{"title":"DELMONICO BOOKS","description":"\u003cp\u003eDelMonico Books publishes visually distinctive, award-winning books on art, photography, design, architecture, fashion, and culture, in partnership with museums, artists, and galleries.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eWorking together with renowned book designers and editors, DelMonico Books is dedicated to producing the highest-quality publications and to bringing these books to the broadest international audience. We are honored that our copublications have been recognized with numerous awards, including George Wittenborn (ARLIS\/NA) Awards, Alfred H. Barr Jr. (CAA) Awards, AIGA 50 Covers\/50 Books Awards, and many others.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eDelMonico Books was established in 2008, with the support of Prestel Publishing, an imprint of Penguin Random House Verlagsgruppe. The imprint has published nearly 400 titles, since the first list in fall 2009, and partnered with more than 65 museums. Starting in fall 2020, DelMonico Books are available globally through a publishing venture with Artbook\/D.A.P.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThe imprint was founded by Mary DelMonico. Previously, DelMonico was Director of Publications and New Media at the Whitney Museum of American Art, where she oversaw all print and digital publications and produced landmark titles such as Black Male: Representations of Masculinity in Contemporary American Art; The Art of Richard Diebenkorn; and The American Century volumes, 1900–1950 and 1950–2000. Before founding DelMonico Books, she maintained a consultancy firm, Offsite: Publications, Planning, Projects, which produced titles such as Dia:Beacon; Dan Flavin: A Retrospective; Masterworks of The Jewish Museum; Edward Steichen: In High Fashion, The Condé Nast Years, 1923–1937, and others. DelMonico has also served as a publishing and strategic-planning consultant for a number of museums and publishers, including the Canadian Centre for Architecture, Dia Art Foundation, Museum of Contemporary Art Chicago, Los Angeles County Museum of Art, and the Whitney Museum of American Art.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/delmonicobooks.com\/\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003ePubllisher's website\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003c\/p\u003e","products":[{"product_id":"cowboy-by-richard-prince","title":"COWBOY by Richard Prince","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人アーティスト、リチャード・プリンス（Richard Prince）の作品集。40年もの年月をかけ、アメリカの象徴としてカウボーイを研究したプロジェクトの集大成としてまとめられた一冊。1970年代半ば、画家になることを目指していた作者はTIME社で雑誌のライターの為に記事をスクラップする仕事をしていた。雑誌から記事を取り除くと、商品やモデルといった欲望の対象を華やかに写し出した大量の広告だけが後に残った。作者はこれらの広告を写真に撮り、クロップしたり拡大し自分の作品として売り始めた。中でもとりわけ関心を払っていたのは、煙草『マルボロ』の広告にしばしば登場するカウボーイのモチーフであった。その後、作者の作品は美術界を震撼させていった。何度も訴えられ、現代写真の落札価格の記録を塗り替えるなど話題に事欠かなかった。作者のカウボーイに対する執着は、インスタグラムが主要メディアとして用いられる時代になった今でも変わらない。最新技術を使い、80年代と90年代の『TIME』誌を加工した新シリーズでも、カウボーイをモチーフにして広告の独創性、アプロプリエーション、真実の信用性がこれまで以上に低くなっていることを示している。本書は、作者がこの40年間に作品を通じてアメリカ西部という架空の存在をどのように掘り下げてきたかを示している。各章は簡単な説明と作品で構成され、巻末には作品に関連する印刷物などその背景を理解するのに役立つ情報を収録。本書によって作者は、今一度写真とはこういうものだと決めつける慣習的な境界に挑戦し、40年前にカウボーイと西部というレンズを通して巻き起こした論争に再び火をつけようとしている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn the mid-1970s, Richard Prince was an aspiring painter working in Time Inc.’s tear sheet department clipping texts for magazine writers. After he removed the articles, he was left with advertisements: glossy pictures of commodities, models, and other objects of desire. He began to re-photograph the advertisements, cropping and enlarging them, and selling the artworks as his own. Prince paid particular attention to the motif of the cowboy, often depicted in advertisements for Marlboro cigarettes. He had an explosive effect on the art world, provoking lawsuits and setting auction records for contemporary photography. More recently, he has revisited copies of TIME from the 1980s and 90s using contemporary technology to produce a new series of work, extending his preoccupation with the cowboy in the era of Instagram to demonstrate that the stakes around originality, appropriation, and truth in advertising are as high as ever. This book showcases how Prince has mined the mythological American West within the artwork he produced during the last four decades. Each chapter contains a brief introduction, followed by artwork by Prince, and concludes with a section of related ephemera, relics, and fragments that aid in contextualizing Prince’s work. Once again challenging the conventional limits of photography, Prince is reigniting the debate he sparked forty years ago through the lens of cowboys and the West.\u003c\/p\u003e","brand":"PRESTEL PUBLISHING","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32298602332240,"sku":"9783791359687","price":10780.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200331_0981.jpg?v=1588328502"},{"product_id":"sterling-ruby-by-alex-gartenfeld-eva-respini","title":"STERLING RUBY by Alex Gartenfeld, Eva Respini","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人アーティスト、スターリング・ルビー（Sterling Ruby）の作品集。マイアミ現代美術館（ICA Miami）の副館長でありチーフキュレーターのアレックス・ガルテンフェルト（Alex Gartenfeld）とボストン現代美術館（ICA Boston）のチーフキュレーターのエヴァ・ラスピーニ（Eva Respini）が企画・編集を手がけている。両美術館で2019年から2020年に渡り開催された、アメリカで初めてとなるスターリング・ルビーの巡回展に伴い刊行。作者の20年に及ぶキャリアの中で生み出した代表作を集めた一冊。ニューヨーク・タイムズ紙によると、崇高な抽象絵画からアメリカの国旗で作った吸血鬼の口をモチーフとしたソフト・スカルプチャーに至るまで多様な作品で知られるスターリング・ルビーは「今世紀に登場した最も興味深いアーティストの一人」と言わしめる。本書は、アメリカのアイデンティティに対する批判を具現化したイメージに焦点を当てつつ、その作品をテーマ別に見つめる。初期のコラージュに始まり、心理学的、文化的、時事的な問題に対する独特のアプローチを紹介、最近のモビールやポリウレタンの作品も含めて、刑務所の改革、労働条件、ヴァナキュラー文化といったテーマに継続的に取り組んできたことがよくわかる構成になっている。また、小さなキャンバスや粘土で作られた作品と、潜水艦の部品を使った記念碑的な彫刻や毒々しいほど鮮やかな色で描かれた高層ビルの絵を見比べることができる一冊である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis book presents twenty years of Sterling Ruby’s iconic, multidisciplinary works. From his sublime abstract paintings to his soft sculpture “\u003cem\u003evampires\u003c\/em\u003e” comprising American flags, Sterling Ruby is “one of the most interesting artists to emerge in this century,” according to The New York Times. Accompanying Ruby's first US museum survey, this book takes a thematic approach to the artist’s work, focusing on his critical invocation of imagery related to American identity. Beginning with his earliest collages, this book demonstrates his distinctive approach to psychological, cultural, and topical concerns. It includes his recent mobiles and polyurethanes, demonstrating his continuous engagement with themes such as prison reform, labor conditions, and vernacular cultures. Readers can compare smaller works on canvas and in clay to monumental sculptures made from submarine parts or giant skyscrapers rendered in toxically bright colors. Exhibition Itinerary: Institute of Contemporary Art, Miami (November 7, 2019–February 2, 2020) \/ Institute of Contemporary Art\/Boston (February 26–May 17, 2020)\u003c\/p\u003e","brand":"PRESTEL PUBLISHING","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32298664427600,"sku":"9783791358796","price":5720.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200212_0566.jpg?v=1588330020"},{"product_id":"donald-judd-paintings-1959-61-by-alex-gartenfeld-flavin-judd-ellen-salpeter","title":"DONALD JUDD PAINTINGS 1959-61 by Alex Gartenfeld, Flavin Judd, Ellen Salpeter","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人アーティスト、ドナルド・ジャッド（Donald Judd）の作品集。マイアミ現代美術館（ICA Miami）の副館長でありチーフキュレーターのアレックス・ガルテンフェルト（Alex Gartenfeld）、キュレーターでありジャッド・ファウンデーション（Judd Foundation）の共同代表であるフレイヴィン・ジャッド（Flavin Judd）、マイアミ現代美術館（ICA Miami）のディレクターであるエレン・サルピーター（Ellen Salpeter）が企画・編集を手がけている。本書は、20世紀を代表するアーティストの1人であるドナルド・ジャッドの重要な未発表作品を初めて収録した一冊である。今もなお重要なアーティストとして評価されているジャッドは、型破りなアイデアと作品によって芸術、建築、デザインの分野に刺激と影響を与え続けている。広く受け入れられている昔ながらのスタイルから決別しようとして形と色彩の研究にのめりこんだことがあり、本書はその時期に制作された最初の成熟を魅せたシリーズの1つに焦点を当てている。著名な美術史家や批評家らによるテキストも収録。世界に認められた画家ドナルド・ジャッドに関するの新たな研究を紹介し、衰えることのないその影響力を示した一冊。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eジャッド｜マーファ 展\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e会期：2026年2月15日（日）- 6月7日（日）\u003cbr\u003e時間：11:00 - 19:00\u003cbr\u003e休館日：月曜日（2\/23、5\/4は開館）\u003cbr\u003e開催場所：ワタリウム美術館\u003cbr\u003e\u003ca href=\"http:\/\/www.watarium.co.jp\/jp\/exhibition\/202602\/\" rel=\"noopener\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis book presents an important, unpublished, and unseen body of work by Donald Judd, one of the most significant artists of the 20th century. Donald Judd remains an important artist, whose radical ideas and work continue to provoke and influence the fields of art, architecture, and design. This book focuses on one of his first mature series of work, during an intense period when he was significantly moving away from accepted traditional styles through investigations of form and color. Featuring texts by renowned art historians and critics, \u003cem\u003eDonald Judd: Paintings 1959–61\u003c\/em\u003e presents new scholarship on this canonical artist and demonstrates his ongoing influence.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"PRESTEL PUBLISHING","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32298671603792,"sku":"9783791357546","price":7150.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200331_1125.jpg?v=1588330473"},{"product_id":"works-on-paper-at-stpi-by-do-ho-suh","title":"WORKS ON PAPER AT STPI by Do Ho Suh","description":"\u003cp\u003e韓国生まれのアーティスト、ソ・ドホ（Do Ho Suh）の作品集。作者が、どのようにして立体作品を崇高とも言える平面作品に変換しているのかを明らかにする一冊。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e1962年に韓国で生まれた彫刻家、インスタレーションアーティストである作者は、かつて暮らした家やスタジオなどを布を使って緻密に再現した実物大の作品で最も良く知られる。2009年にシンガポールの「STPI -クリエイティブワークショップ \u0026amp; ギャラリー」とコラボレーションをして以来、建築的空間を変換し再現する新しい手段として印刷と紙を使うようになった。糸を彫刻的な素材として使い、手漉きの紙に埋め込むという画期的な技術を用いて制作された「\u003cem\u003eThread Drawings\u003c\/em\u003e」は、作者の重要な新境地を象徴している。「\u003cem\u003eGelatine Drawings\u003c\/em\u003e」は、身の回りの立体的な構造、もの、2つの地点の中間にある空間などを捉え、1つの平面に落とし込み、折り畳みかつ移動可能な幻想的な作品を作り出すための技術的なアプローチから拡張したものである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e自分の周囲を取り巻く環境の詳細を明らかにし、記録するために、建築物の内部の空間や日用品をパステルで写し取ったフロッタージュに加え、エッチング、リソグラフ、サイアノタイプの作品も収録する一冊。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA sculptor and installation artist, Do Ho Suh is best known for his full-scale fabric works in which he meticulously reimagines the architectural space of his past homes. Recently, Suh has turned to print and paper as a new medium to channel and re-create these forms. The resulting Thread Drawings, developed using an innovative technique that employs thread as a sculptural material on handmade paper, represent an important breakthrough in Suh’s repertoire. This book also documents Suh’s pastel rubbings of interior spaces and everyday objects that disclose and memorialize details of his surroundings, as well as exquisitely detailed cyanotypes—a printing process that articulates familiar images as silhouettes in shades of cyan blue, further illuminating Suh’s exploration of self, identity, and home.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39562732896336,"sku":"9781942884866","price":15400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2107143373.jpg?v=1633596795"},{"product_id":"thinking-of-you-i-mean-me-i-mean-you-by-barbara-kruger","title":"THINKING OF YOU. I MEAN ME. I MEAN YOU. by Barbara Kruger","description":"\u003cp\u003eアメリカ人コンセプチュアル・アーティスト、バーバラ・クルーガー（Barbara Kruger）の作品集。作者はコピーライターなどの経験を生かした力強く短い言葉と独特のグラフィックを駆使し、資本主義や消費社会、フェミニズムなどの問題を取り上げた作品を数多く発表してきた。2021年に「シカゴ・アート・インスティテュート（Art Institute Of Chicago）」で開催された、作者の50年以上にも及ぶキャリアの中で最大規模となった展覧会に伴って刊行。本書は展示されたグラフィック作品から映像、彫刻、インスタレーション、また1980年代のアナログな手法で制作していた貼り絵作品や過去20年間のデジタル作品、本展にあわせて発表された新作にいたるまで、作者の横断的な活動を包括的にまとめている。あわせて、ピーター・エリー（Peter Eleey）、ロビン・ファレル（Robyn Farrell）、マイケル・ゴーヴァン（Michael Govan）、ジェームス・ロンドー（James Rondeau）、ゾエ・ウィットレイ（Zoé Whitley）によるテキストを収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eFive decades of iconic and incisive art from Barbara Kruger\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eSince the mid-1970s, Barbara Kruger (born 1945) has been interrogating the hierarchies of power and control in works that often combine visual and written language. In her singular graphic style, Kruger probes aspects of identity, desire and consumerism that are embedded in our everyday lives. This volume traces her continuously evolving practice to reveal how she adapts her work in accordance with the moment, site and context. The book features a range of striking images―from her analogue paste-ups of the 1980s to digital productions of the last two decades, including new works produced on the occasion of the exhibition. Also featured are singular works in vinyl, her large-scale room wraps, multichannel videos, site-specific installations and commissioned works.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThe book also showcases how Kruger’s site-specific works have been reconceived for each venue, and includes a section of reprinted texts selected by the artist. Renowned for her use of direct address and her engagement with contemporary culture, Kruger is one of the most incisive and courageous artists working today. This volume explores how her pictures and words remain urgently resonant in a rapidly changing world.\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39565949665360,"sku":"9781942884774","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/1194_01.jpg?v=1636532310"},{"product_id":"facsimile-cabinet-of-women-origin-stories-by-theaster-gates","title":"FACSIMILE CABINET OF WOMEN ORIGIN STORIES by Theaster Gates","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、シアスター・ゲイツ（Theaster Gates）の作品集。2019年に「Colby Museum of Arts」で開催された展覧会に伴い刊行された。会場では「ジョンソン・パブリッシング・カンパニー（Johnson Publishing Company）」が所蔵する約3,000点の女性像がキャビネット上で展覧、もしくはキャビネット内に収納されており、本書ではその一部を抜粋して収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e1942年にアフリカ系アメリカ人実業家、ジョン・H・ジョンソン（John H.Johnson）によって設立された「ジョンソン・パブリッシング・カンパニー」は、雑誌『\u003cem\u003eEbony\u003c\/em\u003e』や『\u003cem\u003eJet\u003c\/em\u003e』を通じて、70年以上にわたりアフリカ系アメリカ人の生活を記録してきた。20世紀のアフリカ系アメリカ人のヴィジュアルカルチャーにおいて最も重要であるともいえるアーカイブで構成されたこの作品は、アフリカ系アメリカ人の歴史上不可欠でありながらこれまであまり語られてこなかった女性の役割に焦点を当ててている。作者はそのイメージ群と歴史を再度文脈化し、新たに可視化することを試みた。また本展は、作者が2018年に「バーゼル市立美術館」で開催した「\u003cem\u003eBlack Madonna\u003c\/em\u003e」展とも関連しており、自身の一大プロジェクト「\u003cem\u003eBlack Image Corporation\u003c\/em\u003e」の一つでもある。本プロジェクトは、「\u003cem\u003e世界に向けたイメージの投影\u003c\/em\u003e」だと作者は語る。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eまた、本展が開催された際には、アーキビストや法学者、人類学者、司書、キュレーター、ヴィジュアルアーティスト、映像作家、作家、美術史家など様々な分野で活躍する12名の女性が招待され、このイメージが持つ女性の共感性を浮かび上がらせる本展への考察を深めた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cb data-stringify-type=\"bold\"\u003eEXHIBITION\u003c\/b\u003e\u003cspan\u003e:\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003ci data-stringify-type=\"italic\"\u003eシアスター・ゲイツ展：アフロ民藝\u003c\/i\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e会期：2024年4月24日（水）- 9月1日（日）\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e休館日：会期中無休\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e時間： 10:00 - 22:00\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e開催場所：森美術館（六本木ヒルズ森タワー53階）\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003ca rel=\"noopener noreferrer\" href=\"https:\/\/www.mori.art.museum\/jp\/exhibitions\/theastergates\/\" data-sk=\"tooltip_parent\" data-stringify-link=\"https:\/\/www.mori.art.museum\/jp\/exhibitions\/theastergates\/\" class=\"c-link c-link--focus-visible\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA multidisciplinary look at the foremost archive of Black American visual culture, as recast by Theaster Gates\u003cbr\u003eThis book features essays and other reflections commissioned in response to the \u003cem\u003eFacsimile Cabinet of Women Origin Stories\u003c\/em\u003e, a monumental participatory work by Theaster Gates (born 1973). The \u003cem\u003eCabinet\u003c\/em\u003e includes nearly 3,000 framed images of women from the Johnson Publishing Company archive, and highlights from the collection appear in this edited volume.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eFounded in 1942, Chicago-based Johnson Publishing chronicled the lives of Black Americans for more than seven decades through the magazines \u003cem\u003eEbony\u003c\/em\u003e and \u003cem\u003eJet\u003c\/em\u003e. Composed from arguably the most important archive of American Black visual culture in the 20th century, Gates’ work centers the essential and too often unsung role of women in this history.\u003cbr\u003eWhen the \u003cem\u003eCabinet\u003c\/em\u003e was exhibited at the Colby College Museum of Art, 12 women from a wide range of disciplines (including archivists, legal scholars, anthropologists and librarians, as well as curators, visual artists, filmmakers, writers and art historians) were invited to reflect on a work that brings a sisterhood of images to light.\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39671882350672,"sku":"9781636810089","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_e8b64558-3e53-4bf9-ada5-fb25ac1bb542.jpg?v=1650347795"},{"product_id":"women-painting-women","title":"WOMEN PAINTING WOMEN","description":"\u003cp\u003e本書は、アメリカの「フォートワース現代美術館（Modern Art Museum of Fort Worth）」で2022年に開催された、作品の主題に女性を選んだ約50人の女性アーティストをテーマにした展覧会に伴い刊行された一冊。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本展は、先述のテーマに基づき、1960年代から現在に至るまでに制作された肖像画作品を約50点紹介しており、戦後の具象絵画の歴史において、国際的かつ広い範囲で見落とされてきた女性が持つ視点を再認識する試みがなされている。絵画は、伝統的に肖像画のための特権的なメディアであり、それは殊に白人男性アーティストが行使してきたものである。絵画作品に焦点を当てた本展では、女性と絵画を題材とし、そしてそれらを変革を起こすための手段として用いた女性アーティストを紹介している。それぞれアメリカ出身のエマ・エイモス（Emma Amos）やアリス・ニール（Alice Neel）といった先駆者から、アメリカ出身のジョーダン・キャスティール（Jordan Casteel）やイギリス出身のソマヤ・クリッチロー（Somaya Critchlow）、デンマーク・ポーランド系フランス人のアポロニア・ソコル（Apolonia Sokol）といった近年の新進気鋭のアーティストまで参加している。この全てのアーティストたちが、女性の身体、ジェスチャー、そして個性に焦点を当て、前面に押し出し表現している。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本書において重要となる文脈は、参加したアーティストがいかにして従来の女性の肖像画をきっかけとして、これまで男性中心的であった女性の身体に対する解釈とは異なった物語を伝えようとしているかという点である。身体や擬人化された自然、自我、肖像としての色彩といったテーマの探究を通して、女性の描き方を活性化したり、より入念なものにする新しい方法を思考しているのである。複雑性、リアリティ、惨めさ、美、困難、日常性や喜びに満ちた本書に掲載された肖像画作品群は、女性アーティストが男性アーティストと同じ立場を共有することで女性像を定義し、またその進化を表現する道を開こうと試みている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eA thematic exploration of nearly 50 female artists who choose women as subject matter in their works, Women Painting Women includes nearly 50 portraits that span the 1960s to the present. International in scope, the book recognizes female perspectives that have been underrepresented in the history of postwar figuration. Painting is the focus, as traditionally it has been a privileged medium for portraiture, particularly for white male artists. The artists here use painting and women as subject matter and as vehicles for change. They range from early trailblazers such as Emma Amos and Alice Neel to emerging artists such as Jordan Casteel, Somaya Critchlow and Apolonia Sokol. All place women—their bodies, gestures and individuality—at the forefront.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThe pivotal narrative in \u003cem\u003eWomen Painting Women\u003c\/em\u003e is how the artists included use the conventional portrait of a woman as a catalyst to tell another story outside of male interpretations of the female body. They conceive new ways to activate and elaborate on the portrayal of women by exploring themes of the Body, Nature Personified, Selfhood and Color as Portrait. Replete with complexities, realness, abjection, beauty, complications, everydayness and joy, the portraits in this volume make way for women artists to share the stage with their male counterparts in defining the image of woman and how it has evolved.\u003cem\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39769736642640,"sku":"9781636810355","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/000_9f38ca1f-fd57-45d1-8474-fbe9b3908ba1.jpg?v=1654157416"},{"product_id":"figures-of-speech-by-virgil-abloh","title":"FIGURES OF SPEECH by Virgil Abloh","description":"\u003cp\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eアメリカ人デザイナー、ヴァージル・アブロー（Virgil Abloh）の作品集。2019年に「シカゴ現代美術館（Museum of Contemporary Art Chicago）」で開催された展覧会に伴い、同美術館の企画によって本書が刊行\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e。その後2021年にマサチューセッツ州の「ボストン現代美術館（Institute of Contemporary Art Boston）」、2022年にニューヨークの「ブルックリン美術館（Brooklyn Museum）」など、最初の展覧会とあわせて計5箇所の巡回に伴い増版された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e作者にとって、この展覧会図録は、自身が指針していた哲学に基づき「すべてを疑う（QUESTION EVERYTHING）」もうひとつの機会でもある。作家自身との緊密なコラボレーションによって制作され本書は、作者の創作活動を3つの「本」を1冊にまとめて紹介するモノグラフである。「カタログ」セクションでは、シカゴ現代美術館のチーフ・キュレーター、マイケル・ダーリング（Michael Darling）が作者の学際的な活動の概要を紹介し、イギリス系アメリカ人の作家兼写真家、タイエ・セラシ（Taiye Selasi）、イギリス人ライター、キュレーターの\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/lou-stoppard\"\u003eルー・ストッパード（Lou Stoppard）\u003c\/a\u003e、アメリカ人グラフィックデザイナーのマイケル・ロック（Michael Rock）、研究機関「AMO」のディレクター、サミール・バンタル（Samir Bantal）、オランダ人建築家の\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/rem-koolhaas\"\u003eレム・コールハース（Rem Koolhaas）\u003c\/a\u003e、ファッション批評誌『\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eVestoj\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e』編集長のアンニャ・アロノウスキー・クロンバーグ（Anja Aronowsky Cronberg）など、アート、ファッション、デザイン、建築の主要人物によるエッセイやインタビューが掲載されている。「アーカイブ」セクションでは、作者の個人的なファイルに収められていた1,800点以上の未公開写真やアイデアスケッチが収録されており、作者が影響を受けた作品やコラボレーションの驚くべき幅広さが明らかにされている。「索引」セクションでは、これまでのプロジェクトやプロセスを表形式でインデックス化している。本書は、スイス装（背開き式上製本）で造本されており、表紙を開くと完全に平らになる仕立てになっている。また、この製本方法を用いて、通常隠れている本そのものの背や、表紙に使用されている板を意図的に露出させている。本書のデザインはイギリスの出版社「InOtherWords」を主宰するデザイン・スタジオ「\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/ok-rm\"\u003eOK-RM\u003c\/a\u003e」とロサンゼルスのクリエイティブ・スタジオ「PlayLab Inc.」が手がける。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003eThis book is published on the occasion of the exhibition \u003cem\u003eVirgil Abloh: \"Figures of Speech\"\u003c\/em\u003e organised by the Museum of Contemporary Art Chicago.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eFor Abloh, the museum catalogue is another opportunity to “question everything.” This monograph, produced in close collaboration with the artist himself, explores his creative output in a three-books-in-one format. The catalogue section offers an overview of Abloh’s interdisciplinary practice by Michael Darling and features essays and interviews with key voices in art, fashion, design, and architecture, including Taiye Selasi, Lou Stoppard, Michael Rock, Samir Bantal, Rem Koolhaas, and Anja Aronowsky Cronberg. In the archives section, more than 1,800 never-before-seen images pulled from the artist’s personal files reveal the remarkable breadth of his influences and collaborations. And the index cross references the catalogue plates—Abloh’s works—with his projects and process, using a vocabulary of themes developed by Abloh. This book is designed with Swiss binding. When opened the front cover lays completely flat and is not attached to the front pages of the book. The binding also intentionally exposes the spine of the bound book and the raw boards used for the case (cover).\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39865577373776,"sku":"9781636810744","price":17600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_30c96d46-4ae5-457d-b494-14d39f4ff235.jpg?v=1662450635"},{"product_id":"forothermore-by-nick-cave","title":"FOROTHERMORE by Nick Cave","description":"\u003cp\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eシカゴを拠点に活動するアメリカ人アーティストのニック・ケイヴ（Nick Cave）の作品集。本書は、2022年に「シカゴ現代美術館 （Museum Of Contemporary Art Chicago）」にて開催された展覧会\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eに伴い刊行された。歴史や現在進行形の文化的危機に呼応しながらシフトし進化を続け、今絶頂期にある作者による、未発表の新作を含む決定版の作品集となっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e本展は、作者のキャリアを網羅した初めての展覧会である。作者は、没入型インスタレーションやテクスチャーが特徴的な彫刻作品、非の打ちどころ無く精巧に作られたファッション作品、ダイナミックなビデオ、パフォーマンス作品といった、分野を跨いだ様々な作品群に精力的に取り組み、それらをコミュニティ形成と融合した数々のプロジェクトによって評価されている。本展においては、人気の高い「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eSoundsuits\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」シリーズの続編となる「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eSoundsuits 9:29\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」、何千ものキネティック・スピナーで構成されたサイトスペシフィック・インスタレーション「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eSpinner Forest\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」といった未発表の作品群も展示された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e美術史から社会正義まで幅広いトピックを扱った本書は、人種差別、ホモフォビア、その他の偏見によって「異なる者」として生きる人々への讃歌であり、正しい未来を描く方法としての芸術、音楽、ファッション、パフォーマンスといった表現に対する称賛でもある。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eアメリカ人キュレーターのナオミ・ベックウィズ（Naomi Beckwith）、アメリカ人ライターのロミ・クローフォード（Romi Crawford）、アメリカ人作家、編集者、キュレーターのアントワウン・サージェント（Antwaun Sargent）、アメリカ人作家、アーティストのマリク・ゲインズ（Malik Gaines）、アメリカ人美術史家クリスタ・トンプソン（Krista Thompson）、アメリカ人パフォーミング・アーティストのメイダ・テレサ・マクニール（Meida Teresa McNeal）がそれぞれエッセイを寄稿している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eまた作者へのインタビューも収録し、その人生や制作、教育に関して自身による解説を加えている。作者と共に、アメリカ人ダンサーのダミタ・ジョー・フリーマン（Damita Jo Freeman）、アメリカ人音楽家、作家、女優のノナ・ヘンドリックス（Nona Hendryx）、アメリカの出版社「Johnson Publishing Company」を主宰するリンダ・ジョンソン・ライス（Linda Johnson Rice）らがディスカッションを行い、作者の芸術が持つ影響力や、1971年から2006年までアメリカで放送されたソウル、ダンス音楽番組である「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eソウル・トレイン（ Soul Train）\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」、1945年に創刊されたアフリカ系アメリカ人向けの月刊誌「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eEbony Magazine\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」といった重要な文化現象について語った様子も収録している。\u003c\/span\u003eデザインは作者のパートナーでもあるアメリカ人デザイナーのボブ・ファウスト（Bob Faust）が手掛ける。作者の多様な作品を通して、読者を没入型の旅へと誘う一冊。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe definitive volume on the ever-evolving and shape-shifting work of the Chicago-based artist,\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003ci\u003eNick Cave: Forothermore\u003c\/i\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003ehighlights the way Cave’s practice has shifted and continues to shift in response to our history and current moment of cultural crisis. Including several new, never-before-seen works, the book shows an artist at the height of his power.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAddressing topics ranging from art history to social justice,\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003ci\u003eNick Cave: Forothermore\u003c\/i\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003eincludes essays from Naomi Beckwith, Romi Crawford, Antwaun Sargent, Malik Gaines, Krista Thompson and Meida Teresa McNeal. Punctuating these contributions are interviews with the artist exploring his life, work and teaching practice, as well as a roundtable discussion between Cave and dancer Damita Jo Freeman, musician Nona Hendryx and publisher Linda Johnson Rice on Cave’s art and influences, as well as pivotal cultural phenomena from\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003ci\u003eSoul Train\u003c\/i\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003eto\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003ci\u003eEbony\u003c\/i\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003emagazine.\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003ci\u003eNick Cave: Forothermore\u003c\/i\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003ereveals the way art, music, fashion and performance can help us envision a more just future.\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39866147176528,"sku":"9781942884965","price":13750.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/1_10bfb38a-8be7-4672-aa33-87fb6d0f1411.jpg?v=1666134114"},{"product_id":"yoshitomo-nara-by-yoshitomo-nara","title":"YOSHITOMO NARA by Yoshitomo Nara (DELMONICO BOOKS)","description":"\u003cp\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e日本人美術家、奈良美智の作品集。本書は、2021年に「ロサンゼルス・カウンティ美術館（Los Angeles County Museum of Art）」にて開催された展覧会\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eに伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e挑むような眼差しをもった人物像を描き一躍有名になってから30年、作者は自身の共感的かつ、唯一無二の視点を反映した制作活動を発展させてきた。本書は、作者のこれまでの代表作を網羅した包括的な一冊となっている。モノクロームの背景に目を大きく見開いた人物を描いたポートレートなどの代表作に加え、ドイツ留学中に制作された、封筒や厚紙など様々な面に描かれたスケッチなどの初期作品、作者のドローイング・スタジオを再現したインスタレーションなどが紹介されている。加えて、2011年に発生した東日本大震災後に制作された、ブロンズやセラミック製の大型フィギュアやポートレート作品といった最新作も収録されている。作者が個人的に所蔵する様々な音楽アルバムについて自らが書き下ろしたライナーノーツも初公開され、作者が音楽に対して持つ独特な視点を通して他の作品群との比較、対比を示している。年齢を重ねるごとに思索を深めていく、ダイナミックな芸術家の進化を見ることができる一冊。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eThirty years after Yoshitomo Nara rocketed to fame with his paintings of sinister figures, the artist has developed his practice to reflect his unique, empathic eye. This book presents the full range of Nara’s work. Along with his most recognizable pieces, such as his ubiquitous portraits of wide-eyed figures on monochromatic backgrounds, readers will discover his earliest paintings, sketched on surfaces ranging from envelopes to cardboard made during his time in Germany, as well as an installation that re-creates his drawing studio. His most recent works are also represented, including his large-scale bronze and ceramic figurines and portraits made following the 2011 earthquake that devastated Japan. Comparing and contrasting these pieces through Nara’s distinctive musical lens, the catalogue also features “liner notes” written by the artist about various albums in his personal collection, published in English for the first time. Viewers will see the evolution of a dynamic artist who has become more contemplative with age.\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39866158022736,"sku":"9781636810294","price":13200.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_d35e12aa-7a47-449c-836a-3e09382f8788.jpg?v=1662197957"},{"product_id":"portal-by-do-ho-suh","title":"PORTAL by Do Ho Suh","description":"\u003cp\u003e韓国生まれのアーティスト、ソ・ドホ（Do Ho Suh）の作品集。本書は、韓国の古代門の型から作られた 「不可能」な彫刻の驚くべき旅路を紹介する一冊。2006年、ロンドンを拠点に活動する作者は、韓国の伝統的な門の型をアクリルレジンで鋳造し、「無から何かを作り出す」という一見不可能なプロジェクトに取り組み始めた。本作「\u003ci\u003ePortal\u003c\/i\u003e」は、10年近くかけて完成し、21世紀における作家と美術館の役割、東洋と西洋の関係についての作者の考えを根底から変える場となった。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は、「\u003ci\u003ePortal\u003c\/i\u003e」のプロジェクト実現を可能にした人物たちを通して、その壮大な物語を語っている。まるでそこにないかのように見える9トンの彫刻、つまり、ネガティブスペースから鋳造された「生きた幽霊像」をスキャンし、モデリングし、構築するという普段見えない制作工程をカラー図版とテキストを通じて紹介している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn 2006, London-based Korean artist Do Ho Suh (born 1962) began work on a seemingly impossible project—to “make something out of nothing,” casting the negative form of a traditional Korean gate in solid acrylic resin. Portal would take nearly a decade to complete, and would provide the site for fundamental developments in Suh’s thinking on the role of both artist and museum in the 21st century, as well as the relationship between East and West.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis volume tells the epic story of that process through those who made it possible. Through color illustrations and texts, it provides unique access to the typically veiled fabrication process: the process of scanning, modelling, and constructing a nine-ton sculpture that would appear as if it was not there, a “living ghost image” cast from negative space.\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39889654284368,"sku":"9781636810720","price":9900.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_35cb55af-793c-4c76-aa0c-2c92bfe97692.jpg?v=1665563108"},{"product_id":"picasso-cut-papers-by-pablo-picasso","title":"PICASSO CUT PAPERS by Pablo Picasso","description":"\u003cp\u003eスペイン人アーティストであり、近代美術史上欠くことのできない人物であるパブロ・ピカソ（Pablo Picasso）の作品集。\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e2022年10月から12月にかけてロサンゼルスの「ハマー美術館（Hammer Museum）」で開催された展覧会に伴い刊行された。この展覧会は、1899年に作者が9歳で描いた最初の切り絵から80代で制作した1960年代の作品まで、作者の全キャリアを網羅し、金属、木、陶器の彫刻作品とともに、最も風変わりで好奇心をそそる紙作品が展示された。作者は生前、切り絵もしくはパピエ・コレ（フランス語：papiers découpés）を販売・展示したりすることはほとんどなかったが、他の作品と同様にサイン、日付、アーカイブを施した。それらは、家族のため、あるいはモデルという「制作者」のために作られた、よりプライベートなアトリエでの活動の一部であった。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e本書は、作者の切り絵に焦点を当てた初めての作品集であり、多くの作品が新たに撮影され、20世紀を代表する芸術の一つである切り絵の知られざる側面に関する新しい研究成果である。また同時に、モダンアートの根底にある革新と抽象をめぐる現在進行中の議論に対して貢献しているとも言える1冊である。作者の切り紙と彫刻の関わりを数十年にわたり概観しており、スタジオ内外で紙を切る練習を記録した写真セクションも掲載する。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003eThe first book on Picasso’s cut papers, examining an intimate practice spanning his entire career.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eSpanning the full career of Picasso (1881–1973), from his first cut drawings made in 1899 at nine years of age through to the 1960s with works he made in his eighties, Picasso Cut Papers features some of the artist’s most whimsical and intriguing works made on paper and in paper, alongside a select group of sculptures in metal, wood and ceramic. Although Picasso rarely sold or exhibited his cut papers (or papiers découpés) during his lifetime, he signed, dated and archived them just as he did all his works. They were simply part of a more private studio practice, often made for family or as models for his fabricators.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThe first publication to focus solely on Picasso’s cut papers, this book features many works reproduced for the first time with newly commissioned photography, alongside new scholarship on a little-known aspect of one of the 20th century’s most pivotal practices, which contribute to the ongoing discourse surrounding innovation and abstraction at the roots of modern art. Also featured is a photo section that surveys Picasso’s engagement with cut paper and sculpture over the decades and documents his practice of cutting paper, both in and out of the studio.\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39897369149520,"sku":"9781636810232","price":9900.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_2a050a74-5fd1-43d9-93a9-2b9585ac8bea.jpg?v=1666338747"},{"product_id":"b-side-by-henry-taylor","title":"B SIDE by Henry Taylor","description":"\u003cp\u003eロサンゼルスを拠点に活動する画家、ヘンリー・テイラー（Henry Taylor）の作品集。2022年11月から2023年4月にかけて「ロサンゼルス現代美術館（MOCA）」で開催された展覧会に伴い刊行された。作者の30年にわたる絵画、彫刻、インスタレーションの作品を包括的に概観し、そのユニークな美学、社会的ヴィジョン、自由奔放な実験によって広く評価されている作者を称えている。作者の肖像画や寓話的な絵画には、友人、家族、通りの見知らぬ人、スポーツ選手、エンターテイナーなどが登場し、その一見大胆な構図には親しみやすさが感じられるが、それでも想像力をかきたてられるような細部まで描き込まれている。タバコの箱やシリアルの箱など、身近にあるものを使って描くことで、作者は自らの主要なメディアを一般文化の領域に引き込んでいる。同様に、作者のインスタレーションは、美術史上ありがちな表現技法やモダニズムによるアフリカやアフリカ系アメリカ人の文化のアプロプリエーションと戯れるために、しばしば拾った素材（漂白剤のボトル、ほうきなど）の形態や象徴を再構築している。作者の様々な活動は、世紀末のアメリカにおける黒人の生活に対する深い観察眼を示すと同時に、特殊なものから外へと押し出すヒューマニズムの交わりを誘っている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eSurveying 30 years of Henry Taylor’s work in painting, sculpture and installation, this comprehensive monograph celebrates a Los Angeles artist widely appreciated for his unique aesthetic, social vision and freewheeling experimentation. Taylor’s portraits and allegorical tableaux—populated by friends, family members, strangers on the street, athletic stars and entertainers—display flashes of familiarity in their seemingly brash compositions, which nonetheless linger in the imagination with uncanny detail. In his paintings on cigarette packs, cereal boxes and other found supports, Taylor brings his primary medium into the realm of common culture. Similarly, the artist’s installations often recode the forms and symbolisms of found materials (bleach bottles, push brooms) to play upon art historical tropes and modernism’s appropriations of African or African American culture. Taken together, the various strands of Taylor’s practice display a deep observation of Black life in America at the turn of the century, while also inviting a humanist fellowship that pushes outward from the particular.\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39995504263248,"sku":"9781636810560","price":10670.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_a59e8529-bc7e-4f0c-b1d5-ffe5bc5e18ef.jpg?v=1672032796"},{"product_id":"site-determined-by-robert-irwin","title":"SITE DETERMINED by Robert Irwin","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人アーティスト、ロバート・アーウィン（Robert Irwin）の作品集。2018年9月から11月にかけて「カリフォルニア州立大学ロングビーチ校」の美術館で開催された展覧会に伴い刊行された。その輝かしい経歴の中で、作者は芸術を「site determined」、つまり周囲の環境に対して働きかけ、反応するものであると考えるようになった。本書は、作者が1975年から1982年にかけて大学キャンパスで制作したプロジェクトから始まる。これらに続くのが、マイアミ国際空港のために手がけた、未実現の大作である。本プロジェクトでは、建築物、駐車場、道路を、南フロリダの環境と直接関わる、美的かつ実用的な一連の空間へと変えることを提案したものである。その次に、作者の最も有名な作品のひとつである、ロサンゼルスのJ・ポール・ゲティ美術館の中央庭園を紹介。最後に、テキサス州マーファの現代美術館「チナティ・ファンデーション（Chinati Foundation）」にある、作者のこれまでの作品の中で最も野心的な作品のひとつである、鑑賞者と大地や空を見事に結びつける記念碑的作品を紹介する。壮大で画期的なプロジェクトのドローイング、模型、写真を通して、作者が先見性のあるアーティストであり、優れた図案者であることが明らかになる一冊。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOver the course of a storied career, Robert Irwin has come to regard art as site determined, or something that works in and responds to its surroundings. This book opens with his projects on college campuses between 1975 and 1982. These are followed by Irwin’s major, yet never realized, commission for the Miami International Airport, where he proposed to transform the structure, parking lots, and roadways into a sequence of aesthetic and practical spaces that engaged directly with the South Florida environment. It then turns to one of Irwin’s most celebrated works, the Central Garden at the J. Paul Getty Museum in Los Angeles. Finally, the book takes readers to the Chinati Foundation in Marfa, Texas, and one of Irwin’s most ambitious works to date—a monumental artwork that brilliantly connects viewers to the land and sky. Throughout this collection of drawings, models, and photographs of magnificent, groundbreaking projects, readers will come to see Irwin as a visionary artist and a brilliant draftsman.\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40001441235024,"sku":"9783791356716","price":5500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_bd262c18-116b-4bba-b9c4-c327189ebe23.jpg?v=1671179446"},{"product_id":"fallen-sky-by-sarah-sze","title":"FALLEN SKY by Sarah Sze","description":"\u003cp data-mce-fragment=\"1\" class=\"p1\"\u003eアメリカ人アーティスト、サラ・ジー（Sarah Sze）の作品集。2021年6月から11月にかけてニューヨーク郊外にある屋外型ミュージアム「ストーム・キング・アート・センター（Storm King Art Center）」で開催された展覧会に伴い刊行された。この展覧会では、没入型のインスタレーション作品『\u003cem\u003eFallen Sky\u003c\/em\u003e』と野外彫刻『\u003cem\u003eFifth Season\u003c\/em\u003e』が発表された。本書では、この作品を作者のより大きな制作活動に関連させて概観している。作者とドイツ人アーティストであるカタリーナ・グロッセ（Katharina Grosse）による作品『\u003cem\u003eFallen Sky\u003c\/em\u003e』と、それぞれの作品におけるテーマの類似性に関する対談が収録されているほか、小説、詩、美術史、文化批評など、さまざまな分野で活躍する8名の寄稿者による、作者の作品に呼応するクリエイティブなテキストも掲載されている。本書は、1年間にわたって撮影された作品『\u003cem\u003eFallen Sky\u003c\/em\u003e』の写真が収められており、そこでは作品の動的な季節感や「ストーム・キング・アート・センター」の環境の文脈を捉えている。展示風景写真では、時間とともに風景がどのように動き、変化していくかを描写しており、動きを写し出せることを明らかにし、作品の姿は季節、時間帯、天候によって絶えず変化している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePublished to contextualize Sarah Sze’s (born 1969) outdoor work \u003cem\u003eFallen Sky\u003c\/em\u003e and the accompanying installation \u003cem\u003eFifth Season\u003c\/em\u003e at Storm King Art Center, this book includes an overview of the work in relation to Sze’s larger practice. Also included is a discussion between Sze and artist Katharina Grosse to discuss \u003cem\u003eFallen Sky \u003c\/em\u003eand thematic parallels in their respective work. Eight contributing authors from across disciplines of fiction, poetry, art history and cultural criticism contribute creative pieces in response to Sze’s work. The publication also includes photographs of \u003cem\u003eFallen Sky\u003c\/em\u003e taken over the course of a full year, capturing the dynamic seasonality of the artwork and the context of Storm King’s environment. Installation photography illustrates \u003cem\u003eFallen Sky\u003c\/em\u003e’s ability to reflect movement and to depict how the landscape behaves and changes over time, the work’s appearance shifting continuously depending on the season, time of day and weather.\u003cspan data-mce-fragment=\"1\" class=\"s1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40006296666192,"sku":"9781636810690","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_d334d230-1a33-43a8-81cc-b4d873ac2b6a.jpg?v=1672031909"},{"product_id":"in-praise-of-shadows-by-william-kentridge","title":"IN PRAISE OF SHADOWS by William Kentridge","description":"\u003cp data-mce-fragment=\"1\" class=\"p1\"\u003e南アフリカ人アーティスト、ウィリアム・ ケントリッジ （William Kentridge）の作品集。作者の35年間に及ぶ、ジャンルを超越したダイナミックな創作活動を広範囲にわたりまとめた一冊。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e作者の創作は木炭画から始まり、映画、彫刻、オペラ、演劇、版画、その他様々なメディアへと拡張し、交わってきた。本書は、「開放」から植民地主義や独裁が切り捨てた「不確実性」、アーティストのスタジオでの制作の原動力、そして生きている限り続いていく変化を通じ、作者が南アフリカと世界の物語を「撹乱」させたことを強調し、テーマごとに時系列順で描く。それはすべて、歴史的な記録の中において抑圧され、沈黙を強いられてきた声に光を当てるためのものなのである。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eロサンゼルスの美術館「THE BROAD」キュレーターであり出版部門のマネージャーも務めるエド・シャド（Ed Schad）によるテキストが作者のスタジオの写真と共に並び、同じく「THE BROAD」の創設者であるジョアン・ヘイラー（Joanne Heyler）が序文を著している。加えてアーティストのアン・マッコイ（Ann McCoy）、小説家のゼークス・ムダ（Zakes Mda）による寄稿、映画編集・音響デザイナーのウォルター・マーチ（Walter Murch）と作者の対談を収録。また、作者本人による未公開レクチャーも掲載されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis far-reaching book presents Kentridge’s dynamic art practice, which originates in charcoal drawing and expands into intersections with film, sculpture, opera and theater performances, printmaking and many other mediums. The volume is organized chronologically and thematically, emphasizing Kentridge’s destabilizing of South African and global narratives through openness to uncertainty, the generative power of the artist’s studio and perpetual change, all as conditions for illuminating repressed and silenced voices in historical records.\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eAn essay by curator Ed Schad is presented along with studio photography, archival material and illuminating illustrations of Kentridge’s work, joining essays by globally recognized literary figures and thinkers Zakes Mda and Ann McCoy. Notably, the volume features a conversation between Kentridge and the famous film and sound editor Walter Murch, as well as a never-before-published lecture by the artist.\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS \/ THE BROAD","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40086607757392,"sku":"9781636810669","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_5d31c4c9-bca0-4eba-9bb3-ad18e3c33a0a.jpg?v=1680855746"},{"product_id":"a-retrospective-by-james-turrell","title":"A RETROSPECTIVE by James Turrell","description":"\u003cp data-mce-fragment=\"1\" class=\"p1\"\u003eアメリカ人アーティスト、ジェームズ・タレル（James Turrell）の作品集。決定版ともいえる本書は、カリフォルニアのメンドータに在るスタジオで行われた制作から、現在制作中の大規模作品「\u003cem\u003eローデン・クレーター（Roden Crater）\u003c\/em\u003e」まで、作者の素晴らしく多様で心躍る作品群の起源や原動力に光を当てている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e形を投影する対象が平らな壁面であれ、ギャラリー空間の角であれ、作者は「\u003cem\u003e中へ入り、光を出迎えよ\u003c\/em\u003e」と鑑賞者に常に呼びかけており、クエーカー教徒としての生い立ちを想起させる。実際、全作品が飛行、科学、心理学に関する人生経験、そして1960年代のロサンゼルスでの爆発的なアートシーンにおける主要人物としての経験から影響を受けている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e熟考されたエッセイと思考を明確にする作者のインタビューによってさらに引き立てられる本書は、初期の幾何学的な光を投影した作品から、プリント作品やドローイング作品、感覚遮断や一見無調整だと思われる色光を探求するインスタレーション、そしてホログラムを使った二次元の実験的な取り組みを通して、作者のキャリアをあらゆる側面から探る。さらに、アリゾナ州フラッグスタッフ近郊でのサイトスペシフィックな作品「\u003cem\u003eローデン・クレーター（Roden Crater）\u003c\/em\u003e」を深く掘り下げており、模型、図面、写真やドローイングを通して紹介されている。ドイツ人写真家のフロリアン・ホルツァー（Florian Holzherr）に特別に依頼し撮影された写真も収録。作品を幅広く取り上げ美しく仕上げられた本書は、強い影響力を持つ作者のファンにとって存分に堪能できる1冊となっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis definitive book illuminates the origins and motivations of James Turrell’s incredibly diverse and exciting body of work—from his Mendota studio days to his monumental work-in-progress \u003cem\u003eRoden Crater.\u003c\/em\u003e Whether projecting shapes on a flat wall or into the corner of a gallery space, Turrell is perpetually asking us to \"\u003cem\u003ego inside and greet the light\u003c\/em\u003e\"—evoking his Quaker upbringing. In fact, all of Turrell’s work has been influenced by his life experiences with aviation, science and psychology, and as a key player in Los Angeles’ exploding art scene of the 1960s. Enhanced by thoughtful essays and an illuminating interview with the artist, this monograph explores every aspect of Turrell’s career—from his early geometric light projections, prints and drawings, through his installations exploring sensory deprivation and seemingly unmodulated fields of colored light, to two-dimensional experiments with holograms. It also features an in-depth look at \u003cem\u003eRoden Crater\u003c\/em\u003e, a site-specific intervention into the landscape near Flagstaff, Arizona, which is presented through models, plans, photographs and drawings. Fans of this highly influential artist will find much to savor in this wide-ranging and beautiful book, featuring specially commissioned photography by Florian Holzherr.\u003cspan data-mce-fragment=\"1\" class=\"s1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40212945141840,"sku":"9781636810799","price":18700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_5ed089ab-a4c5-4079-8889-f87fcb29059e.jpg?v=1691995174"},{"product_id":"simone-leigh-by-simone-leigh","title":"SIMONE LEIGH by Simone Leigh","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人アーティストのシモーネ・リー（Simone Leigh）による作品集。本書は2023年4月から9月まで「ボストン現代美術館（The Institute of Contemporary Art Boston \/ ICA Boston）」で開催祭れた展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eマルチメディアを駆使してコミュニティ、ブラックフェミニズム、在外アフリカ人（ディアスポラ）の伝統と物質文化を探求する作者の初の広域にわたるモノグラフ。過去20年もの間、ブラックフェミニズムの主観性に関わる問いを現代美術の言説の中心に据えた作品を制作し、彫刻、動画、インスタレーション、社会的実践を通じて、視覚的・物質的文化における人種、美、コミュニティの概念を作者は探求してきた。作品において歴史上の時代、地理、伝統といった幅広いテーマを取り上げ、アフリカン・ディアスポラに関わる素材や、昔からアフリカの芸術や建築と関連づけられてきたかたちを具体的に参照する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書には、様々な表現手段やトピックに沿って作品を読み解く新たな文章を多数収録。作者にとって初めての集大成的な巡回展の開催に合わせて出版された本書には、長年コラボレーションを行ってきたアーティスト陣の寄稿、多様な洞察と視点を提供する新たな論考、作者の声に焦点を当てた対談も含まれている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eさらに、「第59回ヴェネチア・ビエンナーレ国際美術展」で高い評価を受けた作品をはじめ、20年のキャリアの中で生み出された数々の作品を豊富な図版で楽しむことができる。リサーチ資料から抜粋した画像からなる特別セクションでは、そのリサーチの方法論を紹介し、作品のあらゆる側面にしっかりと向き合うことを促している。展覧会を機に、画期的なアーティストの複雑で深く心に響く作品への全体的な理解を深める機会を与えてくれる一冊となっている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThe first major monograph on Simone Leigh’s multimedia explorations of community, Black feminism and the traditions and material cultures of the African diaspora. \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eOver the past two decades, Simone Leigh has created artwork that situates questions of Black femme-identified subjectivity at the center of contemporary art discourse. Her sculpture, video, installation and social practice explore ideas of race, beauty and community in visual and material culture. Leigh’s art addresses a wide swath of historical periods, geographies and traditions, with specific references to materials across the African diaspora, as well as forms traditionally associated with African art and architecture.This publication includes substantial new scholarship addressing Leigh’s work across mediums and topics. The volume, timed with the artist's first museum survey and national tour, includes contributions by her longtime collaborators, new scholars who add diverse insights and perspectives, and a conversation highlighting Leigh’s voice. Additionally, generous and lushly illustrated plates feature her critically acclaimed work for the 59th Venice Biennale and works made throughout her 20-year career. A special section featuring Leigh's research images gives access to Leigh’s research methodologies and encourages readers to fully engage with all aspects of Leigh’s work. This monograph provides a timely opportunity to gain a holistic understanding of the complex and profoundly moving work of this groundbreaking artist.\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eBorn in Chicago in 1967, Simone Leigh received a BA in fine art with a minor in philosophy from Earlham College, Richmond, Indiana, in 1990. In 2022, Leigh represented the United States at the 59th Venice Biennale with her critically acclaimed exhibition Sovereignty. She has had solo presentations at the Kitchen, New York (2012); Creative Time, New York (2014); New Museum of Contemporary Art, New York (2016); Hammer Museum, Los Angeles (2016); and the High Line, New York (2019); among other venues. Leigh lives and works in Brooklyn.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40375251402832,"sku":"9781636810782","price":16500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_6b2e8ce9-5052-4a30-bffa-e56aa84e452d.jpg?v=1702930759"},{"product_id":"infinity-mirrors-by-yayoi-kusama","title":"INFINITY MIRRORS by Yayoi Kusama","description":"\u003cp class=\"redstrong\"\u003e日本人前衛彫刻家、画家、小説家である草間彌生の作品集。作者の創作物の中でもっとも著名であり、壮大であり、作者を象徴する作品の一つである『\u003cem\u003eInfinity Mirrored Room（無限の鏡の間）\u003c\/em\u003e』シリーズを中心に作品を紹介し、50年以上にわたり現代美術の潮流に影響を与え続けてきたその軌跡を描く、初であり唯一の包括的な出版物である。2017年に本書の初版が刊行。本作は2023年刊行版である。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e版元であるワシントンD.C.の「ハーシュホーン博物館と彫刻の庭（HIRSHHORN MUSEUM AND SCULPTURE GARDEN）」は、『\u003cem\u003eInfinity Mirrored Room—My Heart Is Dancing into the Universe（無限の鏡の間—私の心は宇宙へと踊り出す）\u003c\/em\u003e』（2018年）を購入し、2022年に公開している。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e作者が制作した部屋は、無限に続く無数のカラーライトで満たされている。「のぞきからくり」のような一室やマルチメディア・インスタレーションなど、作者の万華鏡的な空間はどれも無限空間に一歩踏み入れてしまったような幻想を体験する機会が与えられる。この決定版的な一冊は、一連のインスタレーションを辿り、ベトナム戦争時期の「\u003cem\u003e自己消滅（self-obliteration）\u003c\/em\u003e」から現在のより調和的な野心まで、長い年月をかけ、作品がいかに様々な様式を象徴するようになったかを明らかにする。不安を想起させるような初期のインスタレーションを最近の作品の雰囲気とともに紐解くことで、現代における新しく実験的な創作に対する関心の中に見られる先進的な表現を歴史化している。豊富な作品群に彩られた本書は、『\u003cem\u003eInfinity Mirrored Room\u003c\/em\u003e』シリーズが作者のキャリアに及ぼした影響を我々に見せてくれる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe first and only comprehensive volume exploring the artist’s best-known and most spectacular series.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThis book presents world-renowned Japanese artist Yayoi Kusama’s most famous series, the \u003ci\u003eInfinity Mirror Rooms\u003c\/i\u003e, and charts its influence on the course of contemporary art for over 50 years.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eKusama’s rooms are filled with multicolored lights that reflect endlessly. Ranging from peep-show-like chambers to multimedia installations, each of Kusama’s kaleidoscopic environments offers the chance to step into an illusion of infinite space. This definitive publication traces these installations and reveals how, over the years, the works have come to symbolize different modalities, from Kusama’s “\u003cem\u003eself-obliteration\u003c\/em\u003e” in the Vietnam War era to her more harmonious aspirations in the present. By examining her early unsettling installations alongside her more recent atmospheres, this publication historicizes her pioneering work amid today’s renewed interest in experiential practices. Generously illustrated, this book invites readers to examine the series’ impact over the course of the artist’s career.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eYayoi Kusama (born 1929) has worked not only in sculpture and installation but also painting, performance, video art, fashion, poetry, fiction and other arts. In her early career in Japan, she produced mostly works on paper. With her late-1950s move to New York City, she joined the ranks of the avant-garde, working in soft sculpture and influencing the likes of Warhol and Oldenburg. At this time, she was also involved with happenings and other performance-oriented works and began to deploy her signature dots. Her work fell into relative obscurity after her return to Japan in 1973, but a subsequent revival of interest in the 1980s elevated her work to the canonical status that it still enjoys today.\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS \u0026 HIRSHHORN MUSEUM AND SCULPTURE GARDEN","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40419554820176,"sku":"9781636811215","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_314c9929-4724-4dd5-b162-40d8652a4bd1.jpg?v=1710487009"},{"product_id":"modele-vivant-by-nairy-baghramian","title":"MODÈLE VIVANT by Nairy Baghramian","description":"\u003cp\u003eドイツを拠点に活動するイラン人アーティスト、ナイリー・バグラミアン（Nairy Baghramian）の作品集。米国テキサス州ダラス芸術地区にある美術館「ナッシャー彫刻センター（Nasher Sculpture Center）」で2022年10月から2023年1月まで開催された展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書では、トラウマの場として「かりそめの身体」というものを探究した作者の新作を紹介する。タイトルは、フランス語で美術の授業における生身のモデルの意である「modèle vivant」から由来し、その伝統からインスピレーションを得ている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/Louise-Bourgeois\"\u003eルイーズ・ブルジョワ（Louise Bourgeois）\u003c\/a\u003e、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/Henri-Matisse\"\u003eアンリ・マティス（Henri Matisse）\u003c\/a\u003e、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/Pablo-Picasso\"\u003eパブロ・ピカソ（Pablo Picasso）\u003c\/a\u003eなど、「ナッシャー彫刻センター」の永久収蔵となった彫刻作品との対話を通して、身体を用いた表現や、目に見えないモデルたちの労働について考察し、新たな表現を提示する。あわせて、「modulate（調整する）」や「modify（修正する）」のような「model」の類語にあたる言葉の持つ異なった意味がもたらす言語的な戯れも見せる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eNew sculptures and installations that critically examine the formal, social and linguistic roles of live models\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eOver the past three decades, Iranian-born, German-based artist Nairy Baghramian (born 1971) has created sculptures and installations that upend expected modes of presentation and challenge the architectural, social, political and historical contexts that inform them.\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThe new works featured in this publication explore the provisional body as the site of trauma—drawing inspiration from the tradition of the “modèle vivant,” the French term for a live model in an art class. In her \"ambivalently abstract\" works, the artist takes unconventional approaches to materials associated with sculptural traditions of casting, including aluminum, lead, steel and wax. In conversation with sculptures from the Nasher’s permanent collection by Louise Bourgeois, Henri Matisse, Pablo Picasso and others, Baghramian’s works offer new ways to think about representations of bodies and the unseen labor of models, as well as the linguistic play afforded by different meanings of the word “model” and its linguistic relatives, such as “modulate” and “modify.”\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS \u0026 NASHER SCULPTURE CENTER","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40559551774800,"sku":"9781636811239","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/66_1.jpg?v=1712639210"},{"product_id":"how-high-the-moon-by-stanley-whitney","title":"HOW HIGH THE MOON by Stanley Whitney","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人アーティスト、スタンレイ・ホイットニー（Stanley Whitney）の作品集。2024年2月から5月にかけてニューヨーク州の「バッファローAKG美術館（Buffalo AKG Art Museum）」で開催された展覧会に伴い刊行された。作者は50年にわたり、大胆で実験的なカラーパレットと独自のリズムを持つ、喜びに満ちた没入型の抽象絵画を制作してきた。過去20年間、作者は自身の絵画作品をゆるやかなグリッドで構築し、これにより、無限の広がりを持つような絵画的変化の追求を実現し、鑑賞者はそれぞれの絵画の主題ではなく、色に対する反応に焦点を当てることができている。美術館での展開において、これらの大規模な絵画作品は、即興的に制作された小さな絵画やドローイング、版画と共に展覧され、作者による独自の実践が会場で構成されている。また、文字や政治との関わりを示すスケッチブックも飾られていた。\u003cbr\u003e \u003cbr\u003e北米の美術館を巡回する本展は、作者にとって初の美術館における巡回回顧展となり、1970年代から現在までの170点の絵画と紙に描かれた作品が展示された。本書には、展覧会主催者であり、「バッファローAKG美術館」のチーフ・キュレーターを務める、キャスリーン・チャフィー（Cathleen Chaffee）による序文が収録されているほか、作者の絵画と紙作品の学術的な解説、年表、展覧会全作品の図版が掲載されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eタイトルは、ナンシー・ハミルトン（Nancy Hamilton）とモーガン・ルイス（Morgan Lewis）が1940年にミュージカル『\u003cem\u003eTwo for the Show\u003c\/em\u003e』のために書いた曲のタイトルから引用している。\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThe esteemed American painter Stanley Whitney has, for 50 years, created joyful, immersive abstractions characterized by a bold, experimental palette and unique rhythm. Over the last 20 years, he has structured his paintings as loose grids: a consistent framework that frees him to work through seemingly infinite painterly variations and allows viewers to focus not on each painting’s subject, but rather on our own response to color. These large-scale paintings are joined by improvisatory small paintings; drawings and prints, which constitute their own practice for Whitney; and the artist’s sketchbooks, which offer a view into Whitney’s engagement with the written word and politics.\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThis traveling North American exhibition is Whitney’s first museum survey, presenting 170 paintings and works on paper spanning from the 1970s to the present day. The catalog includes an introduction by exhibition organizer Cathleen Chaffee, scholarly explorations of the artist’s paintings and works on paper, a chronology and illustrations of all works in the exhibition.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS \u0026 BUFFALO AKG ART MUSEUM","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40583686455376,"sku":"9781636811048","price":16500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/91_1.jpg?v=1715937958"},{"product_id":"jwhat-she-means-by-joan-didion","title":"WHAT SHE MEANS by Joan Didion","description":"\u003cp\u003eアメリカ人小説家、エッセイスト、脚本家であるジョーン・ディディオン（Joan Didion）の作品集。作家でありキュレーターのヒルトン・アルス（Hilton Als）が編集とテキストを手がけ、2021年にこの世をさった作者の人生と作品、そしてそのそれぞれが、作者を崇拝する者たち、批判する者たち、批評する者たちの中にもたらした感情を、モザイクのように視覚的に描き出す一冊。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAn exploration of the visual corollary to Didion’s life and work and the feeling that each generates in her admirers, detractors and critics—including artists from Helen Lundeberg to Diane Arbus, Betye Saar to Maren Hassinger, Vija Celmins and Andy Warhol\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn \u003cem\u003eJoan Didion: What She Means\u003c\/em\u003e, the writer and curator Hilton Als creates a mosaic that explores Didion's life and work and the feeling each generates in her admirers, detractors and critics.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eArranged chronologically, the book highlights Didion's fascination with the two coasts that made her. As a Westerner transplanted to New York, Didion was able to look at her native land, its mores and fixed rules of behavior, with the loving and critical eyes of a daughter who got out and went back. (Didion and her late husband moved from New York to Los Angeles in 1964, where they worked as highly successful screenwriters, producing scripts for 1971's \u003cem\u003eThe Panic in Needle Park\u003c\/em\u003e and 1976's \u003cem\u003eA Star Is Born\u003c\/em\u003e, among other works, before returning to New York 20 years later.) And from her New York perch, Didion was able to observe the political scene more closely, writing trenchant pieces about Clinton, El Salvador and most searingly the Central Park Five. The book includes more than 50 artists ranging from Brice Marden and Ed Ruscha to Betye Saar, Vija Clemins and many others, with works in all mediums including painting, ephemera, photography, sculpture, video and film. Also included are three previously uncollected texts by Didion: “In Praise of Unhung Wreaths and Love” (1969); a much-excerpted 1975 commencement address at UC Riverside; and “The Year of Hoping for Stage Magic” (2007).\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS \u0026 HAMMER MUSEUM","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40627930792016,"sku":"9781636810577","price":9900.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_2f88e124-5343-4092-9867-4025f5964196.jpg?v=1713032947"},{"product_id":"shape-ground-shadow-the-photographs-of-ellsworth-kelly-by-ellsworth-kelly","title":"SHAPE, GROUND, SHADOW: THE PHOTOGRAPHS OF ELLSWORTH KELLY by Ellsworth Kelly","description":"\u003cp\u003eアメリカの現代絵画の巨匠、エルズワース・ケリー（Ellsworth Kelly）の作品集。2023年10月から2024年1月にかけて、カリフォルニアの「サンタバーバラ美術館（Santa Barbara Museum of Art）」で開催された展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e過去100年で最も尊ばれるアーティストの一人である作者が手がけた作品としてはあまり世に知られていない「写真」の実践に焦点を当てており、写真作品のみを紹介する美術館での展覧会としては初めての開催となる。美しく装丁された一冊にその展示を飾った写真を60点収録する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e1940年代後半以降、作者は身の周りで目にした数々の視覚的な現象をもとに、時代を画す抽象的なシーンをカメラで写し取った。そのほとんどが自身のために制作されており、印象的な日差しと影が美しく共鳴し、綿密に構成された自然と建築のイメージの中に、作者の発見が記録されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e写真作品を見ると、世に知られた作者の絵画作品や彫刻作品、紙上作品と似通っているように思えるが、それらは写真作品に基づいて制作されたわけではない。作者にとってカメラは、いかに他の作品と近しく抽象的な表現を用いているとしても、自身の生活環境を、主観的な現実の日常体験と反響する芸術へと鮮やかに転換させる一つのアート・ツールにすぎなかったのである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eビーチサイドの階段にかかる影から、雪が積もる丘の曲線まで、深く感覚的な世界への興味がこの一冊を見事に彩っている。作者をよく知る者にとっても、初めて見る者にとっても、このイメージ群に触れることは、革新的な作品を生み出してきた作者がこれまで活躍してきたどのジャンルとも違う視点と考えを直接的かつ鮮明に見ることができる機会となっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA landmark publication featuring 60 career-spanning photographs by Ellsworth Kelly, one of the most revered artists of the past 100 years\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eMarking the first museum exhibition devoted solely to the photographs of Ellsworth Kelly, this beautifully designed volume features each photograph in the Santa Barbara Museum of Art’s illuminating presentation of this lesser-known aspect of Kelly’s art. From the late 1940s on, Kelly created an era-defining body of abstract art based on many kinds of visual phenomena he perceived around him. Largely made for himself, Kelly’s photographs record these discoveries in tightly-composed images of nature and architecture that often reverberate with striking sunlight and shadow.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eSimilar as they may appear, Kelly did not base his paintings, sculpture and works on paper on his photographs. The camera for Kelly was yet one more artistic tool he used to brilliantly transcribe his lived surroundings into an art that, however abstract, always resonated with his subjective experiences of actual, everyday worlds.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eKelly’s rich sensory fascination with such worlds, from shadows on a beachside staircase to the curve of a snowy hillside, courses throughout this handsome book. To those familiar with or new to the artist, these photographs offer a vividly direct chance to see Ellsworth Kelly’s eye and mind at work unlike any other genre in which this groundbreaking artist ever worked.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS \u0026 SANTA BARBARA MUSEUM OF ART","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40627940425808,"sku":"9781636811246","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/1241.jpg?v=1721180221"},{"product_id":"oh-me-oh-my-by-christine-sun-kim","title":"OH ME OH MY by Christine Sun Kim","description":"\u003cp\u003eベルリンを拠点に活動するアメリカ人アーティスト、クリスティーン・サン・キム（Christine Sun Kim）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は、2022年9月から2023年1月にかけてカナダ・バンクーバーの「コンテンポラリー・アート・ギャラリー（Contemporary Art Gallery, Vancouver）」とカナダ・サスカトゥーンの現代美術館「レミー・モダン（Remai Modern）」、2023年2月から7月にかけてニューヨーク州の「RANCES YOUNG TANG TEACHING MUSEUM \u0026amp; ART GALLERY」、2023年8月から12月にかけてオハイオ州の「The Gund at Kenyon College」で開催された展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e先天的に聴覚を持たない作者が生み出すドローイング、ビデオ、壁画作品は、聴覚世界における耳が不自由な人々のコミュニティでの経験を中心に据えている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書では作者が制作してきた革新的な作品群を、エッセイやテキスト、考察、インタビュー、作品の豊富な図版を通して紹介する。音が持つ視覚的、身体的、政治的な側面を作品の中で最も重要な位置付けとするアーティストである作者は、「音は専ら聴覚的な経験のみである」という概念に挑む。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e「アメリカ手話（American Sign Language \/ ASL）」を母国語とし、楽譜、円や表や標識などのインフォグラフィックスなど、さまざまな情報システムに由来する要素を用い、パフォーマンス、ドローイング、ビデオ、レクチャーなど多様な媒体を通じ、皮肉混じりでユーモラスな視覚的語彙を展開している。音が聞こえる世界と耳が不自由な人々のコミュニティとの間に生じる力の不均衡に関心を引くことを目的とし、異なる立場や異なるコミュニケーションの形を持つ人々同士の相互作用から生まれる生産的な可能性と創造的なエネルギーを称えるべく活動する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eDrawings, videos and murals center the experience of the Deaf community in an auditory world.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn this monograph, the groundbreaking work of the American-born, Berlin-based artist Christine Sun Kim (born 1980) is explored through essays, short texts and reflections, an interview and abundant large-scale images of Kim's work. An artist who foregrounds the visual, physical and political dimension of sound, Kim challenges the notion that sound is solely an auditory experience. Kim, whose first language is American Sign Language (ASL), uses elements from various information systems, such as musical notation, infographics and ASL, to develop a dryly humorous visual vocabulary in a variety of mediums, including performance, drawing, video, lectures and more. She aims to draw attention to the power imbalances between the hearing world and the Deaf community, as well as to celebrate the generative possibilities and creative energy that can arise from interactions between people with different positionalities and modes of communication.\u003c\/p\u003e\n\u003c!----\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40841109340240,"sku":"9781636811260","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/1371.jpg?v=1722575794"},{"product_id":"this-morning-this-evening-so-soon-james-baldwin-and-the-voices-of-queer-resistance-by-james-baldwin","title":"THIS MORNING, THIS EVENING, SO SOON: JAMES BALDWIN AND THE VOICES OF QUEER RESISTANCE by James Baldwin","description":"\u003cp\u003eアメリカ人小説家、著作家、劇作家、詩人、随筆家であり公民権運動家、ジェイムズ・ボールドウィン（James Baldwin）に関する作品集。本書は2024年7月から2025年4月までワシントン D.C.の「国立肖像画美術館（National Portrait Gallery）」で開催されている展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者は、作品を通してアメリカとその歴史に対する見解に異議を唱え、自らを「証人」であると考えていた。志を同じくする他の芸術家、協力者、組織に携わる者たちが影をひそめ、あるいは沈黙しているとき、作者はしばしば正義に反することへと声を上げたことで知られる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者を描いた作品と、その人生に影響を与えた重要人物たちのポートレイトを並べることで、本書はその人生と遺産を形づくる上で、とりわけ同性愛者の権利擁護との関係において、重要な役割を果たした文化の担い手たちの中に作者を位置づける。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eアメリカ人モダニスト画家のビューフォード・デラニー（Beauford Delaney）とバーナード・ゴットフリード（Bernard Gotfryd）による作者のポートレイトはよく知られているが、それらが作者の周囲で活動をしていた重要人物を描いた絵画、写真、映画とともに展示されている。このように作者をコミュニティの文脈の中で見ることで、鑑賞者は、そのセクシュアリティと信仰、芸術的好奇心、男らしさの観念が、公民権運動への参加と相まって作者の著作と長く遺るものを形成することにどのように役立ったかを理解するだろう。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は、作者、ロレイン・ハンズベリ（Lorraine Hansberry \/ 作家、活動家）、バーバラ・ジョーダン（Barbara Jordan \/ 弁護士、教育者、政治家）、バイヤード・ラスティン（Bayard Rustin \/ 社会運動指導者）、ライル・アシュトン・ハリス（Lyle Ashton Harris \/ 芸術家）、エセックス・ヘムフィル（Essex Hemphill \/ 詩人、活動家）、マーロン・リッグス（Marlon Riggs \/ 映画監督、詩人、活動家）、ニーナ・シモン（Nina Simone \/ シンガーソングライター、詩人、活動家）らが織り成す人生を、ポートレイトに沿って探る。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eアーティスト：リチャード・アヴェドン（Richard Avedon）、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/glenn-ligon\" data-mce-href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/glenn-ligon\"\u003eグレン・ライゴン（Glenn Ligon）\u003c\/a\u003e、ドナルド・モフェット（Donald Moffet）、ボーフォード・デラニー（Beauford Delaney,）、バーナード・ゴットフリード、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/faith-ringgold\"\u003eフェイス・リングゴールド（Faith Ringgold）\u003c\/a\u003e、ローナ・シンプソン（Lorna Simpson）、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/jack-whitten\"\u003eジャック・ウィッテン（Jack Whitten）\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"font-family: -apple-system, BlinkMacSystemFont, 'San Francisco', 'Segoe UI', Roboto, 'Helvetica Neue', sans-serif; font-size: 0.875rem;\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003ePortrayals of James Baldwin and others in his circle highlight the iconic writer’s activism.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe American writer and activist James Baldwin (1924–87) considered himself a “witness” as he challenged perspectives on America and its history through his work. He was often recognized for speaking out against injustice when other like-minded artists, collaborators and \u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eorganizers were overshadowed or silenced. By bringing together artworks that feature James Baldwin alongside portraits of other key figures who had an impact on his life, \u003cem\u003eThis Morning, This Evening, So Soon \u003c\/em\u003esituates Baldwin among a pantheon of culture bearers who were instrumental in shaping his life and legacy, particularly in relationship to his advocacy for gay rights. The book accompanies an exhibition at the National Portrait Gallery in Washington, DC, curated by the National Portrait Gallery's Director of Curatorial Affairs, Rhea L. Combs, in consultation with Pulitzer Prize–winning author Hilton Als. Well-known portraits by Beauford Delaney and Bernard Gotfryd are shown alongside paintings, photographs and films representing key figures in Baldwin’s circle. By viewing Baldwin in this context of community, readers will come to understand how Baldwin’s sexuality and faith, artistic curiosities and notions of masculinity—coupled with his involvement in the civil rights movement—helped shape his writing and long-lasting legacy.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe book relies on portraiture to explore the interwoven lives of Baldwin, Lorraine Hansberry (writer and activist), Barbara Jordan (lawyer, educator and politician), Bayard Rustin (leader in social movements), Lyle Ashton Harris (artist), Essex Hemphill (poet and activist), Marlon Riggs (filmmaker, poet and activist) and Nina Simone (singer-songwriter, pianist and activist), among others.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS \u0026 NATIONAL PORTRAIT GALLERY \u0026 SMITHSONIAN INSTITUTION","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40915490013264,"sku":"9781636811321","price":8800.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/2101.jpg?v=1730074959"},{"product_id":"unity-bachelor-by-avery-singer","title":"UNITY BACHELOR by Avery Singer","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、エイヴリー・シンガー（Avery Singer）の作品集。2023年4月から10月にかけて「マイアミ現代美術館（INSTITUTE OF CONTEMPORARY ART, MIAMI）」で開催された展覧会に伴い刊行された。作者の象徴的な絵画作品は、制作過程で用いられた革新的とも言えるツールが反映された表現となっており、現代における社会的な意味合いを含ませた現実やテクノロジーが複雑に解釈されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者の大型絵画作品は、デジタルレンダリングから派生し、手作業やデジタル作業によるエアブラシ技法、液体や固体のマスキング、複雑かつ多層的に重ねられた制作プロセスによって形作られる世界を描いている。「マイアミ現代美術館」で開催された展覧会では、オンラインおよびオフラインにおけるアイデンティティを考察する新作が初めて展覧される機会となった。作品では、様々な3Dデータを共有できるプラットフォームである「\u003cem\u003eSketchfab\u003c\/em\u003e」や、デジタルコンテンツのライブラリやツールが利用できる「\u003cem\u003eQuixel\u003c\/em\u003e」のような、商業的な会社から購入した機能を使って制作したデジタル・キャラクターの3人組を中心として描かれている。3DCGソフトウェア、素材サイトである「\u003cem\u003eDaz 3D\u003c\/em\u003e」、3Dモデリング、アニメーション、シミュレーション、レンダリングに特化したソフトウェア「\u003cem\u003eCinema 4D\u003c\/em\u003e」のようなデザインソフトやアニメーションを用いて、作品全体に展開される物語的なイメージを作り上げた。本シリーズでは、メインキャラクターである「ユニティ・バチェラー（Unity Bachelor）」と、「プリヤ・プラサード（Priya Prasad）」が物語を展開し、作者にとって青春の時代と場所である2001年のニューヨークに舞台を設定した。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e二人が描く架空のラブストーリーは、プリヤが行方不明になった2001年9月11日の集合的トラウマによって特徴付けられ、作者のキャリアを通じて自画像のような役割を果たしてきた「酔っ払いの美術学生」という第三の人物がロウアー・マンハッタンを徘徊する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eReflecting the innovative tools employed in their production, Avery Singer’s iconic paintings are complex interpretations of contemporary social realities and technologies.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe large-scale paintings portray worlds that emerge from digital renderings and take shape through manual and digital airbrush techniques, liquid and solid masking, and complex layering processes. \u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn the exhibition “\u003cem\u003eUnity Bachelor\u003c\/em\u003e” at ICA Miami, Singer debuts a new body of work that reflects on identities on- and offline. These new paintings center a trio of digital characters, which the artist has created with features purchased from commercial vendors like Sketchfab and Quixel. Singer then used animation and design softwares, such as Daz 3D and Cinema 4D, to create the narrative imagery that unfolds across the works. In this series, Singer sets the story of the main characters Unity Bachelor and Priya Prasad in New York in 2001, a coming-of-age period and place for the artist.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eTheir fictionalized love story is marked by the collective trauma of September 11, 2001, when Priya goes missing, while a third figure, an inebriated art student, who throughout Singer’s career has doubled as a self-portrait of sorts, roams Lower Manhattan.\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS \u0026 INSTITUTE OF CONTEMPORARY ART, MIAMI","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40915493978192,"sku":"9781636811420","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/UNITYBACHELOR.jpg?v=1726670795"},{"product_id":"radical-vertical-inquiries-by-sheila-hicks","title":"RADICAL VERTICAL INQUIRIES by Sheila Hicks","description":"\u003cp\u003eアメリカ人テキスタイルアーティスト、シェイラ・ヒックス（Sheila Hicks）の作品集。何十年もの間、作者はテキスタイルを媒体として、色彩、テクスチャー、そして「垂直性」に取り組んできた。そのユニークなアプローチは、建築、空間、歴史的な織物の伝統、繊維技術の革新へ向けた関心によってもたらされている。本書は、色とりどりの柱に焦点を当てる。初期の作品とその垂直性を生かした作品を土台に、円柱は、特に屋外を中心とした新しく壮大な環境へと拡張し、伝統的な制限を拒み、「ニューサウスウェールズ州立美術館（Art Gallery of New South Wales）」からフランスの田舎の岩山や中世の城まで、様々な環境での展示に適応する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者の作品集は常に革新的なフォーマットを用いて出版されているが、これはデザイナーとのクリエイティブな協働作業の結果生まれているものである。本書は、そびえ立つ繊維の構造にとって重要な垂直性を反映した装丁に仕上げられており、過去10年間に制作された柱状の作品が見事に美しく収録されている。本が、デザイン的要素によって\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e作者の作品を推し進めていく伴侶的な存在であり、またそれ自体が目を見張るような輝きを放っている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA unique book embracing the verticality of Sheila Hicks’ work.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eFor decades, Sheila Hicks has engaged with color, texture and verticality, using textiles as her medium of choice. Her unique approach is informed by her interest in architecture, space, historical weaving traditions and innovations in fiber technology. This new bilingual publication (English and French) focuses on her cascading multicolored columns. Building on her earlier work and occupation with verticality, the columns have extended to new and spectacular settings, notably outdoors, refusing any traditional limitations, adapting to various environments, from the Art Gallery of New South Wales to the rocky hills of the French countryside and medieval castles.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eHicks’ work has always been published in innovative formats, a result of her creative collaborations with designers. The book reflects the verticality that is crucial to Hicks’ towering fiber structures. It features stunning reproductions of the columns created by the artist over the last 10 years. The selection culminates in Hicks’ most recent installation, Vers des horizons inconnus in front of the Institut de France during Paris + in 2023. \u003cem\u003eRadical Vertical Inquiries\u003c\/em\u003e is an eye-popping, design-forward companion to Hicks’ work that shines on its own.\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS \u0026 GALERIE FRANK ELBAZ","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40955606794320,"sku":"9781636811499","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/1921.jpg?v=1733348726"},{"product_id":"architecture-research-office","title":"ARCHITECTURE. RESEARCH. OFFICE. by Architecture Research Office","description":"\u003cp\u003eニューヨークの設計事務所「アーキテクチャー・リサーチ・オフィス（Architecture Research Office \/ ARO）」の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e1993年設立当時、「ARO」の名は名字や頭文字ではなく、目的によって定義された事務所として先を行く存在であった。建築（Architecture）、リサーチ（Research）、オフィス（Office）、本書はこの事務所の理念と文化を記録した一冊である。文化施設、教育施設、公共施設、商業施設、住宅など、その多様な仕事のうち、最も重要とされる30以上のプロジェクトがその実践を導く7つの原則とともに、初めて丁寧にまとめらている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e1993年に設立された「ARO」は、米国で最も注目されている建築スタジオのひとつであり、権威あるアメリカ建築家協会（AIA）が設けた賞のうち、設計事務所が受賞対象の「Architecture Firm Award」を2020年に受賞したほか、多くの栄誉ある賞を受けている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA richly illustrated, substantial documentation of the AIA Award–winning architectural firm.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis is the definitive publication on New York design firm Architecture Research Office (ARO).\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eWhen it was established, ARO represented a new breed of firm—one of the first to be defined by its purpose rather than by a last name or an eponymous acronym. \u003cem\u003eArchitecture. Research. Office. \u003c\/em\u003edocuments the firm’s ethos and culture that has quietly shifted the architectural field’s outlook on how to practice. For the first time, this book meticulously compiles ARO’s diverse body of work, spanning cultural and educational institutions, public and commercial buildings, and residences.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOver 30 of its most significant projects are presented alongside seven principles that guide its practice. Writer and curator Brooke Hodge’s introduction describes ARO’s philosophy and culture, while a conversation with partners Stephen Cassell, Kim Yao and Adam Yarinsky offers perspectives on the challenges and opportunities of leading a firm committed to continuous learning. \u003cem\u003eArchitecture. Research. Office. \u003c\/em\u003eprovides an extensive set of precedents to inspire others—including other designers and the next generation of architects—to address the social and environmental challenges of our time.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eFounded in 1993, ARO is one of the country’s most sought-after architecture studios and the 2020 recipient of the prestigious American Institute of Architects (AIA) Firm Award—the highest honor given to any architecture practice—as well as the AIA New York State Firm of the Year Award and the Smithsonian Cooper-Hewitt National Design Award for Architecture. Notable projects include the renewed Rothko Chapel and Campus, the boathouse in Brooklyn Bridge Park and the world’s largest LGBTQ+ synagogue, Congregation Beit Simchat Torah.\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40957952196688,"sku":"9781636811413","price":17600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/1_93c3541f-755c-48a5-9f89-918331412095.jpg?v=1730329884"},{"product_id":"in-defense-of-nature-by-joseph-beuys","title":"IN DEFENSE OF NATURE by Joseph Beuys","description":"\u003cp\u003eドイツ人アーティスト、ヨーゼフ・ボイス（Joseph Beuys）の作品集。2024年11月から2025年3月にかけて現代美術館「\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eザ・ブロード（\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eThe Broad）」で開催されている展覧会に伴い刊行された。環境問題と結びつけて制作した作品と、それに触発され続ける社会の変革に対する新たな視点を我々にもたらす一作。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「ザ・ブロード」が多数所蔵する作者のマルチプル・コレクションを基にした「\u003cem\u003eJoseph Beuys: In Defense of Nature\u003c\/em\u003e（\u003cem\u003eヨーゼフ・ボイス：自然を守るために\u003c\/em\u003e）」は、環境に対して作者がいかに介入しているかに中心を据えている。このプロジェクトは、直接民主主義などのオルタナティブ組織の設立から、「緑の党」への参加まで、活動家としての長い歴史をたどるものである。これらの活動は、作者のプロジェクト\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e「\u003cem\u003e7000本の樫の木\u003c\/em\u003e（\u003cem\u003e7000 Oaks\u003c\/em\u003e）」に結実した。この企画は1982年の「ドクメンタ7（documenta 7）」で始められ、1987年の「ドクメンタ8（documenta 8）」まで続けられた、ドイツのカッセル市内に無機物であり死を象徴する玄武石を敷き、その横に生を示す樫の木を植えるというものであり、作者にとって最後の大規模プロジェクトであった。このコンセプトは、「ザ・ブロード」初の常設オフサイト展示プロジェクト「\u003cem\u003eSocial Forest: Oaks of Tovaangar\u003c\/em\u003e（\u003cem\u003eソーシャル・フォレスト：トヴァンガルのオーク\u003c\/em\u003e）」にインスピレーションを与えた。これは、「Getty」のイニシアティブ「PST ART」の一環として発足したロサンゼルスの森林再生プロジェクトである。環境正義、和解、再興という重なり合う問題を取り上げた作者のプログラムにより、「\u003cem\u003eソーシャル・フォレスト\u003c\/em\u003e」は「\u003cem\u003e7000本の樫の木\u003c\/em\u003e」が与え続けた影響を浮き彫りにし、40年後、同じように修復が求められる大きく異なる風景の中においても、作者が遺したものに新たな意味をもたらしている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA fresh look at Beuys' environmental work and the social change it continues to inspire.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eGrounded in The Broad’s collection of multiples by Joseph Beuys (1921–86), \u003cem\u003eIn Defense of Nature\u003c\/em\u003e centers the German artist’s commitment to environmental justice. The project traces Beuys’ long history of activism, from founding alternative organizations such as the Organization for Direct Democracy to his involvement in Germany’s Green Party. These efforts culminated in Beuys’ last major project, \u003cem\u003e7,000 Oaks\u003c\/em\u003e, which involved planting 7,000 trees accompanied by stones throughout the city of Kassel, Germany, from 1982 to 1987. Beuys’ concept inspired\u003cem\u003e Social Forest: Oaks of Tovaangar\u003c\/em\u003e, a reforestation project in Los Angeles inaugurated as part of the PST ART initiative. With programs that address overlapping issues of environmental justice, reconciliation, and restoration, \u003cem\u003eSocial Forest\u003c\/em\u003e highlights the continued impact of \u003cem\u003e7,000 Oaks\u003c\/em\u003e and brings new meaning to Beuys' legacy four decades later, in a vastly different landscape that equally demands repair.\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40986984218704,"sku":"9781636811505","price":10120.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/20_bbcf0658-e70f-4dbf-a2ee-c0d8fdb902af.jpg?v=1735708605"},{"product_id":"alice-coltrane-monument-eternal-by-alice-coltrane","title":"ALICE COLTRANE, MONUMENT ETERNAL by Alice Coltrane","description":"\u003cp\u003eアメリカ人ジャズ・ミュージシャン、作曲家であるアリス・コルトレーン（Alice Coltrane）の作品集。2025年2月から5月までロサンゼルスの「ハマー美術館（Hammer Museum）」で開催した展覧会に伴い刊行された。ジャズピアニストであるバド・パウエル（Bud Powell）にピアノを師事し、モダンジャズを代表するサックス奏者であるジョン・コルトレーン（John Coltrane）のバンドのピアニストを務め、同時にジョンの妻でもあった作者の遺したものを紐解く一冊。アメリカ人アーティストのラシード・ジョンソン（Rashid Johnson）、アメリカ人映画監督のコーリーン・スミス（Cauleen Smith）らが、20世紀アメリカのジャズ界における真に非凡な人物に敬意を表する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は、音楽家、スピリチュアルな先導を行う者、そして妻、母として生きた作者が文化的に遺したものを解き明かす一冊である。作者が1977年に発表した自伝的著作であり信仰的な一作でもある「\u003cem\u003eMonument Eternal\u003c\/em\u003e（永遠なる記念碑）」から本書のタイトルは由来しており、新たに気づきのあったスピリチュアルな信念、癒し、そして自己発見への道程にまつわる考察を記した内容となっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者は「時代を先取りしていた」人物であり、そして「メインストリームの外へと向かった最初の音楽家の一人であり、自らのスタジオで自身の音楽を録音し、自ら設けた条件のもと音楽をリリースした最初の女性、黒人、アメリカ人ジャズミュージシャンの一人であることに疑いはない」と、息子でありサックス奏者のラヴィ・コルトレーン（Ravi Coltrane）は語る。 本書は、精神的な超越、音響的革新、建築的な親密性といったテーマを探求する。19人の現代アメリカ人アーティストによる作品に加え、手書きの楽譜、未発表の音源、これまでほとんど表で見られてこなかった映像など、作者のアーカイブから発見されたエフェメラなどを示すことで、作家の文化的な功績とその実践を称える。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者は1937年にデトロイトで生を受け、幼い頃から音楽を始め、7歳からはピアノのレッスンに取り組んだ。1967年にジョンからハープを贈られたことをきっかけに「\u003cem\u003eJourney in Satchidananda\u003c\/em\u003e」や「\u003cem\u003eA Monastic Trio\u003c\/em\u003e」といった画期的なアルバムを制作し、ジャズ史において極めて稀なハープ奏者の一人となった。1972年に南カリフォルニアに移住し、スピリチュアル・コミュニティである「サイ・アナンタム・アシュラム（Sai Anantam Ashram）」を設立。ロサンゼルスを拠点に生活と活動を続け、2007年に69歳でその生涯を終えた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eRashid Johnson, Cauleen Smith and others pay tribute to a truly extraordinary figure in 20th-century American jazz\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis volume unpacks the cultural legacy of musician, spiritual leader, wife and mother Alice Coltrane. Accompanying the eponymous exhibition at Los Angeles’ Hammer Museum, the book takes its title from Coltrane’s 1977 autobiography and devotional text, Monument Eternal, in which she reflected on her newfound spiritual beliefs and the path to healing and self-discovery. Coltrane was “ahead of her time,” as her son, saxophonist Ravi Coltrane, says: she was “one of the first people to move outside the mainstream, and certainly one of the first female, Black, American jazz musicians to record her own music in her own studio, and to release music on her own terms.” Alice Coltrane, Monument Eternal explores themes including spiritual transcendence, sonic innovation and architectural intimacy. The project juxtaposes works from 19 contemporary American artists with pieces of ephemera from Coltrane’s archive—including handwritten sheet music, unreleased audio recordings and rarely seen footage—to honor her cultural output and practice. Alice Coltrane was born in Detroit in 1937 and took up music at an early age, beginning piano lessons at seven years old. In 1967 her husband, saxophonist John Coltrane, gifted her a harp, on which she went on to record seminal albums including Journey in Satchidananda and A Monastic Trio, making her one of the very few harpists in the history of jazz. Coltrane moved to Southern California in 1972 and founded the Sai Anantam ashram. She lived and worked in Los Angeles, where she died in 2007 at age 69.\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41060936319056,"sku":"9781636811567","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/2701.jpg?v=1744187924"},{"product_id":"hayao-miyazaki-by-hayao-miyazaki","title":"HAYAO MIYAZAKI by Hayao Miyazaki","description":"\u003cp class=\"redstrong\"\u003e日本人アニメ監督、アニメーター、脚本家、漫画家である宮崎駿の作品集。2021年9月から2022年6月にかけてにロサンゼルスの「アカデミー映画博物館（Academy Museum of Motion Pictures）」で開催された展覧会に伴い刊行された。同施設の柿落とし企画の一つであり、作者に焦点を当てた展覧会としては北米で初めての開催となる。本書は、世界中で愛される作者の非凡かつ唯一無二の映画の世界へ、豊富な図版の中で旅をするように我々を誘う。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e40年以上にわたり、その作品群はあらゆる世代の人々を魅了してきた。作者が生み出すアニメーションは、あまり慣れ親しみのなく挑戦的な世界へと特に子供達をナビゲートし、若さと成長することの意味を探すべく、時代を超えて冒険させてくれる。その芸術的ビジョン、職人技、そして深い人間の価値観を描いた表現は世界中で賞賛され、何世代ものアーティストたちに影響を与えてきた。我々の中に持つ自然を呼び起こすような設定と、たくましい少女や若い女性たちも多く存在する複雑なキャラクター像は万人が夢中になり、文化の壁を越えて広がっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は展覧会にあわせ、美術館と「スタジオジブリ」が共同で制作した一冊であり、「スタジオジブリ」のアーカイブ以外では見たことのない作品を含めた何百点ものオリジナル制作資料を収録する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e『\u003cem\u003eとなりのトトロ\u003c\/em\u003e』（1988年）、『\u003cem\u003e魔女の宅急便\u003c\/em\u003e』（1989年）、『\u003cem\u003eもののけ姫\u003c\/em\u003e』（1997年）、『\u003cem\u003e千と千尋の神隠し\u003c\/em\u003e』（2001年）、『\u003cem\u003eハウルの動く城\u003c\/em\u003e』（2004年）を含む、初期のキャリアから全11作（刊行当時）の長編作品に至るまで、コンセプトスケッチ、キャラクターデザイン、絵コンテ、レイアウト、背景、プロダクションセル（原画）をたっぷりと掲載し、その創作過程と卓越したアニメーション技術に迫る。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA richly illustrated journey through the extraordinary cinematic worlds of beloved filmmaker Hayao Miyazaki.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eFor over four decades, Hayao Miyazaki has been enchanting audiences of all ages. His animation, often featuring children navigating unfamiliar and challenging worlds, offer timeless explorations of youth and what it means to grow up. Celebrated and admired around the globe for his artistic vision, craftsmanship and deeply humanistic values, Miyazaki has influenced generations of artists. The universal appeal of his evocative natural settings and complex characters, many among them strong girls and young women, cuts across cultural boundaries.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis book is published on the occasion of the 2021 inaugural exhibition at the Academy Museum of Motion Pictures in Los Angeles, in collaboration with Studio Ghibli in Tokyo. It accompanies the first ever retrospective dedicated to the legendary filmmaker in North America and introduces hundreds of original production materials, including artworks never before seen outside of Studio Ghibli’s archives. Concept sketches, character designs, storyboards, layouts, backgrounds and production cels from his early career through all 11 of his feature films, including\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eMy Neighbor Totoro\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e(1988),\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eKiki’s Delivery Service\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e(1989),\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003ePrincess Mononoke\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e(1997),\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eSpirited Away\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e(2001) and\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eHowl’s Moving Castle\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e(2004), offer insight into Miyazaki’s creative process and masterful animation techniques.\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS \u0026 ACADEMY MUSEUM OF MOTION PICTURES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41073364009040,"sku":"9781942884811","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_2c9c2a66-667d-4509-a4c4-e2841b3d9f84.jpg?v=1750991540"},{"product_id":"the-whale-by-alex-da-corte","title":"THE WHALE by Alex Da Corte","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、アレックス・ダ・コルテ（Alex Da Corte）の作品集。2025年3月から9月にかけてテキサス州フォートワースの「フォートワース現代美術館（Modern Art Museum of Fort Worth）」で開催された展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者は、絵画、パフォーマンス、映像、彫刻を融合させたハイブリッドなインスタレーション作品で世界的に知られている。アート、デザイン、ポップカルチャーの歴史にどっぷりと浸かりながら、ハイカルチャーとローカルチャーのヒエラルキーを横断しつつ、ファンタジーや悪意といったものが混ぜこぜになった感情を呼び起こす。あわせて、モダニズムの色彩理論やポスト・ミニマリズム彫刻の空間的な実験を融合させ、消費主義、ペルソナ、セクシュアリティ、見えない労働（インビジブル・ワーク）、味覚、権力、欲望などをトピックとして作品に取り入れている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e展覧会のタイトルである「\u003cem\u003eクジラ\u003c\/em\u003e（\u003cem\u003eTHE WHALE\u003c\/em\u003e）」は、現代文化における膨大な採掘を示している。作者によるとその過程は、精神科医で心理学者のカール・グスタフ・ユング（Carl Gustav Jung）が提唱した『\u003cem\u003e夜の航海\u003c\/em\u003e』になぞらえている。文化的あるいは個人的な霊（精神）と交わる行為として過去を振り返り、収集することであると説明する。『\u003cem\u003e夜の航海\u003c\/em\u003e』とは、主人公が海の怪物（クジラ）に食べられ、個を求めて黄泉の国や地獄などの亡霊の国に降りていくという神話学である。作者は絵画というメディアを「亡霊のための空洞」とし、美術館そのものと同じようなものであると考えている。絵画は、それ自体の歴史の重みを永遠に蓄え続け、歴史的にそれ自体が消費というものの不気味な入り口として在り、作者にとっては「クジラの口」を象徴しているのだ。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者は、広告、アニメのセル画、CDのグラフィックデザイン、美術史などを消化し、現代文化における混雑した美しきゴミのような風景の中に自分自身を位置づけている。作者の絵画作品で文脈として用いられる儚いポップ・カルチャーの素材は、我々が自分と重ね合わせるもの、あるいは我々自身を定義するために用いるものが、いかにして時間の経過とともに進化していくかを明らかにする。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eこれまでの展覧会では、作者が手がけたインスタレーション作品に焦点を当てたものが多くを占めたが、今回の展覧会は、過去10年間に取り組んできた、豊かでエキセントリックな絵画との関係性を探る初めての展開となる。40点以上の絵画作品とドローイング数点、そしてパフォーマティブな行為として制作された絵画作品を考察した映像を展示した。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e過去に制作されてきた独特な作品のアプローチからも予想できるように、作者は伝統的な素材と型破りな素材、どちらも用いながら絵画を描き、同時に再構築された絵画のビジョンを実現すべく絵画という媒体の中で伝統的に存在していた境界線を広げている。例えば「\u003cem\u003eShampoo Paintings\u003c\/em\u003e」ではドラッグストアのヘアケア製品で描かれ、「\u003cem\u003ePuffy Paintings\u003c\/em\u003e」はウェットスーツ生地などに使われるネオプレーン素材を布張りすることで作られている。他にも、セル・アニメーションやサイン制作でよく使われる手法を用いたリバース・グラス・ペインティング（ガラスの裏側に絵の具の一番手前に見える層を塗り、そのあと層を重ね、最後に背景を描き加えるという通常と逆の順序でイメージを作り上げていく手法の作品）なども展覧された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eこの絵画作品の多くは、制作過程を解説する「\u003ca href=\"https:\/\/www.themodern.org\/alex-da-corte-voice-memos\"\u003eボイス・メモ（Voice Memos）\u003c\/a\u003e」と共に、初めて書籍として刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eMerging modernist color theory and Postminimalist spatial experiments with the crowded, beautiful trash-scape of contemporary culture, Alex Da Corte (born 1980) addresses sexuality, invisible labor, taste, power and desire. While most previous showcases have focused on Da Corte’s installations, The Whale is the first exhibition to survey his rich and eccentric relationship with painting over the past decade. As is to be expected with his irreverent approach, Da Corte paints with both traditional and unconventional materials. His \u003cem\u003eShampoo Paintings\u003c\/em\u003e are created with drugstore hair products, while his \u003cem\u003ePuffy Paintings\u003c\/em\u003e consist of upholstered neoprene. Other works include his reverse paintings on glass, most commonly used in celluloid animation and commercial sign-making. Many of these paintings are published in book form for the first time, accompanied by Da Corte’s “Voice Memos” that elucidate his creative process.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eEXHIBITION Fort Worth, TX: Modern Art Museum of Fort Worth, 03\/02\/25–09\/07\/25\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS \u0026 MODERN ART MUSEUM OF FORT WORTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41155665231952,"sku":"9781636811604","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_1983adda-505e-40d7-855f-9b8f57363cfd.jpg?v=1745814325"},{"product_id":"big-butch-energy-synergy-by-nina-chanel-abney","title":"BIG BUTCH ENERGY\/SYNERGY by Nina Chanel Abney","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、ニーナ・シャネル・アブニー（Nina Chanel Abney）の作品集。本書は、2022年11月から2023年3月にかけてフロリダ州マイアミにある「マイアミ現代美術館（Institute of Contemporary Art Miami \/ ICA Miami）」と2023年1月から6月にかけてオハイオ州クリーブランドにある「クリーブランド現代美術館（Museum of Contemporary Art Cleveland \/ moCa）」、2023年9月から2024年1月にかけてジョージア州サバンナの「SCAD Museum of Art」で開催された展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者は特徴的な作品スタイルを持つウィットに富んだアーティストであり、空想的な広がりを見せる表現を使いながら、作品を介して社会における現実と我々を向き合わせる。誇張された独特な描写や、キュビズム的で熱量の高いシンボリックな絵画作品を通じて、政治的かつ文化的な面での差し迫った現状を可能な限り多くの鑑賞者へと直感的に伝えようと試み、グラフィックデザインとストリートアートが孕む革新的な型を取り入れている。ダイナミックな色彩やフォルムを駆使して絵画作品やコラージュ作品を生み出し、鑑賞者を複雑に絡み合う物語へと引き込んでいく。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は先述した展覧会のうち「マイアミ現代美術館」、「クリーブランド現代美術館」で開催したものに焦点を当てている。ここでの作品群において作者は、いかにしてジェンダーに対する認識やパフォーマンスが、社会的な儀式や視覚文化が遺したものに触発されてきたのかを探るべく、映画やメディアにおける学生のグリーク・ライフ（※註）の描写を掘り起こしている。バロック様式の肖像画とグリーク・ライフにおける団体のメンバーを並べて記念に作る伝統的なポートレイト写真を引用しながら、青春コメディ映画『\u003cem\u003eアニマル・ハウス\u003c\/em\u003e（原題：\u003cem\u003eNational Lampoon's Animal House\u003c\/em\u003e）』（1978年）、『\u003cem\u003eポーキーズ\u003c\/em\u003e（\u003cem\u003ePorky's\u003c\/em\u003e）』（1981年）などを参照し、作品を複雑に組み立てている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e女性的であるよりも男性的である性自認「マスキュリン・オブ・センター（MoC）」の生物学的女性として生きてきた経験を経て、作者は鑑賞者が作中に描かれた人物にどのような性別の印象を抱くかを問いかけているのである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e※註 大学における「フラタニティ」、「ソロリティ」などの寮や組織、社交グループ\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eCommitted to sharing social realities through fantastic, expansive forms, Nina Chanel Abney is an artist possessed of an iconic style and wit. Through stylized, cubistic and highly charged painterly symbols, she references radical traditions of graphic design and street art to communicate urgent political and cultural realities with immediacy to the largest possible audience. Abney’s paintings and collages use dynamic color and form to draw viewers into complex narratives. \u003cem\u003eBig Butch Energy\/Synergy\u003c\/em\u003e features Abney’s recent exhibitions at ICA Miami and moCa Cleveland. In these works, Abney mines cinematic and media representations of student Greek life to explore how gender perception and performance is inspired by the legacies of social ritual and visual culture. The complex compositions reference scenes from popular slapstick comedy films such as\u003cem\u003e National Lampoon’s Animal House\u003c\/em\u003e (1978) and \u003cem\u003ePorky’s\u003c\/em\u003e (1981), while citing traditions of Baroque portraiture and fraternity composites. Inspired by her experience as a masculine-of-center woman, with this body of work Abney asks how viewers gender a figure in a work of art.\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS, INSTITUTE OF CONTEMPORARY ART, MIAMI \u0026 THE MUSEUM OF CONTEMPORARY ART CLEVELAND (moCa)","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41155700752464,"sku":"9781636811635","price":11550.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_86ab121c-f06f-4a7d-90b4-5faa98dc7089.jpg?v=1745473028"},{"product_id":"survey-by-antony-gormley","title":"SURVEY by Antony Gormley","description":"\u003cp\u003eイギリス人彫刻家、アントニー・ゴームリー（Antony Gormley）の作品集。2025年9月から2026年1月にかけて米国テキサス州ダラス芸術地区にある美術館「ナッシャー彫刻センター（Nasher Sculpture Center）」で開催した展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e1970年代後半から現在に至るまで、作者の彫刻における実践の展開と変遷を包括的にたどるモノグラフ。鉄、スチール、手打ちの鉛、海水、粘土など、有機的・工業的・自然的素材を幅広く用いてきた作者の彫刻は、身体と空間の関係を問い直す。キネティック・スカルプチャーの作品群は、人間の身体がいかに空間のなかで位置づけられ、経験されるかを探究してきた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は、世界各地で発表された60点に及ぶ大型作品および委嘱プロジェクトを年代順に紹介するほか、「ナッシャー彫刻センター」周辺の建物屋上にオープン・フォームの彫刻を設置した新たなパブリック・プロジェクトも取り上げる。さらに、哲学者トーマス・ネイル（Thomas Nail）および美術史家・批評家アマンダ・グルイビッツィ（Amanda Gluibizzi）による書き下ろしの論考、キュレーターのジェド・モース（Jed Morse）による作家インタビューを収録する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eSpanning the breadth of his career, from the late 1970s to the present day, this monograph surveys the development and evolution of British artist Antony Gormley’s (born 1950) sculpture practice. Employing a wide-ranging use of organic, industrial and elemental materials over the years—including iron, steel, hand-beaten lead, seawater and clay—Gormley’s kinetic sculptures interrogate the human body’s relationship to space. Survey presents a chronology of 60 large-scale and commissioned projects exhibited across the world, as well as a new public project in which the artist affixed open-form sculptures on top of buildings surrounding the Nasher Sculpture Center. It also includes new scholarly essays on the artist’s work by philosopher Thomas Nail and independent art historian and writer Amanda Gluibizzi, as well as an interview with the artist conducted by curator Jed Morse.\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS \u0026 NASHER SCULPTURE CENTER","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41998927822928,"sku":"9781636811833","price":11550.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_0db82f9c-8631-4377-84ff-b2dc102112f3.jpg?v=1770867650"},{"product_id":"sarah-sze-by-sarah-sze","title":"SARAH SZE by Sarah Sze (DELMONICO BOOKS \/ NASHER SCULPTURE CENTER)","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人アーティスト、サラ・ジー（Sarah Sze）の作品集。2024年2月から8月にかけて米国テキサス州ダラス芸術地区にある美術館「ナッシャー彫刻センター（Nasher Sculpture Center）」で開催した展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e1990年代後半以降、作者は美術の静的な性質に揺さぶりをかけ、それが置かれる空間を変容させる没入的なインスタレーションを制作してきた。偶然的に見えながらも緻密に構成され、生成と崩壊のあいだにあるかのようなその作品は、急速に変化するイメージ主導型のデジタル時代への多層的な文脈を内包している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e絵画、彫刻、サウンド、版画、ドローイング、映像、建築にまたがる実践を通じて、現代生活における無数の儚い細部を増幅し、言語化しがたい人間の経験に具体的なかたちを与える。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「ナッシャー彫刻センター」の空間のために制作された3点の新作インスタレーションは、我々を取り巻く絶え間ない視覚情報の流れが経験をどのように再形成するのか、また知覚の形成において記憶が果たす役割を強調する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e850点以上のカラー図版を収録した本書は、これらの作品と展覧会を記録する一冊である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eSince the late 1990s, Sarah Sze (born 1969) has been making mesmerizing installations that challenge the static nature of art and transform the spaces they inhabit. Appearing at once arbitrary and meticulously planned, in the midst of coming together and falling apart, her work contains layered references to the world’s rapidly changing, image-driven digital present. Working across painting, sculpture, sound, print, drawing, video and architecture, Sze’s work amplifies the myriad ephemeral details of contemporary life, making palpable poetry of the often-ineffable aspects of human experience. Three new installations, created for the spaces of the Nasher Sculpture Center, emphasize how experience is continually reshaped by the constant stream of visual information around us, and the role of memory in forming our perception. This lavishly illustrated publication documents these works and the 2024 exhibition and features more than 850 color photographs.\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS \u0026 NASHER SCULPTURE CENTER","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41998983135312,"sku":"9781636811925","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_b38356c9-5067-4952-89fe-4c38bdc377e7.jpg?v=1777532993"},{"product_id":"life-and-death-by-andrew-wyeth","title":"LIFE AND DEATH by Andrew Wyeth","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人画家、アンドリュー・ワイエス（Andrew Wyeth）の作品集。2022年10月から2023年1月にかけてアメリカ・ペンシルベニア州の「ブランディワイン美術館（Brandywine Museum of Art）」、2023年2月から6月にかけてメイン州の「コルビー大学美術館（Colby College Museum of Art）」で開催された展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e近年再発見されたドローイングを紹介する本書は、作者の晩年の文脈と現代アメリカ美術の動向の双方において、アーティストが自らの死を描くとはいかなることかを探る一冊である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書では、1990年代初頭に制作された鉛筆ドローイングのシリーズを初めて公開する。そこでは作者が自身の葬儀を想像し、描き出している。第一線の美術史家による各章では、自らの死を描くことの意味が、作者の晩年の制作および現代アメリカ美術の文脈の中で考察される。本書は、この葬儀シリーズを、死を主題として長年取り組んできた作者の絵画制作、モデルとの関係性、そして表現的かつ探求的な手段としてのドローイングの位置づけと結びつけている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eさらに本書は、1960年代以降のアメリカ美術において展開されてきた、死やセルフポートレートをめぐる議論の中に作者の仕事を位置づけ、デュアン・マイケルズ（Duane Michals）、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/andy-warhol\"\u003eアンディ・ウォーホル（Andy Warhol）\u003c\/a\u003e、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/david-wojnarowicz\"\u003eデヴィッド・ヴォイナロヴィッチ（David Wojnarowicz）\u003c\/a\u003e、ジョージ・トゥーカー（George Tooker）、ジャナイナ・チャペ（Janaina Tschäpe）、マリオ・ムーア（Mario Moore）らの作品もあわせて紹介する。同時代の作家たちが自身の死を描くことで多様な実存的問いを提示してきたなかで、死という人間に普遍的な経験を問い直す視点は、コロナウイルスのパンデミックや、2020年に顕在化した人種的不平等をめぐる社会的議論を経た現在において、いっそう切実なものとなっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eこうして本書は、喪失、悲嘆、脆弱性、そして（不）死性といった、現代に深く浸透する主題に向き合う一冊となっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003e東京都美術館開館100周年記念　アンドリュー・ワイエス展\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e会期：2026年4月28日（火）- 7月5日（日）\u003cbr\u003e休館日：月曜日、5月7日（木）※5月4日、6月29日を除く\u003cbr\u003e時間： 9:30 - 17:30（毎週金曜日は20:00まで）\u003cbr\u003e開催場所：東京都美術館　企画展示室\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/wyeth2026.jp\/\" rel=\"noopener\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePresenting recently rediscovered drawings, \u003cem\u003eLife and Death\u003c\/em\u003e explores what it means for an artist to picture their own death, in both the context of Wyeth’s late career and contemporary American art.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis volume presents for the first time a recently rediscovered series of pencil drawings from the early 1990s, through which Wyeth imagined his own funeral. Chapters by leading art historians explore the significance of picturing one’s own death in both the context of Wyeth’s late career and contemporary American art. The book connects the funeral series to Wyeth’s decades-long engagement with death as an artistic subject in painting, his relationships with the models depicted, and his use of drawing as an expressive and exploratory medium. It further inserts Wyeth’s work into a larger conversation about mortality and self-portraiture that developed in American art since the 1960s, and includes works by Duane Michals, Andy Warhol, David Wojnarowicz, George Tooker, Janaina Tschäpe and Mario Moore. While his contemporaries posed a variety of existential questions in picturing their own passing, those that interrogate the universality of death as a human experience have become especially urgent in the wake of the coronavirus pandemic and the national reckoning with racial inequality that emerged in 2020. \u003cem\u003eAndrew Wyeth: Life and Death\u003c\/em\u003e thus addresses ideas about loss, grief, vulnerability and (im)mortality that pervade the current moment.\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":42133297135696,"sku":"9781636810348","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_f6ebffd9-a751-4be1-ba49-5d04168060dd.jpg?v=1773715939"},{"product_id":"multiple-offerings-by-theresa-hak-kyung-cha","title":"MULTIPLE OFFERINGS by Theresa Hak Kyung Cha","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003e韓国系アメリカ人作家でアーティスト、テレサ・ハッキョン・チャ（Theresa Hak Kyung Cha）の作品集。2026年1月から4月にかけてカリフォルニア州の「バークレー美術館 \/ パシフィックフィルムアーカイブ（Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive \/ BAMPFA）」で開催された展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者は自伝的エクリチュール『\u003cem\u003eディクテ\u003c\/em\u003e（原題：\u003cem\u003eDictée\u003c\/em\u003e）』（1982年、Tanam Press）で広く知られている。本書はその生涯と遺してきたものをまとめた、これまでで最も包括的な一冊である。新たな研究成果とともに、これまで未公開であった作品およびアーカイヴ資料を収録する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e現在は絶版となっている同美術館で開催した展覧会に伴い刊行された図録『\u003ca href=\"https:\/\/www.amazon.co.jp\/-\/en\/Constance-M-Lewallen\/dp\/0520232879\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003eThe Dream of the Audience\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e』（2001年）以来、初めて美術館によって編まれた本格的なモノグラフである本書は、コンセプチュアル・アート、メール・アート、映像、パフォーマンス、詩といった多岐にわたる活動を通して展開された、作者の多面的なキャリアの全体像をたどる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e収録されている100点以上の作品およびエフェメラは、その多くが同美術館のコレクションおよびアーカイヴに由来し、作者に関する刊行物としては最大規模の内容となっている。初期のセラミックやファイバーによる作品を含む、これまで発表されてこなかった側面を提示する本書は、言語、記憶、ディアスポラ的アイデンティティをめぐる作者の批評的な探究を浮かび上がらせる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eさらに本書は、同時代の作家や同世代のアーティストによる作品との関係性のなかに作者の実践を位置づけるとともに、その遺産に応答する現代のアーティストたちの創作とも繋げながら、その意義を多角的に示している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe most comprehensive volume to date on the life and legacy of the Korean American artist and writer best known for her 1982 novel, \u003cem\u003eDictée\u003c\/em\u003e, featuring new scholarship and previously unseen documentation of her work and archives.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe first museum monograph dedicated to the artist since BAMPFA’s 2001 out-of-print catalog, \u003cem\u003eThe Dream of the Audience\u003c\/em\u003e, this volume spans the full breadth of Korean American artist Theresa Hak Kyung Cha’s (1951–82) multifaceted career across conceptual art, mail art, film, performance and poetry. It features over 100 objects and ephemera drawn primarily from BAMPFA’s collection and archives, distinguishing itself as the largest publication to date dedicated to the artist. Presenting aspects of Cha’s practice that have never before been published—including early works in ceramics and fiber—\u003cem\u003eMultiple Offerings\u003c\/em\u003e highlights Cha’s critical explorations into language, memory and diasporic identity. The volume also situates Cha’s contributions within a constellation of artworks by contemporaries and peers, as well as those by artists working today who have directly responded to her legacy.\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS \u0026 BERKELEY ART MUSEUM AND PACIFIC FILM ARCHIVE","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":42199516414032,"sku":"9781636811963","price":14300.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_d06ebb42-03c3-4d69-afd3-f72ed2428a49.jpg?v=1775204829"},{"product_id":"facsimile-cabinet-of-women-origin-stories-by-theaster-gates-signed","title":"FACSIMILE CABINET OF WOMEN ORIGIN STORIES by Theaster Gates [SIGNED]","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、シアスター・ゲイツ（Theaster Gates）の作品集。2019年に「Colby Museum of Arts」で開催された展覧会に伴い刊行された。会場では「ジョンソン・パブリッシング・カンパニー（Johnson Publishing Company）」が所蔵する約3,000点の女性像がキャビネット上で展覧、もしくはキャビネット内に収納されており、本書ではその一部を抜粋して収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e1942年にアフリカ系アメリカ人実業家、ジョン・H・ジョンソン（John H.Johnson）によって設立された「ジョンソン・パブリッシング・カンパニー」は、雑誌『\u003cem\u003eEbony\u003c\/em\u003e』や『\u003cem\u003eJet\u003c\/em\u003e』を通じて、70年以上にわたりアフリカ系アメリカ人の生活を記録してきた。20世紀のアフリカ系アメリカ人のヴィジュアルカルチャーにおいて最も重要であるともいえるアーカイブで構成されたこの作品は、アフリカ系アメリカ人の歴史上不可欠でありながらこれまであまり語られてこなかった女性の役割に焦点を当ててている。作者はそのイメージ群と歴史を再度文脈化し、新たに可視化することを試みた。また本展は、作者が2018年に「バーゼル市立美術館」で開催した「\u003cem\u003eBlack Madonna\u003c\/em\u003e」展とも関連しており、自身の一大プロジェクト「\u003cem\u003eBlack Image Corporation\u003c\/em\u003e」の一つでもある。本プロジェクトは、「\u003cem\u003e世界に向けたイメージの投影\u003c\/em\u003e」だと作者は語る。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eまた、本展が開催された際には、アーキビストや法学者、人類学者、司書、キュレーター、ヴィジュアルアーティスト、映像作家、作家、美術史家など様々な分野で活躍する12名の女性が招待され、このイメージが持つ女性の共感性を浮かび上がらせる本展への考察を深めた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cb data-stringify-type=\"bold\"\u003eEXHIBITION\u003c\/b\u003e\u003cspan\u003e:\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003ci data-stringify-type=\"italic\"\u003eシアスター・ゲイツ展：アフロ民藝\u003c\/i\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e会期：2024年4月24日（水）- 9月1日（日）\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e休館日：会期中無休\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e時間： 10:00 - 22:00\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e開催場所：森美術館（六本木ヒルズ森タワー53階）\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003ca rel=\"noopener noreferrer\" href=\"https:\/\/www.mori.art.museum\/jp\/exhibitions\/theastergates\/\" data-sk=\"tooltip_parent\" data-stringify-link=\"https:\/\/www.mori.art.museum\/jp\/exhibitions\/theastergates\/\" class=\"c-link c-link--focus-visible\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA multidisciplinary look at the foremost archive of Black American visual culture, as recast by Theaster Gates\u003cbr\u003eThis book features essays and other reflections commissioned in response to the \u003cem\u003eFacsimile Cabinet of Women Origin Stories\u003c\/em\u003e, a monumental participatory work by Theaster Gates (born 1973). The \u003cem\u003eCabinet\u003c\/em\u003e includes nearly 3,000 framed images of women from the Johnson Publishing Company archive, and highlights from the collection appear in this edited volume.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eFounded in 1942, Chicago-based Johnson Publishing chronicled the lives of Black Americans for more than seven decades through the magazines \u003cem\u003eEbony\u003c\/em\u003e and \u003cem\u003eJet\u003c\/em\u003e. Composed from arguably the most important archive of American Black visual culture in the 20th century, Gates’ work centers the essential and too often unsung role of women in this history.\u003cbr\u003eWhen the \u003cem\u003eCabinet\u003c\/em\u003e was exhibited at the Colby College Museum of Art, 12 women from a wide range of disciplines (including archivists, legal scholars, anthropologists and librarians, as well as curators, visual artists, filmmakers, writers and art historians) were invited to reflect on a work that brings a sisterhood of images to light.\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":42204708307024,"sku":"9781636810089","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_e8b64558-3e53-4bf9-ada5-fb25ac1bb542.jpg?v=1650347795"},{"product_id":"kongkee-warring-states-cyberpunk-by-kongkee-kong-khong-chang","title":"KONGKEE: WARRING STATES CYBERPUNK by Kongkee (Kong Khong-chang)","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003e香港とロンドンを拠点に活動するマレーシア生まれのアーティスト、コン・キー（江記 \/ Kongkee、ゴンホンチュン \/ 江康泉 \/ Kong Khong-chang）の作品集。2022年11月から2023年1月にかけてサンフランシスコの「アジア美術館（Asian Art Museum）」で開催された展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は、作者が構想したレトロフューチャー的な物語世界「\u003cem\u003eWarring States Cyberpunk\u003c\/em\u003e」を探究するものである。マルチスクリーン映像、壁面プロジェクション、ネオン・インスタレーション、鮮やかなグラフィック作品、ストーリーテキスト、そして中国古代の遺物を通じて、作者は戦国時代（紀元前481年頃から221年頃）に生きた伝説的詩人、屈原（くつげん）を中心とした思索的な叙事を展開する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eそのマルチメディアによる物語は、古代楚の国から、サイケデリックなサイバーパンク的風景が広がる想像上のアジアへと至る、屈原の魂の旅路をたどるものである。そこでは屈原はアンドロイドとして再生し、サイボーグやエレクトロ・ロック、そして思いがけない再会が織り込まれた世界が立ち現れる。本書は、4本の論考と作者へのインタビューを通して、この壮大な世界構築の試みを読み解き、本展覧会の主題を多角的に考察する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis volume explores the immersive world of \u003cem\u003eWarring States Cyberpunk\u003c\/em\u003e, a retro-futurist narrative exhibition conceived by London-based Chinese artist and animation director Kong Khong-chang (born 1977), known as Kongkee. Through multiscreen videos, wall projections, neon installations, vibrant graphic works, narrative texts and ancient Chinese objects, Kongkee unfurls his speculative odyssey centered on the legendary Chinese poet Qu Yuan, who lived during the Warring States Period (c. 481–221 BCE). His multimedia narrative traces the journey of Yuan’s soul from the ancient Chu Kingdom to a retro-futuristic Asia where he is reborn as an android in an imagined psychedelic cyberpunk landscape—replete with cyborgs, electro rock and surprising romantic reunions. \u003cem\u003eWarring States Cyberpunk\u003c\/em\u003e elaborates upon the artist’s worldmaking feat, probing the exhibition’s thematic subject matter through four scholarly essays and an interview with Kongkee.\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS \u0026 ASIAN ART MUSEUM","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":42207442206800,"sku":"9781636812021","price":10450.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_794b6a27-7c56-46d9-9845-2d3783daa9b3.jpg?v=1775635064"},{"product_id":"kenzi-shiokava-by-kenzi-shiokava","title":"KENZI SHIOKAVA by Kenzi Shiokava","description":"\u003cp\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e日系ブラジル人アーティスト、ケンジ・シオカワ（Kenzi Shiokava）の作品集。2026年6月から2027年1月にかけて、アメリカの「シカゴ現代美術館（Museum of Contemporary Art Chicago）」で開催された展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e日系ブラジル人2世として1938年に生まれた作者は、25歳でロサンゼルスへ移住し、生涯にわたり同地を拠点に制作を続けた。コンプトンの改装した自動車整備工場をアトリエとし、アジアや南北アメリカの伝統的な木彫技法と南カリフォルニアの現代文化を融合させた巨大な木彫作品や、拾い集めた素材によるアッサンブラージュを制作した。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e既存のジャンルに収まらないその作品は商業的な成功には恵まれなかったものの、ジャック・ニコルソン\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e（\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eJack Nicholson）やマーロン・ブランド\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e（\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eMarlon Brando）らに高く評価され、2016年には「ハマー美術館（Hammer Museum）」が主催するビエンナーレ展「\u003ca href=\"https:\/\/hammer.ucla.edu\/exhibitions\/2016\/made-in-la-2016\/kenzi-shiokava\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003e\u003cem\u003eMade in L.A. 2016\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e」にて「\u003ca href=\"https:\/\/hammer.ucla.edu\/mohn-award-2016\" target=\"_blank\" rel=\"noopener\"\u003eパブリック・レコグニション賞（Public Recognition Award）\u003c\/a\u003e」を受賞した。本書は初の本格的な回顧展図録として、ロサンゼルスでの数十年にわたる制作をたどりながら、作者が多様な文化的影響を取り込み、自然、精神性、物質文化を横断する独自の造形世界を築き上げた軌跡を明らかにする。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eThe first comprehensive monograph on the Los Angeles–based Nippo-Brazilian artist, whose sculptural practice blended traditional woodcarving with found-object assemblage.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003eA second-generation Brazilian of Japanese descent, Kenzi Shiokava (1938–2021) moved to Los Angeles when he was 25 and remained there for the rest of his life. Working out of a refurbished auto body shop in Compton, he built towering wooden totem sculptures and found-object assemblages that combine traditional woodcarving practices of Asia and the Americas with the contemporary currents of Southern California. Though unclassifiable and therefore commercially unsuccessful, Shiokava’s work was nonetheless admired by Jack Nicholson and Marlon Brando, and he was finally given his due as the winner of the Made in L.A. 2016’s Public Recognition Award. This insightful catalog accompanies the first ever retrospective of Kenzi Shiokava’s work and reveals the ways that the artist embraced diverse influences over decades of artmaking in Los Angeles, creating novel connections across nature, spirituality and material culture.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS \u0026 MUSEUM OF CONTEMPORARY ART CHICAGO (MCA CHICAGO)","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":42673137483856,"sku":"9781636811901","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_4f13bf93-c9fe-44f4-92e7-d4ec10a4fa30.jpg?v=1782095431"},{"product_id":"dancing-the-revolution-from-dancehall-to-reggaeton","title":"DANCING THE REVOLUTION: FROM DANCEHALL TO REGGAETÓN","description":"\u003cp\u003e現代アートを通して、ダンスホール、レゲエ・エン・エスパニョール、レゲトンの視覚的・政治的・精神的な歴史を考察する作品集。2026年4月から9月にかけて、アメリカの「シカゴ現代美術館（Museum of Contemporary Art Chicago）」で開催された展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は、現代アートという視点からカリブ海地域のポピュラー音楽の複雑な歴史を読み解く初の批評的出版物である。ダンスホール、レゲエ・エン・エスパニョール、レゲトンといった音楽や社会運動が、いかにして世界的な文化現象へと発展したのかを考察し、各ジャンルがたどった伝播の軌跡や変化するリズムを現代アーティストたちの作品を通して紹介するとともに、その社会的・政治的な背景をひも解く。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e冒頭では、「シカゴ現代美術館」でキュレーター兼キュラトリアル・イニシアティブ・ディレクターを務めたカーラ・アセベド＝イェーツ（Carla Acevedo-Yates）が、プエルトリコ・サンフアンにおけるアンダーグラウンド・シーンの黎明期と、それが世界各地の現代アートと結びついていく過程を紹介する。その後に続く5本の論考では、人種、セクシュアリティ、階級が交錯する場としてのダンスホールに着目し、カリブ海地域のポピュラー音楽が持つ政治性と美学を多角的に論じている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eジャマイカのサウンドシステム文化の歴史と世界的な広がり、パナマのレゲエ・エン・エスパニョールとジャマイカのダンスホールを経由したレゲトンの越境的な歴史、男性中心的な空間や表象に対抗しながら発展してきたフェミニズムやクィアの実践と美学、さらに2019年に当時のプエルトリコ知事リカルド・ロセジョの辞任につながった抗議運動においてダンスが果たした役割など、多様なテーマを取り上げる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e英語、スペイン語併記。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe first publication to examine the visual, political and spiritual histories of dancehall, reggae en español, and reggaetón through the lens of contemporary art.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eEdited with text by Carla Acevedo-Yates. Foreword by Madeleine Grynsztejn. Text by Julian Henriques, Sonjah Stanley Niaah, Juan Rivera, Ramón H. Rivera-Servera, nibia pastrana santiago\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis bilingual (English\/Spanish) book is the first critical volume to cover the complexity of Caribbean popular music through the lens of contemporary art, including the ways musical and social movements such as dancehall, reggae en español and reggaeton evolved into global phenomena. The book sheds light on the genres’ migrations and shifting rhythms through contemporary artworks, while underscoring their social and political impact. It opens with an introduction by former Marilyn and Larry Fields Curator and Direct\u003cimg\u003e\u003cimg\u003eor of Curatorial Initiatives Carla Acevedo-Yates on the early days of the “underground” scene in San Juan, Puerto Rico, and its connections to contemporary art all over the world. The other five essays by different contributors draw attention to the politics and aesthetics of Caribbean popular music and the dance hall—a space where race, sexuality and class collide. Topics include the history and global spread of Jamaican sound system culture; the transnational history of reggaeton through reggae en español in Panama and Jamaican dancehall; the ways that feminist and queer spaces and aesthetics are growing within—and against—the male-dominated spaces and\/or tropes related to these musical genres; and how dance amplified the 2019 demonstrations in Puerto Rico that brought about the resignation of then-governor Ricardo Rosselló. This multilayered publication presents artworks that examine and draw inspiration from music and dance as revolutionary practices for collective liberation rooted in the struggle against colonial oppression.\u003c\/p\u003e","brand":"DELMONICO BOOKS \u0026 MUSEUM OF CONTEMPORARY ART CHICAGO (MCA CHICAGO)","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":42765929152592,"sku":"9781636811758","price":13750.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_c12c55f5-7233-439b-908c-01141d1fa955.jpg?v=1783400389"}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/collections\/delmonico.png?v=1633697961","url":"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/delmonico-books.oembed?page=3","provider":"twelvebooks","version":"1.0","type":"link"}