me into his office. That boded ill and I saw myself flunking out of the school. In my distress, I gathered together everything I thought was any good and, in hopes of clemency, stuck it in a portfolio. On execution day I walked into Andermatt’s office. He motioned for me to take a seat facing him across his gigantic desk. My heart was pounding, my selfconfidence had hit rock-bottom, as had my posture— which Andermatt completely misinterpreted and snarled at me, ‘Show some respect and sit up straight in your hair, you lousy punk, you!” I fell into a state of shock. Then he wanted to why I’d absented myself from school. I told him I’d been painting for myself and wanted some peace and quiet. He grabbed my portfolio. And leafed through it, page by page, forwards and back again, took a deep breath and harrumphed, ‘That’s really very good what you’re doing there, outstanding, sensational. Keep up the good work! But now you come back to school.’ And with that, he let me go.\u003c\/em\u003e” (excerpt)\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis book is a moving tribute to Jörg Binz’s work, a selection from a great many paintings, especially portraits, and from his secret sketchbooks. It contains startling, bizarre, sublime works interspersed with literary and biographical texts that engage in an ongoing conversation with the paintings.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":33165045137488,"sku":"978-3-907236-09-3","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/JorgBinz_Zeichner_Maler00.jpg?v=1617856634"},{"product_id":"this-is-not-a-commercial-billboard-billding-by-veli-amos","title":"THIS IS NOT A COMMERCIAL. BILLBOARD\/BILLDING by Veli \u0026 Amos","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eボスニア・ヘルツェゴビナ出身、スロベニア、ポルトガル、スイスを中心に活動しているヴェリ・シルバー（Veli Silver）と、スイス出身、また拠点として活動するアモス・アンジェレス（Amos Angeles）によるアーティストデュオ、ヴェリ＆アモス（Veli \u0026amp; Amos）の作品集。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e「\u003cem\u003eチューリッヒのラングシュトラーセでは、誰もが自分で商売をしてお金を稼がなければならない。日々の糧を得ることは必要だ。『お金を払っていただければ、ここに絵を描きます』。私達はお金をもらってビルボードにありとあらゆる広告を描いてきた。2011年から2015年にかけて、私達はスイスが誇る文化人エスター・エプシュタイン（Esther Eppstein）のプロジェクトである『\u003ca href=\"https:\/\/messagesalon.ch\/en\/\" target=\"_blank\" data-mce-href=\"https:\/\/messagesalon.ch\/en\/\"\u003emessage salon\u003c\/a\u003e』の屋根に商業用ビルボードを設置した。この建物は元は『パーラ・モード』と呼ばれたアーティストスペースだったが、現在はチェーンのベジタリアンレストランが入っている。このコンセプトが受け入れられるまでにはしばらくかかった。最初は不振な目で見られていたが、商売が上手くいくようになると、ラブレターから別れの手紙、政治的な声明、ゴシップ、うわさ、グラフィティ、ストリートアート、果ては煙草の広告まで、私達だけでなく他の人達もありとあらゆるテーマで絵を描いた。こうしてビジネスは軌道に乗り、拡大した。この彫刻はビルボードから収入を得ながらその裏で生きている『billding』になった。本作は、アーティストが今日の新自由主義の市場構造を生き残るための経済モデルや戦略についての問いに答えることを目指している。画家として、私達はこの参加方式の彫刻を通じて自分達の仕事を創出することができた。ヴェリ＆アモスのスタイルでBMWをペイントすることはない。このブランドは我々の彫刻、ポストカード、そして今では作品集の本質だから。本書は、我々のビルボードプロジェクトの記録というだけでなく、広告を入れることによってできるだけ最新の状態を維持し続けるという重要な役割を担っている。\u003c\/em\u003e」– Veli \u0026amp; Amos\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\"\u003cem\u003eOn Zurich’s Langstrasse everyone has to do their thing, make money—and we had to earn our daily bread too. “You pay the bill, we paint the board”: Billboard. We painted ads of all kinds—for a fee. We placed a commercial Billboard (2011–2015) on the roof deck of Esther Eppstein’s \u003ca href=\"https:\/\/messagesalon.ch\/en\/\" target=\"_blank\" data-mce-href=\"https:\/\/messagesalon.ch\/en\/\"\u003emessage salon\u003c\/a\u003e, a former artist’s space. What used to be the Perla-Mode building now houses a chain restaurant for vegetarians. It took a while for the concept to catch on: people were skeptical. But then business picked up, and we—and others—painted everything from love letters and breakup notes, political statements, gossip and rumors to graffiti and street art and even tobacco ads. Business was good, so we expanded. The sculpture became a “billding”. Living off—and behind—a billboard. This is not a commercial addresses questions of economic models and strategies for artists to survive in today’s neoliberal market structure. As painters, we procured work for ourselves through this participatory sculpture. We don’t paint BMWs in Veli \u0026amp; Amos style: the brand is part and parcel of our sculpture, our postcards, our paintings and now our book. The point of the book is not only to document our billboard project, but also to keep it as up-to date as possible—with ads.\"\u003c\/em\u003e – Veli \u0026amp; Amos\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":33195059511376,"sku":"9783907236079","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/thisisnotacommercial11.jpg?v=1617856539"},{"product_id":"index-by-christian-marclay","title":"INDEX by Christian Marclay","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eアメリカ人ミュージシャン、アーティストのクリスチャン・マークレー（Christian Marclay）による作品集。コントラストが強い何百枚ものモノクロコピーで構成された本書は、ノートの走り書きのようにも、完成作品に向けた実験の最初の段階のようでもある。ここ数年の間、自身の作品に影響を与えた所謂元ネタを集めた本書には、作者の創作プロセスの一端を垣間見ることができる。デザインは、作者の他の作品集やレコードカバーを手掛けてきたグラフィックデザイナーのローラン・ベナー（Laurent Benner）とのコラボレーションにより行われた。2人に共通する美意識から生まれた美しい本に仕上がっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e私はデッサンがあまり得意ではないからかもしれませんが、アイデアをスケッチして広げていくアプローチとしては、コラージュの方がより自然に感じます。アイデアを素早く試して発展させる方法として、私はイメージを切り貼りし、コピー機を使います。イメージや音を見つけ、サンプリングし、アプロプリエ―ションをし、それらを変化させることが私の作品のテーマです。構想を練ったり、潜在的な考えを再確認したりする時に思考プロセスの引き金を引くのはファウンドイメージであることが多いです。コピーは瞬間的にイメージを成立させ、それから少し距離を置くための方法です。偶然からも多くのことが見えてきます。カメラや動画編集ソフトウェアと同じく、コピー機はツールの1つに過ぎないのです\u003c\/em\u003e」 ―クリスチャン・マークレー（Christian Marclay）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cstrong data-mce-fragment=\"1\"\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eクリスチャン・マークレー \u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003c\/span\u003eトランスレーティング［翻訳する］\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2021年11月20日（土） - 2022年2月23日（\u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e水・祝）\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e休館日： \u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e(2022年1月10日、2月21日は開館 )、年末年始 (12月28日－1月1日 )、1月11日\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：10:00-18:00\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e東京都現代美術館　企画展示室 1F\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.mot-art-museum.jp\/exhibitions\/christian-marclay\/\" data-mce-fragment=\"1\" data-mce-href=\"https:\/\/www.mot-art-museum.jp\/exhibitions\/christian-marclay\/\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eMaybe it’s because I’m not a very good draftsman, collage feels like a more natural approach to sketching and developing ideas. I cut and paste and use my photocopier as a quick way to experiment and develop ideas. My work is all about finding, sampling, appropriating images and sounds, and transforming them. The found image is usually what triggers a thought process—formulating ideas or simply reaffirming latent thoughts. It’s a way to instantly mediate an image and get a little distance from it. Accidents are also often revealing. Like the camera, or any video editing software, the photocopier is just another tool.\u003c\/em\u003e” – Christian Marclay\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eMarclay’s compilation of hundreds of high-contrast black-and-white Xeroxes are like scribblings in a notebook, the first stages of experimentation towards more finished works, a glimpse into the artist’s creative process. This book brings together the source material that has informed Marclay’s practice over the past few years. It was designed in collaboration with Laurent Benner, a graphic designer who has worked with Marclay on various other books and record covers. Their shared sensibility informs this beautiful new book.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39285332869200,"sku":"9783907236086","price":14850.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/INDEX00.jpg?v=1617856481"},{"product_id":"that-would-have-been-wonderful-by-andro-wekua","title":"THAT WOULD HAVE BEEN WONDERFUL by Andro Wekua","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eドイツを拠点とするジョージア人アーティスト、アンドロ・ウェクア（Andro Wekua）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e作者の故郷であるグルジア共和国（ジョージア国）のソチュミは、かつてはソビエト連邦の官僚たちの牧歌的な保養地だった。祖母の家、黒海、共産主義のプロパガンダ、埠頭に停泊中の巨大な貨物船、過去の政治的混乱の痕跡などが残るこの地は、今日では廃墟と化しているがその空虚さの中に記憶が充満している。作者はこの個人的および政治的な歴史の断片を用い、雰囲気ある絵画、コラージュ、彫刻を制作している。それは、東と西、過去と現在、悪夢とノスタルジアの間にある不毛地帯である。意図的に過去を再構築することはせず、自分の好みに合うように過去を美化し、変形させ、解釈している。その結果、必然的に矛盾が生じる。うわべのノスタルジアは、写真を自身の過去への言及とともに、あの頃の遠い理想社会へと変えてしまうのだ。\u003c\/em\u003e」ー ジャンニ・ジェッツァー（\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eGianni Jetzer \/ キュレーター、批評家\u003c\/span\u003e）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cstrong data-mce-fragment=\"1\"\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eRita Ackermann \u0026amp; Andro Wekua: Chapter 4\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2021年5月1日（土）- 7月31日（土）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e*会期延長\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：11:00-19:00\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e休廊日：日・月\u003c\/span\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e・\u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e祝\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：ファーガス・マカフリー 東京\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/fergusmccaffrey.com\/exhibition\/rita-ackermann-andro-wekua-chapter-4\/\" data-mce-fragment=\"1\" data-mce-href=\"https:\/\/fergusmccaffrey.com\/exhibition\/rita-ackermann-andro-wekua-chapter-4\/\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003e”\u003cem\u003eAndro Wekua’s hometown, Sochumi in the Republic of Georgia, used to be an idyllic holiday resort for Soviet functionaries. Today it is a zone of exclusion, empty and yet replete with memories: the house of his grandmother, the Black Sea, communist propaganda, a monumental freighter at the docks, traces of the political turmoil of the past. Wekua uses these fragments of personal and political history to create atmospheric paintings, collages, sculptures, traces of his post-cold war search of things past. They are images from a no man’s land between East and West, past und present, nightmare and nostalgia. The artist deliberately refrains from reconstructing the past—instead he aestheticizes, transfigures and interprets it to accommodate his own taste. The consequence is an inevitable contradiction. A nostalgia varnish turns Wekua’s pictures into the remote ideal of non-accelerated society with manifest references to his own past.\u003c\/em\u003e” ーGianni Jetzer\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39394044510288,"sku":"9783905509588","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/thatwouldhavebeenwonderful00_33684130-9d80-436d-95c9-f83c5e07c682.jpg?v=1626325435"},{"product_id":"stone-and-makoto-by-makoto-fujiwara","title":"STONE AND MAKOTO by Makoto Fujiwara","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003e日本人彫刻家、藤原信の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e「\u003cem\u003e藤原信\u003c\/em\u003e\u003c\/span\u003e\u003cem\u003e氏は日本人の彫刻家ですが、彼は生まれ故郷である日本の山奥の小さな寺院から遠く離れたヨーロッパで人生の大半を過ごしてきました。この本は、彼の石工としての仕事と、世界を理解しようとする彼の絶え間ない遊び心と本物の粘り強さにまつわる非常に個人的な記録です。また、彼の名前の由来である『信（まこと \/ 真実）』に従い、石という一見最も不可解な素材との関わりについても書かれています。この作品は、彼が大きな紙に書き込んだ観察、出来事、洞察などのストーリーを集めたもので、私たちを共感させてくれます。長い時間をかけて行われる、削ったり磨いたりする数え切れないほどの反復作業、偵察、認識、掘削、移動などの準備作業、造園や設置などの後処理、同僚に協力を求めたり、友人の作業を共有したりする道中での多くの社会的交流などを見ることができます。彼の生み出す世界は、『やらないこと』をいつでも可能な選択肢と考える私たちに、無条件で恣意的ではないものへの感謝の念を抱かせます。彼が亡くなった後、私たちは誠意を持ってこの本を仕上げることになりましたが、残念ながら最後の承認を得ることはできませんでした。\u003c\/em\u003e」ー アンドレアス・シュナイダー（\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eAndreas Schneider \/ デザイナー）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\"\u003cem\u003eMakoto Fujiwara is a Japanese sculptor who has worked for most of his life in Europe, far from the land of his origin, a small temple deep in the Japanese mountains. This book has evolved over the past four years, a document of his work as a stonemason and a very personal account of his unceasing playful curiosity and authentic tenacity in seeking to understand the world; following the vocation of his given name,—Makoto, ‘truthfully’—, his engagement with a seemingly most impenetrable material: stone. This collection of stories, streams of observations, happenings, and insights, scrawled by the artist on large sheets of paper, draws us into complicity as we become witness to countless iterations—chiselling and polishing—that progress over extended intervals of time; the preparatory work of scouting, recognizing, heaving, and moving; the aftermath of landscaping and setting in place; the many social interactions along the way as he invites colleagues to collaborate, and shares the labours of friends. The world that unfolds inspires appreciation of the unconditional and non-arbitrary in us who regard the ‘un-do’ as an always available option. After Makoto’s passing, we are left to finish this book in good faith, sadly missing his final seal of approval.\u003c\/em\u003e\" —Andreas Schneider\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39432295383120,"sku":"9783907236161","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/stoneandmakoto_01.jpg?v=1645589844"},{"product_id":"citizens-by-christian-lutz","title":"CITIZENS by Christian Lutz","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eスイス人フォトグラファー、クリスティアン・ルッツ（\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eChristian Lutz\u003c\/span\u003e）の作品集。金融危機、難民問題、経済的・社会的不安、ブレグジット、新型コロナウイルス感染症の大流行とそれに伴う経済的・社会的混乱などを受け、アイデンティタリアン運動（※註）が世界中で台頭している。彼らは人口過剰や社会の衰退など、差し迫った悲惨な状況を宣伝し、恐怖心を煽り、排除と不寛容を生む「常識的」と称する解決策や約束を売りつけている。欧州では、右派ポピュリスト政党の台頭が目立つ。イギリスのUKIP、デンマークのDansk Folkeparti（DF）、オーストリアのFPÖ、ドイツのAfD、スペインのVox、スイスのSVPなど、数え上げればきりがない。作者は、本最新シリーズにおいて、ヨーロッパ中の右派ポピュリストの人々、運動とその地域を撮影した。マスメディアの偏った報道とは一線を画した作者の多層的な写真手法は、党首や支持者の率直なポートレート、集会、ポストインダストリアルな風景、バーや溜まり場などのショットという形で、心の底からの絶望を音もなく絵画的に表現している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e※註 フランスで発祥したヨーロッパおよび北アメリカにおける極右および白人ナショナリストの運動。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn the wake of the financial and refugee crisis, economic and social insecurity, Brexit, the current coronavirus pandemic and its attendant economic and social upheavals, identitarian movements are gaining ground worldwide. Touting visions of impending doom and gloom, including overpopulation and social decline, they fan fears and peddle purportedly “common sense” solutions and promises that breed exclusion and intolerance. All of Europe is witnessing the political ascent of right-wing populist parties: UKIP in the UK, Dansk Folkeparti (DF) in Denmark, FPÖ in Austria, AfD in Germany, Vox in Spain and SVP in Switzerland, to name just a few. Swiss photographer Christian Lutz has documented right-wing populist people, movements and hot spots all over Europe for his latest series, \u003cem\u003eCitizens\u003c\/em\u003e. A far cry from the usual polarized coverage in the mass media, Lutz’s multi-layered photographic approach involves noiseless pictorial expressions of deep seated despair in the form of candid portraits of party leaders and followers alike and shots of their rallies, post-industrial landscapes, bars and hangouts.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39432775598160,"sku":"9783907236123","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/Citizens00.jpg?v=1626325527"},{"product_id":"5-poltergeist-ii-drawings-1983-1985-by-h-r-giger","title":"5 – POLTERGEIST II: DRAWINGS 1983-1985 by H.R.Giger","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eスイス人アーティスト、H・R・ギーガー（H. R. Giger）の作品集。作者が映画『\u003cem\u003eポルターガイスト2\u003c\/em\u003e』（1986, ブライアン・ギブソン（Brian Gibson）監督）に関わっていた際のスケッチブックを複製した一作。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者は、映画『\u003cem\u003eエイリアン\u003c\/em\u003e』（1979, リドリー・スコット（Ridley Scott）監督）にてクリーチャーデザインを手がけたことにより、ハリウッドでのオカルト的ホラー作品やSF作品において確固たる地位を築き上げた。その当時の日記を複製、書籍化した『\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/products\/alien-diaries-by-h-r-giger\" data-mce-href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/products\/alien-diaries-by-h-r-giger\"\u003eALIEN DIARIES\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e』（2013 \/ 初版, EDITION PATRICK FREY）でもその詳細を見ることができる。その後、『\u003cem\u003eポルターガイスト2\u003c\/em\u003e』で幽霊のデザインを担当。ロンドン近郊の映画スタジオ「シェパートン・スタジオ（Shepperton Studios）」で制作した『\u003cem\u003eエイリアン\u003c\/em\u003e』とは異なり、チューリッヒから遠隔で携わり、マーク・ヴィクター（Mark Victor）とマイケル・グレイス（Michael Grais）の脚本をベースにエアブラシで描き上げた「クリーチャー」をエアメールでロサンゼルスまで送ることで進行された。しかし、現場に作者が不在であることに加え、監督やスタジオとの誤解や行き違い、制作予算の不足により、最初に設定画として描かれていたミステリアスな暗さや、クリーチャーが変形していく可塑性が削がれ、セルロイド上でフラットなものとなって仕上がり、いかにも作りものらしいB級映画に出てくる安っぽいモンスターになってしまった。作者が出したサイケデリックなスケッチでは、ミミズのような幽霊がグロテスクなドワーフ（小人）に変化し、ギリシア神話のゴルゴンが魂を貪り喰ったような「The Great Beast」と名付けられた怪物へと変身していくようすが描かれていた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は、オリジナルのスケッチブックと同じサイズで作られ、表紙から背表紙、中身も現物を複写して忠実にそのまま再現されている。背に書かれたタイトル「ポルターガイスト」の綴りは誤っているが、作者がスペルを間違えてスケッチブックに書いてしまった状態をそのまま採用。135点のドローイングに加え、ブライアン・ギブソン監督に向けた疑問や提案が書かれた手紙の下書きが収録されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThanks to his work on the iconic creature for the film \u003cem\u003eAlien\u003c\/em\u003e (Ridley Scott, 1979)—a detailed account of which is given in his \u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/products\/alien-diaries-by-h-r-giger\"\u003e\u003cem\u003eAlien Diaries\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e (2013, first edition, Edition Patrick Frey)—H. R. Giger was firmly established in Hollywood’s supernatural horror and science fiction genres. Giger went on to design all the ghosts for \u003cem\u003ePoltergeist II: The Other Side\u003c\/em\u003e (Brian Gibson, 1986). Unlike his work on Alien on the set at Shepperton Studios in England, Giger collaborated on the movie remotely from Zürich, basing his creatures on Michael Grais and Mark Victor’s screenplay and airmailing the airbrushed designs to Los Angeles. Due to his absence as well as misunderstandings with the director and the studio and a meager production budget, the dark inscrutability and amorphous plasticity of Giger’s initial shape-shifting sketches ended up falling flat on celluloid, coming to resemble cheap-looking monsters in a campy B-movie. Giger’s in some cases psychedelic sketches were designed as sequences showing the metamorphosis of a worm-like ghost into a grotesque dwarf that ultimately morphs into a soul-devouring Gorgon-like monster called “The Great Beast”. \u003cem\u003ePoltergeist II—Skizzen 1983–1985\u003c\/em\u003e is a facsimile edition of Giger’s original sketchbook, containing 135 of his remarkable drawings as well as drafts of letters expressing doubts and suggestions to director Brian Gibson.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39447032561744,"sku":"9783907236208","price":16170.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/poltergeist-ansicht_dc119d92-fc4e-418b-a05d-6dc18f1941ad.jpg?v=1626325952"}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/collections\/epf_edfc443b-20f7-4fe0-b520-ebf008bd2133.png?v=1512642751","url":"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/edition-patrick-frey.oembed?page=5","provider":"twelvebooks","version":"1.0","type":"link"}