{"title":"DESIGN","description":"","products":[{"product_id":"one-language-traveller-by-fos","title":"ONE LANGUAGE TRAVELLER by FOS","description":"\u003cp\u003eデンマーク人アーティスト、\u003cspan\u003eFOS\u003c\/span\u003eの作品をまとめた一冊。ページが綴じられずにリングでまとまっている独立したページ上にある作品は存在感を増し、各作品がお互いに話しかけているような印象を与える。\u003cspan\u003eFOS\u003c\/span\u003eの初期の作品から最新作まで掲載し、アーティストによる文章と詩も掲載。\u003cspan\u003e2015\u003c\/span\u003e年にデンマークの\u003cspan\u003eKunsthal Charlottenborg\u003c\/span\u003eで行われた\u003cspan\u003eFOS\u003c\/span\u003eの個展に合わせて制作された。 まるで好奇心でいっぱいのキャビネットを見ているような一冊。\u003cspan\u003e \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e\u003cem\u003eOne Language Traveller\u003c\/em\u003e accumulates objects created by Danish artist FOS, as if the book were a cabinet of curiosities. United on the pages of the book, the sculptures speak to each other in a new vocabulary of form. The artist’s book entails both new and earlier work, illustrated in full colour, accompanied by associative texts in the form of lists, statements and a poem written by the artist. It is ring bound, sits in a re ective slipcase and is nished in an array of paper, colours and page sizes. \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eOne Language Traveller was made in the winter of 2015 between London and Copenhagen to coincide with a large solo exhibition in Kunsthal Charlottenborg \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003ein FOS’ native Denmark.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e\u003cem\u003e“The one language traveller is an explorer; maybe he’s the one that found the objects in the book. He moves in and out of different dimensions, areas, scales and cultures, yet he is deciphering what he sees in one language only. This character is a metaphor for how we humans are trying to understand our surroundings. Despite their range \u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e\u003cem\u003eof dimensions, we try to comprehend them all in the same language. We’re not switching our investigations into a sensorial communal language, we still use English or another native tongue. My work explores this lack of a vocabulary that would be needed to explain all dimensions. Our one language is very limited, maybe that is why there is so much that we don’t understand.” -\u003c\/em\u003e FOS (Thomas Poulsen, 1971)\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"IN OTHER WORDS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31739129932,"sku":"978-0-9932238-0-8","price":27500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150810_1727.jpg?v=1571703841"},{"product_id":"disobedient-bodies-by-jw-anderson","title":"DISOBEDIENT BODIES  by JW Anderson","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003e北アイルランド出身のファッションデザイナーで、「LOEWE」と自身のブランド「J.W. Anderson」を手がけるジョナサン・アンダーソン（Jonathan Anderson）がキュレーションを務めた展覧会「\u003cem\u003eDisobedient Bodies: JW Anderson curates The Hepworth Wakefield\u003c\/em\u003e」（2017年3月18日 - 6月18日）に伴い出版された2,000部限定発行の展覧会図録。様々な種類の紙を要所に使用、かつ142ページにわたり各ページ毎に作品を一つ掲載するスタイルで編集され、製本はあえて簡素にゴムだけで綴じられている。ジョナサン・アンダーソンが絶大な信頼を寄せるイギリス人フォトグラファー、ジェイミー・ホークスワース（Jamie Hawkesworth）による未発表作品や展覧会で展示した作品のほか、イギリスの西ヨークシャー州にある美術館ヘップワース・ウェイクフィールド（Hepworth Wakefield）のチーフ・キュレーターを務めるアンドリュー・ボナチナ（Andrew Bonacia）とジョナサン・アンダーソンによる対談、イギリス人ファッションジャーナリスト、サラ・モーア（Sarah Mower）が執筆したテキストも収録される。イギリスの出版社「IN OTHER WORDS」を主宰するデザイン・スタジオ「OK-RM」とジョナサン・アンダーソン、アンドリュー・ボナチナによるコラボレーションのもと制作された本書は、バーバラ・ヘップワース（Barbara Hepworth）、ヘンリー・ムーア（Henry Moore）、コンスタンティン・ブランクーシ（Constantin Brancusi）、アイリーン・グレイ（Eileen Gray）、サラ・ルーカス（Sarah Lucas）、 ジャン＝ポール・ゴルチエ（Jean Paul Gaultier）、クリスチャン・ディオール（Christian Dior）、ヘルムート・ラング（Helmut Lang）らアーティストやファッションデザイナー達が手がけた作品に加え、アンダーソン自身のコレクションから厳選された作品が多数収録されている。「Disobedient Bodies（従順でない身体）」と題された本書は、ヘップワース・ギャラリーにおいて展開された規定の型にはまらないような作品のコンビネーションが、ジョナサン・アンダーソンとジェイミー・ホークスワースによるフォト・プロジェクトのイメージと影響し合い共鳴しあっている。さらに各見開きページに見られる組み合わせは、実際の展示をそのまま反映するだけでなく、本書独自のフォーマットのみが持つ身体性を重視した新しい組み合わせを多数収録し、タイトルそれ自身が予想もしなかったような新しい出会いへと突き動かす場となっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e「（…）本書はこれらのアート作品にもうひとつの生命を与える機会となった。この作品集がもうひとつの展示空間となり、作品同士の新たな対話の場となった。それぞれが独自の個性とストーリーを持つ本を複数制作することもできたはずだ。建築家、デザイナー、キュレーターは皆それぞれ異なる考え方を持ち、物事に対してちがう見方をする。「Disobedient Bodies」の制作過程で、我々はそれぞれの専門分野に何らかの形で多少反抗的になる（disobedient）必要があった。自分がどのピースにはまるのかを考えなければならない、パズルのようなものだ。」\u003c\/em\u003e− ジョナサン・アンダーソン\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eProduced in a run of 2,000 copies the book is printed as a single interleaved section comprising mixed papers and an elastic tie binding. Alongside unseen photography by Jamie Hawksworth and works from the exhibition the edition also includes a conversation between Andrew Bonacina and Jonathan Anderson and an essay contributed by Sarah Mower. Made in a close collaboration between Jonathan Anderson, Andrew Bonacina and OK-RM the book comprises 142 pages featuring works by Barbara Hepworth, Henry Moore, Constantin Brancusi, Eileen Gray, Sarah Lucas, Jean Paul Gaultier, Christian Dior, Helmut Lang and many more, alongside contributions from Anderson's own collections. \u003cem\u003eDisobedient Bodies\u003c\/em\u003e functions as an alternative exhibition space in which the pairings and combinations that unfold within The Hepworth’s galleries come in to play with images from Anderson’s photographic projects with Hawkesworth. The combinations found on these pages sometimes mirror those from the exhibition while many are uniquely formed in response to the specific physicality of this unique book form, offering another opportunity to persuade these disobedient bodies into new and unexpected encounters.\u003c\/p\u003e","brand":"IN OTHER WORDS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":35823527052,"sku":"978-0-9932238-2-2","price":6160.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/170412_03943.jpg?v=1571703942"},{"product_id":"gestalt-by-fos","title":"GESTALT by FOS","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eデンマーク人アーティスト、FOSの作品集。本書には、多様なスタイルで制作をしてきた作者のおよそ12年間分の作品が収録され、物質や空間言語がいかにして我々を社会的存在として定義するかということをテーマにまとめられている。制作物が掲載されたモノグラフとアーティストブックの中間のような作品集である本書は、自身の制作を形にするために集積してきた物質や場所の数々を、ただ記録するだけではなく再解釈し改めて文脈に当てはめ、一つの本質的な流れに乗せている。目録的に作品が並ぶ途中にキュレーターや科学者、理論家による寄稿文が差し込まれたり、随所に現れる折り込みのページや様々な種類の紙、印刷仕様がページネーションの中でアクセントとなっている。本書\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eは2016年から2017年にかけて版元でありデザインスタジオの「OK-RM」が拠点とするロンドンと、作者が拠点とするコペンハーゲンで編集作業が進められ、相互の密接なコラボレーションによって渾身の1冊へと仕上げられた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e\u003cem\u003eGestalt\u003c\/em\u003e is an overview of the diverse artistic practice of Fos, who’s works explore how the language of objects and space define us as social beings. The book sits somewhere between a monograph and an artist book, with 12 years of works collected into an organic flow which document but also re-interpret and re-contextualise the objects and spaces which accumulate to form his practice. The book is made up of an indexed flow of works punctuated by a series of commissioned texts from curators, scientists and theorists. It includes numerous foldout pages and employs an eclectic range of papers and print finishes. \u003cem\u003eGestalt\u003c\/em\u003e was made from early-2016 to mid-2017 between London and Copenhagen and is the result of a close collaboration between the artist and OK-RM.\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"IN OTHER WORDS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":42838473868,"sku":"978-0-9932238-3-9","price":8800.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/170822_2424_2_1.jpg?v=1571703945"},{"product_id":"topographies-by-monica-ursina-jager","title":"TOPOGRAPHIES by Monica Ursina Jäger","description":"\u003cp\u003eスイス人アーティスト、モニカ・ウルシナ・イェガー（Monica Ursina Jäger）の初作品集。建物や風景の写真をコラージュした全長\u003cspan\u003e12\u003c\/span\u003eメートルにも及ぶ作品が蛇腹式にまとめられた一冊。モダニズム建築をインスピレーションとされた建造物が突如として雪山に現れ、時には海面に浮いている様はまるでディストピア（地獄郷）のようである。裏面には第一次世界大戦時に艦船の塗装に用いられたダズル迷彩と言われるグラフィティカルなパターンが施され、独特な視覚効果を生み出している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eFor several years Monica Ursina Jäger has been drawing built and natural landscapes inspired by Modernist-style architecture. Her precise works, using media including ink and pigment transfers, combine hope and downfall: on one hand designers’ aspirations, and fantasies, for the future; on the other the dystopia of failure. In creating these works Jäger has assembled a huge stock of images of buildings and environments, both her own photographs and images found in print and online, including rendered as well as completed constructions. ‘Topographies’, which is created in collaboration with Winfried Heininger, consists of one, extremely long, accordion-folded image created from hundreds of collaged images from this working archive. \u003cspan\u003e\u003cem\u003eTopographies\u003c\/em\u003e reproduces the nearly 12 meter long collage one-to-one. The reader can turn the pages to follow the image, as if with a filmic tracking shot, or they can open the publication to its full extent and examine it in a less linear fashion. Whichever way they view it, the route is through man-made, forested and barren landscapes, some sites iconic, some prototypical, with an emphasis on the architectural ambitions of the 1960s. Our viewpoint moves from afar, to close up, the scenes largely in black and white with accents of colour that emphasise the chill of the dystopian environments. With few signs of human life, Jäger captures the temporality of the most solid concrete and steel buildings. Like the fictional visions of Cormac McCarthy, this could be a past we have escaped or a future we would like to avoid. \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eAnother landscape running along the back of the image that also frames the collage complements Jäger’s: a dazzle pattern. Dazzle is a form of camouflage used principally in World War I that works on the principle of applying a bold graphic pattern to an object so that discerning its contours becomes difficult, particularly when the object is in motion. The pattern used for ‘Topographies’ was created by recording forms generated by applying such a pattern to a fictional, rendered landscape. The result is a structure that is impossible to read, which irritates the eye. Bleeding over onto the front of the image, it is one of several factors that destabilise the reading of the landscape. Jäger’s environment is a montage of proximities that become increasingly unlikely the more one observes, while the dazzle pattern echoes this narrative incongruity in visual form.\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"KODOJI PRESS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":12594398232656,"sku":"978-3-0374706-2-6","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150602_1102_b7ed5cd9-5475-411d-bfb8-6b1d0c45bf09.jpg?v=1571703971"},{"product_id":"how-to-do-the-flowers-by-ruth-van-beek-signed","title":"HOW TO DO THE FLOWERS by Ruth van Beek","description":"\u003cp\u003eオランダ人アーティスト、ルース・ファン・ビーク（Ruth van Beek）の作品集。作者は不思議な言語を作りだした。イメージの繰り返し、視覚的なシークエンス、偶然の類似、自由な連想などが、アルファベットの代役を務めている。作者が自ら集めたアーカイブを出発点としてコラージュや本を制作しており、そのアーカイブからやってきたイメージ群は、いつもお互いに何か会話をしているようにも見える。アーカイブの大部分は古い説明書から見つけられてきている。例えば理解を助ける道具として作られた本、我々の日常の一部となっているものについてアドバイスをくれる本。こうした本に載っている画像には、何かの正しいやり方をやってみせている手が主に写っている。土を掘っている手、人形を作る手、花を活ける手、料理をしている手…日常の様々な場面で我々がしてきていることが現れては消えていく。こうした行為に焦点をあて、元々の文脈から切り離すことによって、作者は我々の想像をかき立て、どうにも落ち着かない居心地の悪い気持ちを掻き立てる。作者の手にかかると、説明書の脇役であった「人の手」が動き出し、物体がキャラクターとなり、抽象的な形に生命が宿る。作者のアーカイブに保管されていた何百ものイメージや実験がこの本の上に一堂に会すこととなった。こうして何かを行う方法を説明していたものたちが、今度は新しい作品を作るためのマニュアルを生み出したのである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe repetition of images, visual sequences, accidental similarities and free associations form the alphabet of a mysterious language. Starting from her archive, Ruth van Beek makes collages and books. The images from this archive are constantly conversing with one another. A large part of the image archive finds its origin in old manuals. Books that are made as a tool, as an advisor for everyday occupations. The images mainly show hands that demonstrate how something is supposed to be done. Hands that dig in the earth, that make dolls, that arrange flowers, that cook. All sorts of daily actions pass by. By focusing on the action and detaching from the original context, van Beek encourages imagination, thereby provoking un-comfortable and uneasy feelings: passive human hands become animated, objects become characters and abstract shapes come to life. Hundreds of images and tests from van Beeks image archive come together. They show a method and create, in turn, a manual for creating new work. With the financial support of Mondriaan Fund.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"ART PAPER EDITIONS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":12854456057936,"sku":"9789490800918","price":7920.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/20181011201310-2.jpg?v=1571703973"},{"product_id":"the-iceberg-by-giorgio-di-noto","title":"THE ICEBERG by Giorgio di Noto","description":"\u003cp\u003eイタリア人フォトグラファー、ジョルジオ・ディ・ノート（Giorgio Di Noto）による作品集。インターネットの世界を氷山（iceberg）に例えるなら、その90％が検索エンジンから逃れたいわゆる深層ウェブだと言われている。闇サイト、ダークウェブなどと呼ばれる秘密裏に不正オンラインビジネスが行われ、密輸業者が蔓延する場所が世界中に存在する。本書は、そこでの取引のために使用された広告イメージや、写真家自らが撮影した画像から構成されている。おそらく小さなカメラやスマートフォンで売人が撮影した写真は、被写体の神秘的でエキゾチックな美しさと、撮影スキルの低さや画質の粗さとの組み合わせが皮肉にも幻想的かつ抽象的に表れている。ボックスには書籍と一緒に薬物捜査などで使われるものと同じ紫外線ライトが付属しており、大部分が特殊インクで印刷された本書のイメージはその光を当てることによって初めて姿を現す。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe Internet can be regarded as an iceberg: the tip is the so-called surface web, the digital terrain we know and surf by means of search engines, social networks, blogs and news sites. The submerged part, roughly 90% of the iceberg, is the so-called deep web. Under the surface web that we use day in, day out, lies an encrypted and constantly evolving network of total anonymity, beyond the reach of search engines. This darknet is a lawless no-man’s land, only accessible using specific software, where anything goes and nothing is traceable, and where illicit online business, especially in contraband, proliferates. The Iceberg features a selection of stock images and original photographs drawn from the myriad ads for drug sales on the dark web designed to catch the consumer’s eye.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eThe original photographs, probably taken with small cameras or smartphones, often look surreal and abstract due to the mysterious, exotic aesthetic of the subject-matter, on the one hand, and the low quality of the photos or inferior skills of the drug-pushing photographers themselves, on the other. Unlike the stock pictures, these original photographs are invisible in The Iceberg under normal light: printed in invisible ink, they can only be viewed under ultraviolet light – the same light drug enforcers use to look for traces of narcotics. Anonymously uploaded and probably designed to self-erase once they’ve served their function, these pictures are not traceable or visible on the surface web, and only exist temporarily in this dark, secret space on the deep web.\u003c\/em\u003e” — Giorgio di Noto\u003c\/p\u003e\n\u003cbr\u003e\u003ciframe src=\"https:\/\/player.vimeo.com\/video\/234792598\" width=\"640\" height=\"360\" frameborder=\"0\" webkitallowfullscreen=\"\" mozallowfullscreen=\"\" allowfullscreen=\"\"\u003e\u003c\/iframe\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":21338378633296,"sku":"9783906803395","price":11550.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/EPF_239_Giorgio_di_Noto-Front_GW_neu.jpg?v=1617878197"},{"product_id":"gut-holz-by-fabienne-eggelhofer-monica-lutz","title":"GUT HOLZ by Fabienne Eggelhöfer, Monica Lutz","description":"\u003cp\u003eスイスを拠点に美術史家、キュレーターとして活動するファビエンヌ・エグルホファー（Fabienne Eggelhöfer）と、本屋であり現在は精神科施設のソーシャルワーカーとして働くモニカ・ルッツ（Monica Lutz）による編集で制作された作品集。撮影はスイス人フォトグラファー、ロルフ・ジーゲンターラー（Rolf Siegenthaler）が担当。ヨーロッパスタイルのボーリング、通称「ケーゲルン」は、一般的に見られるボーリングよりもレーンが小さく、元来よりリラックスしてプレイすることが出来ると言われており、一般に人気のスポーツとして愛されてきた。しかし現在、スイスでそのアクティビティの存在が消えようとしており、その流れでケーゲルン場の存続も危ぶまれている。作家たちはこの状況を憂慮し一冊の作品に纏めるべく数え切れないほどのケーゲルン場を渡り歩いた。人を写さず真っ正面から撮影したその風景は、見るものを直接的にそのイメージへと引きつける不思議な魅力を持つ。スイス人ライター、ペドロ・レンツ（Pedro Lenz）のテキストを収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“Kegeln” is the European way of Bowling, with smaller alleys and basically more comfortable and relaxed. Together with the photographer Rolf Siegenthaler, the editors Fabienne Eggelhöfer and Monica Lutz (first book: Die schönsten Tea Rooms der Schweiz, Edition Patrick Frey, 2004) have published a wonderful, aesthetical journey through Switzerlands Kegelbahnen. Having enjoyed a general popularity for many years, the Kegelsport is teetering on the edge of extinction in Switzerland. Consequently the attached venues are directly endangered as well. These circumstances are what Fabienne Eggelhöfer and Monica Lutz take into consideration in their new book Gut Holz. They have embarked on a quest through the countless Kegel venues of Switzerland. Frontal views from a central perspective and devoid of humans, the images of these locations are capturing the beholders eye and draw us directly into the scene. With a text by Pedro Lenz, a historical review and technical background information.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":21338378764368,"sku":"978-3-905509-77-9","price":7150.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/GutHolz_01.jpg?v=1617879343"},{"product_id":"alien-diaries-by-h-r-giger","title":"ALIEN DIARIES by H.R.Giger","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eスイス人アーティスト、H・R・ギーガー（H. R. Giger）の作品集。作者は1978年2月から11月にかけてロンドン近郊の映画スタジオ「シェパートン・スタジオ（Shepperton Studios）」で、リドリー・スコット（Ridley Scott）監督の『\u003cem\u003eエイリアン\u003c\/em\u003e』（1979）のフィギュアと映画セットの制作にあたった。映画は世界的な大ヒットを記録し、作者はオスカー賞を受賞した。その当時の日記を複製、書籍化した本書には、このスタジオで行われた制作の様子が詳しく描かれている。作者は書き、スケッチをし、ポラロイドカメラ「SX-70」で写真を撮った。極端なまでの誠実さと辛辣さ、時には絶望に満ちた作者の言葉とイメージは、「ケチなプロデューサー」や「怠け者のスタッフ」などといった映画業界で働くことのリアリティと、自身のデザインが現実のものとなっていく過程を見るために、作者がどのようにして困難な状況を克服していったのかを提示している。ドイツ語で書かれたものを英語に翻訳した本書からは、アーティスト『H・R・ギーガー』のあまり知られていない人柄をうかがうことができる。また、スイス人アーティストという独自の視点からも、歴史的名作映画の制作の現場を細やかに描き出している。ドローイング、モンスターが作り上げられる過程を撮ったポラロイド写真、作者がシェパートン・スタジオで撮影した幾つものフィルムから撮ったスチル写真を含むほぼ未発表の資料を多数収録している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eHR Giger worked in the Shepperton Studios near London from February to November 1978, creating the figures and sets for the film \u003cem\u003eAlien\u003c\/em\u003e (1979) directed by Ridley Scott. The film became an international success, earning Giger an Oscar. In the transcribed \u003cem\u003eAlien Diaries\u003c\/em\u003e, published here for the first time as a facsimile, HR Giger describes his work in the studios. He writes, sketches, and takes photographs with his Polaroid SX70. With brutal honesty, sarcasm and occasional despair, Giger describes what it is like working for the film industry and how he struggles against all odds ― be it the stinginess of producers or the sluggishness of his staff ― to see his designs become reality. \u003cem\u003eThe Alien Diaries\u003c\/em\u003e (in German transcription with an English translation) show a little-known personal side of the artist HR Giger and offer an unusual, detailed glimpse into the making of a movie classic through the eyes of a Swiss artist. The book contains almost completely unpublished material, including drawings, Polaroids showing the monster coming to life, and several still shots from the plentiful film material that Giger took in Shepperton.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":21338380075088,"sku":"978-3-905929-45-4","price":22000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/Alien_spread-12_01.jpg?v=1617859048"},{"product_id":"money-by-prill-vieceli-cremers","title":"MONEY by Prill Vieceli Cremers","description":"\u003cp\u003eスイスのデザインスタジオ「Prill Vieceli Cremers」による作品集。本書はその名の通り紙幣に印刷されている絵柄で構成された一冊。政治的なメッセージや、歴史的に重要な出来事、優れた人物、ステータスシンボルや風景などが描かれており、紙幣が理想的な世界を賛美する小さなポスターとも形容できる存在であることを示唆する。例えばユーロ紙幣では、橋の絵柄によって団結したヨーロッパ諸国のイメージを伝えようとしている。2002年に初めてユーロが通貨として誕生した際、およそ127億枚のユーロ紙幣が流通した。つまり127億の橋が理想の世界を作るために作られたということである。「肉体労働に従事する筋骨隆々で幸せそうな労働者たち」のように、紙幣の絵柄は物語を表現し、権力を賛美する。そしてそれは教育にも繋がり、また動物誌のように多くの生き物と夢のような風景のなかに在る。また国が異なっていても、紙幣の絵柄にはしばしば同じようなモチーフが繰り返し使われることがある。人間の姿は哀愁に満ちた形で描かれ、彼らの身振りと表情は世界中のどこでも解釈しやすいように表現される。 本書では、ドイツ人哲学者のヴァルター・ベンヤミン（Walter Benjamin）が言うところの「紙幣の装飾から語られるスピリット」を喚起させ、どういった絵柄が紙切れの上に印刷され、無価値なものを価値のあるものへと変化させてきたのかを紹介している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis is a book about the pictures on banknotes: pictures of political subject-matter, historical milestones, distinguished personages, status symbols, and landscapes. Banknotes are mini-posters proclaiming an idealized world. Money is a mystery: monetary value seeks a visual correlative. Euro bills, for example, strive to convey the idea of a united Europe through the metaphor of bridges. In 2002, when the euro was introduced as cash, there were approximately 12.7 billion euro bills in circulation – 12.7 billion bridges for an ideal world. The pictures on bills tell stories and glorify power. Strong, happy people engaged in physical labor, for instance. They have access to education and live in a fantastical landscape with abundant fauna. Monetary iconography often takes up similar motifs and reiterates basic patterns. Human figures are portrayed according to pathos formulae, their gestures and facial expressions to be uniformly construed the world over. In Money, Tania Prill, Alberto Vieceli and Sebastian Cremers conjure the “spirit that speaks from the ornamentation of banknotes”, as Walter Benjamin put it, and show which pictures are used to imprint value on slips of paper that would otherwise be worthless. This trio of graphic artists, Prill Vieceli Cremers, have designed various books for Edition Patrick Frey since 2006. Money is the first joint artist's book by Tania Prill, Alberto Vieceli, and Sebastian Cremers.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":21338381484112,"sku":"978-3-905929-91-1","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_Money-Front.jpg?v=1620355571"},{"product_id":"andata-ritorno-by-nathalie-du-pasquier","title":"ANDATA-RITORNO by Nathalie Du Pasquier","description":"\u003cp\u003eイタリアを拠点として活動するフランス人アーティスト、ナタリー・ドゥ・パスキエ（Nathalie du Pasquier）の作品集。2018年夏に短期間で描き下ろした50に及ぶドローイングを収録した本作は、現実と空想の世界の間を行き来（ANDATA-RITORNO）する旅のような作品を魅せており、我々の心を釘付けにする。日常でよく目にする物が一時の儚い彫刻のように具象的に描かれ、その横には幾何学図形を用いた抽象的な絵が並び、どちらも色鮮やかに生き生きと描かれている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本作は、写真作品を中心とした作品集を刊行するフランスの出版社「CHOSE COMMUNE」が手がけるシリーズ「\u003cem\u003eCoup de Crayon\u003c\/em\u003e」の第2作目。本シリーズは写真から離れ、ペインティング、ドローイング、コラージュ作家それぞれの描き下ろし作品で構成されており、2019年はナタリー・ドゥ・パスキエのほか、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/iris-de-mouy\"\u003eイリス・デ・ムウイ（Iris de Moüy）\u003c\/a\u003e、\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/johanna-tagada\"\u003eジョアンナ・タガダ（Johanna Tagada）\u003c\/a\u003eが参加する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eNathalie Du Pasquier made the 50 drawings featured in Andata Ritorno in a short time-frame during summer 2018. This book is a captivating journey between reality and the imaginary as Du Pasquier presents everyday objects as transient sculptures next to intriguing geometric shapes that together create colourful and vibrant layouts.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe \u003cem\u003eCoup de Crayon\u003c\/em\u003e collection presents the personal work of artists practising painting, drawing or collage. For 2019, Coup de Crayon invited \u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/iris-de-mouy\"\u003eIris de Moüy\u003c\/a\u003e, Nathalie du Pasquier and \u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/johanna-tagada\"\u003eJohanna Tagada\u003c\/a\u003e to imagine a series as a book.\u003c\/p\u003e","brand":"CHOSE COMMUNE","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":28232179548240,"sku":"9791096383115","price":5500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/nathalie_00.jpg?v=1569418738"},{"product_id":"enghelab-street-a-revolution-through-books-by-hannah-darabi","title":"ENGHELAB STREET, A REVOLUTION THROUGH BOOKS: IRAN 1979-1983 by Hannah Darabi","description":"\u003cp\u003eイラン人アーティスト、ハンナ・ダラビ（Hannah Darabi）の作品集。テヘラン中心部を走るエンゲラブ・ストリート（革命通り）。本屋が立ち並ぶこの通りはこの街の文化の大動脈である。横暴と腐敗の王制時代が終わり、イスラム共和制が樹立されるまでのつかの間にイランでは言論の自由が拡大した。作者が蒐集した様々な写真集やプロパガンダ本がまとめられた本書では、まさにこの1979年から1983年の間に発表された様々な表現を見ることができ、イランの歴史の中で芸術と文化が花開いた鮮烈な一時期が凝縮されている。更に、チョウラ・マカレミ（Chowra Makaremi）のテキストが作者のヴィジュアルエッセイに批評的な視点を与えており、幅広い書籍を網羅した本書はこの時期のイランの貴重な出版物を見るまたとない機会となる。本書は『Applied Publishing Studies』シリーズの内の1冊であり、2019年1月9日から2月11日までパリの「LE BAL」で開催された展覧会『Hannah Darabi, Enghelab Street, A Revolution through Books: Iran 1979–1983』に伴い、フランス国立造形センター（CNAP）と欧州研究機構（ERC）の助成金を受けて出版された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eEnghelab Street, Revolution Street, is located in the centre of Tehran—a main artery in the city’s cultural life with a host of bookshops. The publication presents a variety of photographic and propaganda books collected by Iranian artist Hannah Darabi. Drawing on works published between 1979 and 1983—years corresponding to the short period when freedom of speech prevailed at the end of the Shah’s regime and the beginning of the Islamic government—she takes us to the heart of an intense artistic and cultural period in Iranian history. Darabi has developed a visual essay accompanied by a critical apparatus written by researcher and member of the CNRS Chowra Makaremi. The publication with its extensive landscape of books gives us the opportunity to look at rare printed matter for the first time.It forms part of the series Applied Publishing Series and is produced in conjunction with the exhibition \u003cem\u003eHannah Darabi - Enghelab Street, A Revolution through Books: Iran 1979–1983\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":28496159080528,"sku":"9783­95905­2627","price":9240.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/Cover_01.jpg?v=1571704030"},{"product_id":"the-journey-of-things-by-magdalene-odundo","title":"THE JOURNEY OF THINGS by Magdalene Odundo","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eケニヤ生まれのイギリス人陶芸家、マグダレン・オドゥンド（Magdalene Odundo）の作品集。本書は、2019年春にイギリスの西ヨークシャー州にある美術館ヘップワース・ウェイクフィールド（Hepworth Wakefield）で開催された展覧会「The Journey of Things」に伴い刊行された展覧会図録。44点に及ぶ作品に加え、博物館学的に重要な品々や現代作家の作品を幅広く収録し、作者の制作活動が世界中から得た様々なインスピレーションによって支えられていることを示している。本自体が作品となる「ブックオブジェ」である本書は、歴史的なものと現代のものとを対で並列的にレイアウトし、有機的な繋がりや流れで内容をより分かりやすく見せるためにセクションを交互に綴じ込んでいる。作者の制作物と共に、バーバラ・ヘップワース（Barbara Hepworth）、ヘンリー・ムーア（Henry Moore）、アンリ・ゴーディエ=ブルゼスカ（Henri Gaudier-Brzeska）、ルーシー・リー（Lucie Rie）、ジャン・アルプ（Jean Arp）といったアーティストの作品、古代ギリシャや古代エジプトの遺物、アフリカ、アジア、中央アメリカの歴史的な陶器、そしてアフリカ全土から集められた様々な儀式用品が収録されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe Journey of Things by Magdalene Odundo has been published alongside the exhibition of the same name presented at The Hepworth Wakefield in Spring 2019. The book features 44 of Odundo’s vessels alongside a large selection of museological and contemporary objects that reveal the wide range of global references that have informed her practice. The book object comprises a series of interleaved sections presenting an organic flow of content which pairs and juxtaposes the historic and the contemporary, featuring works by Barbara Hepworth, Henry Moore, Henri Gaudier-Brzeska, Lucie Rie, Jean Arp, as well as ancient vessels from Greece and Egypt, historic ceramics from Africa, Asia and Central America, and ritual objects from across the African continent. \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e \u003ciframe width=\"560\" height=\"315\" src=\"https:\/\/www.youtube.com\/embed\/2HwVb8VihCg\" frameborder=\"0\" allow=\"accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture\" allowfullscreen=\"\"\u003e\u003c\/iframe\u003e[JAPANESE] TDCDAY2020: Oliver Knight + Rory McGrath, OK-RM \/ Presentation, Tota Hasegawa \/ Messege\u003cbr\u003eby TOKYO TDC \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e \u003ciframe width=\"560\" height=\"315\" src=\"https:\/\/www.youtube.com\/embed\/5pKJ8Wt5nLg\" frameborder=\"0\" allow=\"accelerometer; autoplay; encrypted-media; 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On the one hand it’s a lovely and even comforting idea that things are given a second life, but on the other hand it’s a depressing thought that reveals something about our obsession to portray. Since the rise of photography, objects are represented because of themselves, detached from context or surroundings. Because of the nature of their sculptures, mainly sculptors started using the new medium. Either to get their work out there, for commercial reasons, or to direct the view on their sculptures by establishing both literally and figuratively the viewpoint and guiding the direction of view. The urge to catalogue, perpetuate and document greets photography as a willing ally.\u003cbr\u003eThe immobility of a great deal of objects is cancelled out by the liveliness and speed of the camera. Everything can be seen and is seen. The photographic reproduction reduces the three-dimensional space to the flat, easily readable, surface. In every way a big help from a commercial and industrial perspective, but also a welcome opportunity on the artistic level. But through that flattening gesture, that transforms (or wants to transform) the object into an easily comprehensible image, another conflict originates. After all, nothing is more decisive than a fixed viewing point when it comes to leaving an impression. Obviously, this is one of photography’s main characteristics, but when shooting objects as representations of the original thing, things become somewhat more complicated. It’s an illusion to think the viewer gets to know the object through a picture. The unique viewpoint from which the object is seen, professes that the subject (or object) is being shown as fully as possible, an objective that is hardly ever met. What about the underside or backside of the object? And if one, using lots of tricks, succeeds in showing every little corner, wouldn’t the object look different in other light conditions? When considerations like this take over, an image that was easily readable before, becomes an extremely abstract reproduction. In catalogues that sell objects or that function as witnesses for presentations of objects, these kinds of images are even more deprived of their readability. It is, of course, correct to remark that this idea is at odds with what one expects from these kinds of ‘objective overviews’. Nevertheless, in these publications it’s the context that makes the images relevant and provides the overall structure. Footnotes, specifications, references and symbols make the publication credible. These ‘inessentials’ – hardly noticeable parts of the type page, because that’s where they belong – seem to crystallize the whole thing. The images an sich appeal to one’s imagination, but whether they are able to express the true nature of the represented image is less certain. The pictures on the lovely pages in catalogues by auctioneers like Sotheby’s or Nagel Auktionen are arranged as objectively and formally as possible. Opposed to their initial impression, these shots emanate a powerful contradiction. One of the main reasons is the technical perfection displayed in putting the objects on the screen. It makes the viewer calm down and be bound up in the beauty of this prestigious merchandise. This aesthetic choice already hides an actual contradiction. Even though the pictures we get to see look like extremely objective representations, they are the result of interventions that make them look that little bit nicer and more valuable. A tiny bit richer in colour, with exactly the right shine that makes the antiquated wood look genuinely authentic. Apart from the fact they have little to do with the object they represent, these images are tremendously telling. This strange quality is revealed in the neatly delineated blocks of images, interlaced with footnotes and ‘essential’ explanations, surrounded by a rare lack of blank space. The photographic ‘reproductions’—as they are appropriately called —which we get to see, warrant the representation of their spatial counterparts that are probably stored somewhere, waiting for a new home base. Although this next statement may collide with previous ideas, these images reach their goal: to transform threedimensional objects into two-dimensional images and by doing so inform and\/or excite the viewer. The images an sich turn out to become invisible to the eye. They become a direct view on reality. A perfectly washed window, that seems to cease tot exist. Because we initially only see the represented objects, one could say that their images are (have to be) invisible themselves. And is a catalogue anything other than functional? This kind of book is rarely leafed through purposelessly (unless the motive is love or interest for the things represented by the images on these pages). Publications of this kind only exist in function of their market. They are the ‘evidence’ of the existence of the objects represented.\u003c\/p\u003e","brand":"ART PAPER EDITIONS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":29014292987984,"sku":"9789490800420","price":5060.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/190806_0569.jpg?v=1571704032"},{"product_id":"guns-by-robbert-frank-frank-robbert","title":"GUNS by Robbert \u0026 Frank, Frank \u0026 Robbert","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eベルギーを拠点に活動するアーティストデュオ、ロバート・アンド・フランク／フランク・アンド・ロバート（Robbert \u0026amp; Frank, Frank \u0026amp; Robbert \/ F\u0026amp;R R\u0026amp;F）の作品集。はっきりとした現実を突きつけるリアルな一作。殺人に使われるハードウェアである銃とその社会的、政治的、経済的、そして性的な影響を見つめ、2014年に二人は400個もの木製の銃を手作りした。銃問題がテーマであることは明らかだが、それだけでなく兵器の生産と流通から我々の日常生活と社会的想像力における銃の存在感に至るまで、本プロジェクトは銃問題を多角的な視点から考察することを促す。メディアや映画界、そして我々が実際に暮らしている環境など世界の至るところに兵器が偏在していることを表現しているだけでなく、ここでは最近問題になっている「自作の武器」の問題についても、同様に検討している。『The Guns』はデザイナーのコーディ・ウィルソン（Cody Wilson）が世界初の「3Dプリント銃」を製造したのと時を同じくして始まった。この銃は現在、ロンドンのV\u0026amp;Aに収蔵されている。2014年のニューヨーク・タイムズ紙の記事では、教育のオープンソース化がいかにして遠く離れた国の過激派がアルカイダに自作の武器で小規模な自爆テロを行う道を開いたかが示されている。発展途上国に住む過激派の子どもたちが、廃品置き場で屑鉄を拾ってきては苦も無く銃を作っていることも忘れてはならない事実である。しかし、一部の人にとって銃は、我々が思っている以上に身近なものである。銃を持っていれば安心だと思う人は多く、アメリカ人の家庭では何千という銃が枕元に隠されている。アメリカの子どもたちは、カウボーイ対インディアンの人種差別的なごっこ遊びの中で生まれて初めて人間の不平等や階級差を演じるものだが、銃はこれに欠かせない小道具である。銃は家父長制の象徴でもある。真っすぐで固い銃は、いつでも発砲できるように、相手の肉体にぶしつけに照準を合わせる。銃とは抑圧とコントロールのための道具、警察国家の残忍性と支配の手段である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eF\u0026amp;R R\u0026amp;Fは、どうして無害な木製の銃の制作に1カ月もの時間を費やしたのだろうか。その答えはとてもシンプルだ。国防長官を歴任したラムズフェルドは『弱さは挑発的である』と発言したことで知られている。『弱さは人を誘惑し、普段なら絶対にしないようなことをさせる。』弱い人間は、自分自身の弱さに支配されてしまう。脆弱性とユーモアを武器に、作者は嬉々としてこのゲームに挑む。彼らは少しひねりを加えて、さっさとゲームを終わらせる。\u003c\/em\u003e」\u003cbr\u003e―ローラ・ハーマン（Laura Hermann）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe latest episode in F\u0026amp;R R\u0026amp;F’s artistic course is tangible and real. Dealing with killing hardware and all its social, political, economical, cultural and sexual ramifications, the Guns‐project (2014), which consists of 400 hand‐made wooden weapons, leaves no room for ambiguity. It is distinctly about guns, yet the project offers a productive lead to reflect upon a broad set of issues, from the production and distribution of fire weapons, to the guns’ presence in our everyday lives and social imaginaries. Not only does the Guns‐project reflect the global omnipresence of fire weapons (be it in the media, in the film industry or in our direct environment), it equally touches upon some recent questions concerning the DIY‐manufacturing of armory. The Guns‐project comes at a time when designer Cody Wilson has conceived the first 3‐D printed gun, now owned by the V\u0026amp;A in London, the world’s largest design museum. In 2014 a New York Times article indicated how the rise of open‐source education has smoothed the path for Al‐Qaida militants in distant lands to carry out smaller‐scale solo attacks by virtue of hand-­‐made artillery. And one shouldn’t forget how easily child militias living in the Third World craft their homemade guns from scrap metal at junkyards.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eYet, for some, guns are closer to home than we’d sometimes want to believe. Guns are the comfort objects hidden underneath the thousands of pillows in American homes. Guns are the means through which children, for the first time in their lives, learn to enact power dynamics and hierarchies when playing racist Cowboys and Indians games. Guns are the symbols of patriarchy: hard and erected, the guns impertinently point at human flesh, ready to explode. Guns are the tools of oppression and control, the instruments of brutality and domination of the police state.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eWhy have in F\u0026amp;R R\u0026amp;F decided to devote one month of their artistic practice to the creation of a wide collection of harmless weapons made of wood? The answer is very simple. “Weakness is provocative”, President Rumsfeld famously observed, “It entices people into doing things that they otherwise would not do.” When your power is weak, you give power to your weakness. With vulnerability and humor as their weapons, F\u0026amp;R R\u0026amp;F happily play the game‐and they play it quick and with a slight twist.\u003c\/em\u003e (Laura Hermann)\u003c\/p\u003e","brand":"ART PAPER EDITIONS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":29015227531344,"sku":"9789490800369","price":6380.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/190806_0653.jpg?v=1571704032"},{"product_id":"occupation-and-hospitality-by-019","title":"S\u0026D#024 \/ APE#117: OCCUPATION AND HOSPITALITY by 019","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eベルギーを拠点とするアーティスト・コレクティブ「019」による作品集。「S\u0026amp;D#025\/ APE#047: So Many Dark Gifts」、「S\u0026amp;D#024\/APE#069: Sabotage And Complicity」の続編である。当初、本作はベルギー人デザイナー、ファーレンテイン・ゲーサルス （Valentijn Goethals）とトマス・ルーテンス（Tomas Lootens）のデザインユニット「WE BECAME AWARE」によって制作が進められていた。このユニットは約10年間にわたり活動して来たが、空間演出やギャラリースペース等のスタジオワークをまとめた本作を制作中、活動休止を決めた。この二人にティム・バイロン（Tim Bryon）を加えたプロジェクト「Smoke \u0026amp; Dust (S\u0026amp;D)」の19番目のプロジェクトから名付けられた「019」はベルギー・ゲントにある溶接工場跡で活動するアーティスト集団であり、彼らが携わった2つのプロジェクトがそれぞれ異なる方向に開くように製本されている。一つはこのスペースで実際に制作されてきたデザインワークに関して、もう一つは「019」の取り組みを自分たちのスペースの外へ出しゲントに移すという企画「Museum of Moving Practice」に関するものである。この方法を取ることで、製本上の面白さだけでなく、非常に意味のある編集の意図を感じさせる。またこのプロジェクトに加え、3つのエッセイ、また制作当時の新作広告が収録されている。作者らは、決してこのスペースを占有したい訳ではなく、内側から外側に向かって発信されまた再発見を生むコラボレーションが生まれる場所として捉えており、「019」に対し「\u003cem\u003e可動性があり、どこかに移動され再び作られるための準備の場となった\u003c\/em\u003e」と述べている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eエッセイ：Prem Krishnamurthy、Jan De Vylder、Tom Van Imschoot.\u003cbr\u003eフォトエッセイ：Michiel De Cleene. \u003cbr\u003e参加作家：Karel Martens, Tauba Auerbach, Experimental Jetset, Ben Thorp Brown, Braulio Amado, \u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/david-horvitz\"\u003eDavid Horvitz\u003c\/a\u003e, Max Pinckers, Daniel Eatock, Nina Canell, Fiona Banner, Dexter Sinister, Sanam Khatibi, Filip Dujardin and many many others. \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e019 was never going to remain the only place we worked in. From the start, it’s been a laboratory that swings us into unknown directions, constantly sharpening our sense of improvisation and reinvention on the spot. For three years, from 2013 onwards, we made that old welding factory at Dok Noord in Ghent the focal point of our activities. People even started to identify the entirety of our collective, Smoke \u0026amp; Dust, with what was basically only the name of its nineteenth project. We became 019. The whole project turned us upside down. But in doing so, we became aware as well. We understood that the act of occupying and taking possession of the site was not the goal of our work at all. From the inside out, starting with a wooden construction in its interior and up to the billboard at an outside wall and a series of flagpoles on the roof, we gradually developed the place into an assembly of undergrounds for public and artistic encounter, an emerging space for collaboration that was grounded on the premise that all media at our disposal were common grounds to be rediscovered. That’s when the work began. That’s when things began to move, for real. That’s when we realized—artists, architects, designers and the like—we had all turned into scenographers, regardless of our discipline: co-authors of a scene that was constructed out of margins and constraints, participants in a game of give and take that we endlessly play around a display we like to recycle. In the end, that’s how 019, our handling of its space through appropriation and dispossession, became the site of a moving practice, a collaborative way of working ready to be moved, reproduced and reinvented elsewhere.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eEssays by Prem Krishnamurthy, Jan De Vylder and Tom Van Imschoot.\u003cbr\u003ePhoto-Essay by Michiel De Cleene. \u003cbr\u003e \u003cbr\u003eWith new work by Karel Martens, Tauba Auerbach, Experimental Jetset, Ben Thorp Brown, Braulio Amado, \u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/david-horvitz\"\u003eDavid Horvitz\u003c\/a\u003e, Max Pinckers, Daniel Eatock, Nina Canell, Fiona Banner, Dexter Sinister, Sanam Khatibi, Filip Dujardin and many many others.\u003c\/p\u003e","brand":"ART PAPER EDITIONS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":29023486410832,"sku":"9789490800925","price":5940.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/190806_0531.jpg?v=1571704032"},{"product_id":"things-that-go-together-by-michael-anastassiades","title":"THINGS THAT GO TOGETHER by Michael Anastassiades","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eイギリスを拠点とする照明、家具デザイナー、マイケル・アナスタシアデス（Michael Anastassiades）の初作品集。2019年に開催された展覧会の作品を出発点として、自身のデザインに対するアプローチを探求。作者が自然の中から見つけてきたものや、コレクションの中から選んだものが入念に配置され、オブジェが描く「星座」と「互いに調和するもの」の体系をこの作品集で形成している。展覧会の写真に添えられたエッセイには、キプロス島で過ごした若き日々や同島の自然環境と地元の芸術家たちの影響、人が身の回りのものと共有している心理的なつながりに対する作者の探求心、そして形とスケールだけでなく自然とデザインの予測不可能性に対する深い理解を見て取ることができる。アレッサンドロ・ラボッティーニ（Alessandro Rabottini）、エレナ・パルパ（Elena Parp）、エミリー・キング（Emily King）、マリオ・ガルシア・トレス（Mario García Torres）、ヤニス・トゥマジ（Yiannis Toumazis）、ゾーイ・ライアン（Zoë Ryan）らがテキストを寄稿。写真はフィンランド人フォトグラファー、\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/osma-harvilahti\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\"\u003eオスマ・ハヴィラティ（Osma Harvilahti）\u003c\/a\u003eが手がけている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis is the first monograph to celebrate the work of acclaimed designer Michael Anastassiades and takes an exhibition held in early 2019 as a starting point for exploring his approach to design. There, carefully laid out displays―things that Michael had unearthed in nature or sourced from his own collections―formed a constellation of objects and a syntax of ‘things that go together’. This book might be considered yet one more layer in this universe of objects and meaning. Together with photos of the exhibition, a collection of essays reflects on Anastassiades’s early years in Cyprus, the influence of its natural environment and local artistic figures, his interest in exploring the psychological connection that humans share with the objects around them, and his appreciation of form and scale, but also unpredictability, in nature and design. Texts by Alessandro Rabottini, Elena Parpa, Emily King, Mario García Torres, Michael Anastassiades, Yiannis Toumazis, and Zoë Ryan. Text editor: Alessandro Rabottini. Photography by \u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/osma-harvilahti\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\"\u003eOsma Harvilahti\u003c\/a\u003e.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"APARTAMENTO","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30990540767312,"sku":"978-84-09-13768-8","price":9240.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/thingsthat_01.jpg?v=1571912390"},{"product_id":"repicture","title":"(RE)PICTURE","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp class=\"p1\"\u003e「視覚的な想像力の再生」をコンセプトに掲げるインディペンデントマガジン。本誌では国籍の異なるゲストアーティストたちによって描かれた像（ピクチャー）を、文字情報を用いずにデザインし、印刷物としてパッケージングする。インターネットやソーシャルメディアの発達が著しい今日において、我々は頭のなかに現れてはすぐに立ち消え去ていく多くの刹那的なイメージに接しているが、本誌では、作家たちと共に現代的かつ永久的な新しいエコシステムを、イメージという共通言語のみ用いて、そこから想像する行為が持つ伝達力をもって表現する。我々は1枚の写真を見た時、何を思うのだろうか？ 画像の伝達には物質（化学）、形象（図像）、精神（印象）に加え、空間というキーワードがある。それらの目に見える要素と目に見えない要素が化学反応のように交ざり、そこに鑑賞者の想像が加わることで循環的な連想ができるものになる。創刊号では5人の写真家がそれぞれ16ページずつ作品を提示。人間の持つ想像力も地球の一つの資源であると考え、「resource」というテーマを掲げた。編集はモダーンの高宮啓、アートディレクション\u0026amp;デザインは出版社「\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/in-other-words\"\u003eIN OTHER WORDS\u003c\/a\u003e」を主催するデザインユニット\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/ok-rm\"\u003eOK-RM\u003c\/a\u003e、フォトエディターを写真家の濱田祐史が手がける。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e参加作家：\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/marvin-leuvrey\"\u003eマーヴィン・ルーヴェイ（Marvin Leuvrey）\u003c\/a\u003e、\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/jaap-scheeren\"\u003eヤープ・シェーレン（Jaap Scheeren）\u003c\/a\u003e、\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/theo-simpson\"\u003eセオ・シンプソン（Theo Simpson）\u003c\/a\u003e、\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/yuji-hamada\"\u003e濱田祐史（Yuji Hamada）\u003c\/a\u003e、\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/mark-borthwick\"\u003eマーク・ボスウィック（Mark Borthwick）\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAn independent magazine with the intention of reproducing the visual imagination. Featuring images by a selection of guest artists, the magazine is designed without the use of words and packaged as printed matter. In contrast to the unprecedented exposure to ephemeral imagery consumed through the internet and social media (RE)PICTURE works together with artists of varied nationalities to develop a modern and enduring image ecosystem that symbolises the pursuit of a universal language.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIssue 01: What do we think of when we look at a single picture? The transmission of an image involves “material” (chemistry), “shape” (figure), “mind” (impression) and also includes “space” as a keyword. Like a chemical reaction, those visible elements interweave with the invisible to create a cycle of association when the imagination of a viewer is applied. Believing that the human imagination is also one of our planet’s invaluable assets, we adopted “resource” as the theme for the first issue of our magazine. Edited by Akira Takamiya (moder-n), art-direction \u0026amp; design by \u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/ok-rm\"\u003eOK-RM\u003c\/a\u003e, photo-editor Yuji Hamada.\u003c\/p\u003e","brand":"ATARICA","offers":[{"title":"MARVIN LEUVREY","offer_id":31203510452304,"sku":"978-4-60000069-1","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false},{"title":"JAAP SCHEEREN","offer_id":31203510485072,"sku":"978-4-60000069-1","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false},{"title":"THEO SIMPSON","offer_id":31203510517840,"sku":"978-4-60000069-1","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false},{"title":"YUJI HAMADA","offer_id":31203650994256,"sku":"978-4-60000069-1","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false},{"title":"MARK BORTHWICK","offer_id":31203654500432,"sku":"978-4-60000069-1","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/04_yuji.jpg?v=1573297446"},{"product_id":"repicture-special-edition","title":"(RE)PICTURE [SPECIAL EDITION]","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003e「視覚的な想像力の再生」をコンセプトに掲げるインディペンデントマガジン。本誌では国籍の異なるゲストアーティストたちによって描かれた像（ピクチャー）を、文字情報を用いずにデザインし、印刷物としてパッケージングする。インターネットやソーシャルメディアの発達が著しい今日において、我々は頭のなかに現れてはすぐに立ち消え去ていく多くの刹那的なイメージに接しているが、本誌では、作家たちと共に現代的かつ永久的な新しいエコシステムを、イメージという共通言語のみ用いて、そこから想像する行為が持つ伝達力をもって表現する。我々は1枚の写真を見た時、何を思うのだろうか？ 画像の伝達には物質（化学）、形象（図像）、精神（印象）に加え、空間というキーワードがある。それらの目に見える要素と目に見えない要素が化学反応のように交ざり、そこに鑑賞者の想像が加わることで循環的な連想ができるものになる。創刊号では5人の写真家がそれぞれ16ページずつ作品を提示。人間の持つ想像力も地球の一つの資源であると考え、「resource」というテーマを掲げた。編集はモダーンの高宮啓、アートディレクション\u0026amp;デザインは出版社「\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/in-other-words\"\u003eIN OTHER WORDS\u003c\/a\u003e」を主催するデザインユニット\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/ok-rm\"\u003eOK-RM\u003c\/a\u003e、フォトエディターを写真家の濱田祐史が手がける。特装版には、それぞれの作家のイメージがシルクスクリーンで刷られたポスターが付属する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e参加作家：\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/marvin-leuvrey\"\u003eマーヴィン・ルーヴェイ（Marvin Leuvrey）\u003c\/a\u003e、\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/jaap-scheeren\"\u003eヤープ・シェーレン（Jaap Scheeren）\u003c\/a\u003e、\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/theo-simpson\"\u003eセオ・シンプソン（Theo Simpson）\u003c\/a\u003e、\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/yuji-hamada\"\u003e濱田祐史（Yuji Hamada）\u003c\/a\u003e、\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/mark-borthwick\"\u003eマーク・ボスウィック（Mark Borthwick）\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAn independent magazine with the intention of reproducing the visual imagination. 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The curators Fredi Fischli and Niels Olsen run a varied program of contemporary art productions in an atelier house in Zurich. The exhibition The Log-O-Rhythmic Slide Rule shown in spring 2012 was dedicated to the work of Trix and Robert Haussmann and is the basis for this publication, which, with illustrations, essays, texts by artists and a discussion, provides an in-depth look into the rich creative work of the Swiss architect and designer couple. Trix and Robert Haussmann are two of the most important architects, designers and theoreticians, consequential in influencing and helping to displace classical modernism in Switzerland. They have realized about 650 projects in their lifetime; in Zurich these include the Da-Capo-Bar, the new main train station, the boutique Weinberg and the Kronenhallenbar. The year 1967 marks their marriage and the establishment of their joint office Allgemeine Entwurfsanstalt. It is also the year they began working together, a collaboration which has brought forth works breaking with the dogmas of entrenched architectural practices. In addition to designing buildings and furniture, they have developed a rich theoretical œuvre that is presented for the first time in this publication. This book will form the basis for any future assessment of their work. 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The book presents material extracted from three events: \u003cem\u003ePalimpsest\u003c\/em\u003e by Fos (Nils Stærk gallery, 2018), \u003cem\u003eAfter Palimpsest\u003c\/em\u003e by OK-RM with Fos and Esther Theaker (Them Magazine Issue No.20, Winter 2018), \u003cem\u003eHands Smooth by Coins\u003c\/em\u003e by Fos (Copenhagen Contemporary, 2019).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"IN OTHER WORDS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31729532862544,"sku":"978-1-9160024-4-9","price":5720.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/IOW_HSBC_01.jpg?v=1579349778"},{"product_id":"prints-and-multiples-anna-blessmann-and-peter-saville-by-peter-saville","title":"PRINTS AND MULTIPLES\/ANNA BLESSMANN AND PETER SAVILLE by Peter Saville","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp class=\"p1\"\u003eイギリス人グラフィックデザイナー、ピーター・サヴィル（Peter Saville）の作品集。2002年から2019年の間に制作した印刷物とマルチプル作品を収録した一冊。この15年の間に、ロンドンの Paul Stolper Gallery の協力のもと、作者はドローイングや彫刻を含む多数の作品を制作してきた。シルクスクリーン印刷からインクジェット印刷、タペストリー、アクリル樹脂、ネオン、レジンまでと幅広いテクニックや素材を使い、様々なテーマや作品のバリエーションのもと作者の名作とも言えるグラフィック作品が生まれていった。ヴィクトリア \u0026amp; アルバート博物館（V\u0026amp;A）やメトロポリタン美術館（Met）、ルーブル美術館の膨大な収蔵品を見て回った際に、誰もが何十回も通り過ぎたはずなのに、気に留めたことも見たことさえないかもしれない小さな注意書き。修復やリサーチ、あるいは撮影のために作品が非公開になっていることを伝える注意書きには、ガラスのように存在感がないものもあれば、目立つように鮮やかな色の丸いシールが貼ってある場合もある。美術館における展示の論理と流れを一時的に中断するこれらの記しは、そこに一つの作品があったことと、それが再び戻ってくるという二つのことを保証している。ドイツ人アーティストのアンナ・ブレスマン（Anna Blessmann）は、10年以上前から世界中の美術館やギャラリーにあるこれらの注意書きに注目し、写真に収めてきた。目立たないようにそっと添えられている文章を撮影したシリーズをみていると、形や文章の調子によってなんとなく分類できることがわかるが、この作品の面白さは、個々の違いというよりもこうした「芸術作品の代役たち」が一つのジャンルとして何を表象しているのかということにある。サヴィルと\u003cspan\u003eブレスマン\u003c\/span\u003eの2人は、これを念頭に置いて所有とコレクション、ポテンシャルと想像、そして芸術作品それ自体という概念を探求する作品として、美術館の注意書きのシリーズを制作した。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis book brings together the prints and multiples produced by Peter Saville between 2002 and 2019. For the last seventeen years Saville has collaborated with the Paul Stolper Gallery in London to produce a significant body of work including both works on paper and sculpture. Using a wide variety of techniques and materials including silkscreen printing, inkjet printing, tapestry, perspex, neon and resin, his work draws on much of his existing seminal graphic work to create variations on themes and works. Small signs; you might never have noticed them; you might have walked past ten times, twenty times, on your way through the vast collections of the V\u0026amp;A, or the Met, or the Louvre, and not have seen them. Sometimes glassily translucent, sometimes tagged with a brightly coloured dot, declaring ‘object removed for photography’, or otherwise for restoration, or maybe research. Temporary interruptions in the logic and flow of the museological display, they make a double promise; that an object was there and that it will be returned. Anna Blessmann began noticing and photographing these placeholders in museums and galleries across the world more than a decade ago. The series of photographs that she produced of these discreet and tucked-away missives provides a loose taxonomy of their varying forms and tones, but their interest lies less in the differences between individual examples and more in what, as a genre, these stand-ins stand for. With this in mind Blessmann and Saville have produced an on-going series of these place holders, available for purchase as a limited edition, exploring ideas of possession and collection, potential and imagination, and the art object itself. These ‘Art Accessories’ have a transformative potential: any domestic setting can become a collection. As artworks in their own right, they allow the public to become collectors even as they explicitly disavow their own status as object.\u003c\/p\u003e","brand":"PAUL STOLPER","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31871558156368,"sku":"9781916023307","price":6600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/0_peter-sacille_prints-and-multiples05_ea75f59d-0de0-40cd-a7c0-455cbb3b8e08.jpg?v=1582854129"},{"product_id":"prints-and-multiples-anna-blessmann-and-peter-saville-by-peter-saville-special-edition","title":"PRINTS AND MULTIPLES\/ANNA BLESSMANN AND PETER SAVILLE by Peter Saville [SPECIAL EDITION]","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp class=\"p1\"\u003e\u003cspan\u003eイギリス人グラフィックデザイナー、ピーター・サヴィル（Peter Saville）の作品集。2002年から2019年の間に制作した印刷物とマルチプル作品を収録した一冊。この15年の間に、ロンドンの Paul Stolper Gallery の協力のもと、作者はドローイングや彫刻を含む多数の作品を制作してきた。シルクスクリーン印刷からインクジェット印刷、タペストリー、アクリル樹脂、ネオン、レジンまでと幅広いテクニックや素材を使い、様々なテーマや作品のバリエーションのもと作者の名作とも言えるグラフィック作品が生まれていった。ヴィクトリア \u0026amp; アルバート博物館（V\u0026amp;A）やメトロポリタン美術館（Met）、ルーブル美術館の膨大な収蔵品を見て回った際に、誰もが何十回も通り過ぎたはずなのに、気に留めたことも見たことさえないかもしれない小さな注意書き。修復やリサーチ、あるいは撮影のために作品が非公開になっていることを伝える注意書きには、ガラスのように存在感がないものもあれば、目立つように鮮やかな色の丸いシールが貼ってある場合もある。美術館における展示の論理と流れを一時的に中断するこれらの記しは、そこに一つの作品があったことと、それが再び戻ってくるという二つのことを保証している。ドイツ人アーティストのアンナ・ブレスマン（Anna Blessmann）は、10年以上前から世界中の美術館やギャラリーにあるこれらの注意書きに注目し、写真に収めてきた。目立たないようにそっと添えられている文章を撮影したシリーズをみていると、形や文章の調子によってなんとなく分類できることがわかるが、この作品の面白さは、個々の違いというよりもこうした「芸術作品の代役たち」が一つのジャンルとして何を表象しているのかということにある。サヴィルと\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eブレスマン\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eの2人は、これを念頭に置いて所有とコレクション、ポテンシャルと想像、そして芸術作品それ自体という概念を探求する作品として、美術館の注意書きのシリーズを制作した。\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis book brings together the prints and multiples produced by Peter Saville between 2002 and 2019. For the last seventeen years Saville has collaborated with the Paul Stolper Gallery in London to produce a significant body of work including both works on paper and sculpture. Using a wide variety of techniques and materials including silkscreen printing, inkjet printing, tapestry, perspex, neon and resin, his work draws on much of his existing seminal graphic work to create variations on themes and works. Small signs; you might never have noticed them; you might have walked past ten times, twenty times, on your way through the vast collections of the V\u0026amp;A, or the Met, or the Louvre, and not have seen them. Sometimes glassily translucent, sometimes tagged with a brightly coloured dot, declaring ‘object removed for photography’, or otherwise for restoration, or maybe research. Temporary interruptions in the logic and flow of the museological display, they make a double promise; that an object was there and that it will be returned. Anna Blessmann began noticing and photographing these placeholders in museums and galleries across the world more than a decade ago. The series of photographs that she produced of these discreet and tucked-away missives provides a loose taxonomy of their varying forms and tones, but their interest lies less in the differences between individual examples and more in what, as a genre, these stand-ins stand for. With this in mind Blessmann and Saville have produced an on-going series of these place holders, available for purchase as a limited edition, exploring ideas of possession and collection, potential and imagination, and the art object itself. These ‘Art Accessories’ have a transformative potential: any domestic setting can become a collection. As artworks in their own right, they allow the public to become collectors even as they explicitly disavow their own status as object.\u003c\/p\u003e","brand":"PAUL STOLPER","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31871575130192,"sku":"9781916023307","price":71500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/0_peter-sacille_prints-and-multiples02_2.jpg?v=1582029778"},{"product_id":"sketchbook-by-oscar-tusquets-blanca","title":"SKETCHBOOK: THE INDUSTRIAL DESIGN OF OSCAR TUSQUETS BLANCA by Oscar Tusquets Blanca","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eカタロニア人建築家、オスカー・トゥスケ（Oscar Tusquets）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eオスカーの作品はどことなく彼自身に似ています。逸話に富み、様々な事が引き合いに出され、多角的なストーリーがあり、彼のデザインはどれをとっても造形に対する愛情が溢れています。アイデアに突き動かされているように精力的に活動するオスカーの心には、破壊への衝動と勇気が渦巻いています。どんなに難しいことがあっても不可能はないという彼の言葉には、周囲の人達を納得させる力があるのです。\u003c\/em\u003e」\u003cbr\u003e— ロス・ラブグローブ（Ross Lovegrove）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者はルネッサンスの巨匠のようなアーティストである。建築からインダストリアルデザイン、絵画、彫刻、そして比喩とユーモアセンスが常に輝いている文章と、そのキャリアを通じて幅広い分野で活躍し高く評価され、1964年に設立した建築事務所もその名は知られている。長い間好んで使ってきたスケッチブックのスタイルを模した本書は、1970年代から現在までの製品スケッチの決定的なコレクションであり、制作プロセスと芸術的才能を理解するのに欠かせない一冊である。バルセロナで起きたムーブメント「Gauche Divine」に始まり、古典とポストモダンから得た着想を独特の感性と想像力で表現した作者の作品がスパニッシュ・デザインの時代全体を定義づけたと言っても過言ではない。本書に収められているスケッチは、彼の過去作品の記録である。1975年にサルバドール・ダリと共同でデザインした「ダリリップス」（Dalilips）ソファなどの代表作に加え、作者のベストセラーの中でも最も有名な「ヴァリウス」（Varius）や「ガウリーノ（Gaulino）チェア」を含む200点近いスケッチを収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e‘Oscar’s work, to some extent, is like him—anecdotal, referential, and with expansive narrative—and I can see his love for the figurative at all scales of his design. There is subversion and courage laced through Oscar’s mind; it’s like the idea grabs him, and whatever the obstacles are he can persuade those around him that all is possible’.\u003c\/em\u003e —Ross Lovegrove\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOscar Tusquets is an artist in the style of the Renaissance greats: his acclaimed career has spanned the fields of architecture—with the influential practice he founded in 1964, Studio Per—industrial design, painting, sculpture, and writing, always with a taste for the figurative and the humorous. Replicating the style of sketchbook that Tusquets has favoured over the years, this latest release brings together a definitive collection of product sketches that date from the 1970s to the present day and provide an insight into Tusquets’s creative process, as well as his sense of artistry. These sketches form a historical record of work that has defined a whole era of Spanish design, starting in Barcelona’s Gauche Divine movement and drawing inspiration from the classical and the post-modern, filtered through his own unique imagery and personality. \u003cem\u003eSketchbook:\u003c\/em\u003e The Industrial Design of Oscar Tusquets Blanca includes nearly 200 sketches for some of his most iconic pieces, such as the Dalilips sofa that he designed with Salvador Dalí in 1975 and the Varius and Gaulino chairs, which feature among his best-selling products. It also features texts by Ross Lovegrove, Anna Puigjaner, Juli Capella, and Tusquets himself.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"APARTAMENTO","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31982250295376,"sku":"978-84-09-18268-8","price":9350.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200331_1180.jpg?v=1586428101"},{"product_id":"berlin-living-rooms-by-dominique-nabokov","title":"BERLIN LIVING ROOMS by Dominique Nabokov [THIRD EDITION]","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカとフランスを拠点に活動するフォトグラファー、ドミニク・ナバコフ（Dominique Nabokov）の作品集。第三版。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eドイツの首都に数カ月滞在しないかとベルリンのアメリカン・アカデミーから招待された時、これは『Berlin Living Rooms』を制作する最後のチャンスになると思いました。2014年のベルリンは、私が知っていた東西に分断され疲弊した1960年代と1970年代のベルリンとは似ても似つかないものでした。今やベルリンは世界中の若者が住みたいと願い、数々の有名アーティストが制作の拠点に選ぶ輝かしい都市に成長しました。『ベルリンの風』は今でも感化力を持っています。新参者の持つ喜びと好奇心に突き動かされて、私はのぞき見するように旅を始めました\u003c\/em\u003e」\u003cbr\u003e—ドミニク・ナバコフ\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本作は、完売となっていた『\u003cem\u003eBerlin Living Rooms\u003c\/em\u003e』の第三版。インテリア雑誌『\u003cem\u003eAPARTAMENTO\u003c\/em\u003e』と作者は、同誌の第5号に『\u003cem\u003eParis Living Rooms\u003c\/em\u003e』（2002年）と『\u003cem\u003eNew York Living Rooms\u003c\/em\u003e』（1998年）から抜粋した美しいインテリアの写真を掲載したことをきっかけに、長い年月をかけて親密な関係性を築いてきた。本プロジェクトは、20年以上の歳月を経て進化し、インテリア写真集における三位一体的なものとして評価されている。アメリカ人作家、ダリル・ピンクニー（Darryl Pinckney）と『\u003cem\u003eZEIT Magazin\u003c\/em\u003e』編集者、クリストフ・アメンド（Christoph Amend）のテキストを収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e再建され作り直された都市である今日のベルリンにおいて、ミニマリズムはもはや伝統的手法からの逸脱を象徴するものではない。それ自体が、非常に強力で意識的な一つの伝統になっている。その他の決定の根拠となるプラットフォームとしてミニマリズムにアプローチする人もいる。結局のところ、自由の本質は選択にあるのだ\u003c\/em\u003e」\u003cbr\u003e—ダリル・ピンクニー\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e‘\u003cem\u003eWhen I received an invitation from the American Academy in Berlin to spend a few months in the German capital, I knew it would be my last chance to at last make Berlin Living Rooms. The Berlin of 2014 was a far cry from the divided and battered Berlin of the 1960s and 1970s I had known. It was now a glorious city where all the young people of the world wanted to move and where many famous artists had chosen to work. The Berliner Luft was still contagious. I embarked on my voyeuristic journey with the gusto and curiosity of a new visitor’\u003c\/em\u003e. \u003cspan\u003e—\u003c\/span\u003eDominique Nabokov\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIt is APARTAMENTO's sold-out publication \u003cem\u003eBerlin Living Rooms,\u003c\/em\u003e by Dominique Nabokov, out worldwide again. Over the years the publishing house developed a close relationship with Dominique, after featuring a selection of her beautiful interior photos from \u003cem\u003eParis Living Rooms\u003c\/em\u003e (2002) and \u003cem\u003eNew York Living Rooms\u003c\/em\u003e (1998) in issue #5 of the magazine. They are touched to have had the privilege of publishing the third instalment in a project that has evolved for more than 20 years to become a sort of holy trinity of interior photography books. \u003cem\u003eBerlin Living Rooms\u003c\/em\u003e features original photography by Dominique Nabokov and texts by American novelist Darryl Pinckney and \u003cem\u003eZEIT magazin\u003c\/em\u003e editor Christoph Amend.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e‘\u003cem\u003eIn the Berlin of today, city of the rebuilt and remade, minimalism no longer symbolises a break from convention. It has become itself a very strong and conscious tradition. Some people approach it as a platform on which to base other decisions. After all, the essence of freedom is choice’.\u003c\/em\u003e \u003cspan\u003e—\u003c\/span\u003eDarryl Pinckney\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"APARTAMENTO","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31982350925904,"sku":"9788469772683","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200212_0465.jpg?v=1583834367"},{"product_id":"arranging-flower-arranging-by-andrea-salerno-yeliz-secerli","title":"ARRANGING FLOWER ARRANGING by Andrea Salerno, Yeliz Secerli [SECOND PRINTING]","description":"\u003cp\u003eイタリア人デザイナー、アンドレア・サレルノ（Andrea Salerno）と、トルコ人デザイナー、イエリズ・シェケルリ（Yeliz Secerli）による作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e2018年、私は『FLOWER ARRANGING』という本を家に持ちかえりました。その本は、1966年に出版されたという家庭用の生け花の参考資料集でした。オランダで印刷されたようですが、1965年にデモイン、1966にグラスゴーでほぼ同時に刊行されました。かつてヨハネスブルグのプリチャード通りとラブデイ通りの間にあった書店で売られていたようだけれども、再びオランダに戻って私の家からほど近いチャリティーショップで見つけられた。それからすぐイエリズ・シェケルリの力を借りて、『フラワーアレンジメント』の本が成していたシークエンスを『再アレンジ』し始めたんだ。\u003c\/em\u003e」\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eIn early 2018, I came back home with a book titled Flower Arranging, an illustrated home reference manual about floral decoration dated 1966. The book was printed in Holland, yet published almost simultaneously in Des Moines (1965) and Glasgow (1966). The volume appeared to be sold in a no-longer existing bookshop in Johannesburg, between Pritchard and Loveday Streets, and eventually travelled back to the Netherlands, where I found it in a charity shop not too far from my house. Soon afterwards I started rearranging its sequence of flower arrangements with the help of Yeliz Secerli.\u003c\/em\u003e”\u003cbr\u003e― Andrea Salerno\u003c\/p\u003e","brand":"WERKPLAATS TYPOGRAFIE","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31990556262480,"sku":"","price":6380.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200212_0438.jpg?v=1584357444"},{"product_id":"manifesto-pour-les-filles-du-calvaire-way-up-by-nathalie-du-pasquier","title":"MANIFESTO POUR LES FILLES DU CALVAIRE 'WAY UP' by Nathalie du Pasquier","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eイタリアを拠点として活動するフランス人アーティスト、ナタリー・ドゥ・パスキエ（Nathalie du Pasquier）のポスター。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eイタリア語ではポスターのことを『manifesto（マニフェスト）』と呼びます。『manifesto』は『ポスター』以外にも英語でのマニフェスト（明示）と同じ意味も持っているので、今作のタイトル『Manifesto』には二つの意味を込めることができます。ただ、そのことはさほど重要なことではないのですが…。私は長きにわたり、ポスターを作りたいと思っていました。今回のポスターの文言は、小説家のジョルジュ・ペレック、詩人のヴァージルやチャールズ・シミックの言葉を引用しています。彼らに感謝しなければならないですね。\u003c\/em\u003e」– ナタリー・ドゥ・パスキエ（Nathalie du Pasquier）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本ポスターは、フランス、パリのブックショップ「Yvon Lambert」で2019年1月から2月まで開催された同名展覧会に伴い制作、展示された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e”In Italian we call a poster ‘manifesto’. Manifesto can also mean a manifest - so we can give two different meanings to this title. But well, that is not very important. For a long time I have been wanting to make posters and together with Bruno we thought this would be a nice project to show at Rue des Filles du Calvaire (the Yvon Lambert Bookshop). I have to thank George Perec, Virgil and Charles Simic for the words used here and there.”\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e - Nathalie du Pasquier\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eFor the exhibition \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e\"\u003c\/span\u003e\u003cem\u003eManifesto pour les Filles du Calvaire\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e\" held from January 10th to february 10th 2019 at the Yvon Lambert Bookshop, Nathalie du Pasquier conceived 10 works that are made available as limited edition posters.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"YVON LAMBERT","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32361128296528,"sku":"","price":27500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/WAYUP.jpg?v=1589268654"},{"product_id":"manifesto-pour-les-filles-du-calvaire-do-you-remember-by-nathalie-du-pasquier","title":"MANIFESTO POUR LES FILLES DU CALVAIRE 'DO YOU REMEMBER?' by Nathalie du Pasquier","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eイタリアを拠点として活動するフランス人アーティスト、ナタリー・ドゥ・パスキエ（Nathalie du Pasquier）のポスター。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eイタリア語ではポスターのことを『manifesto（マニフェスト）』と呼びます。『manifesto』は『ポスター』以外にも英語でのマニフェスト（明示）と同じ意味も持っているので、今作のタイトル『Manifesto』には二つの意味を込めることができます。ただ、そのことはさほど重要なことではないのですが…。私は長きにわたり、ポスターを作りたいと思っていました。今回のポスターの文言は、小説家のジョルジュ・ペレック、詩人のヴァージルやチャールズ・シミックの言葉を引用しています。彼らに感謝しなければならないですね。\u003c\/em\u003e」– ナタリー・ドゥ・パスキエ（Nathalie du Pasquier）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本ポスターは、フランス、パリのブックショップ「Yvon Lambert」で2019年1月から2月まで開催された同名展覧会に伴い制作、展示された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e”In Italian we call a poster ‘manifesto’. 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I have to thank George Perec, Virgil and Charles Simic for the words used here and there.”\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e - Nathalie du Pasquier\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eFor the exhibition \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e\"\u003c\/span\u003e\u003cem\u003eManifesto pour les Filles du Calvaire\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e\" held from January 10th to february 10th 2019 at the Yvon Lambert Bookshop, Nathalie du Pasquier conceived 10 works that are made available as limited edition posters.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"YVON LAMBERT","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32361136357456,"sku":"","price":27500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/DOYOUREMEMBER.jpg?v=1589268756"},{"product_id":"manifesto-pour-les-filles-du-calvaire-cote-obscur-by-nathalie-du-pasquier","title":"MANIFESTO POUR LES FILLES DU CALVAIRE 'CÔTÉ OBSCUR' by Nathalie du Pasquier","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eイタリアを拠点として活動するフランス人アーティスト、ナタリー・ドゥ・パスキエ（Nathalie du Pasquier）のポスター。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eイタリア語ではポスターのことを『manifesto（マニフェスト）』と呼びます。『manifesto』は『ポスター』以外にも英語でのマニフェスト（明示）と同じ意味も持っているので、今作のタイトル『Manifesto』には二つの意味を込めることができます。ただ、そのことはさほど重要なことではないのですが…。私は長きにわたり、ポスターを作りたいと思っていました。今回のポスターの文言は、小説家のジョルジュ・ペレック、詩人のヴァージルやチャールズ・シミックの言葉を引用しています。彼らに感謝しなければならないですね。\u003c\/em\u003e」– ナタリー・ドゥ・パスキエ（Nathalie du Pasquier）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本ポスターは、フランス、パリのブックショップ「Yvon Lambert」で2019年1月から2月まで開催された同名展覧会に伴い制作、展示された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e”In Italian we call a poster ‘manifesto’. Manifesto can also mean a manifest - so we can give two different meanings to this title. But well, that is not very important. For a long time I have been wanting to make posters and together with Bruno we thought this would be a nice project to show at Rue des Filles du Calvaire (the Yvon Lambert Bookshop). I have to thank George Perec, Virgil and Charles Simic for the words used here and there.”\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e - Nathalie du Pasquier\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eFor the exhibition \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e\"\u003c\/span\u003e\u003cem\u003eManifesto pour les Filles du Calvaire\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e\" held from January 10th to february 10th 2019 at the Yvon Lambert Bookshop, Nathalie du Pasquier conceived 10 works that are made available as limited edition posters.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"YVON LAMBERT","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32361147072592,"sku":"","price":27500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/COTEOBSCUR.jpg?v=1589268967"},{"product_id":"manifesto-pour-les-filles-du-calvaire-cretino-by-nathalie-du-pasquier","title":"MANIFESTO POUR LES FILLES DU CALVAIRE 'CRETINO' by Nathalie du Pasquier","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eイタリアを拠点として活動するフランス人アーティスト、ナタリー・ドゥ・パスキエ（Nathalie du Pasquier）のポスター。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eイタリア語ではポスターのことを『manifesto（マニフェスト）』と呼びます。『manifesto』は『ポスター』以外にも英語でのマニフェスト（明示）と同じ意味も持っているので、今作のタイトル『Manifesto』には二つの意味を込めることができます。ただ、そのことはさほど重要なことではないのですが…。私は長きにわたり、ポスターを作りたいと思っていました。今回のポスターの文言は、小説家のジョルジュ・ペレック、詩人のヴァージルやチャールズ・シミックの言葉を引用しています。彼らに感謝しなければならないですね。\u003c\/em\u003e」– ナタリー・ドゥ・パスキエ（Nathalie du Pasquier）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本ポスターは、フランス、パリのブックショップ「Yvon Lambert」で2019年1月から2月まで開催された同名展覧会に伴い制作、展示された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e”In Italian we call a poster ‘manifesto’. Manifesto can also mean a manifest - so we can give two different meanings to this title. But well, that is not very important. For a long time I have been wanting to make posters and together with Bruno we thought this would be a nice project to show at Rue des Filles du Calvaire (the Yvon Lambert Bookshop). I have to thank George Perec, Virgil and Charles Simic for the words used here and there.”\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e - Nathalie du Pasquier\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eFor the exhibition \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e\"\u003c\/span\u003e\u003cem\u003eManifesto pour les Filles du Calvaire\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e\" held from January 10th to february 10th 2019 at the Yvon Lambert Bookshop, Nathalie du Pasquier conceived 10 works that are made available as limited edition posters.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"YVON LAMBERT","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32361171288144,"sku":"","price":27500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/CRETINO.jpg?v=1589269020"},{"product_id":"manifesto-pour-les-filles-du-calvaire-l-lndestructible-rolls-by-nathalie-du-pasquier","title":"MANIFESTO POUR LES FILLES DU CALVAIRE 'L’LNDESTRUCTIBLE ROLLS' by Nathalie du Pasquier","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eイタリアを拠点として活動するフランス人アーティスト、ナタリー・ドゥ・パスキエ（Nathalie du Pasquier）のポスター。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eイタリア語ではポスターのことを『manifesto（マニフェスト）』と呼びます。『manifesto』は『ポスター』以外にも英語でのマニフェスト（明示）と同じ意味も持っているので、今作のタイトル『Manifesto』には二つの意味を込めることができます。ただ、そのことはさほど重要なことではないのですが…。私は長きにわたり、ポスターを作りたいと思っていました。今回のポスターの文言は、小説家のジョルジュ・ペレック、詩人のヴァージルやチャールズ・シミックの言葉を引用しています。彼らに感謝しなければならないですね。\u003c\/em\u003e」– ナタリー・ドゥ・パスキエ（Nathalie du Pasquier）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本ポスターは、フランス、パリのブックショップ「Yvon Lambert」で2019年1月から2月まで開催された同名展覧会に伴い制作、展示された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e”In Italian we call a poster ‘manifesto’. Manifesto can also mean a manifest - so we can give two different meanings to this title. But well, that is not very important. For a long time I have been wanting to make posters and together with Bruno we thought this would be a nice project to show at Rue des Filles du Calvaire (the Yvon Lambert Bookshop). I have to thank George Perec, Virgil and Charles Simic for the words used here and there.”\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e - Nathalie du Pasquier\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eFor the exhibition \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e\"\u003c\/span\u003e\u003cem\u003eManifesto pour les Filles du Calvaire\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e\" held from January 10th to february 10th 2019 at the Yvon Lambert Bookshop, Nathalie du Pasquier conceived 10 works that are made available as limited edition posters.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"YVON LAMBERT","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32361172893776,"sku":"","price":27500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/L_LNDESTRUCTIBLEROLLS.jpg?v=1589269076"},{"product_id":"manifesto-pour-les-filles-du-calvaire-voici-tarzan-by-nathalie-du-pasquier","title":"MANIFESTO POUR LES FILLES DU CALVAIRE 'VOICI TARZAN' by Nathalie du Pasquier","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eイタリアを拠点として活動するフランス人アーティスト、ナタリー・ドゥ・パスキエ（Nathalie du Pasquier）のポスター。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eイタリア語ではポスターのことを『manifesto（マニフェスト）』と呼びます。『manifesto』は『ポスター』以外にも英語でのマニフェスト（明示）と同じ意味も持っているので、今作のタイトル『Manifesto』には二つの意味を込めることができます。ただ、そのことはさほど重要なことではないのですが…。私は長きにわたり、ポスターを作りたいと思っていました。今回のポスターの文言は、小説家のジョルジュ・ペレック、詩人のヴァージルやチャールズ・シミックの言葉を引用しています。彼らに感謝しなければならないですね。\u003c\/em\u003e」– ナタリー・ドゥ・パスキエ（Nathalie du Pasquier）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本ポスターは、フランス、パリのブックショップ「Yvon Lambert」で2019年1月から2月まで開催された同名展覧会に伴い制作、展示された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e”In Italian we call a poster ‘manifesto’. Manifesto can also mean a manifest - so we can give two different meanings to this title. But well, that is not very important. For a long time I have been wanting to make posters and together with Bruno we thought this would be a nice project to show at Rue des Filles du Calvaire (the Yvon Lambert Bookshop). I have to thank George Perec, Virgil and Charles Simic for the words used here and there.”\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e - Nathalie du Pasquier\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eFor the exhibition \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e\"\u003c\/span\u003e\u003cem\u003eManifesto pour les Filles du Calvaire\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e\" held from January 10th to february 10th 2019 at the Yvon Lambert Bookshop, Nathalie du Pasquier conceived 10 works that are made available as limited edition posters.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"YVON LAMBERT","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32361176858704,"sku":"","price":27500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/VOICITARZAN.jpg?v=1589269127"},{"product_id":"manifesto-pour-les-filles-du-calvaire-la-dictature-du-whisky-by-nathalie-du-pasquier","title":"MANIFESTO POUR LES FILLES DU CALVAIRE 'LA DICTATURE DU WHISKY' by Nathalie du Pasquier","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eイタリアを拠点として活動するフランス人アーティスト、ナタリー・ドゥ・パスキエ（Nathalie du Pasquier）のポスター。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eイタリア語ではポスターのことを『manifesto（マニフェスト）』と呼びます。『manifesto』は『ポスター』以外にも英語でのマニフェスト（明示）と同じ意味も持っているので、今作のタイトル『Manifesto』には二つの意味を込めることができます。ただ、そのことはさほど重要なことではないのですが…。私は長きにわたり、ポスターを作りたいと思っていました。今回のポスターの文言は、小説家のジョルジュ・ペレック、詩人のヴァージルやチャールズ・シミックの言葉を引用しています。彼らに感謝しなければならないですね。\u003c\/em\u003e」– ナタリー・ドゥ・パスキエ（Nathalie du Pasquier）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本ポスターは、フランス、パリのブックショップ「Yvon Lambert」で2019年1月から2月まで開催された同名展覧会に伴い制作、展示された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e”In Italian we call a poster ‘manifesto’. 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Readers are quickly absorbed into a distinctive universe, as they transit through more than 100 full-bleed images, where spaces, angles, and textures merge and intersect, page after page. Ultimately, these interventions—renovations or extensions that rest upon the framework of existing buildings—paint a larger picture as well: of an economic crisis that devastated a profession but gave rise to the conditions that shaped the young architects’ singular style and method of working. Photographed by the studio’s long-time collaborator José Hevia, the book also features texts by Oscar Tusquets, Moisés Puente, and Sam Chermayeff, as well as individual architectural plans for each project.\u003c\/p\u003e","brand":"APARTAMENTO","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32413509779536,"sku":"978-84-09-08774-7","price":8360.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200602_0827_A.jpg?v=1591770192"},{"product_id":"dont-take-these-drawings-seriously-1981-1987-by-nathalie-du-pasquier","title":"DON'T TAKE THESE DRAWINGS SERIOUSLY 1981-1987 by Nathalie Du Pasquier","description":"\u003cp\u003eイタリアを拠点として活動するフランス人アーティスト、ナタリー・ドゥ・パスキエ（Nathalie du Pasquier）の作品集。作者は、1979年にミラノで夫のジョージ・ソウデン（George Sowden）と出会ったことをきっかけに絵を描き始めた。そこからデザインの世界に入り、1981年にはポストモダンデザインを象徴するムーブメント「メンフィス」の創設に関わった。1981年から1987年の間はドローイングに専念し、ジュエリーのようにとても小さなものから都市の全体像まで、全く新しい現代的な世界を日々描いていた。想像の中にだけ存在していたこの世界は、やがて作品となり、最終的にはメンフィスの展覧会で発表された。この時期のドローイングの一部は、未発表のまま30年以上もの間作者のスタジオの引き出しにしまい込まれていた。本書はその全てを網羅し、各章に作者の文章を添えた決定版ともいえる比類なき一冊である。インテリア雑誌「apartamento」の共同創始者であるオマール・ソーサ（Omar Sosa）が編集とデザインを手掛けた本作は、モダンデザインにおける重要な一時期を記録しており、これからの世代にとって素晴らしい参考書となるであろう。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eNathalie Du Pasquier started drawing as soon as she met her husband George Sowden in 1979 in Milan. She was introduced to the world of design and shortly after, in 1981, became a founding member of the iconic postmodern design movement Memphis. From 1981 to 1987 she didn’t stop drawing. Every day she would draw a whole new modern world, from very small items like jewelry to entire cities. This world only existed in her head but would eventually be developed into real pieces for the Memphis exhibitions. This unique book is the first and definitive compilation of all the unpublished drawings from those years, which had been sitting in the drawers of Nathalie’s studio for over 30 years. Organized by the smallest objects to the biggest and divided into chapters, each with a text by Nathalie, it has been carefully edited and designed by Apartamento magazine’s co-founder Omar Sosa together with Nathalie Du Pasquier. \u003cem\u003eDon’t Take These Drawings Seriously\u003c\/em\u003e is an excellent reference for future generations and a welcome document of an important period in modern design.\u003c\/p\u003e","brand":"POWERHOUSE BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32413731258448,"sku":"978-1576877548","price":10780.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200507_0012.jpg?v=1589881784"},{"product_id":"the-journey-of-things-by-magdalene-odundo-second-printing","title":"THE JOURNEY OF THINGS by Magdalene Odundo [SECOND PRINTING]","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eケニヤ生まれのイギリス人陶芸家、マグダレン・オドゥンド（Magdalene Odundo）の作品集。本書は、2019年春にイギリスの西ヨークシャー州にある美術館ヘップワース・ウェイクフィールド（Hepworth Wakefield）で開催された展覧会「The Journey of Things」に伴い刊行された展覧会図録。44点に及ぶ作品に加え、博物館学的に重要な品々や現代作家の作品を幅広く収録し、作者の制作活動が世界中から得た様々なインスピレーションによって支えられていることを示している。本自体が作品となる「ブックオブジェ」である本書は、歴史的なものと現代のものとを対で並列的にレイアウトし、有機的な繋がりや流れで内容をより分かりやすく見せるためにセクションを交互に綴じ込んでいる。作者の制作物と共に、バーバラ・ヘップワース（Barbara Hepworth）、ヘンリー・ムーア（Henry Moore）、アンリ・ゴーディエ=ブルゼスカ（Henri Gaudier-Brzeska）、ルーシー・リー（Lucie Rie）、ジャン・アルプ（Jean Arp）といったアーティストの作品、古代ギリシャや古代エジプトの遺物、アフリカ、アジア、中央アメリカの歴史的な陶器、そしてアフリカ全土から集められた様々な儀式用品が収録されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe Journey of Things by Magdalene Odundo has been published alongside the exhibition of the same name presented at The Hepworth Wakefield in Spring 2019. The book features 44 of Odundo’s vessels alongside a large selection of museological and contemporary objects that reveal the wide range of global references that have informed her practice. The book object comprises a series of interleaved sections presenting an organic flow of content which pairs and juxtaposes the historic and the contemporary, featuring works by Barbara Hepworth, Henry Moore, Henri Gaudier-Brzeska, Lucie Rie, Jean Arp, as well as ancient vessels from Greece and Egypt, historic ceramics from Africa, Asia and Central America, and ritual objects from across the African continent. \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ciframe width=\"560\" height=\"315\" src=\"https:\/\/www.youtube.com\/embed\/2HwVb8VihCg\" frameborder=\"0\" allow=\"accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture\" allowfullscreen=\"\"\u003e\u003c\/iframe\u003e[JAPANESE] TDCDAY2020: Oliver Knight + Rory McGrath, OK-RM \/ Presentation, Tota Hasegawa \/ Messege\u003cbr\u003eby TOKYO TDC \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ciframe width=\"560\" height=\"315\" src=\"https:\/\/www.youtube.com\/embed\/5pKJ8Wt5nLg\" frameborder=\"0\" allow=\"accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture\" allowfullscreen=\"\"\u003e\u003c\/iframe\u003e[ENGLISH] TDCDAY2020: Oliver Knight + Rory McGrath, OK-RM \/ Presentation, Tota Hasegawa \/ Messege\u003cbr\u003eby TOKYO TDC\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"IN OTHER WORDS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32419940761680,"sku":"978-1-9160024-1-8","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/jot_00.jpg?v=1589955688"},{"product_id":"design-rehearsals-by-stiftung-bauhaus-dessau","title":"DESIGN REHEARSALS \/ Edition Bauhaus 57 by Stiftung Bauhaus Dessau","description":"\u003cp\u003e「EDITION BAUHAUS」シリーズ第57作。バウハウス・デッサウ校の予備過程の学生たちによるこのプロジェクトは、学習プロセスの興味深い記録である。またこれは、バウハウスの教師によって出された特定の課題を「翻訳」するために、生徒たちが個性溢れる独自のアプローチを用いていることの証明でもある。バウハウスの歴史的要性の一部を担ったとして評価されている予備過程での考え方に反論、批判するだけでなく、知識を得て新しい発見をするという二重のプロセスに関し自由で多様な洞察を示した。本書はゲストに批評をしてもらうという同校の伝統を現在の文脈に当てはめ、バウハウスの有名講師陣が課した様々なコースの実験的な課題に取り組み制作された作品を選び、世界的な教育者やデザイナーが評価するという形式になっている。著者とバウハウスフェスティバルの参加者たちが昔の生徒の作品を批判的に精査し、現代的な視点から教育学および今の時代との関連性について考察した。本書はバウハウス100周年の2019年にバウハウス・デッサウ校で同年3月に開催された「Festival　Schule FUNDAMENTAL」に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe student projects from the preliminary course at the Bauhaus Dessau School of Design are a unique document of the learning process. They are evidence of the independent and multifarious approaches applied to the work of “translating” the particular assignments set by the Bauhaus teachers. They not only counter the idea of the preliminary course that has now become canonized in historical accounts of the Bauhaus but also offer insights, in their variety and open-endedness, into the dual process of acquiring knowledge and making new discoveries. The book picks up on the tradition of the public guest critic and translates this into the present-day context. International educators and designers look at a selection of works originating from the different courses taught by the Bauhaus masters. In the display panels in the reader, the historical student works are critically examined by authors and festival participants, who apply a modern perspective to explore their pedagogic and contemporary relevance. The book is published in 2019, the Bauhaus centenary year, in conjunction with the Schule FUNDAMENTAL festival at the Bauhaus Dessau, from 20 to 24 March 2019.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eText by Ludovic Balland, Jan Boelen, Anna Bokov, Clare Butcher, Alison Clarke, Laura Forlano, Corinne Gisel, Tom Holert, Joachim Krausse, Marion von Osten, Nina Paim, Gabrielle Schleijpen, Wolfgang Schäffner, Sam Thorne, John Thackara, Franciska Zólyom a.o.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32585449570384,"sku":"978-3-959052-70-2","price":6050.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/DESIGNREHEARSALS00.jpg?v=1594877364"},{"product_id":"human-space-machine-stage-experiments-at-the-bauhaus-by-stiftung-bauhaus-dessau","title":"HUMAN - SPACE - MACHINE - Stage experiments at the Bauhaus \/ Edition Bauhaus 38 by Stiftung Bauhaus Dessau","description":"\u003cp\u003e「\u003cem\u003eEDITION BAUHAUS\u003c\/em\u003e」シリーズ第38作。モダニズムを代表するドイツ人建築家、ヴァルター・グロピウス（Walter Gropius）は1921年にバウハウスのバウハウスシアターワークショップ（舞台工房）を創設し、人間とテクノロジーの関係にまつわる新たな研究と実験を行った。その中心人物であったドイツ人アーティストであり演出家のローター・シュライヤー（Lothar Schreyer）、ドイツ人芸術家、彫刻家、デザイナーであり振付師でもあるオスカー・シュレンマー（Oskar Schlemmer）、ハンガリー出身の写真家、画家、タイポグラファー、美術教育家のモホリ＝ナジ・ラースロー（László Moholoy-Nagy）らは機械化、機械による産業化、合理化が孕む問題を探求。産業化され、技術によって活性化された環境との新しく有意義な関係性を追い求めた。この者たちは、舞台工房で抽象的な動きの研究を進め、舞台演出に使う構造を考え舞台装置を作り出し、かの有名な「バウハウスの祝祭」を主催、「NEW HUMANS」集団としてその時代に在った。本書は伝説的なバウハウスの舞台工房が実験と考え方をテーマにした初めての展覧会「バウハウスの舞台実験 - 人間、空間、機械（HUMAN - SPACE - MACHINE - Stage experiments at the Bauhaus）」展の開催に伴い刊行された図録であり、そのスケッチ、ドローイング、写真に加え、映像、人形、舞台衣装、模型、舞台装置などの資料を収録している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn 1921, Walter Gropius founded a theater workshop at the Bauhaus. It conducted new research and experiments on the relationship between humans and technology. The central protagonists Lothar Schreyer, Oskar Schlemmer, and László Moholoy-Nagy investigated the issues of mechanization, machine industrialization, and rationalization. They sought a new, meaningful relationship with the dynamized, increasingly technically animated environment. In their stage laboratory, they developed abstract motion studies, designed atmosphere machines, and built theater apparatus. They also organized the famous Bauhaus celebrations, where they staged themselves as a collective of »new humans«. For the first time, an exhibition and a catalog with sketches, drawings, photographs as well as films, figurines, costumes, models, and apparatus are now devoted to the experiments and concepts of the legendary Bauhaus stage.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32585464709200,"sku":"978-3-944669-22-9","price":6820.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/HUMANSPACEMACHINE00.jpg?v=1594873210"},{"product_id":"the-facit-model-globalism-localism-identity-by-our-polite-society","title":"THE FACIT MODEL - GLOBALISM, LOCALISM, IDENTITY by Our Polite Society","description":"\u003cp\u003eスウェーデンの事務機器の製造業者「ファシット（FACIT）」に関する作品集。オランダ・アムステルダムとスウェーデン・ストックホルムを拠点として活動するデザインスタジオ「Our Polite Society」による編集。ファシットというブランドはスウェーデンにおいてIBMやOlivettiと同様に有名である。オートヴィーダベリを拠点とし、1922年から1998年まで計算機、タイプライター、オフィス家具などを生産していた。1970年代になると家族経営の地域の会社から世界的なマニュファクチュラーの一つに数えらえるまでに成長した。同社がスポンサーを務めたサッカーチーム、オートヴィーダベリFF（ÅFF）はスウェーデンびプロサッカー1部リーグでプレイしていたほどであった。しかしそれから数年のうちに、ファシットは世界的な資本主義の波にのまれて消えてしまった。本書は、ファシットの社内印刷部門が製作した資料を通じ、商業的なモダニズムから派生したこの奇妙な成果について考察する。ファシットが開発したフォント、マニュアル、宣伝用のパンフレット、商品カタログなどは、今日の仕事中心の世界に慣れ親しんでいる私たちにとって見覚えのある記号や形式の多くを生み出し、定義づけた一つの文化の証人である。本書は「Our Polite Society」がFACIT ABのアーカイブを用いて行ったヴィジュアルリサーチの記録である。また同名の展覧会が2019年4月にオランダ・アムステルダムのfanfareで、また7月から9月までスウェーデン・オートヴィーダベリのFACIT美術館で開催された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn Sweden, the FACIT brand is as well-known as IBM or Olivetti. Based in Åtvidaberg, the company produced mechanical calculators, typewriters, and office furniture in the period between 1922 and 1998. By the 1970s the company had grown from a local family business into one of the world’s leading manufacturers. The company-sponsored football team ÅFF was playing in the first division. A few years later the FACIT organisation had disappeared―worn down by global capitalism. The FACIT Model looks at this peculiar outgrowth of corporate modernism through the printed matter produced in FACIT’s inhouse print shops. Type specimens, manuals, advertising leaflets, and product catalogues bear witness to a culture in which many of the codes and forms familiar to us from today’s world of work were defined or invented. The FACIT Model documents the visual research carried out by Our Polite Society in the archives of FACIT AB. The FACIT Model, fanfare, Amsterdam, from 6 to 22 April 2019 and at the FACIT Museum, Åtvidaberg, from 1 July to 29 September.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32611316400208,"sku":"978-3-959052-86-3","price":5940.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/THEFACITcover2.jpg?v=1596797302"},{"product_id":"artist-bauhaus-1-the-bauhaus-dessau-foundations-magazine-by-stiftung-bauhaus-dessau","title":"ARTIST - BAUHAUS 1. The Bauhaus Dessau Foundation's Magazine by Stiftung Bauhaus Dessau","description":"\u003cp\u003e80年の時を経て再び出版されることになったThe Bauhaus Dessau Foundationの雑誌『\u003cem\u003eBAUHAUS\u003c\/em\u003e』は、バウハウスの世界のニュース、エッセー、インタビューなど豊富な記事を掲載。雑誌『\u003cem\u003eBAUHAUS\u003c\/em\u003e』は、1926年12月にバウハウスの建物がデッサウにオープンした際に発行されたことに始まり、デッサウで起きた出来事やモダニズムの重要な流れについて時には休刊しつつも年4回刊行されてきた。記事を書いたヴァルター・グロピウス（Walter Gropius）、モホリ＝ナジ・ラースロー（László Moholy-Nagy）、パウル・クレー（Paul Klee）、ワシリー・カンディンスキー（Wassily Kandinsky）、マルセル・ブロイヤー（Marcel Breuer）といったバウハウスの著名人たちは、この雑誌で自分の意見を主張した。最終号は1931年に出版され、そこから80年が経ったのち、The Bauhaus Dessau Foundationは昔と同じ名前で新しい雑誌を刊行することを決めた。これは中断された伝統を生き返らせ、今の時代に合わせて再開しようとするものではない。むしろ本誌は、歴史的な実験であるバウハウスが行われたのと同じバウハウス・デッサウ校で活動する団体として、その現状を報告することに主眼を置いている。雑誌『\u003cem\u003eBAUHAUS\u003c\/em\u003e』は半年毎に歴史的な遺産、現在の進展、そして活気ある知的環境の領域を横断する活動を取り上げていく。今号ではバウハウスにおける、およびそれ以降のアーティストの役割を特集。オラフ・ニコライ（Olaf Nicolai）、フィリップ・オズワルト（Philipp Oswalt）、マタイアス・ザウアーブルッフ（Matthias Sauerbruch）、クリスティーナ・ティルマン（Christina Tilmann）らの記事を収録している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eBack in circulation after 80 years: \u003cem\u003eBauhaus\u003c\/em\u003e - the new magazine of the Bauhaus Dessau Foundation. News from the Bauhaus world, essays, interviews and more. When the Bauhaus building in Dessau was opened in December 1926, the magazine \u003cem\u003eBauhaus\u003c\/em\u003e appeared for the first time. It reported (with interruptions) quarterly on events in Dessau and on important trends in modernism. The articles were signed by names such as Walter Gropius, László Moholy-Nagy, Paul Klee, Wassily Kandinsky and Marcel Breuer - pugnacious spirits who defended their positions here. The last issue of the magazine was published in 1931. 80 years later, the Bauhaus Dessau Foundation is publishing a new magazine under the old name. It is not about reviving a tradition that has been broken off and adapting to its continuation. Rather, it is about reporting from the presence of an institution that works at the same place where the historical experiment Bauhaus took place: the Bauhaus building in Dessau. Every six months from now on, the new magazine \u003cem\u003eBauhaus\u003c\/em\u003e will focus on the work between historical heritage, current developments and a lively intellectual environment. The first issue focuses on the role of the artist - at and after the Bauhaus; with contributions by Olaf Nicolai, Philipp Oswalt, Matthias Sauerbruch, Christina Tilmann and others.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32615133872208,"sku":"978-3-940064-18-9","price":2200.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/ARTIST-BAUHAUS1.ZEITSCHRIFTDERSTIFTUNGBAUHAUSDESSAU00.jpg?v=1595175855"},{"product_id":"desk-in-exhile-bauhaus-paperback-20-by-bauhaus-lab-2016-stiftung-bauhaus-dessau","title":"DESK IN EXILE \/ Bauhaus Paperback 20 by Bauhaus Lab 2016, Stiftung Bauhaus Dessau","description":"\u003cp\u003e「BAUHAUS PAPERBACK」シリーズ第20作。重たい桜材の机に亡命と移住のストーリーを語ることはできるのか。ヴァイマールで1923年に開催されたバウハウス展覧会の一部としてデザインされたウォルター・グロピウス（Walter Gropius）の机は、後にデッサウに運ばれ現代的なオフィスの一部として使われた。1938年以降は、マサチューセッツ州リンカーンにあるグロピウス邸の子供部屋に置かれた。本書はその机の目を通じ、現代の移住と定住を取り巻き変わり続ける状況を写し出した。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eHow can a heavy cherrywood desk tell a story of exile and migration? Designed as part of the 1923 Bauhaus exhibition in Weimar, then moved to Dessau where it was integrated into a modern office culture, Walter Gropius’s desk has been in Lincoln, Massachusetts, since 1938, in the children’s room of the family’s private residence. Looking through the lens of the object, the publication reflects the changing conditions of migration and “settling” in the modern age.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32615139672144,"sku":"978-3-959051-22-4","price":1980.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/DESKINEXILE00.jpg?v=1595173671"},{"product_id":"collective-bauhaus-7-the-bauhaus-dessau-foundations-magazine","title":"COLLECTIVE - BAUHAUS 7. The Bauhaus Dessau Foundation's Magazine by Stiftung Bauhaus Dessau","description":"\u003cp\u003eThe Bauhaus Dessau Foundationによる雑誌『\u003cem\u003eBauhaus No.7\u003c\/em\u003e』。2015年時点でバウハウス・デッサウ校はその年に選んだテーマを特集した雑誌を年一回刊行してきているが、2015年号は「共同体（COLLECTIVE）」というテーマのもと、個人主義者、型にはまらない考えを持つ人、個人のアーティストに光を当てた。1920年代、すでに教師だけでなく生徒や学校関係者までもが学習、労働、実験に打ち込むクリエイティブな共同体の一員、Bauhäusler（バウハウスの人々）という自負を持っていた。商品や新しい生活のヴィジョンをデザインしただけでなく、自分たちで作ったモデルを使ってテストをしていた。世間から隔絶されたエリート主義のコミュニティというロマンチックな考え方から、協同組合による集団主義、チームのコラボレーションとネットワーキングという自由主義的な考え方まで、この集団的なコンセプトの主旨と分脈はバウハウスが存在した14年の間に何度も変化してきている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAs of 2015 the Bauhaus journal will be published once a year, with that year’s selected topic as the central feature of the issue. The Bauhaus Dessau Foundation is devoting its 2015 edition of the magazine to the »collective« and thus focuses on individualists, unorthodox thinkers, and solo artists. In the 1920s the Bauhäusler — a group that includes not only teachers and students but also friends of the school — saw themselves as members of a creative collective devoted to learning, working, and experimentation. They not only designed the products and visions of a new life but also tested them using their own models. The tenor and context of the collective concept changed several times in the fourteen years of the Bauhaus’ existence: from the romantic notion of a cloistered community with an elitist vision via a model of cooperative collectivism to liberal ideas of team collaboration and networking.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32615146192976,"sku":"978-3-959050-58-6","price":2200.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/COLLECTIVE-BAUHAUS7.ZEITSCHRIFTDERSTIFTUNGBAUHAUSDESSAU000.jpg?v=1595169717"},{"product_id":"die-meisterhauser-in-dessau-bauhaus-paperback-10-by-stiftung-bauhaus-dessau-german-edition","title":"DIE MEISTERHÄUSER IN DESSAU \/ Bauhaus Paperback 10 by Stiftung Bauhaus Dessau [GERMAN EDITION]","description":"\u003cp\u003e「BAUHAUS PAPERBACK」シリーズ第10作。バウハウス・デッサウ校本館のすぐ近くに立つ3軒のMasters’ Houseは、21世紀のアーティストコロニーを体現している。Director’s Houseと3軒のセミ・デタッチドハウス（※註）は1925年から1926年に建てられた。ヴァルター・グロピウス（Walter Gropius）の設計書に基づき、バウハウスの教師とその家族の住居としてこの3軒の「彫刻的な立方体」とも言える家は建てられた。Masters’ Houseは現代的な生活を体現し最先端の家事モデルを提示するような、いわばショーウィンドウの役目も果たしていた。この60年の間にこれらの建物は再建、破壊、放置という波乱万丈の運命をたどったが、2014年に完全に復元。本書はこの3つの建物の物語を紹介し、Masters’ Houseが現代の生活にどのような影響を与えたかについて考察する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e※註 一見一つの建物のように見えるが、入り口が二つに分かれている一軒の家を半分に割った左右対称の2軒続きの家。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eThe Masters’ House ensemble in Dessau\u003c\/em\u003e – located just a short distance from the Bauhaus building itself – epitomises the twentieth-century artists’ colony. The Director’s House and three semi-detached dwellings were constructed between 1925 and 1926. Based on plans drawn up by Walter Gropius, these sculptural cubes were built to accommodate the Bauhaus masters and their families. The Masters’ Houses were also intended as a display window, offering a view of modern life and presenting a model for state-of-the-art housekeeping. Over the last six decades, the buildings have had a chequered history of reconstruction, destruction, and neglect, but as of 2014 the site is now complete again. This paperback book tells the story of the ensemble and shows how the Masters’ Houses have influenced modern life.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32615162347600,"sku":"978-3-944669-76-2","price":1980.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/DieMeisterhauserinDessau00.jpg?v=1595164999"},{"product_id":"die-programmierung-des-schonen-by-kurt-kranz","title":"DIE PROGRAMMIERUNG DES SCHÖNEN by Kurt Kranz","description":"\u003cp\u003eドイツ人アーティスト、カート・クランツ（Kurt Kranz）の作品集。バウハウス・デッサウ財団は、アーティスト、グラフィックアーティスト、実験映画の監督であり、1930年から1932年までバウハウス・デッサウ校で学んだ作者の素晴らしい作品を包括的に紹介する展覧会を開催した。1960年代にはジェネラティブアートやマルチプルアートのパイオニアとして活躍し、存命であれば2020年に100歳を迎えたはずであった作者の個性が光る作品を一挙に紹介する。バウハウスで作者はモホリ＝ナジ・ラースロー（László Moholy-Nagy）、ヨゼフ・アルバース（Josef Albers）、ワシリー・カンディンスキー（Wassily Kandinsky）、パウル・クレー（Paul Klee）、ヴァルター・ペーターハンス（Walter Peterhans）、ヨースト・シュミット（Joost Schmidt）などに師事した。彼らの実験的な指導法は作者に消えることのない影響を色濃く残すこととなった。16シートからなる本シリーズ『\u003cem\u003eDIE PROGRAMMIERUNG DES SCHÖNEN (PROGRAMMING BEAUTY)\u003c\/em\u003e』のタイトルは、哲学者で情報理論美学の提唱者マックス・ベンセ（Max Bense）がプログラムされたコンピューターグラフィックについて著した本から由来している。作者の友人だったベンセは、作者の作品に「\u003cem\u003e例えば、自由でありながら意識的な手段の選び方、創造行為の核心を教える\u003c\/em\u003e」卓越した戦略としての「\u003cem\u003e教育学的な影響\u003c\/em\u003e」が現れていると評した。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe Bauhaus Dessau Foundation is dedicating a comprehensive exhibition to the impressive work of the artist, graphic artist and experimental filmmaker Kurt Kranz, who studied at the Dessau Bauhaus from 1930 to 1932. A unique oeuvre of serial works made Kranz, who would have celebrated his onehundreths birthday this year, a pioneer of generative and multiple arts in the 1960s. At the Bauhaus, Kranz had studied with teachers such as László Moholy-Nagy, Josef Albers, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Walter Peterhans and Joost Schmidt. Their experimental teaching had a lasting influence. \"\u003cem\u003eProgramming Beauty\u003c\/em\u003e\" - the title of this portfolio of 16 large-format panels - is borrowed from Max Bense's book of the same name, in which the philosopher and founder of information-theoretical aesthetics wrote about programmed computer graphics. Max Bense, a friend of Kranz saw in Kranz's work the \"\u003cem\u003epedagogical effect\u003c\/em\u003e\" as an outstanding strategy \"\u003cem\u003ei.e. education for the free but conscious selection of means, the actual core of creative action.\u003c\/em\u003e\"\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32615164903504,"sku":"978-3-940064-11-0","price":6380.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/DIEPROGRAMMIERUNG00.jpg?v=1595163162"},{"product_id":"under-the-radar-underground-zines-and-self-publications-1965-1975","title":"UNDER THE RADAR - UNDERGROUND ZINES AND SELF-PUBLICATIONS 1965–1975","description":"\u003cp\u003e西ドイツで生まれた前衛的な自費出版作品を紹介する作品集。このテーマでの刊行物は本書が初めてとなる。ブレーメンにある現代美術館、ヴェーザーブルク美術館で開催された展覧会に伴い刊行された一冊。1960年代半ば、前衛的な自費出版の本のブームが巻き起こった。コンニャク版（ヘクトグラフ）、謄写版（ミメオグラフ）、オフセット印刷によって小部数を低価格で印刷することが可能になっただけでなく、こうした出版物に特有の美意識が育っていった。「理想主義的なアマチュア」たちは慈悲出版物の制作にのめり込み、タイプ打ちの文字の魅力、手書きの文字、へたくそなドローイング、たくさんのコラージュ、ポルノ写真、スナップ写真、マンガの切れ端などを自由奔放に組み合わせていった。タイポグラフィーも意図的に自由に解釈され、それと並行して新しい「感性」の名の下に言葉やヴィジュアルによる表現も開放的になっていった。本書では、このような作品が登場するに至った世界的な背景についても説明されている。逸話に富んだ歴史として自費出版物の世界を紹介するのではなく、「Do-It-Yourself」を掲げた反乱から生まれた美意識の世界を探索し、今再びブームになっている「インディペンデント・パブリッシング」やリソグラフなどの美しさをもう一度見直す機会を我々に求めている。ドイツ人作家のヤン＝フレデリック・バンデル（Jan-Frederik Bandel）、学者で評論家のアネット・ギルバート（Annette Gilbert）、スイスを拠点として活動するグラフィックデザイナー、タニア・プリル（Tania Prill）が編集、デザインはスイスのデザインスタジオ「\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/collections\/prill-vieceli-cremers\"\u003ePrill Vieceli Cremers\u003c\/a\u003e」が手掛けている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe mid-1960s witnessed a boom in underground and selfpublished works. Hectographs, mimeographs, and offset printing not only allowed for the production of small, lowcost print runs but also promote a unique aesthetic: using wild mock-ups, “messianic amateurs” combined typescript aesthetics, handwriting, scribbled drawings, assemblages of collaged visuals, porn photos, snapshots, and comic strips. The typography consciously frees itself, in parallel to a liberalization of linguistic and visual forms of expression in the name of a new “sensibility”. This book (which appears in conjunction with an exhibition at the Weserburg in Bremen) is the first to present the underground and self-published works that came out of West Germany in such depth, while also showing the internationalcontext in which they emerged: not as an anecdotal history but as an attempt to tap into the aesthetic cosmos of a Do-It-Yourself rebellion, one that also challenges us to take a new look at the current boom in “independent publishing”, the risograph aesthetic, and so on.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32617704685648,"sku":"978-3-959051-04-0","price":7920.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/UNDERTHERADAR00.jpg?v=1595185724"},{"product_id":"mobilitatsdesign-fur-die-bauhaus-fahrradstadt-bauhaus-paperback-19-by-stiftung-bauhaus-dessau-german-edition","title":"MOBILITÄTSDESIGN FÜR DIE BAUHAUS FAHRRADSTADT - Bauhaus Paperback 19 - by Stiftung Bauhaus Dessau [GERMAN EDITION]","description":"\u003cp\u003e「BAUHAUS PAPERBACK」シリーズ第19作。過去を見ればすぐにわかるように自転車はいつの時代もモダンなものである。1920年代にはバウハウスも自転車を含む構造やデザインを生産した。都市においては、今まさに移動手段に変化が起きているところだが、この変化のきっかけになったのは自転車の機動力だった。英語で『\u003cem\u003eMobility Design for the Bauhaus Bicycle City\u003c\/em\u003e』と名付けられた本書は、現代の都市、都市空間、そこに住む人々に対してモビリティ（移動性）デザインが何をできるかを問う。本書は地理学からデザインや美学、デジタルナビゲーションまで幅広い主題を扱う。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe bicycle is always modern, as a simple look at the past will indicate: in the 1920s the Bauhaus also produced constructions and designs that included the bicycle. And today bicycle mobility is providing crucial inspiration for the shift in focus that is currently taking place in urban mobility. The book Mobility Design for the Bauhaus Bicycle City asks what mobility design can do for modern cities, for urban spaces, and for the people who live in them. It covers a broad thematic spectrum ranging from geography through design and aesthetics to digital navigation.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32617705046096,"sku":"978-3-959051-13-2","price":1980.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/MOBILITATSDESIGNFURDIEBAUHAUSFAHRRADSTADT000.jpg?v=1595182154"}],"url":"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/design.oembed?page=30","provider":"twelvebooks","version":"1.0","type":"link"}