{"title":"BLACK CULTURE","description":"","products":[{"product_id":"liberty-theater-by-rosalind-fox-solomon","title":"LIBERTY THEATER by Rosalind Fox Solomon","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人フォトグラファー、ロザリンド・フォックス・ソロモン（Rosalind Fox Solomon）の作品集。アメリカ南部の人種、階級、分離を鮮明に描いた一冊。本書タイトルは、テネシー州の都市チャタヌーガで1960年代初頭から有色人種に扉を開いていた唯一の映画館に由来している。1970年代から90年代にかけて撮影されたこのプロジェクトは、アラバマ州のスコッツボロ裁判所の芝生の上で始まった。この場所が舞台となった歴史的な冤罪事件「スコッツボロ事件」において、無実のアフリカ系アメリカ人の少年らが強姦罪で逮捕投獄され、人生の大部分を死刑囚として刑務所で過ごしている。作者はこの街で毎月開かれるマーケットに鳴り響く、異なる文化的イデオロギーやファンタジーが奏でる不協和音を写真に捉えたが、その背景にはこの裁判所の影が常に見え隠れしている。牧師、地主、労働者が登場する非常に象徴的なこの本には、KKK（※註）のバッジ、マスケット銃、かつら、日曜に教会に行くときの華やかな服装、ビスクドールなどが写り込んでいる。作者はアラバマからジョージア、フロリダ、ルイジアナ、ミシシッピ、テネシー、そしてサウスカロライナへと旅をして、1つの大きなシリーズを撮り続けた。イギリス人フォトグラファー、スタンレー・ヴォルコウ＝ワナーバ（Stanley Wolukau-Wanambwa）はこの作品について、「\u003cem\u003e正当防衛法が適用されている7つの州を通って大きく遠回りしながら、反逆者のマスケット銃から若い美人妻、リノリウムの四角いタイル、ヤードセール、道化師に教会、そしてカーニバルへと、様々な被写体を溌剌としたエネルギーと優美さを放つイメージに捉えていく。\u003c\/em\u003e」 と語る。各地を旅して撮られたイメージには、差別を禁じた画期的な法律である公民憲法が制定された後に起こった人種間の関係性におけるポジティブな変化が存分に見受けられる。しかし作者が描き出す世界は、身分や性別による分離がまかり通る社会、暗黙のあからさまな人種差別、自由に対する相反する見解など、今日のアメリカで益々顕著になっている差別という負の遺産について私達に語り掛けている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e※註 クー・クラックス・クラン。アメリカの秘密結社、白人至上主義団体。\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003eLiberty Theater is a vivid exploration of race, class and segregation in the American South. The book takes its title from the only cinema in Chattanooga, Tennessee that was open to people of colour in the early 1960s. Spanning the 1970s–1990s, the project began on the lawns of the Scottsboro Courthouse in Alabama where, in an historic case of injustice, seven young men of colour were falsely accused of rape and sentenced to jail for the better part of their lives. The courthouse served as a haunting backdrop to a monthly market at which Fox Solomon found a cacophonous performance of cultural ideologies and fantasies. In her acutely symbolic book, we find KKK badges, muskets, fake wigs, church attire and china dolls among preachers, landowners, and labourers. Journeying from Alabama to Georgia, Florida, Louisiana, Mississippi, Tennessee, and South Carolina, Fox Solomon continued to build a body of photographs which, as Stanley Wolukau-Wanambwa writes in his essay, ‘moves with effervescent grace from rebel musket to trophy wife, from linoleum square to yard sale, from clown to church to carnival, tracing a circuitous route through seven Stand Your Ground states’. Following her itinerant movement, at times the pictures in Liberty Theater allude to positive changes in race relations that have occurred since the Civil Rights Act. However, the world that Fox Solomon depicts speaks to a legacy of discrimination that has become increasingly apparent in the United States today: one of class and gender divisions, implied and overt racism, and competing notions of liberty.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30450736012,"sku":"978-1-912339-22-8","price":6600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/181114_10852.jpg?v=1571703836"},{"product_id":"this-is-what-hatred-did-by-cristina-de-middel","title":"THIS IS WHAT HATRED DID by Cristina de Middel","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eスペイン人フォトグラファー、クリスティーナ・デ・ミデル（Cristina de Middel）の作品集。本書タイトル「\u003cem\u003eThis is what hatred did\u003c\/em\u003e」は、アモス・トゥトゥオラの小説「\u003cem\u003eMy Life in the Bush of Ghosts\u003c\/em\u003e」の最後に刻まれた締めくくりの言葉である。1954年に出版された当時、この小説に対しての反応があまりに暴力的であったためにトゥトゥオラはナイジェリアを離れることを余儀なくされた。この言葉「This is what hatred did」は、作者によるこの物語の新たな解釈の出発点として使われている。魂と人間が複雑に共存するナイジェリアの街ラゴスのスラム街・マココでは不可思議な儀式は日常茶飯事で、街を包む空気がまるで幻影のような物語を生み出している。このプロジェクトから生まれた本書は、トゥトゥオラの物語と、アフリカのステレオタイプを背負わざるをえない国の現実を交える。作者は文章とイメージ双方での語りを操り合わせることで、幾重もの意味を生み出し、その結果として生まれたのが、ドキュメンタリーとフィクションの狭間で光に照らされるのを待つ益々不可解な大陸の現実である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eThis is what hatred did\u003c\/em\u003e is the lapidary phrase that ends Amos Tutuola’s novel \u003ci\u003eMy Life in the Bush of Ghosts\u003c\/i\u003e. When it was published in 1954, the novel provoked such violent reactions that Tutuola was obliged to leave Nigeria. Its concluding phrase is the starting point for photographer Cristina de Middel's interpretation of the tenebrous story, based in the streets of Makoko, a watery slum in the city of Lagos in Nigeria where spirits coexist inextricably with human beings, strange rites are an everyday occurrence, and the atmosphere provides the setting for a phantasmagoric tale. The book that has grown out of this project merges Tutuola's original story with the reality of a country suffering under the heavy burden of African stereotypes. De Middel plays with the double narrative offered by text and image and the different layers of meaning produced by their union. What emerges is a grey zone between documentary and fiction that seeks to cast light upon an ever more inscrutable continent.\u003c\/p\u003e","brand":"ARCHIVE OF MODERN CONFLICT","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31619737804,"sku":"","price":7260.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160725_8055.jpg?v=1571703839"},{"product_id":"there-s-a-place-in-hell-for-me-my-friends-by-pieter-hugo","title":"THERE'S A PLACE IN HELL FOR ME \u0026 MY FRIENDS by Pieter Hugo","description":"\u003cp\u003eポートレイト写真家として、アフリカ地域で長年続く貧困や環境問題に対するインパクトのあるヴィジュアルを表現することで注目を集める南アフリカ生まれの写真家、ピーター・ヒューゴ（Pieter Hugo）の作品集。本作では色のイメージを変換するデジタルプロセスを通じて、白人から黒人まで様々なモデルの皮膚中の色素\u003cspan\u003e(\u003c\/span\u003eメラニン\u003cspan\u003e)\u003c\/span\u003eを強調。大衆文化中にある美の基準、そして皮膚の色に基づいた人種の区別の矛盾を提示する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003eKYOTOGRAPHIE\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eInternational Photography Festival 2026\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e会期：2026年4月18日（土）- 5月17日（日）\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.kyotographie.jp\/programs\/2026\/\" rel=\"noopener\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e光が降りそそぐところ\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e会期：2026年4月18日（土）- 5月17日（日）\u003cbr\u003e時間：10:00 - 18:00\u003cbr\u003e休館日：4月20日、27日、5月11日\u003cbr\u003e開催場所：京都市京セラ美術館 本館 南回廊 2階\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.kyotographie.jp\/programs\/2026\/pieter-hugo\/\" rel=\"noopener\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePieter Hugo's \u003cem\u003eThere's a Place in Hell for Me \u0026amp; My Friends\u003c\/em\u003e is a series of close-up portraits of the artist and his friends, all of whom call South Africa home. \u003cspan\u003eThrough a digital process of converting colour images to black and white while manipulating the colour channels, Hugo emphasizes the pigment (melanin) in his sitters’ skins so they appear heavily marked by blemishes and sun damage. The resulting portraits are the antithesis of the airbrushed images that determine the canons of beauty in popular culture, and expose the contradictions of racial distinctions based on skin colour. \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eAs the critic Aaron Schuman writes,\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e“although at first glance we may look ‘black’ or ‘white’, the components that remain ‘active’ beneath the surface consist of a much broader spectrum. What superficially appears to divide us is in fact something that we all share, and like these photographs, we are not merely black and white – we are red, yellow, brown, and so on; we are all, in fact, coloured.”\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"OODEE","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31740297612,"sku":"978-095703-892-9","price":38500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/140414_68765.jpg?v=1571703841"},{"product_id":"die-son-sien-alles-by-viviane-sassen-second-edition","title":"DIE SON SIEN ALLES by Viviane Sassen [SECOND EDITION]","description":"\u003cp\u003eオランダ人フォトグラファー、ヴィヴィアン・サッセン（Viviane Sassen）の作品集。2002～2004年に数回訪れたケープタウンの各町区で、住民の家屋や商店、バーの室内装飾に注目し「Die Son Sien Alles」シリーズを撮影してきた。本書は同出版社と制作してきた「\u003cem\u003eSol \u0026amp; Luna\u003c\/em\u003e」(2010)、「\u003cem\u003eA day in the life of…\u003c\/em\u003e」(2009) に続く3作目の作品集となる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eDuring several visits to the townships of Cape Town between 2002 and 2004 Viviane Sassen (b. 1972, Dutch) took a closer look at the interior decoration of people’s homes, shop and bars — Shebeens. Viviane Sassen is known for her incisive depictions of contemporary African culture.\u003c\/p\u003e","brand":"LIBRARYMAN","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31772225612,"sku":"978-9-1862892-0-3","price":8800.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/140414_69305.jpg?v=1571703890"},{"product_id":"ponte-city-by-mikhael-subotzky-patrick-waterhouse","title":"PONTE CITY by Mikhael Subotzky \u0026 Patrick Waterhouse","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cdiv class=\"main-col\"\u003e\n\u003cdiv class=\"product_description\" itemprop=\"description\"\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e国際的写真家集団「\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eマグナム・フォト」正会員\u003c\/span\u003eの南アフリカ人フォトグラファー、ミケル・ソボツキー（Mikhael Subotzky）とパトリック・ウォーターハウス（Patrick Waterhouse）によるコラボレーション作品集。南アフリカのヨハネスブルクで一番の高さ（54階建て）を誇るランドマーク「Ponte City」にて6年間に渡って撮影された写真を収録。作者らはビルの各階の部屋のドア、窓から見える景色そして家のテレビのスクリーンを居住者の写真と共に記録。実際に現地で収集されたものや歴史資料が記録された写真と交差する形で構成されている。また南アフリカを引率する学者や著者による南アフリカ国民の視点から見た「Ponte City」への考察も掲載。ある時は楽園と呼ばれ、またある時は政治的混乱に伴い恐れられ、次第に廃れていったビルの姿を映し出す一冊。アルル国際写真フェスティバル 2011におけるディスカバリー・アワードを受賞している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eMikhael Subotzky and Patrick Waterhouse worked at \u003cem\u003ePonte City\u003c\/em\u003e, the iconic Johannesburg apartment building which is Africa’s tallest residential skyscraper, for more than six years. They photographed the residents and documented the building – every door, the view from every window, the image on every television screen. This remarkable body of images is presented here in counterpoint with an extensive archive of found material and historical documents. The visual story is integrated with a sustained sequence of essays and documentary texts. In the essays, some of South Africa’s leading scholars and writers explore Ponte City’s unique place in Johannesburg and in the imagination of its citizens. What emerges is a complex portrait of a place shaped by contending projections, a single, unavoidable building seen as refuge and monstrosity, dreamland and dystopia, a lightning rod for a society’s hopes and fears, and always a beacon to navigate by. The long-term project obtained the Discovery Award of the 2011 Rencontres d’Arles Photography Festival.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/div\u003e\n\u003c\/div\u003e\n\u003cdiv class=\"info-links\"\u003e\u003c\/div\u003e","brand":"LE BAL","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31848298956,"sku":"9783869307503","price":14300.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150330_4704.jpg?v=1571703893"},{"product_id":"die-son-sien-alles-by-viviane-sassen-second-edition-signed","title":"DIE SON SIEN ALLES by Viviane Sassen [SECOND EDITION \/ SIGNED]","description":"\u003cp\u003eオランダ人フォトグラファー、ヴィヴィアン・サッセン（Viviane Sassen）の作品集。2002～2004年に数回訪れたケープタウンの各町区で、住民の家屋や商店、バーの室内装飾に注目し「Die Son Sien Alles」シリーズを撮影してきた。本書は同出版社と制作してきた「\u003cem\u003eSol \u0026amp; Luna\u003c\/em\u003e」(2010)、「\u003cem\u003eA day in the life of…\u003c\/em\u003e」(2009) に続く3作目の作品集となる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eDuring several visits to the townships of Cape Town between 2002 and 2004 Viviane Sassen (b. 1972, Dutch) took a closer look at the interior decoration of people’s homes, shop and bars — Shebeens. 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Continuing to explore themes such as globalization, urbanization, colonialism and capitalism, Vitturi has spent the past three years working on the project. \u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe many streets that host the Balogun market sprawl from the shadow of a twenty-seven-storey building called the Financial Trust House. For a long time this building was the tallest on the island, housing western corporations and banks in its heyday. These days it remains, but it’s unoccupied now. The crowd at the market swelled and multiplied by sheer osmosis over the years, and swallowed the area into its throngs. Real estate developers say the House will remain unoccupied for as long as the market is unregulated. Here we find the paradox that so interested Vitturi – where his previous publication Dalston Anatomy surveyed gentrification killing off local business in London, in Lagos he found quite the opposite: gentrification in reverse.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eReturning to Lagos on many trips, Vitturi immersed himself into street market life and studied how the crowds merge into a frenetic, chaotic mass of bodies and objects. He photographed the things he saw – products, prayer mats, apparel – and the people he encountered – local shoppers, vendors and market stall owners. With most of the items on sale imported from China, he surveyed the extent of China’s economic hold on Africa within the context of the market. Through conversations with vendors, he learnt its status as a place people flock to, to make money. And considering his own position as a white Western man working as an artist within the market, he printed out parts of the book and returned to show them to the crowds. “Oyinbo!” they called out to him – a term they have for white people. \u003cbr\u003e\u003cbr\u003eSending materials back to his London studio, he worked to layer painting, fabrics and objects into collages and sculptures that mimicked the arrangements he came across in the market. In weaving different types of images together, Vitturi mines the material substance of the market, and attempts to make sense of the time he spent there and the layers of experience and transformation he encountered along the way. \u003cem\u003eMoney Must Be Made\u003c\/em\u003e is a love letter from Vitturi to Lagos, its spirit and its people. \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eMoney Must Be Made\u003c\/em\u003e is a hardcover publication, printed in an edition of 2000 copies. Each cover is handmade and unique, collaged by Vitturi with recycled off-cuts of various fabrics, vinyl’s and leather. The Nigerian writer Emmanuel Iduma has written an accompanying glossary as a way to navigate through the book and it’s many voices, based on his experiences growing up in Lagos.\u003c\/p\u003e","brand":"SPBH EDITIONS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":200360624140,"sku":"9781999814410","price":9680.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/1701122_07054.jpg?v=1571703963"},{"product_id":"one-picture-book-two-3-monument-by-carrie-mae-weems","title":"ONE PICTURE BOOK TWO #03: MONUMENT by Carrie Mae Weems","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、キャリー・メイ・ウィームズ（Carrie Mae Weems）の作品集。アメリカの出版社「\u003ca rel=\"noopener noreferrer\" href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/nazraeli-press\" target=\"_blank\"\u003eNAZRAELI PRESS\u003c\/a\u003e」が手がけるプリント付き作品集シリーズ『\u003ca rel=\"noopener noreferrer\" href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/all\/one-picture-book-two\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003eONE PICTURE BOOK TWO\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e』の第3巻。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e全100タイトルをもって完結した『\u003ca rel=\"noopener noreferrer\" href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/all\/one-picture-book\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003eONE PICTURE BOOK\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e』のアップグレード版である本シリーズ『ONE PICTURE BOOK TWO』は、装丁、サイズともにリニューアル。各タイトル500部限定発行、約127x178mm（約5x7インチ）のサイン入りプリントが付属し、前作と同様100タイトルで完結予定。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eアメリカ南部の旅で出会った記念碑を撮影した12点の新作を収録しており、現存するものと撤去されたもの、いずれも記録されている。豊かな表現力と作品に対する誠実さ、そして美しさが際立つ作品群を通じ、世の中の不正な行為に異を唱える作者は、ある種アメリカの真の宝と言えるだろう。人種や性差別、政治、個人のアイデンティティなど、今日のアフリカ系アメリカ人が抱える重要な課題にフォーカスした作者の写真、映画、ビデオ作品を制作。アメリカ内外で50以上もの展覧会で展示されてきた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e全100冊にて完結した『\u003cem\u003eONE PICTURE BOOK\u003c\/em\u003e』のアップグレード版である本シリーズ『\u003cem\u003eONE PICTURE BOOK TWO\u003c\/em\u003e』は、装丁、サイズがリニューアルし刊行。各タイトルには127x178mmのプリントが付属し、前作と同様100冊で完結予定。本作は、第1号として刊行された4タイトルのうちの1冊。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn this limited edition book, Weems presents twelve photographs she has made during recent trips into the American South, showing monuments both present and removed. Known for her ability to confront injustice with eloquence, honesty and beauty in her work, Carrie Mae Weems is a true national treasure. Her photographs, films, and videos have been displayed in over 50 exhibitions in the United States and abroad, and focus on serious issues that face African Americans today, such as racism, sexism, politics, and personal identity.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca rel=\"noopener noreferrer\" href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/all\/one-picture-book-two\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003eOne Picture Book Two\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e: an upgraded, upscaled follow-up to NAZRAELI PRESS' much-loved \u003ca rel=\"noopener noreferrer\" href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/all\/one-picture-book\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003eOne Picture Book\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e series of artists’ books. Each title is limited to 500 numbered copies, and includes a removable, signed, original print measuring approximately 5x7 inches. The books are slightly larger than those in the original series, with a fresh design and upgraded materials.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"NAZRAELI PRESS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":12744793784400,"sku":"978-1-59005-494-9","price":41800.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/OPBT_3_01.jpg?v=1571703972"},{"product_id":"museum-of-revolution-by-guy-tillim","title":"MUSEUM OF REVOLUTION by Guy Tillim","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003e南アフリカ人フォトグラファー、ガイ・ティリム（Guy Tillim）の作品集。ヨハネスブルグ、ダーバン、マプト、ベイラ、ハラレ、ナイロビ、キガリ、カンパラ、アジスアベバ、ルアンダ、リーブルヴィル、アッカ、ダカール、ダルエスサラームなどアフリカ各地の首都に赴き、長期間歩き回って撮影した作品を収録。タイトルは、モザンビークの首都マプトの7月24日通り（Avenida 24 Julho）にある革命博物館（Museum of the Revolution）に由来しており、1875年7月24日はこの土地を巡って対立していた英国とポルトガルが和解した記念日である。それから100年経った今も通りの名前は変わっていないが、これは1975年6月にポルトガルの支配から独立を勝ち取った後、7月24日がモザンビークの独立記念日として定められたことに由来する。革命博物館には、ポルトガルの植民地支配からマプトが解放される様子を表現した北朝鮮のアーティストたちによるパノラマ絵画が収蔵されている。そこには、植民地国の強大な権力によって建設された壮麗な街の通りを練り歩くリーダーと、それに続く群衆として革命のレトリックが描かれている。何度も名前を変えられたこれらの通りは、政治的、経済的、社会的な権力の趨勢を見つめた無言の証人として機能するだけでなく、過去65年もの間にアフリカの国々で行われた幾多の革命の博物館にもなっている。作者が捉えたアフリカの様々な首都の通りには、アフリカのナショナリズムにはつきものの社会主義的な政策がもたらした経済の停滞とはかけ離れた新しい現実、すなわち古いものを作り変え新しいものを創造する人々のパワー、そして資本主義的な価値観が染み込んだ、新しい憧れと野心のリアリティが写し出されている。アンリ・カルティエ=ブレッソン、マルティーヌ・フランク夫妻が設立した現代の写真家を援助する「HCB賞」を2017年に受賞。本書は、2019年2月から6月までアンリ・カルティエ=ブレッソン財団（パリ）での展覧会開催に伴い、MACKと\u003cspan\u003eアンリ・カルティエ=ブレッソン財団による\u003c\/span\u003e共同出版という形で刊行。\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003eThese photographs were made on long walks through the streets of African capitals, including Johannesburg, Durban, Maputo, Beira, Harare, Nairobi, Kigali, Kampala, Addis Ababa, Luanda, Libreville, Accra, Dakar and Dar es Salaam, and the series takes its title from the Museum of the Revolution in Maputo, Mozambique, which is situated on the Avenida 24 Julho. The 24th of July 1875 marked the end of an Anglo-Portuguese conflict for possession of the territory that was decided in favour of Portugal. One hundred years later the name of the avenue remained the same because Mozambique’s independence from Portugal was proclaimed in June 1975 and now the 24th of July is Nationalisation Day. In the \u003cem\u003eMuseum of the Revolution\u003c\/em\u003e, there is a panoramic painting produced by North Korean artists depicting the liberation of the capital from Portuguese colonial rule. It illustrates the rhetoric of a revolution as the leader and followers parade through the streets and avenues, laid out with grandeur by the colonial powers. These streets, named and renamed, function as silent witnesses to the ebb and flow of political, economic and social shifts of power and become a museum of the many revolutions that have taken place in African countries over the past 65 years. In Tillim’s photographs, the streets of these African capitals reflect a new reality, distinct from the economic stagnation wrought by socialist policies that usually accompanied African nationalism, the reality of rebuilding and enterprise, and new sets of aspirations imbued with capitalistic values.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":21904092692560,"sku":"9781912339273","price":7260.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/Guy-Tillim_Museum-of-The-Revolution24.jpg?v=1571703998"},{"product_id":"congregation-by-sophie-green","title":"CONGREGATION by Sophie Green","description":"\u003cp\u003eイギリス人フォトグラファー、ソフィー・グリーン（Sophie Green）の作品集。テムズ南岸のサザーク地区に多い欧米ミッション系教会から分離しアフリカ化されたアラドゥラ・スピリチュアリスト教会と、そこに礼拝に集まる人々を賛美した一作。「白い衣装の教会」と呼ばれているこの教会の信者は、毎週日曜日にミサを行い結束を維持している。グリーンのイメージは、これまで外部の目に晒されることがめったになかった生き生きとしたコミュニティに我々を招き入れる。キリスト教の一派であるアラドゥラ教会は主にナイジェリアのヨルバ族に信仰されており、この40年間でロンドンの至るところ、中でもアフリカ大陸以外でのアフリカ系教会の数が最も多いサザーク地区で日常風景の一部となった。本作は、個性豊かな参拝者たちとヨルバ語で行われる日曜日のミサの情景が織りなす豊かなタペストリーを見つめている。アフリカ系ロンドン人にとってこうした教会での集会は、同族の人々との社交や文化的な連帯感を維持していくための大切な場所である。サブカルチャーの内側で個人が共同体のアイデンティティや力をどのようにして見出しているのか、文化的な実践がどのような形で現代的でグローバルな文脈に吸収されているかといった問いを投げかける。ここでは、伝統的な服装、食事、習慣などが現代的なテクノロジーやファッションに自然な形で取り入れられている。またメインストリームではない教会は、工業地帯の跡など社会の目に触れない地域にあることが多いが、このような都市の隠された間隙に敬虔な人々が集まってくることにより活気が生まれている。さらに作者は、コラボレーションの要素が強いポートレイトを盛り込み、各教会の信徒たちとその信仰心に力を与え、互いのつながりを促進するような写真のワークショップを通じることで個々の被写体と直に関わりを持っている。男性、女性、子どもを捉えた自然主義的なイメージに織り込まれた作り込んだポートレイトが、個人のアイデンティティとその宗教的な実践の基盤になっているコミュニティとの間で繰り広げられるドラマを鮮やかに描き出している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eCongregation\u003c\/em\u003e by Sophie Green is a celebration of Southwark’s Aladura Spiritualist African churches and congregations. Often referred to as “white garment” churches, Green’s images engage with rarely-documented dynamic communities who unite each weekend for Sunday service. Aladura is a denomination of Christianity predominantly practised by Yoruba Nigerians, and in the last 40 years has become a ubiquitous part of London life - particularly in Southwark, which has the highest concentration of African churches outside the continent. Congegation observes a rich tapestry of worshippers and Sunday services, which are spoken in Yoruba and form a key social meeting point and place of cultural solidarity between African Londoners. \u003cem\u003eCongregation\u003c\/em\u003e asks questions about how individuals find collective identity and power within subcultures, and how cultural practice is assimilated into modern global contexts: traditional dress, food and customs rub up against modern technology and fashion, while devotional interiors colourfully fill the hidden, often industrial spaces that churches inhabit. Green also engages directly with individuals through collaborative, posed portrait sessions and photographic workshops which serve to empower and engage with members of each congregation and their faith. Mixed in with naturalistic images of men, women and children, these stylised portraits highlight the performance of identity and communality that underpins religious practice.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":28247823089744,"sku":"","price":5500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/Congregation_01.jpg?v=1571704000"},{"product_id":"peuple-de-la-nuit-by-sanle-sory","title":"PEUPLE DE LA NUIT by Sanlé Sory","description":"\u003cp\u003e西アフリカ・ブルキナファソ人フォトグラファー、サンレ・ソリー（Sanle Sory）の作品集。1960-83年の間、作者のカメラに向かって、自由奔放に明るくポーズを取ってくれた人々に捧げた一作。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eあの頃はお金がなくても生きていけたし、誰もが思いっきり楽しんでいた。どんな時でも夜遊びして、羽目を外したものだった。\u003c\/em\u003e」\u003cbr\u003e―サンレ・ソリー\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e当時作者は、日中はブルキナファソ南部にあるヴォルタ・フォトスタジオに何日もこもって作業をし、夜になると活気あふれるミュージックシーンやユースカルチャー、ダンスパーティー、結婚式へと繰り出しては撮影し、自分の町のポートレイトを作り上げていった。ヴォルタ・ダンシング、カルバス・ド・オール、ノルマンディ、ダフラ・バーなど人気クラブの客を探していない時は、愛車のヴォルタ・フォトの2CVバンに乗り、ボボの街の北西にあるコウ・バレー周辺の鄙びた村へと足を延ばした。ちょっとした照明とサウンドシステムを積んで行っては、野外パーティーを自ら開催した。「土埃のパーティー（Bals Poussière）」と呼ばれていたイベントは日が昇っても続いていたが、農夫や羊飼いたちは夜明けとともにバカ騒ぎを後にして、畑や牛たちの世話をしに戻っていったという。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePeuple de la Nuit is a tribute to the people who posed with cheery abandon, for the lens of Sanlé Sory from 1960-83.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e'\u003cem\u003eLife was cheap and everyone could have a ball. You could always go out and have some fun.\u003c\/em\u003e’ - Sanlé Sory\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eWhile Sory spent days at his Volta Photo studio in southern Burkina Faso, his nights were spent capturing a flourishing music scene, youth culture, dance parties, weddings and portraits of his home city. When he wasn’t out looking for customers at venues such as Volta Dancing, Calebasse d’Or, Normandie or Dafra Bar, Sory would set off towards the remote villages along the Kou Valley, north West of Bobo, in his Volta Photo 2CV van, with a few lights and a homemade sound system, to set up his own Bals Poussière (dustball parties). The parties lasted until well after the sunrise, at which point the farmers and herders would head straight back to tend their fields and cattle.\u003c\/p\u003e","brand":"STANLEY\/BARKER","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":28463314174032,"sku":"978196410664","price":7480.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/PEUPLE-DE-LA-NUIT-01.jpg?v=1571704030"},{"product_id":"things-people-wear-in-kenya-by-chaumont-zaerpour","title":"THINGS PEOPLE WEAR IN KENYA by Chaumont Zaerpour","description":"\u003cp\u003eパリを拠点として活動するフィリピン・ショーモン（Philippine Chaumont）とアガタ・ゼアプール（Agathe Zaerpour）のアーティストユニット「ショーモン・ゼアプール（Chaumont-Zaerpour）」の作品集。ケニアは消費者になる可能性を持つ若年層が多い国である。2人は、ケニアの若者たちの生活の一部として着られ、生産・消費されているファッションを研究、その他の情報も交えながら、予想外の着こなしでポーズを取る今のケニアの若者たちを徹底的に観察する。ケニアの都会に住んでいれば、洋服を手に入れるには3つの方法がある。1つは地元のファッションレーベル。素材を輸入しているので値段が高く、ほとんどの人には手が届かない。2つ目は質は低いが比較的入手しやすい大量生産の洋服であり、アジアから輸入されている。3つ目は西欧諸国から寄付された古着。古着屋という商売はこの30年で大きく成長した。これはヨーロッパから入ってくる大量の古着をアフリカの客に安価で販売することで成り立っている。こうした古着は最終的には市場の出店に出回っている。ナイロビ、モンバサ、ナイヴァシャ湖、世界遺産に登録されているラム旧市街を旅した2人は、このケニア独特の小売の3つの形態を考察した。作者の2人は国中を回りながら洋服のデザイナーや着る側の人々に今日の洋服についてどう思うかを聞いた。本書において、こうして集められたケニアの人びとの声を通じて絡み合うファッションの経済構造が説明されている。作者の証言と写真の裏にある物語は、この地のテキスタイル文化が国内と遠く離れた外国にいる人々の両方によって形成・発展されてきたことを物語っている。沢山のイメージがリズムを生み出しているこの本を読むことは、ケニアの古着市場でめまいがするほど高く積み上げられた洋服の山を物色する行為に似ている。ファッションは、個人の収入やそれと同じくらい重要な社会的・経済的・宗教的問題に対する考え方に関わらず、全ての人に関係するものである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eKenya is a country with a young population, full of would-be consumers. Chaumont Zaerpour’s \u003cem\u003eThings People Wear in Kenya\u003c\/em\u003e is a photographic study of fashion as lived, worn, produced and consumed there. The book is an extensive, meandering observation of unscripted and posed contemporary clothes-wearing. Kenyan urbanites can choose from three principal clothing sources: local fashion labels, which are expensive and for most unaffordable as the raw materials are imported; mass-produced low-quality yet still comparatively dear garments from countries further east; or the mitumba trade, second-hand clothing which originates in Western clothing donation. This business, which has emerged over the past three decades, works when used clothes are exported from Europe and sold, at low cost and in high volumes, to African buyers, ending up distributed through market stalls. The photographers consider these distinct trades on their travels between Nairobi, Mombasa, Lake Naivasha and the World Heritage Site of Lamu. The different fashion economies intertwine in the book, which is above all informed by Kenyan voices – clothing designers and wearers alike who spoke to the authors about their perception of clothing today during their two research periods travelling around the country. Their testimonies and the stories behind the photographs illuminate how textile cultures have been formed and informed by actors both in and far beyond Kenya. The reading experience of the book, with the mass of images and their rhythm, is akin to working through the dizzying piles of clothes in a mitumba market. Fashion is of relevance to everyone, whatever their income, and intersects with equally pressing social, economic and religious concerns.\u003c\/p\u003e","brand":"KODOJI PRESS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31996427993168,"sku":"978-3-03747-095-4","price":16500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200331_1087.jpg?v=1607658623"},{"product_id":"grey-paintings-by-julie-mehretu","title":"GREY PAINTINGS by Julie Mehretu","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eエチオピア生まれのアメリカ人アーティスト、ジュリー・メレツ（Julie Mehretu）の作品集。2016年に「Marian Goodman Gallery」で開催された展覧会「Hoodnyx, Voodo and Stelae」に伴い刊行された。本作は「アラブの春」と称される民衆による大規模民主化運動の幻想や楽観が崩壊した結果、中東を襲った悲劇的な変化とアメリカにおける他者に対する暴力の増加に捧げられている。中東の文化や、過去と現在に敬意を表した建築的な絵画で名高い作者は、これまでアラブ人の偉大な文化的業績に対する誇りを表現してきた。新しい絵画作品では、伝えられないことを抽象化によって伝えるというアプローチを用いて、近年続発している残虐な事件に対する胸が張り裂けるような思いを描き出した。アーティスト、グレン・リゴン（Glenn Ligon）のエッセイを収録。\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eGrey Paintings accompanies Julie Mehretu’s 2016 exhibition Hoodnyx, Voodo and Stelae at Marian Goodman Gallery. The work is dedicated to the tragic changes wrought in the Middle East by the collapse of the optimism of the Arab spring, as certain rising violence against the other in in the United States. Well known for architectural painting that pay tribute to the cultures of the Middle East, past and present, Mehretu has expressed pride in the magnificence of their cultural achievements. The new paintings express heartbreak over the brutal events of recent years, using abstraction to describe the indescribable. With a poem by Patricia Smith and a new essay by artist Glenn Ligon, Grey Paintings focuses on Julie Mehretu's recent work of the last 5 years.\u003c\/p\u003e","brand":"MARIAN GOODMAN GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32020979187792,"sku":"9780944219331","price":13200.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/190516_14141.jpg?v=1584796690"},{"product_id":"liminal-squared-by-julie-mehretu","title":"LIMINAL SQUARED by Julie Mehretu","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eエチオピア生まれのアメリカ人アーティスト、ジュリー・メレツ（Julie Mehretu）の作品集。「White Cube」と「Marian Goodman Gallery」による共同出版となった本書は、当時の最新作と直近の絵画作品を収録。2013年にロンドンで開催された初めての大規模個展に伴い刊行された。キュレーターのダグラス・フォーグル（Douglas Fogle）は作者の作品を評し「\u003cem\u003e相互のつながりが益々複雑化する21世紀の本質の完璧なメタファー\u003c\/em\u003e」と語る。いくつものレイヤーが重なり合う大型の絵画は、多種多様なドローイングテクニックを駆使して描かれる正確で力強い抽象化が特徴である。作品を通じて彼女は政治、建築、歴史の交差とこれらの力がどのようにして社会のアイデンティティの形成を方向付けているかを見つめる。現代アーティスト、タシタ・ディーン（Tacita Dean）と美術史家、T・J・デモ（T. J. Demos）によるエッセイを収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePublished by White Cube and Marian Goodman Gallery, this catalogue accompanies Mehretu's first major solo exhibition in London, 2013, and features new and recent paintings. Described by curator Douglas Fogle as “\u003cem\u003eperfect metaphors for the increasingly interconnected and complex character of the 21st century\u003c\/em\u003e,” Mehretu's large-scale paintings, which are built up in layers, employ a broad lexicon of drawing techniques together with a precise, muscular abstraction to investigate the intersection of politics, architecture and history and the way these forces shape the formation of our social identity. With essays Tacita Dean and T. J. Demos.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MARIAN GOODMAN GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32021421588560,"sku":"978-0944219225","price":10780.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/IMG_0569.jpg?v=1584796635"},{"product_id":"the-only-portrait-i-ever-painted-of-my-momma-was-stolen-by-henry-taylor","title":"THE ONLY PORTRAIT I EVER PAINTED OF MY MOMMA WAS STOLEN by Henry Taylor","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、ヘンリー・テイラー（Henry Taylor）の初作品集。1992年以降の作品200点以上を収録し、その業績を包括的に紹する一冊。今や伝説的な作家となった作者は、この30年間にニューヨークから、ロサンゼルス、ヨーロッパ、アフリカへと旅をしながら制作を続け、目にしたものを記録してきた。作者はアーティスト、ミュージシャン、作家、パフォーマーに加え、精神病院で働いた10年の間に出会った友人たちをモデルにすることもあれば、アフリカ系アメリカ人の文化的著名人や歴史的な出来事から、警察の暴力や刑務所を取り巻く複合産業といった悲惨な現実を扱う政治色が強いテーマまで、実に幅広い題材やモデルを描いてきた。絵画、彫刻、インスタレーションなどの作品の写真には、作品制作時の覚書やスケッチ、考え方がストレートに伝わってくる言葉など、本人の手書きのメモが配置されている。また、コンセプチュアルアートを代表するアーティストであり、カリフォルニア芸術大学教授のチャールズ・ゲインズ（Charles Gaines）、ピューリッツァー賞受賞随筆家、批評家のレイチェル・カージ・ガンサ（Rachel Kaadzi Ghansah）、作家でありキュレーター、ハーバード大学美術史、建築学科およびアフリカン・アメリカン研究科の助教授サラ・ルイス（Sarah Lewis）、王立文学協会のフェロー、アメリカ芸術文化アカデミーの海外名誉会員であり、小説家、随筆家、短編小説家のゼイディー・スミス（Zadie Smith）によるテキストが、アメリカの真実、人種差別の恐怖、記憶、帰属感の本質に迫る。決定版ともいえる本書は、モデルをまっすぐに見据えその本質を明るみに出すポートレイトを称え、文化的な対立が起きている今の時代に一筋の光明を放っている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eHenry Taylor's first comprehensive monograph, \u003cem\u003eThe Only Portrait I Ever Painted of My Momma Was Stolen\u003c\/em\u003e, features over 200 works from 1992 onward. For three decades the iconic artist has worked his way through New York, Los Angeles, Europe, and Africa, documenting what he sees. In his circle are artists, musicians, writers, and performers, as well as friends from his ten years as a psychiatric technician. Taylor's topical range also encompasses notable figures and celebratory moments of African American cultural history as well as politically-charged and painful subjects such as police brutality and the prison industrial complex. Suites of Taylor's paintings, sculptures, and installations are reproduced alongside the artist's handwritten notes -- accounts of sittings, sketches, and Henryisms. Contributions by Charles Gaines, Rachel Kaadzi Ghansah, Sarah Lewis, and Zadie Smith touch on the nature of truth, racial terror, memory, and belonging in America. This definitive monograph celebrates Taylor's direct and revealing portraits, offering a tonic to a divisive cultural moment.\u003c\/p\u003e","brand":"BLUM","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32496950575184,"sku":"978-0-8478-6310-5","price":10450.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/191031_1838.jpg?v=1591593916"},{"product_id":"transformations-by-kader-attia","title":"TRANSFORMATIONS by Kader Attia","description":"\u003cp\u003eフランス人アーティスト、カデル・アッティア（Kader Attia）の作品集。アフリカと西洋の文化は多種多様な面で深く関わり合っている。北アフリカ、アルジェリアとフランス、パリで育った背景を持つ作者の作品において、このもつれ合いが中心的なモチーフに据えられている。 巨大な空間を使ったインスタレーション、映像、写真の背景になっているのは、アフリカの伝統文化がヨーロッパのモダニズムに与えた影響と、1960年代から1980年代にかけてアフリカンジャズとポップミュージックで再活用されてきた南北アメリカの黒人音楽である。作者の作品は不協和音の生産性の高さを表現している。アフリカの仮面、ぬいぐるみ、実験用具、歴史的遺物などは一見何の関係もないように見えるが、この中からヨーロッパがどのようにして自分たちの植民地時代の歴史を取り扱っているのか、移住に関わる現在の政治的状況、今日の大都市における都市化と現実とのつながりを掘り起こしてみせる。2008年から2013年までの作品をより広範な芸術と歴史の文脈の中で提示した本書は、ベルリンのクンストヴェルケ現代美術センターで開催された個展「\u003cem\u003eRepair. 5 Acts\u003c\/em\u003e」に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe manifold entanglements of African and Western culture are a central motif in the oeuvre of the Algerian-French artist Kader Attia. The influence of traditional African architecture on European modernism forms the background for his voluminous spatial installations, videos and photographs, as much as the reappropriation of North and South American black music within African Jazz and Pop of the 1960s up to the 1980s. His work manifests the productivity of dissonance: Where African masks, stuffed animals, scientific instruments, and historical artifacts seemingly have nothing in common, the artist unearths connections between Europe’s handling of its own colonial history, current migration politics, and the urbanistic realities of its metropolises of today. Based on Kader Attia’s solo show “Repair. 5 Acts” at the KW Institute for Contemporary Art, Berlin, this publication focuses on works from the years 2008–2013 and places them in a broader art historical concept.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32638144774224,"sku":"9783944669236","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/TRANSFORMATION000.png?v=1595186867"},{"product_id":"like-stains-of-red-dirt-by-juan-orrantia","title":"LIKE STAINS OF RED DIRT by Juan Orrantia","description":"\u003cp\u003eコロンビア共和国に生まれ、現在南アフリカを拠点として活動するフォトグラファー、フアン・オランティア（Juan Orrantia）の作品集。ある特別な場所における体験について認識する瞬間を集めた作品シリーズが収録されている。南アフリカのヨハネスブルグで10年以上暮らしてきた作者の視線は、内側に向かっている。自然発生的、直感的、あるいは作り上げられたシーンの中に、作者の自宅とその周辺で見つけた瞬間、ジェスチャー、オブジェが立ち現れては消えていく。独特な色と影の使い方から、主観的、日常的な経験と想像力に根ざした言語が生まれている。本作を通じて作者は、色によって様々に区分されているこの国においては、もとごとの外面は魅力的であっても錯覚に過ぎないことを伝えている。収録されたイメージには、作家自身の感情や不安だけでなく、写真が撮影された状況に浸透する隠された歴史的、政治的、象徴的な背景の存在を示唆している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eLike Stains of Red Dirt\u003c\/em\u003e brings together a series of moments that recognize an experience of a particular place. Made after living in Johannesburg, South Africa, for more than 10 years, Juan Orrantia’s gaze points inward. Combining spontaneous, intuitive and constructed scenes the book moves through moments, gestures and objects in his home and immediate surroundings. His use of color and shadows create a language rooted in subjective, everyday experience and imagination. In a country marked in so many ways by color, the photographs invite us to think of the surface as both seductive and as an illusion. They suggest emotions and anxieties as much as the presence of historical, political and representational undercurrents that traverse the context in which the photographs are made.\u003c\/p\u003e","brand":"DALPINE","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32798029906000,"sku":"978-84-09-19020-1","price":6380.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/LIKESTAINSOFREDDIRT00.jpg?v=1598333927"},{"product_id":"waiting-for-the-sibyl-by-william-kentridge","title":"WAITING FOR THE SIBYL by William Kentridge","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003e南アフリカ人アーティスト、ウィリアム・ ケントリッジ （William Kentridge）の作品集。本書に収録されているテキストは、主に室内オペラ「Waiting for the Sibyl」の台本からの引用である。このオペラは、ローマのオペラ座の為に制作され、2019年9月に初めて同劇場で上演された。サックス奏者のンランラ・マラング（Nhlanhla Mahlangu）とピアニストのカイル・シェパード（Kyle Shepherd）が作曲を担当。上演中は、オペラ座内に配置された大小様々なサイズのスクリーンにイメージとフレーズが映し出された。歌われている歌詞と同期していることもあれば、完全に独立しているシーンもあった。実際のオペラの舞台では、大抵右側のページにはテキスト、左側のページにはドローイングや舞台上のダンサーの影などが重ね合わせるようにして映し出されていた。本書には、実際にオペラで使われたよりも多数の異なるドローイングが登場する。この本の制作、出版は、オペラを劇場で上演することを不可能にした新型コロナウイルス感染症の大流行の最中に行われた。このプロジェクトには、もう一度完全な形でこのオペラを見ることができるようになる日が早く来てほしいという願いが込められている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe text in this book is essentially the libretto of the chamber opera Waiting for the Sibyl, which was made for the Teatro dell'Opera di Roma and first performed there in September 2019. Music for the opera was composed by Nhlanhla Mahlangu and Kyle Shepherd. The images and phrases were projected on different size screens in the opera, sometimes in sync with the sung text, sometimes independent of any sung text. In the opera production, the right-hand page generally had text, and the left-hand page had a mixture of drawings and the shadow of a dancer on stage cast onto the projection surface. In this book there are more and different drawings than are used in the opera. This book is compiled and published in the time of the covid-19 pandemic, a time in which it is not possible to perform the opera live. The project is undertaken in anticipation of the time when the opera can be seen in its full form again.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ciframe src=\"https:\/\/player.vimeo.com\/video\/357556673\" width=\"640\" height=\"360\" frameborder=\"0\" allow=\"autoplay; fullscreen\" allowfullscreen=\"\"\u003e\u003c\/iframe\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003ca href=\"https:\/\/vimeo.com\/357556673\"\u003eWilliam Kentridge - Waiting for the Sibyl - Johannesburg Workshop 2019\u003c\/a\u003e from \u003ca href=\"https:\/\/vimeo.com\/quaternaireparis\"\u003eQuaternaire Paris\u003c\/a\u003e on \u003ca href=\"https:\/\/vimeo.com\"\u003eVimeo\u003c\/a\u003e.\u003c\/p\u003e","brand":"WALTHER KÖNIG","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":33038569766992,"sku":"9783960988656","price":9680.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2010151403.jpg?v=1605743535"},{"product_id":"why-should-i-hesitate-by-william-kentridge-special-edition","title":"WHY SHOULD I HESITATE by William Kentridge [SPECIAL EDITION]","description":"\u003cp\u003e南アフリカ人アーティスト、ウィリアム・ケントリッジ（William Kentridge）の作品集。2019年にツアイツ・アフリカ現代美術館とノーバル財団で開催された同名展覧会の開催に伴い刊行された。作者は、ドローイング、アニメーション、映画、彫刻、パフォーマンス、音楽、演劇、オペラに分野横断的なプロジェクトなど、幅広い創作活動を行っている。本作は、オペラの小道具から機械、記念碑的なブロンズ像まで、作者の彫刻作品を集めた初めての作品集である。「\u003cem\u003ePutting Drawings to Work\u003c\/em\u003e」では、40年以上のキャリアの中で生み出された作品のありとあらゆる側面に触れることができる。2冊合わせて700ページを超える本書は、作者の本の中でも最も大規模かつ包括的な作品集である。青色系顔料である「ラピスラズリ」をベースにしたシルクスクリーンプリントが付属。作者の個人書庫から見つけた本のページを用い、全18種類のテキストが100部ずつ刷られている。（シルクスクリーンプリントの絵柄は掲載画像と異なる場合がございます。絵柄は選べません。）\u003cbr\u003e\n\u003c\/p\u003e\u003cp data-mce-fragment=\"1\" class=\"p1\"\u003e\u003cbr\u003eThe work of the South African artist William Kentridge includes drawing, animation, film, sculpture, performance, music, theatre, opera and interdisciplinary projects. \"\u003cem\u003eWhy Should I Hesitate: Sculpture\u003c\/em\u003e\" deals for the first time with sculptures, from opera props via machines to monumental bronzes; \"\u003cem\u003ePutting Drawings to Work\u003c\/em\u003e\" deals with all of the facets in over 40 years of work. Together, with over 700 pages, the two publications are the largest and most comprehensive presentation of Kentridge's work. the two-volume retrospective catalogues not only present brilliant imagery and text, and are printed on beautiful paper, but included in the set is an editioned silkscreen print, made using lapis lazuli-based pigment, featuring text overlaid onto unique found book pages from William Kentridge’s personal library. (The silkscreen print is randomly selected)\u003cbr\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\" class=\"s1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"WALTHER KÖNIG","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":33038571569232,"sku":"9783960987147","price":44000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2010151421.jpg?v=1605740087"},{"product_id":"michael-armitage-paradise-edict-munchen-haus-der-kunst","title":"PARADISE EDICT by Michael Armitage","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eケニア人アーティスト、マイケル・アーミテージ（Michael Armitage）の作品集。本作は、20世紀の東アフリカの絵画において重要なシリーズとなる作品を収録。作者のテーマは、人間と動物の関係、故郷ケニアでの政治的な出来事から、東アフリカの自然に対する価値観に反したヨーロッパの伝統風景に至るまで多岐にわたる。ルブゴ（樹皮布）に描かれた大判の油彩画は、ヨーロッパと東アフリカのモチーフや芸術的伝統を様々な方法で結びつけ、視覚的な固定観念を覆し、その過程において偶発的なパワーバランスを生み出す。2020年から2021年にかけてドイツの現代美術館「ハウス・デア・クンスト」で開催された展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\"\u003cem\u003eParadise Edict\u003c\/em\u003e\" highlights pivotal series by the painter Michael Armitage and positions his body of work within East African painting and sculpture of the 20th century. His wide array of subject matter ranges from the relationship between humans and animals, and political events in his native Kenya, to European landscape traditions in opposition to an East African understanding of nature. With large-format oil paintings on lubugo bark cloth, the British-Kenyan painter joins motifs and artistic traditions from Europe and East Africa in a variety of ways, upsetting visual stereotypes and an excepted balance of power in the process.\u003cbr\u003e\u003cspan class=\"s1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"WALTHER KÖNIG","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":33200246489168,"sku":"9783960988533","price":5500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2104160157.jpg?v=1620117921"},{"product_id":"mastry-by-kerry-james-marshall","title":"MASTRY by Kerry James Marshall","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eアフリカ系アメリカ人アーティスト、ケリー・ジェームズ・マーシャル（Kerry James Marshall）の作品集。本書は、アメリカを代表する偉大な画家の一人である作者の大回顧展開催に伴い刊行され、その主要な作品がまとめられている。公民権法が成立する前の1965年にアラバマ州バーミンガムで生まれ、ワッツ暴動の目撃者でもある作者は、アフリカ系アメリカ人としての体験を想像力豊かに記録し続けた。大規模なインテリア、風景画、黒人の力強い人物像を描いた肖像画で知られる作者は、奴隷船から現在に至るまでのアフリカ系アメリカ人の歴史の物語を探求し、ルネッサンスから20世紀の抽象画、コミックブックや壁画家の伝統など、美術史に関する深い知識を駆使し表現している。豊かな色彩と筆致、緻密なパターンで黒人の中産階級の生活をダイレクトに描いた風景は様々な感情を呼び起こし、アメリカ史におけるアフリカ系アメリカ人の社会的立場を描く力強い絵画を生み出している。本書には様々なキュレーターや作家らのエッセイを豊富に収録。歴史画、ヌード、ポートレート、自画像として表現された美、風景、宗教、黒人ナショナリズムの政治など、作者のキャリアを通じて描かれた100点以上の絵画がテーマ別に掲載されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe definitive monograph on contemporary African American painter Kerry James Marshall, accompanying a major traveling retrospective. This long-awaited volume celebrates the work of Kerry James Marshall, one of America’s greatest living painters. Born before the passage of the Civil Rights Act, in Birmingham, Alabama, and witness to the Watts riots in 1965, Marshall has long been an inspired and imaginative chronicler of the African American experience. Best known for large-scale interiors, landscapes, and portraits featuring powerful black figures, Marshall explores narratives of African American history from slave ships to the present and draws upon his deep knowledge of art history from the Renaissance to twentieth-century abstraction, as well as other sources such as the comic book and the muralist tradition. With luscious color and brushstrokes and highly detailed patterning, his direct and intimate scenes of black middle-class life conjure a wide range of emotions, resulting in powerful paintings that confront the position of African Americans throughout American history. Richly illustrated, this monumental book features essays by noted curators as well as the artist, and more than 100 paintings from throughout the artist’s career arranged thematically by subject: history painting; beauty, as expressed through the nude, portraiture, and self-portraiture; landscape; religion; and the politics of black nationalism.\u003c\/p\u003e","brand":"RIZZOLI ELECTA","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":33209681543248,"sku":"9780847848331","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2103170516.jpg?v=1616752354"},{"product_id":"the-notebooks-by-jean-michel-basquiat","title":"THE NOTEBOOKS by Jean-Michel Basquiat","description":"\u003cp\u003e1980年代の最も重要なアメリカ人アーティストの一人として知られる、ジャン＝ミシェル・バスキア（Jean-Michel Basquiat）の作品集。1970年代後半にニューヨーク市マンハッタン区のロウアー・イースト・サイド（Lower East Side）で活動していたグラフィティグループ「SAMO」のメンバーとして、また新表現主義のスタイルで知られる画家として、ニューヨークのアートシーンを牽引し、そのキャリアを通じて言葉とイメージの相互作用を独創的に追求してきた。1980年から1987年にかけて作者は、多くのノートにドローイングや手書きのテキストを書き込んでいた。本書では、その貴重な8冊のノートの内容が初めて再現されている。ペインティングやその他の作品に繰り返し登場するイメージや言葉が記載されており、王冠、ティピー、ハッチマークのついたハートなどの象徴的なドローイングと、文化、人種、階級、ニューヨークでの生活などをテーマにした手書きのテキストを収録。自身の他の作品と同じく、コミック、ストリート、ポップアート、ヒップホップ、政治、都市生活における儚いものへの深い関心を鮮明に示している。また現代アメリカのアート界で最もクリエイティブな存在の一人である作者の制作過程を垣間見ることができる。本作は「artnet」で企画された、2015年の「Top Ten Art Books to Read during Thanksgiving」のうちの1冊として選ばれている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eBrooklyn-born Jean-Michel Basquiat (1960-88) was one of the most important artists of the 1980s. A key figure in the New York art scene, he inventively explored the interplay between words and images throughout his career, first as a member of SAMO, a graffiti group active on the Lower East Side in the late 1970s, and then as a painter acclaimed for his unmistakable Neoexpressionist style. From 1980 to 1987, he filled numerous working notebooks with drawings and handwritten texts. This facsimile edition reproduces the pages of eight of these fascinating and rarely seen notebooks for the first time. The notebooks are filled with images and words that recur in Basquiat’s paintings and other works. Iconic drawings and pictograms of crowns, teepees, and hatch-marked hearts share space with handwritten texts, including notes, observations, and poems that often touch on culture, race, class, and life in New York. Like his other work, the notebooks vividly demonstrate Basquiat’s deep interests in comic, street, and pop art, hip-hop, politics, and the ephemera of urban life. They also provide an intimate look at the working process of one of the most creative forces in contemporary American art.\u003c\/p\u003e","brand":"PRINCETON UNIVERSITY PRESS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39337457549392,"sku":"9780691167893","price":4840.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2104160124.jpg?v=1619510079"},{"product_id":"a-black-hole-is-everything-a-star-longs-to-be-by-kara-walker","title":"A BLACK HOLE IS EVERYTHING A STAR LONGS TO BE by Kara Walker","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp class=\"p1\"\u003e高い評価と影響力を誇るアメリカ人アーティスト、カラ・ウォーカー（Kara Walker）の作品集。作者のドローイングを堪能できる貴重な1冊に仕上がっている。1993年から2020年の間に紙に描かれた600点以上の作品を収録。その大部分が作者によって守り抜かれてきた私的なアーカイブに含まれていたものであり、本として出版されるのは今回が初めてである。近年巨大彫刻のインスタレーションで名を馳せた作者だが、今なおその創作活動の基盤になっているのは自然に湧き出てくる生々しい感情を紙にぶつけたドローイングである。本書は、作者の世界観、影響を受けたものやテーマを深く理解するためのまたとない機会を提供している。 作者は紙にブラシで描くことが多いが、これによって自由に流れる開放的な動きが生まれている。小さなスケッチ、習作、コラージュ、丹念に仕上げられた大作と、日記的なメモ、インデックスカードにライプライターで書かれた省察、夢日記などが隣り合って配置されている。それぞれのページに漂う親密さは、作品の驚くべき多様性と鮮やかな対比をなしている。本書のページをめくり、作者が自分の思考を紙上で展開し、人物や物語を描き換え、作り出し、変化させていく様を観察しているうちに、作者の芸術の根源にあるものが見えてくる。アーティスト、アフリカ系アメリカ人、女性、母親という自分自身のアイデンディディを細やかに分析しながら、作者はその個人的な重要性と今起きている出来事を背景とした社会的な意味の両方を探る。社会的な意味の問いかけは、バラク・オバマ氏の大統領時代と今も続く影響を反映したセンセーショナルな新作ポートレイトに特に強く見られる。 デザインはジュネーブのギャヴィエ＆シ（Gavillet \u0026amp; Cie）が手がける。600点以上のイメージに加え、バーゼル美術館の版画・ドローイング部門の責任者アニタ・ハルデマン（Anita Haldemann）、展覧会キュレーターであり文化史家のモーリス・バーガー（Maurice Berger）、批評家・アーティストのアリア・ディーン（Aria Dean）らによるエッセイも収録。 本書はバーゼル美術館（2021年）、シルン美術館（2022年）、ティルブルフのデ・ポント現代美術館（2022年）で開催される巡回展に伴い、バーゼル美術館と共同出版された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe drawing practice of Kara Walker: a unique opportunity to encompass the celebrated and impacting universe of Kara Walker, this publication gathers together 700+ works on paper realized by the artist between 1993 and 2020—most of them being reproduced for the first time, as they come out from her until now zealously-guarded private archive.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eRenowned for her recent monumental installations, drawing on paper remains the foundation of Walker's creative practice, offering an air of spontaneity and unfiltered emotion which make this volume an unprecedented insight into Walker's world, influences, and topics. Many of her works on paper are executed with a brush, which lends them a flowing and open dynamic. Small sketches, studies, collages, and meticulously finished large-format works appear side by side with diaristic notes, typewritten reflections on index cards, and dream journals. The intimacy of each individual page contrasts with the stunning range of works. Flipping through this publication, the reader effectively becomes an eyewitness to the genesis of Walker's art, observing her as she enacts her thinking on the paper and adapts, invents, and transforms figures and narratives. Scrutinizing her own identity—as an artist, an African-American, a woman, and a mother—Walker probes both its personal dimension and its social implications in the context of current events. The latter aspect is prominent in four new sensational portraits that reflect on Barack Obama's presidency and lasting influence. Designed by Gavillet \u0026amp; Cie, Geneva, the book features more than 600 reproductions as well as three essays by Anita Haldemann, Head of the Kunstmuseum Basel Prints and Drawings Department and show curator, cultural historian Maurice Berger, and critic and artist Aria Dean.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"JRP|EDITIONS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39347969097808,"sku":"9783037645574","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2103170614.jpg?v=1618466540"},{"product_id":"negro-sunshine-by-glenn-ligon","title":"黒人の太陽 \/ NEGRO SUNSHINE by Glenn Ligon","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eアメリカ人アーティスト、グレン・ライゴン（Glenn Ligon）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eグレン・ライゴンは1960年、ニューヨーク・ブロンクス生まれ。ペインティング、ネオン、シルクスクリーン、写真、インスタレーション、ビデオといった、多岐にわたるメディウムを用いて制作している。なかでも、代表作として最も知られている作品は、1980年代後半から制作され始めた、テキストを用いた抽象画のシリーズ。ステンシルを用い、黒のオイルスティックで文字が繰り返し描かれたそれらの作品は、過剰なまでの厚塗りで画面が隆起し、何層ものレイヤーが重なることでカンヴァス上の文字はほぼ判読不能な状態となっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e人種やセクシュアリティ、アイデンティティを問う面がしばしば強調されがちなライゴンの作品だが、一方で、従来のモダニズム絵画やコンセプチュアル・アートの潮流に基礎をおきつつ、批評性をもって制作されている。また、アメリカ文学から絵本、そして奴隷体験記に至るまで、幅広いソースから引用されたテキストやイメージを用い、アメリカの歴史や文化に対する鋭い考察をもたらしてもいる。ライゴンの作品はこれまで、ホイットニー・ビエンナーレ（1991、1993）、ヴェネチア・ビエンナーレ（1997）、ドクメンタ11（2002年）で展示され、2011年には回顧展「\u003cem\u003eGlenn Ligon: America\u003c\/em\u003e」がホイットニー美術館で開催され、その後、各地へ巡回するなど、個展も数多く開催されている。また近年では、オバマ大統領のセレクトにより、ホワイトハウスへの貸出が決まるなど、華々しく活躍している作家である。本作品集はライゴンが2013年にラットホールギャラリーで展覧会を開催した事きっかけに手がけられた一冊。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan style=\"color: rgb(43, 0, 255);\"\u003e\u003cstrong\u003e※本書はデッドストック書籍のため、経年劣化による変色やダメージがございます。あらかじめご了承ください。\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan class=\"s1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"RAT HOLE GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39353344327760,"sku":"","price":16500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2011251925.jpg?v=1626844907"},{"product_id":"street-portraits-by-dawoud-bey","title":"STREET PORTRAITS by Dawoud Bey [SIGNED]","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eアメリカ人フォトグラファー、ダウード・ベイ（Dawoud Bey）の作品集。作者は、\u003c\/span\u003e1988年から1991年にかけてアメリカの様々な都市でアフリカ系アメリカ人のポートレイトを撮り続けた。大判カメラを三脚に据え、インスタント写真と再利用できるネガを同時に作り出す独自のポジ／ネガポラロイドフィルムを使用。アフリカ系アメリカ人コミュニティの縮図ともいえる多くの人々にポーズを撮るように頼み、都市環境の一部であるストリートで自己表現とパフォーマンスの場を作り出した。ポートレイトを制作することを許してくれた人々にへの恩返しとして、作者は出会った全ての被写体にその人を写したモノクロの小さなポラロイド写真を進呈した。人種にまつわる固定観念に挑んだポートレイトには、カメラ、鑑賞者、そして世界に向かって自分たちの内面を惜しげもなくさらけ出してくれた被写体である黒人たちの、複雑で豊かな精神が露わになっている。アメリカ人ライターでありミュージシャンのグレッグ・テート（Greg Tate）によるエッセイを収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eこのポートレイトは『黒人の眼差し』の持つ力の証明である。つまり黒人は、相手と正面から対峙し、決して視線をそらさないことによって、独前的な、あるいは思慮分別に欠いた無遠慮な決めつけに対抗することができることを示している。たとえ相手が目から炎の光線を出すスーパーマンのように（そしてあたかも自分の方が上であるとでもいうように）自分と同じくらい力強く、敵意のこもった眼差しで見つめ返してきたとしても\u003c\/em\u003e」―グレッグ・テート（本作エッセイより）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eその距離感から対象への敬意が伝わってくるベイの作品は、会釈されて会釈を返すような優雅で親しげなジェスチャーではないでしょうか。そして彼の被写体はこのことをすぐに理解できるのです\u003c\/em\u003e」―The New Yorker 誌\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e「\u003cem\u003e日常風景の中で黒人を撮るという一見シンプルな行為を通じて、ベイは黒人であることが格好いいとされた、それどころか受け入れられるようになったずっと前に、美術という分脈にこの概念をもたらしていた\u003c\/em\u003e」―The New York Times 紙\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e「\u003cem\u003eダウード・ベイは、これまで無視され、あるいは不正確に伝えられてきたコミュニティ―の協力の下に製作したポートレイトを通じて、社会的・政治的表現手段としての写真の可能性を批判的に再考した\u003c\/em\u003e」―Artforum\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eFrom 1988 to 1991 Dawoud Bey made a series of portraits of African Americans in the streets of various American cities. Using a large format tripod mounted camera and a unique positive\/negative Polaroid film that created both an instant print and a reusable negative, he asked a cross section of the populations of these communities to pose for him, creating a space of self presentation and performance in the streets of the urban environment. As part of every encounter, Bey gave each person a small black-and-white Polaroid print for themselves as a way of reciprocating and returning something to the people who had allowed him to make their portrait. Defying racial stereotypes, the resulting portraits reveal the Black subjects in all of their psychologically rich complexity, presenting themselves openly and intimately to the camera, the viewer, and the world. Includes an essay by Greg Tate.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eThese portraits attest to the power of ‘the Black gaze’ – how Blackfolk’s eye-to-eye looking-back game can meet any righteous or even reckless eyeballing judgment the world might bring with an equal and opposing optical Super-Kryptonian heat-visioned (and haute-visioned) force\u003c\/em\u003e“ – Greg Tate, in Street Portraits\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e“\u003cem\u003eIn the seemingly simple gesture of photographing Black subjects in everyday life, [Bey] helped to introduce Blackness in the context of fine art long before it was trendy, or even accepted\u003c\/em\u003e.” – The New York Times\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e“\u003cem\u003eDawoud Bey’s Street Portraits are a radical recentering of the Black community\u003c\/em\u003e” – Document Journal\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39367916912720,"sku":"9781913620103","price":9900.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/street00_af2f381e-06da-4df6-b3ae-bb850f46cfdd.jpg?v=1620613635"},{"product_id":"figure-by-glenn-ligon","title":"FIGURE by Glenn Ligon","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、グレン・ライゴン（Glenn Ligon）の作品集。2001年にシルクスクリーンプリントで制作された9x6インチサイズのセルフポートレイトシリーズ。作者自身の頭部が前から後ろから、さまざまな色や濃さで描かれ、そのアイデンティティを見せたり隠したりして表現されている。本書は2008年10月から12月にパリの「Yvon Lambert Gallery」で開催された展覧会「\u003cem\u003eGlenn Ligon : Figure \/ Paysage \/ Marine\u003c\/em\u003e」に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA series of 50 unique silkscreens: each figure is a selfportrait of the artist. His head is represented from the front or from the back, showing and hiding the artist identity.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003ePublished on the occasion of the exhibition \u003cem\u003eGlenn Ligon : Figure \/ Paysage \/ Marine\u003c\/em\u003e, October 21 – December 6, 2008, Yvon Lambert Gallery, Paris.\u003cspan style=\"color: #2b00ff;\"\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"YVON LAMBERT","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39471480569936,"sku":"9782913893146","price":6600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2106180182.jpg?v=1625808493"},{"product_id":"embodying-anew-by-magdalene-odundo-simone-leigh-thaddeus-mosley","title":"EMBODYING ANEW by Magdalene Odundo, Simone Leigh, Thaddeus Mosley","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eケニヤ生まれのイギリス人陶芸家のマグダレン・オドゥンド（Magdalene Odundo）、アメリカ人アーティストのシモーネ・リー（Simone Leigh）、アメリカ人彫刻家のタデウス・モズレー（Thaddeus Mosley）による作品集。3作家は世界的に幅広く創作活動を行なっており、「即興、シンコペーション、研究、配慮、注意、記憶といった広い意味でのジャズを感じさせるような共同作業」の中で、視覚的な「伝統」を並べて生まれる美しさを3者の作品で融合させている。展覧会をアーカイブ化した小さな印刷物として制作された本書は、展示の精神を捉え、歴史における作品の立ち位置を示す展覧会という一時性をさらに超えていく仕上がりになっている。DL規格の茶色いマニラ封筒を開くと、シルクスクリーンで鮮やかに色付けられたシートが現れ、そこにはさらに箔押し印刷が施された白いリネン封筒が納められいる。封筒の中には、シモーネ・リーの胸像、タデウス・モズレーの彫刻、マグダレン・オドゥンドの器がそれぞれオフセット印刷されたカード、展示の様子を写した写真プリント（裏にはスタンプが押されている）、美術批評家でありキュレーターのローレン・デランド（Lauren DeLand）によるエッセイが記された小冊子が入る。本作は、ロンドンのギャラリー「Maximillian William」において3作家が展覧した「\u003cem\u003eEmbodying Anew\u003c\/em\u003e」の開催に伴い刊行された一作であり、InOtherWordsと同ギャラリーとのコラボレーション第二弾。（第一弾はココ・キャピタン（Coco Capitán）による『\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/products\/naivy-by-coco-capitan\"\u003e\u003cem\u003eNAÏVY\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e』）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eEmbodying Anew\u003c\/em\u003e a is show including works by Magdalene Odundo, Simone Leigh and Thaddeus Mosley, three artists who engage extensively with international creative practices to synthesise the aesthetics of a vast array of visual traditions within their work “collectively, this feels like the wildest kind of jazz: it is improvisation, syncopation, scholarship, care, attention, memory”. \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eConceptualised and designed as an archived ephemera the limited edition publication captures the spirit of the show and transcends its temporality marking its position in history. Comprised of a manilla DL envelope containing a silkscreened colour sheet wrapping a die-stamped linen envelope. Inside a series of offset reproductions featuring a bust by Simone Leigh, a sculpture by Thaddeus Mosley and three vessels by Magdalene Odundo with a hand-stamped colour photographic print of the installation and a booklet with an essay by Lauren DeLand. \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eEmbodying Anew is the second in a series published in collaboration with Maximillian William, London.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"IN OTHER WORDS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39517354000464,"sku":"9781916002494","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/EmbodyingAnew_01.jpg?v=1629712497"},{"product_id":"untitled-america-debris-field-synecdoche-notes-for-a-poem-on-the-third-world-by-glenn-ligon","title":"UNTITLED (AMERICA) \/ DEBRIS FIELD \/ SYNECDOCHE\/NOTES FOR A POEM ON THE THIRD WORLD by Glenn Ligon","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、グレン・ライゴン（Glenn Ligon）の作品集。抽象化された文字の組み合わせで構成された作品と、ネオン管を用いた作品をまとめた1冊。同時代の中でも傑出した影響力を誇るアーティストとして名高い作者は、そのキャリアを通じて、テキストを基にした絵画、彫刻、映像によってアメリカの歴史と社会を批判的に探求し続けた。本シリーズでは、これまで行ってきた歴史、言語、文化的アイデンティティに関する問いかけを継続しつつ、これまでのプロセスを発展させて表現する。展覧会でのインスタレーションの様子や過去の名作の他、キュレーターのヘレン・モールズワース（Helen Molesworth）のエッセイ、ロビン・コステ・ルイス（Robin Coste Lewis）の詩、2019年2月に行われた「Regan Project」での作者とハムザ・ウォーカー（Hamza Walker）との対談を収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAbstracted letter permutations and new neon works from American conceptualist Glenn Ligon. New York-based Glenn Ligon (born 1960) is one of the most prominent and influential artists working today, in addition to being a writer and a curator. Over the course of his career, he has become known for his critical explorations of American history and society through text-based paintings, sculptures and films.This new series continues his ongoing interrogation into history, language and cultural identity by way of previous processes expanded by the artist. Featuring exhibition installation images as well as historical works, this publication includes an essay by Helen Molesworth, poems by Robin Coste Lewis and a conversation between Ligon and Hamza Walker that took place at Regen Projects in February 2019.\u003cspan style=\"color: #2b00ff;\" data-mce-style=\"color: #2b00ff;\"\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"REGAN PROJECTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39518134468688,"sku":"9783791300009","price":6270.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2107143159.jpg?v=1629800036"},{"product_id":"a-people-on-the-cover-by-glenn-ligon","title":"A PEOPLE ON THE COVER by Glenn Ligon","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、グレン・ライゴン（Glenn Ligon）の作品集。本プロジェクトで作者は、タイポグラフィー、写真、グラフィックの意図的な使い方を強調しつつ、アメリカでは書籍の表紙において黒人がどのように表現されてきたかを辿っている。ポップカルチャーのイメージやテキストを援用した作品で知られる作者は、あまり知られていない著者からジェームズ・ボールドウィン（James Baldwin）、ノーマン・メイラー（Norman Mailer,）、トニ・モリスン（Toni Morrison）などの大家によるものまで、様々な著書から50点以上の表紙を選び、豊かで複雑な歴史と表現を探求した。テーマによって分類された表紙は21世紀全体を網羅し、過去と現在との関連性や人種、美、身体の社会的・視覚的構成の間のつながりを明らかにしている。序文で作者は、30年間に渡るキャリアを通じて自分自身の人生と作品の基礎となっている読書が果たしてきた役割を詳しく説明している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn this artist project, Glenn Ligon traces the representation of black people in the United States on book covers, highlighting the deliberate use of typography, photography and graphics. Best known for appropriating imagery and text from popular culture, Ligon has selected over 50 book covers – by both lesser-known and seminal authors such as James Baldwin, Norman Mailer, Toni Morrison – to explore a rich and complex set of histories and representations. Spanning the twentieth century and grouped thematically, the covers reveal correspondences between the past and the present, as well as links between the social and visual constructs of race, beauty and the body. To introduce the book, a text by Ligon recounts the foundational role of reading to his life and work throughout his 30-year career.\u003cspan style=\"color: #2b00ff;\" data-mce-style=\"color: #2b00ff;\"\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"RIDINGHOUSE","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39518728454224,"sku":"9781909932067","price":3850.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2107143144.jpg?v=1629875932"},{"product_id":"more-dimensions-than-you-know-jack-whitten-1979-1989-by-jack-whitten","title":"MORE DIMENSIONS THAN YOU KNOW: JACK WHITTEN, 1979–1989 by Jack Whitten","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人アーティスト、ジャック・ウィッテン（Jack Whitten）の作品集。1979年から1989年にかけて制作された約25点近くの絵画を一度に見ることができる一冊。作品群を見ると、表現手段としての絵画の技術的および美的な限界を押し広げようとしてきたことがよく分かる。また出版にあたり、全作品が改めて撮影されている。豊富なイメージに加え、同展覧会のキュレーターでテキサス大学オースティン校で美術学部エフィー・マリー・カイン（Effie Marie Cain Regents Chair）理事長を務めるリチャード・シフ（Richard Shiff）のエッセイや、この時期の作者のスタジオノートからの抜粋、絵画の没入的なディテールのイメージを多数収録。思わず引き込まれる文章で、シフは作者が拡張してきたジェスチャーによる抽象絵画とプロセスアート、当時の社会的、人種的、美術史的力関係の中で常に自分の立場をはっきりさせようとした姿勢、精神性や形而上学の探究など、作品の多様な側面を詳しく説明し、簡単には言い表せないウィッテンの作品の魅力や戦後アメリカの絵画の物語への計り知れない貢献について語っている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eロンドンの「Hauser \u0026amp; Wirth」で開催された作者の初めての展覧会「\u003cem\u003eMore Dimensions Than You Know\u003c\/em\u003e」に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePublished on the occasion of Hauser \u0026amp; Wirth’s first exhibition of Jack Whitten’s work in London, ‘\u003cem\u003eMore Dimensions Than You Know\u003c\/em\u003e’ takes as its focal point nearly 25 paintings created in the years from 1979 to 1989, highlighting Whitten’s propensity for pushing the technical and aesthetic boundaries of painting as a medium. All of the works have been newly photographed for this publication. This richly illustrated catalogue includes an essay by Richard Shiff, curator of the exhibition and Effie Marie Cain Regents Chair in Art at The University of Texas at Austin, alongside facsimiles of Whitten’s studio notes from the period, and numerous immersive details of the paintings. Parsing various aspects of Whitten’s practice—the facets of gestural abstraction and process art that the artist expanded upon; his ceaseless attempts to orient himself within the social, racial and art historical politics of the day; and his inquiries into spirituality and metaphysics—Shiff’s engaging essay speaks to the irreducible aspects of Whitten’s work, establishing his invaluable contributions to the narrative of postwar American painting.\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39519405310032,"sku":"9783906915067","price":7150.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2107143240.jpg?v=1629960902"},{"product_id":"notes-from-the-woodshed-by-jack-whitten","title":"NOTES FROM THE WOODSHED by Jack Whitten","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人アーティスト、ジャック・ウィッテン（Jack Whitten）の作品集。絵画に対する実験的なアプローチで名高い作者は、自らの制作行為と作品を研究・理解し、それらに向き合うための手段としてしばしばペンを執ってきた。作者の文章に捧げられた最初の作品集である本書は、多くの文章の表題として使った「\u003cem\u003eNOTES FROM THE WOODSHED\u003c\/em\u003e」をタイトルに冠している。キュレーターで作家のレガシー・ラッセル（Legacy Russell）は、2021年に行った文化理論家、詩人、学者のフレッド・モーテン（Fred Moten）との対談で、この「\u003cem\u003ewoodshed\u003c\/em\u003e」（薪小屋）はジャズの世界から来た言葉だと説明した。「薪小屋に行く」というフレーズは「一人で練習する」という意味である。さらに、プライベート空間では様々な実験ができると同時に本当に厳密な仕事ができる、つまり特定の視線にさらされずに研鑽を積み、公に発表する前に過激な表現を吟味できるということも示唆されている。詳細な日々の記録から、練り上げられた長いエッセイ、出版された声明、公の場でのトークまで、様々なタイプの文章は、作者の50年のキャリアを振り返り、アクションペインティングとプロセスアートのリズムの橋渡しをした作品にコンセプチュアルな深みを与えている。これらの文章を一堂に会した本書は、機械的な自動化と強烈に個人的な表現の間を揺れ動き、独自のニュアンスを持つ絵画の言語を浮き彫りにしている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e「\u003cem\u003eこれらのメモを見ると、ウィッテンが私たちのために指数関数的・次元分裂的・根茎的な驚くべきやり方で自分の進む方向性を指し示していることがよくわかります。黒人であるということと、そのために課された制約に対する彼自身の、あるいはこの世界の定義を通じて、またそれらを超越して、美術史におけるある種の“偉大さ”に彼は向かい、こうした定義を全て打ち壊してしまうことでしょう\u003c\/em\u003e」\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e—ジャック・ウィッテンをテーマにしたフレッド・モーテンとの対談（2021年1月）でのレガシー・ラッセルの言葉\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eWidely celebrated for his experimental approach to painting, Jack Whitten often turned to writing as a way to investigate, understand, and grapple with his practice and his milieu. ‘\u003cem\u003eNotes from the Woodshed\u003c\/em\u003e’ is the first publication devoted to Whitten’s writings and takes its name from the heading Whitten scrawled across many of his texts. As curator and writer Legacy Russell explains in a January 2021 conversation on Whitten with cultural theorist, poet, and scholar Fred Moten, ‘The definition of ‘woodshed’ comes from the world of jazz. To go to the woodshed or to woodshed means to practice in private, which gives room for different types of experimentation, but also suggests a space where real and rigorous work can be possible, where rehearsal and radical vision away from a particular type of gaze has been vetted before it enters into a public realm.’\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eWorking across various forms—from meticulous daily logs and developed longer essays to published statements and public talks—Whitten’s reflections span the course of his five-decade career and give conceptual depth to an oeuvre that bridged rhythms of gestural abstraction and process art. Together these writings shed light on Whitten’s singularly nuanced language of painting, which hovers between mechanical automation and intensely personal expression.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e‘\u003cem\u003eIt was this amazing thing to see these notes where you know he really is kind of mapping out for us in this incredible exponential, fractal, rhizomatic way, his road towards some of that—reaching towards a certain art historical greatness—through and beyond his definitions, or the world’s definitions, of Blackness and what limitations there are, and he just would break that all open.\u003c\/em\u003e’\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e—Legacy Russell in conversation with Fred Moten on Jack Whitten, January 2021\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39519418777680,"sku":"9783906915173","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2107143130.jpg?v=1629961746"},{"product_id":"i-can-t-stand-to-see-you-cry-by-rahim-fortune","title":"I CAN’T STAND TO SEE YOU CRY by Rahim Fortune","description":"\u003cp\u003eアメリカ人フォトグラファー、ラヒム・フォーチュン（ Rahim Fortune）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e病気を診断されてから1年が過ぎ、父は夜になるとますます頻繁に電話をかけてくるようになりました。姉と末っ子の私は彼の身体がダメになるまで、数えきれない時間を病室で父のお世話をして過ごしました。夜に病室を後にする時、父の病状がどんどん悪化していることを何度となく痛感しましたが、それについては口に出さないようにしていました\u003c\/em\u003e」\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eテキサス州とその周辺、およびその複雑な風景の中で暮らす人々を見つめた一作。作者は、次々と降りかかる健康や環境の問題に振り回されながらも人間らしさを保とうと努力する家族や友人、見知らぬ人々の関係性を分析した。また、風景に根差したアプローチを通じて、公的な生活と私生活の間に発生する摩擦や、語られることのない日々の暮らしの中の緊張状態について自分自身の体験と照らし合わせて考察している。写真に対する自伝的なアプローチを通じて、作者は過去と未来を見据えながら、パンデミック、不安に揺れ動く社会、国境を超えた引っ越し、写真家としてのキャリア、父親の死などに際して体験したことや自らのアイデンティティを理解しようとする。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/imaonline.jp\/articles\/interview\/20211115rahim-fortune\/\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\"\u003e記事：New Voice ニューヨークの若手写真家ファイル #08 ラヒム・フォーチュン（IMA ONLINE）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003e\u003cbr\u003e\"A year and change into father's diagnosis, his nightly calls began to become more frequent. My sister and I, his youngest children, spent countless hours in his room caring for him as his body gave up. Many nights we'd leave his room both knowing his condition was getting much worse, but we chose to say nothing of it.\"\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eI can't stand to see you cry is an exploration of Texas and the surrounding states, as well as the people who are fixed within its complex landscape. Fortune analyses relationships between family, friends and strangers, all caught in a flood of health and environmental issues while working to maintain grace. The artist uses his own personal experiences to explore the friction between public and private life, and the unspoken tensions in daily life through an approach rooted in the landscape. Moreover, Fortune’s biographical approach to photography attempts to unpack his own identity and experience in the midst of a pandemic, civil unrest, a cross-country move, a career, and the loss of a parent, thinking about both the future and past.\u003c\/p\u003e","brand":"LOOSE JOINTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39534768390224,"sku":"9781912719259","price":6600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/seeyoucry_01.jpg?v=1631275215"},{"product_id":"accra-london-a-retrospective-by-james-barnor","title":"ACCRA\/LONDON: A RETROSPECTIVE by James Barnor","description":"\u003cp\u003eイギリス系ガーナ人フォトグラファー、ジェームス・バーナー（James Barnor）の作品集。作者は60年に及ぶキャリアの中で2つの大陸に暮らし、スタジオでのポートレイト写真からフォトジャーナリズム、雑誌へのコミッション、幅広いテーマの社会批評まで様々なジャンルの作品を作り続けた。1950年代初期、ガーナの首都アクラにフォトスタジオ「Ever Young」をオープンし、会話とハイライフの音楽で満ちる生き生きとした雰囲気の中で独立に向かって突き進むガーナの姿を写真に収めていた。1959年にロンドンに渡ると、自分の写真をさらに進化させつつ、影響力を誇った南アフリカ共和国の雑誌「\u003cem\u003eDrum\u003c\/em\u003e」からの依頼を受け、この時代の精神とロンドンで急速に増えていたアフリカ系移民の体験を写し出す作品を撮り続けた。1970年代に入ると作者はガーナへ戻り、国内初のカラー写真のプリントラボをオープン。並行してポートレイト制作を続け、主に音楽シーンで活躍する。その後、1994年には再びロンドンへ拠点を戻している。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e建築家のデイヴィッド・アジャイ（Sir David Adjaye OBE）、クリスティン・バルテ（Christine Barthe）、デイヴィッド・ハート（David Hartt）、アーリン・イブレック（Erlin Ibreck）、アリシア・ノック（Alicia Knock）らによる書下ろしテキストに加え、作者とサーペンタイン・アーティスティック・ディレクターのハンス・ウルリッヒ・オブリスト（Hans Ulrich Obrist.）との対談も収録。\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本書は、イギリスのサーペンタイン・ギャラリー（Serpentine Gallery）で2021年5月から10月に開催された展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eバーナーが撮影した1960年代のイギリスに暮らすアフリカ系移民のポートレイトには、当時始まったばかりのブラックパワー運動の真っただ中に生きる人々の希望とレジリエンスだけでなく、彼らの素晴らしいファッションセンスまでもが捉えられている\u003c\/em\u003e」– VOGUE誌\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eA major retrospective survey of British-Ghanaian photographer James Barnor (b.1929), whose career spans six decades, two continents and numerous photographic genres through his work with studio portraiture, photojournalism, editorial commissions and wider social commentary.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThe photographer established his famous Ever Young studio in Accra in the early 1950s, capturing a nation on the cusp of independence in an ambiance animated by conversation and highlife music.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eIn 1959 Barnor arrived in London, furthering his studies and continuing assignments for influential South African magazine ‘Drum’ which reflected the spirit of the era and the experiences of the city’s burgeoning African diaspora.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eHe returned to Ghana in the early 1970s to establish the country’s first colour processing lab while continuing his work as a portrait photographer and embedding himself in the music scene. Then he returned to London in 1994.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eFeaturing a series of commissioned texts by Sir David Adjaye OBE, Christine Barthe, David Hartt, Erlin Ibreck and Alicia Knock. It also includes a new conversation between the artist and Serpentine Artistic Director, Hans Ulrich Obrist.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003ePublished on the occasion of the exhibition, ‘James Barnor: Accra\/London – A Retrospective’ at Serpentine Gallery, London (19 May – 22 October 2021).\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eHis portraits of the African diaspora in Britain in the ’60s capture both the hope and resilience of those within the nascent Black Power Movement, as well as their glorious eye for style…\u003c\/em\u003e” – VOGUE magazine\u003c\/p\u003e","brand":"WALTHER KÖNIG","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39551998459984,"sku":"9783960989752","price":5280.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2109173748.jpg?v=1634697949"},{"product_id":"the-hikers-by-rashid-johnson","title":"THE HIKERS by Rashid Johnson","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、ラシード・ジョンソン（Rashid Johnson）の作品集。アメリカ・コロラドのアスペン美術館、メキシコのルフィーノ・タマヨ博物館、アメリカ・NYの「Hauser \u0026amp; Wirth」とのコラボレーションによる一冊。開催された展覧会に伴い刊行された。陶製タイルのモザイク、コラージュ絵画、彫刻など、多彩な作品を集めた展覧会の目玉は、コロラド州の山で撮影された同タイトルの映像作品である。本作は、身体の動きと黒人であることを探求している。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e各会場での展示とアスペン美術館で行われたパフォーマンスの記録に加え、映像作品もスチル写真を通じて美しく再現されている作者と振付家のクラウディア・シュライアー（\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eClaudia Schreier,\u003c\/span\u003e）との対話、キュレーターのハイディ・ズッカーマン（\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eHeidi Zuckerman\u003c\/span\u003e）とマニュエラ・モスコーソ（\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eManuela Moscoso\u003c\/span\u003e）らによる深い洞察を示すエッセイを収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eラシード・ジョンソン「Plateaus」\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2022年4月27日（水） - 9月25日（日） ※休館日はルイ・ヴィトン表参道店に準じる。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：11:00-19:00\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：エスパス ルイ・ヴィトン東京\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.espacelouisvuittontokyo.com\/ja\/\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eA massive compendium on the multimedia art of Rashid Johnson, tackling themes of Black history, literature, philosophy and material culture\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eRashid Johnson (born 1977) is renowned for challenging the assumptions often present in collective notions of Blackness. Based in New York, Johnson is among an influential group of American artists whose work employs a wide range of materials and images to explore themes of art history, literature, philosophy, and personal and cultural identity. After beginning his career working primarily in photography, Johnson has expanded into a variety of mediums, including text work, sculptural objects, installation, painting, drawing, collage, film, performance and choreography. Drawing on a dizzying array of historical, cultural, literary and musical references, Johnson ultimately invites audiences to find connections to their own lives.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eRashid Johnson: The Hikers presents works from his highly acclaimed shows at the Aspen Art Museum, Museo Tamayo and Hauser \u0026amp; Wirth. This dynamic and unprecedented collection of his work features a conversation between Rashid Johnson and choreographer Claudia Schreier, as well as essays by curators Heidi Zuckerman and Manuela Moscoso.\u003c\/p\u003e","brand":"HAUSER \u0026 WIRTH","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39562684596304,"sku":"9780934324915","price":14300.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2109173712.jpg?v=1633593739"},{"product_id":"black-chapel-by-theaster-gates","title":"BLACK CHAPEL by Theaster Gates","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、シアスター・ゲイツ（Theaster Gates）の作品集。\u003cmeta charset=\"UTF-8\"\u003e\u003cspan\u003eミュンヘンの美術館「ハウス・デア・クンスト（Haus der Kunst）」で2019年10月から2020年8月に開催された展覧会に伴い刊行された。\u003c\/span\u003e黒人コミュニティを1つに結ぶ連帯意識に焦点を当て、その先駆的な芸術活動を通じて公共空間を交流と出会いの場に変える。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は、タイトル「Black Chapel」が提示する様々なテーマを議論する上で不可欠な幅広い知識を提供する1冊。本作品で作者は、卓越したアフリカ系アメリカ人陸上競技選手として知られるジェシー・オーウェンス（Jesse Owens）の人生を通じて、ドイツとアメリカの歴史という対立する2つの軸の間の社会的表現と社会参加に伴う問題を問いかけた。オーウェンスに関する記録が\u003cmeta charset=\"UTF-8\"\u003e\u003cspan\u003e豊富な図版と共に\u003c\/span\u003e出版されるのは今回が初めてとなる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e複数のパートで構成される本インスタレーション作品は、会場となった「ハウス・デア・クンスト」の巨大なミドルホールの建築に直接呼応する形で、政治的・精神的に深い意味を持つ複雑な物語を展開した。作者は2つの大きなパビリオンに様々な彫刻や写真、資料を収めたディスプレイケースをいくつも制作。この彫刻と写真の相互作用は、黒人の歴史、精神性、表現について問いを投げかけると同時に視覚的に書き換えている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cb data-stringify-type=\"bold\"\u003eEXHIBITION\u003c\/b\u003e\u003cspan\u003e:\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003ci data-stringify-type=\"italic\"\u003eシアスター・ゲイツ展：アフロ民藝\u003c\/i\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e会期：2024年4月24日（水）- 9月1日（日）\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e休館日：会期中無休\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e時間： 10:00 - 22:00\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e開催場所：森美術館（六本木ヒルズ森タワー53階）\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003ca rel=\"noopener noreferrer\" href=\"https:\/\/www.mori.art.museum\/jp\/exhibitions\/theastergates\/\" data-sk=\"tooltip_parent\" data-stringify-link=\"https:\/\/www.mori.art.museum\/jp\/exhibitions\/theastergates\/\" class=\"c-link c-link--focus-visible\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eFocusing on the solidarity found within the Black community, Theaster Gates's visionary interventions transform public spaces into places of interaction and encounter. This book brings a broad-based knowledge to the discussion of the themes addressed by Gates in Black Chapel-issues of social representation and participation between the conflicting poles of recent German and American history as seen in the life of the exceptional African American athlete Jesse Owens. The complete and fully illustrated record collection of Owens is made available for the first time in this publication.\u003cem\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"WALTHER KÖNIG","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39565808140368,"sku":"9783960988540","price":5500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/1190_01.jpg?v=1636444111"},{"product_id":"reggie-burrows-hodges-by-reggie-burrows-hodges","title":"REGGIE BURROWS HODGES by Reggie Burrows Hodges","description":"\u003cp\u003eアメリカのメイン州を拠点に活動するアーティスト、レジー・バローズ・ホッジス（Reggie Burrows Hodges）の作品集。作者は主にアクリルやパステルと、キャンバスや木、ラグペーパーを用い、大きな作品や視覚的な隠喩とストーリーテリングを中心とした作品などを制作し、アイデンティティや真実、監視、そしてしばしば幼少期の記憶といったテーマを探求してきた。その手法として、作者は黒い下地から描き、人物の周囲の環境を発展させることで、人物が周囲の環境から浮かび上がり、「私たちは皆、環境の産物である」という可能性を検証している。本書は2021年に開催された展覧会に伴い刊行された。2019年から2020年にかけて制作された作品のセレクション、アメリカ人作家で「The New Yorker」誌の評論家であるヒルトン・アルス（Hilton Als）によるエッセイ、Center for Maine Contemporary Artのエグゼクティヴプロデューサーであるシュゼット・マカボイ（Suzette McAvoy）によるインタビューも収録。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eThe debut monograph on the haunting, tenebrous figuration of the acclaimed Maine painter\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eMaine-based painter Reggie Burrows Hodges (born 1965) explores storytelling and visual metaphor, often drawing inspiration from his childhood in Compton, California. Starting from a black ground, Hodges develops the scene around his figures, who materialize in the recessive space with foggy, ethereal brushwork.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eHodges' figures are forms that are made sharper, and more haunting, not because we see those things in their eyes, but because we see it in their bodies, their postures, the endless desire for humans not to be alone, and to connect, Hilton Als writes. To that Hodges adds all that wonderful blackness.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThis fully illustrated catalog features a selection of works made between 2019 and 2020; a newly commissioned essay by Hilton Als; and an interview between the artist and Suzette McAvoy, Executive Director at the Center for Maine Contemporary Art.\u003c\/p\u003e","brand":"KARMA","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39569015898192,"sku":"9781949172560","price":6600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/1199_01.jpg?v=1636446458"},{"product_id":"a-magazine-curated-by-grace-wales-bonner","title":"A MAGAZINE CURATED BY GRACE WALES BONNER","description":"\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e『\u003cem\u003eA Magazine Curated By\u003c\/em\u003e』は、2014年、ロンドンを拠点に自身のファッションブランド、ウェールズ ボナー（Wales Bonner）を創設した、ジャマイカ系イギリス人デザイナーのグレース・ウェールズ・ボナー（Grace Wales Bonner）を第22号のゲストキュレーターとして迎える。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eデビュー時に披露した2015年秋冬コレクション「エボニックス（Ebonics）」から最新の2022年春夏コレクション「ヴォルタ ジャズ（Volta Jazz）」に至るまで、グレースは地上における「ブラックネス（黒人性）」の優位性やその神話を探求し、それらが持つ文化的な文脈を自身のデザインに織り込んできた。ウェールズ ボナーのコレクションやプレゼンテーションなどの表現方法は、多様なアイデンティティを包括し、その美の表現を捉えている。今やファッション業界の最先端に位置づけられる彼女の美学は、テーラリング技術とストリートでのカジュアルな装いやそれを纏う人々のジェスチャーを融合させることを試みている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eRhapsody In The Street\u003c\/em\u003e」と題された本号では、20世紀の黒人の詩や文学、ポートレイト写真の伝統に呼応して、アーカイブに収められている代表的な作品や歴史的な資料をデザイナーのグレース・ウェールズ・ボナー（Grace Wales Bonner）が厳選し、新たに制作依頼したエッセイ、絵画、ポートレイトと組み合わせた「A Magazine Curated by」シリーズ第22弾。マット紙とグロス紙の組み合わせに小口の金付け加工と、ブックオブジェとしても美しく作られている。さらに、本号にはカメルーン人フォトグラファー、サミュエル・フォッソ（Samuel Fosso）の「Autoportraits II」シリーズからのプリントがランダムに1枚、本誌内に差し込まれている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eミン・スミス（Ming Smith）のセルフポートレイトから、ミュージシャンのダミアン・マーリー（Damian Marley）を撮ったスティーブン・トレイラー（Steven Traylor）の映画の一場面のようなストーリー、アフリカのファッションモデル、セレーナ・フォレスト（Selena Forrest）の本質を写し出したゾーイ・ガートナー（Zoë Ghertner）のストーリー、ポール・ムパギ・セプヤ（Paul Mpagi Sepuya）がスタジオで撮影した作品、イギリスのファッションレーベル「ウェールズ ボナー」（Wales Bonner）のデビューとなった2017年春夏コレクション「Ezekiel」を振り返ったタイラー・ミッチェル（Tyler Mitchell）の作品まで、ロサンゼルス、ロンドン、マイアミ、パリ、ニューヨークで撮影されたビジュアルポートフォリオを収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e他にも、ジャマイカのダンスホールの伝統についての対話、ニューヨーク市ハーレムの写真家集団「カモインゲ」（Kamoinge）に関するエッセイ、ガーナの未公開映画写真アーカイブ、リネッテ・イアダム＝ボアキエ（Lynette Yiadom-Boakye）の絵画と詩、ジョン・ゴトー（John Goto）の代表作「Lovers' Rock」シリーズとロジャー・ロビンソン（Roger Robinson）の新作の詩などを収録。また、冒頭と巻末では、ナイジェリア人小説家、詩人のベン・オクリ（Ben Okri）が祝福を述べている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eコントリビューター：\u003cbr\u003eAdjoa Armah, Akeem Smith, Anthony Barboza, Beat Streuli, Ben Okri, Chino Amobi, Damian Marley, Dawoud Bey, Gregory Tate, Harley Weir, Hilton Als, Ishmael Reed, Jamie Hawkesworth, John Goto, Laraaji, Liz Johnson Artur, Lynette Yiadom-Boakye, Mahfuz Sultan, Marlon James, Dr. Michael Ralph, Ming Smith, M.J Harper, Paul Mpagi\u003cbr\u003eSepuya, Roger Robinson, Samuel Fosso, Shanay Jhaveri, Steven Traylor, Tyler Mitchell, Wilson Oryema, Zoë Ghertner.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e掲載作家：\u003cbr\u003eAmiri Baraka, Billy Abernathy, Brassaï, David Hammons, Dennis Morris, Eric N. Mack, George Platt Lynes, Lord Snowdon, Louis Draper, Ntozake Shange, Viviane Sassen.\u2028\u2028\u2028\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/walesbonner.net\/\"\u003eWales Bonner\u003c\/a\u003e：\u003cbr\u003eウェールズ ボナー（Wales Bonner）は批評論や音楽、文学、そして歴史といったアカデミックな幅広いリサーチを基軸に、ヨーロッパ文化とアフロアトランティックの精神をハイブリッドしたアプローチを通じて、独自のラグジュアリーの概念を提案している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eグレース・ウェールズ・ボナー（Grace Wales Bonner）は、2014年、セントラル・セント・マーチンズ卒業後、自身の名前を冠したファッションブランドをスタート。メンズウェアブランドとして誕生したそのソウルフルなテーラリングは、ウィメンズウェアへとも拡大した。2015年、「ブリティッシュファッションアワード」のメンズウェアデザイナー賞を獲得。2016年、初のソロプレゼンテーションを経て、「LVMH ヤング・ファッションデザイナー・プライズ」を受賞。2019年、ディオールのアーティスティックディレクター、マリア・グラツィア・キウリ（Maria Grazia Chiuri）に招かれ、ディオール2020年リゾートコレクションにてニュールックを再解釈したルックを披露した。その後、「BFC／ヴォーグ デザイナー ファッションファンド」にてグランプリを受賞。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e2019年1月、グレース・ウェールズ・ボナーはロンドンのサーペンタイン・ギャラリーにて「\u003cem\u003eA Time for New Dreams\u003c\/em\u003e」展のキュレーションを担当し、展覧会を主催。現在ではセントラル・セント・マーチンズ准講師を務めるほか、ニューヨークのパーソンズ美術大学にて講演を行なった。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eウェールズ ボナーのメンズ・ウィメンズ両ラインはマッチズ・ファッション（Matchesfashion.com）、ドーバー・ストリート・マーケット（Dover Street Market）、ネット・ア・ポーター（Net-A-Porter）、バーニーズ（Barneys）、センス（Ssense）、ブラウンズ（Browns）、ブーン・ザ・ショップ （Boon the Shop）、ギャラリー・ラファイエット（Galeries Lafayette）など、世界各国のセレクトショップにて取り扱われている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/amagazinecuratedby.com\/\" target=\"_blank\"\u003eA Magazine Curated By\u003c\/a\u003e\u2028\u003c\/em\u003e：\u003cbr\u003e『\u003cem\u003eA Magazine Curated By\u003c\/em\u003e』は、毎号ファッションデザイナーをゲストキュレーターとして招き、その世界観を探求するユニークなコンセプトマガジン。編集部とのコラボレーションにより、ゲストキュレーターが革新的である独自のコンテンツを通して、文化的な価値観や美学を表現する。各号では、人々と情熱、物語、感情、好奇心、自然さ、真正性という、デザイナーの理念を讃えている。ベルギー初のファッション雑誌を誇る本誌は、今最も影響を与えているファッションデザイナーの視点を親密に繰り広げられており、国際的に高い評価を得てきた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"color: #2b00ff;\"\u003e\u003cstrong\u003e※フォトプリントの種類は、パッケージの仕様によりご注文時にお選び頂くことが出来ません。予めご了承ください。\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/fashionpost.jp\/portraits\/253285\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003e記事：デザイナーとともに革新を続ける『A Magazine Curated By』編集長ダン・サーリーの雑誌作り（THE FASHION POST）\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA#22 has been curated by the British-Jamaican fashion designer Grace Wales Bonner, who established her eponymous label Wales Bonner in London in 2014.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eSince her debut collection Ebonics for AW2015 until the most recent collection Volta Jazz for SS2022, Grace has imbued her designs with cultural narratives that explore the mythologies of Blackness across our planet. Her collections for Wales Bonner, and the performative nature of their presentations, capture a multitude of identities and expressions of beauty. Her aesthetic stands at the forefront of fashion as a quest to align sartorial craft with the insouciant gestures of the street.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eEntitled Rhapsody In The Street, A#22 is an academic and visual survey of Grace’s research across 200 pages. Responding to the tradition of Black poetry, literature and portrait photography of the 20th century, the issue features a curation of archival portfolios and other historical ephemera, as well as newly commissioned essays, poems, paintings and portraits. As an object, the issue is treated with reverence, combining matte and gloss paper stocks with gilded pages.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eNew work includes visual portfolios photographed in Los Angeles, London, Miami, Paris and New York, with the leitmotif of Black portraiture central to each.\u003cbr\u003eA self-portrait by Ming Smith joins Steven Traylor’s cinematic capture of the musician Damian Marley, Zoë Ghertner’s intimate depiction of model Selena Forrest, Paul Mpagi Sepuya’s studio works, and a triumphant study of Wales Bonner’s AW15 collection Ezekiel by Tyler Mitchell.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn collaboration with the Maison Européenne de la Photographie, a landmark fashion series by the Paris-based Cameroonian photographer Samuel Fosso marks Fosso’s return to fashion with a series of self-portraits wearing Wales Bonner archives.\u003cbr\u003eThe images are included in Fosso’s first retrospective exhibition in France and appear as a limited-edition print edition inserted within each copy of A#22.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA#22 is treated as a meandering, encyclopaedic document, including Wales Bonner research plates and archival documentation of Wales Bonner collections in dialogue with new commentary by academics and poets alike.\u003cbr\u003eConversations on the tradition of Jamaican dancehall, the Kamoinge photographic group in Harlem, NYC, and archives of unseen Ghanaian film photography sit alongside paintings and poetry by Lynette Yiadom-Boakye, John Goto’s seminal Lovers’ Rock series complemented by new poems by Roger Robinson, all bookended by opening and closing blessings by Ben Okri.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"A MAGAZINE CURATED BY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39574120759376,"sku":"9789077745243","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/0_21849ba2-9546-44c1-a297-ed31431f1355.jpg?v=1635828225"},{"product_id":"a-civil-rights-journey-by-doris-derby","title":"A CIVIL RIGHTS JOURNEY by Doris Derby","description":"\u003cp\u003eアフリカ系アメリカ人フォトグラファー、アクティビスト、人類学教授であるドリス・ダービー（Doris Derby）の作品集。20世紀半ばにアメリカ南部、特にミシシッピ州で盛んだったアフリカ系アメリカ人公民権運動（Civil Rights Movements）を通じて、作者は写真家、組織の長、教師として活動し続け、生き残りと人権をかけた日々の戦いの中で、親密で人間味あふれる側面を写真に捉えた。政治的なイベント、会合、葬式などに加え、協同組合の設立、読み書きやコミュニティによる劇などのプログラムの開催に至る過程を撮影し、その中で多くの危険や悲劇を体験した。また、作者はこうした団体やプログラムを多数設立している。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eこの運動の決定的瞬間となったスピーチやデモ行進の様子に加え、モハメド・アリ（Muhammad Ali）、アリス・ウォーカー（Alice Walker）、ファニー・ルー・ハマー（Fannie Lou Hamer）、ジェシー・ジャクソン（Jesse Jackson）などの重要人物の姿を見ることができる。また、教室や教会のホール、医師や秘書、喜びや挫折、好奇心、人と人とのつながりといった日常の中の一場面も写し出されている。そしてこうしたイメージの中に、この運動に参加した人たちの決意や行動が等しく表現されている。\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本書は、作者のイメージをシークエンスとして提示することによって、地方と都市の貧困を記録し、特定の通りや家族の民族誌を分かりやすく表現し、ミシシッピ・デルタ地帯で育つアフリカ系アメリカ人の子どもたちの日常生活を追跡し、ジャクソン州立大学銃撃事件、キング牧師の葬儀、1968年の民主党大会といった重要な出来事を立証している。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e作者の写真は、今日の世界を定義することになった歴史的瞬間のポートレイトとしてかけがえのない価値を持つだけでなく、なすべきことが未だになされていないことを思い出させる。これらの写真に収められた出来事についてダービー自身が記した詳しいテキストも合わせて収録されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eダービーの親密さに満ちた素晴らしい写真の背後にある物語は、そこには写っていない彼女の類まれな人生と密接に絡みあっている… 自らの体験を撮ったスナップショットには、1960～70年代にアメリカ社会で巻き起こった大変動がまざまざと写し出されている\u003c\/em\u003e」– The Guardian\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e「\u003cem\u003eポジティブなエネルギーと活動を撮ったこの時期のダービーの写真の多くは、溢れるばかりの喜びを感じさせる。一方で日常の場面を捉えた写真は、アフリカ系アメリカ人公民権運動のデモや、当時の黒人コミュニティが日々晒されていた暴力とはかけ離れている\u003c\/em\u003e」– Apollo\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e「\u003cem\u003e些細で個人的な瞬間を写し出したダービーの写真は、当然の権利であるよりよい暮らしを求めた人のために巻き起こった重要な変化のうねりの重みを伝えている\u003c\/em\u003e」– Storied\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eA Civil Rights Journey\u003c\/em\u003e presents the astonishing archive of Dr Doris Derby: photographer, activist, and professor of anthropology. Active throughout the Civil Rights Movements of the mid twentieth century in the southern United States, particularly Mississippi, Derby acted as a photographer, organiser and teacher, making photographs of the intimate and human side of the everyday struggle for survival and human rights. She photographed both the organisation of political events, meetings, and funerals, alongside the literacy, co-operative and community theatre programmes, many of which she founded, and encountered much danger and tragedy along the way.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eHere we see the speeches and protests that gave the movement its defining moments, as well as vital figures including Muhammad Ali, Alice Walker, Fannie Lou Hamer, and Jesse Jackson. We also see classrooms and church halls, doctors and secretaries: everyday scenes of joy, frustration, curiosity, and connection, in which the determination and collective actions and resolve and actions of the movement are equally expressed.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis extensive volume presents Derby’s images in sequences that between them document rural and urban poverty, offer lucid ethnographies of particular streets and families, track the day-to-day lives of African American children growing up in the Mississippi Delta, and bear witness to such pivotal events as the Jackson State University shooting, the funeral of Martin Luther King Jr., and the 1968 Democratic Convention. Derby’s photographs offer us an invaluably rich portrait of a historical moment whose effects have defined today’s world and issues a vital reassertion of the work that remains to be done. Derby recounts the events photographed in extensive texts which accompany the images.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e“\u003cem\u003eThe story behind Derby’s wonderful, intimate pictures is enmeshed with the rest of her extraordinary life … Her experience also provides a revealing snapshot of the rupture that America went through in the 1960s and 70s.”\u003c\/em\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e– The Guardian\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003e“Many of [Derby’s] photographs from this time feel very joyful – full of positive energy and activity – or otherwise depict everyday scenes, quite removed from the Civil Rights protests and all the violence the black community was experiencing”\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e– Apollo\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003e“Derby’s photographs capture small, private moments but carry the weight of the momentous groundswell of change for a people who wanted and deserved better.” \u003c\/em\u003e–\u003cem\u003e Storied\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39583313494096,"sku":"9781913620448","price":9680.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/civil_01.jpg?v=1641971503"},{"product_id":"with-the-end-in-mind-by-reginald-sylvester-ii","title":"WITH THE END IN MIND by Reginald Sylvester II","description":"\u003cdiv class=\"page\" title=\"Page 1\"\u003e\n\u003cdiv class=\"layoutArea\"\u003e\n\u003cdiv class=\"column\"\u003e\n\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、レジナルド・シルヴェスター II（Reginald Sylvester II）の作品集。本作は、2021年夏にロンドンのギャラリー「マキシミリアン・ウィリアム（Maximillian William）」で開催された個展に伴い刊行された。展覧会図録とアーティストブックが組み合わされたハイブリッドな一冊となっている。本作を構成する作品は、抵抗の道具として、また黒人の不屈の精神を表す形としての意味を為しながら、作者が持つ抽象的な作品への関心を表現している。そして、平面的な抽象絵画から、三次元的な要素を取り入れたより触覚的な作品へと移り変わっている。本書は、観る者を作者の創作におけるプロセスへと誘う。作品は、作者によるマントラの循環の流れの中に配置されており、作品の精神的かつ概念的な裏付けに洞察を与えている。ライターでありエディター、研究者のアリー・ビスワス（Allie Biswas）によるテキストを収録。アメリカの黒人アーティストが制作したものを政治的意識をもってアートへと変えていった歴史の中で、既製品を使うということを言及している。\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003cbr\u003eWith the End in Mind\u003c\/em\u003e is a hybrid catalogue\/artist’s book published in conjunction with the namesake solo exhibition by Reginald Sylvester II presented at Maximillian William, London during the summer of 2021. The artworks which form \u003cem\u003eWith the End in Mind\u003c\/em\u003e demonstrate the artist’s interest in abstraction as a tool of resistance and a form which can represent Black resilience. They also mark a shift from flat abstract painting to more tactile works which incorporate three dimensional elements. The book invites the reader into Sylvester’s creative process. The works are nestled within a cyclical flow of the artist’s mantras, which give insight into the spiritual and conceptual underpinning of the resulting artworks. Also feauturing a text by Allie Biswas contextualising the artist’s use of Readymades within a history of Black America artists transforming manufactured objects into art with a political consciousness.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/div\u003e\n\u003c\/div\u003e\n\u003c\/div\u003e","brand":"IN OTHER WORDS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39588610408528,"sku":"9781739930905","price":5500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/1_f95d6e36-7dfc-458a-80bf-1c592aed4f31.jpg?v=1636531966"},{"product_id":"deana-lawson-by-deana-lawson","title":"DEANA LAWSON by Deana Lawson","description":"\u003cp\u003eアメリカ人フォトグラファー、ディアナ・ローソン（Deana Lawson）の作品集。本書は、作者について書かれた初めての学術的な一冊であり、15年に及ぶ歳月の中で撮影された作品を網羅した、初の包括的な展覧会に伴い刊行された。現代写真界において並ぶもののない独自のスタイルを持つ作者は、15年に渡りアフリカ系アメリカ人と海外で暮らすアフリカ人をいわゆる黒人として描く様式化された表現を調査し、こうしたステレオタイプに挑戦してきた。家族のアルバム、スタジオで撮影するポートレイト、演出された活人画、ドキュメンタリー写真、ファウンドイメージなど、幾つもの写真の言語を取り入れた作品は、家族、愛、欲望の物語を紡ぎ出している。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e作者の写真は被写体とのコラボレーションによって作られる。時には裸で、時には抱き合い、カメラを真っすぐに見つめる被写体は、写真＝対象を覗き見るだけの受け身の表現手段という概念を揺るがすものである。被写体がポーズを撮っている写真であれ、イメージのコラージュであれ、ローソンの作品はどれも、黒人の生活、愛、セクシュアリティ、家族、霊的な信仰についての個人的・社会的な歴史を伝えている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本展覧会は、2021年から2023年にかけて「ICA\/Boston」（2021年11月3日〜2022年2月27日）、「MoMA PS1」（2022年4月14日〜9月5日）、「High Museum of Art」（\u003cmeta charset=\"UTF-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e2022年10月7日〜2023年2月19日\u003c\/span\u003e）へと巡回する。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本展のキュレーターであるエヴァ・レスピーニ（Eva Respini）とピーター・エリー（Peter Eleey）、ダートマス大学教授キンバリー・ファニタ＝ブラウン（Kimberly Juanita Brown）、ブラウン大学教授ティナ・M・カンプト（Tina M. Campt）、スタンフォード大学教授アレクサンダー・ネメロフ（Alexander Nemerov）、作家・音楽家・プロデューサーのグレッグ・テイト（Greg Tate）によるエッセイ、作者とニューヨーク大学教授デボラ・ウィリス（Deborah Willis）の対談を収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eDeana Lawson\u003c\/em\u003e, the first scholarly publication on the artist Deana Lawson, surveying fifteen years of her photography, will be published to accompany the first comprehensive museum survey exhibition featuring Lawson’s artwork. A singular voice in contemporary photography, Lawson has been investigating and challenging conventional representations of black identities in the African American and African diaspora for over fifteen years. Her work samples numerous photographic languages, including the family album, studio portraiture, staged tableaux, documentary pictures, and found images, creating narratives of family, love, and desire. Lawson’s photographs are made in collaboration with her subjects, who are sometimes nude, embracing, and directly confronting the camera, destabilizing the notion of photography as a passively voyeuristic medium. Whether in posed photographs or assembled collages, Lawson’s works channel broader ideas about personal and social histories of black life, love, sexuality, family, and spiritual beliefs. This publication will include selections from Lawson’s personal family photographs and archives of vernacular images that have profoundly informed her work.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eAccompanies an exhibition at ICA\/Boston from 3 November, 2021 - 27 February, 2022; MoMA PS1 from 14 April - 5 September, 2022; and High Museum of Art from 7 October, 2022 - 19 February, 2023.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eIncludes essays by Eva Respini and Peter Eleey (curators of the exhibition), Kimberly Juanita Brown (Professor at Dartmouth College), Tina M. Campt (Professor at Brown University), Alexander Nemerov (Professor at Stanford University), Greg Tate (writer, musician, and producer), and a conversation between the artist and Deborah Willis (Professor at New York University).\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39597484769360,"sku":"9781912339983","price":11550.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/DeanaLawson_01.jpg?v=1641975782"},{"product_id":"the-head-the-load-are-the-trouble-of-the-neck-by-william-kentridge","title":"THE HEAD \u0026 THE LOAD ARE THE TROUBLE OF THE NECK by William Kentridge","description":"\u003cp\u003e南アフリカ人アーティスト、ウィリアム・ ケントリッジ （William Kentridge）の作品集。作者の名作舞台「\u003cem\u003eThe Head \u0026amp; The Load\u003c\/em\u003e」に伴い刊行された。作品を丁寧に見直し、第一次世界大戦中のアフリカ人の物語が音楽、舞踏、文章、芸術の融合を通じてどのように語られたのかを分析した1冊。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e美術、パフォーマンス、演劇、オペラを組み合わせ、人道主義的・政治的なメッセージ性のある夢のような作品を30年以上にわたって作り続けてきた作者。南アフリカの政治的状況、アパルトヘイト、植民地主義がもたらした社会経済構造などをテーマにしたインスタレーション、映画、ドローイングも多数発表している。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本書においては、第一次世界大戦中においてアフリカが果たした役割を探るパフォーマンス作品「\u003cem\u003eThe Head \u0026amp; The Load\u003c\/em\u003e」に焦点を当てる。戦時中は100万人を超えるアフリカ人が英仏独軍に動員され、ほとんど何の見返りもなしに危険な状況下で食料や武器を運ばされたという。作者が語ったのは、このように決して日の目を見ることなく栄光を支えていたアフリカ人夫たちの物語である。今となっては研究する人もほとんどいないこの物語を、音楽、舞踏、演技、映像、機械仕掛けの彫刻すべてが混然一体となった舞台で展開し、活人画的手法で演出した。本書では、舞台の写真とテキスト、エッセイ、舞台の補足として作者が特別に制作した作品も見ることができる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e長年、作者とコラボートしてきた作曲家のフィリップ・ミラー（Philip Miller）、ミュージカル・アーティスト、ディレクターのツツカ・シビシ（Thuthuka Sibisi）、ダンサーであり振付師、俳優のグレゴリー・マコマ（Gregory Maqoma）、批評家であり文学者のホミ・K・バーバ（Homi K. Bhabha）、歴史家であり作家、映画制作者のデイビッド・オルソガ（David Olusoga）が寄稿する。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e作品には、世界各国の歌手、俳優、ダンサーが出演し、先述したフィリップ・ミラーは音楽を担当。植民地の歴史と現代への影響を再考した、力強く多面的な作品である。2018年にロンドンの「\u003ca href=\"https:\/\/www.tate.org.uk\/whats-on\/tate-modern\/performance\/head-load\" target=\"_blank\"\u003eテート・モダン\u003c\/a\u003e」、ニューヨークの「\u003ca href=\"https:\/\/www.armoryonpark.org\/programs_events\/detail\/the_head_and_the_load\" target=\"_blank\"\u003eパーク・アベニュー・アーモリー\u003c\/a\u003e」、パリの「ラ・ヴィレット\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e・\u003c\/span\u003eグラン・アール」で上演された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eExplore William Kentridge’s remarkable performance piece, The Head \u0026amp; The Load, and discover how music, dance, writing, and fine art are combined to tell the haunting story of Africans during WWI\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eFor over thirty years, William Kentridge has been combining fine arts, performance, theatre, and opera to create dreamlike, political, and humanist works. His installation, films, and drawings often deal with the political situation in South Africa, apartheid, and the consequences of colonialism. This book gives an in-depth examination of his performance piece The Head \u0026amp; The Load, which explores the role of Africa during World War I. Throughout the war, more than one million Africans carried provisions and military equipment in hazardous conditions for British, French, and German troops at minimal or no pay. William Kentridge tells the story of these African porters who ensured the success of the victors, but remain in the shadows. This history, rarely studied today, unfolds in a staged tableau combining music, dance, acting, screenings, and mechanized sculptures. The book includes photos and text from the performance, essays, and artworks created specifically by Kentridge to complement the play. Accompanied by an international cast of singers, actors, and dancers, and with music composed by Philip Miller, The Head \u0026amp; The Load is a powerful and multifaceted work that reconsiders colonial history and its repercussions in today’s world.\u003c\/p\u003e","brand":"PRESTEL PUBLISHING","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39618899476560,"sku":"9783791387185","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_31258acc-7fe4-4e0f-9c2c-97c4708daf8b.jpg?v=1641797157"},{"product_id":"fly-in-league-with-the-night-by-lynette-yiadom-boakye","title":"FLY IN LEAGUE WITH THE NIGHT by Lynette Yiadom-Boakye","description":"\u003cp\u003eイギリス人アーティスト、リネッテ・イアドム＝ボアキエ（Lynette Yiadom-Boakye）の作品集。2020年にロンドンの「テート・ブリテン（Tate Britain）」が企画し、2021年にスウェーデンの「ストックホルム近代美術館（Moderna Museet）」、デュッセルドルフの「ノルトライン=ヴェストファーレン州立美術館（Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen、K20）」、2022年にルクセンブルクの現代美術館「MUDAM」、そして「テート・ブリテン（Tate Britain）」で再び開催された巡回展に伴い刊行された。この展覧会は、今最も重要な画家の一人である作者にとって初の大規模回顧展である。油彩による謎めいた人物画で知られる作者の作品群は、ファウンド・イメージと作者自身が想像したものを合成したアーカイブから作り上げられており、アイデンティティと表現についての疑問を投げかけている。本書は豊富な図版を収録しており、作者の作品群を最も広く概観することができる1冊である。2003年にロンドンの「ロイヤル・アカデミー・オブ・アーツ（Royal Academy of Arts, RA）」を卒業してからの作者の活動の発展について、テーマ別のエッセイと詳細な考察が収録されており、作品と作者自身による文章や詩と共に紹介されている。また、過去20年にわたる作者の並外れた創作活動を肖像画と表現の幅広い歴史の中に位置づけており、その中でも特に黒人に焦点を当てている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis paperback catalogue accompanies Tate Britain’s exhibition of the work of Lynette Yiadom-Boakye: Fly In League With The Night, the first major survey of the artwork of one of the most important and exciting painters at work today.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eLavishly illustrated, it offers the most extensive overview of Yiadom-Boakye’s work to date. The exhibition book includes thematic essays and in-depth discussion of the development of the artist’s practice since her graduation from the Royal Academy of Art, London, in 2003, presenting her artwork alongside her own writing and poetry. The publication also positions Yiadom-Boakye’s extraordinary creative output over the past twenty years within a wider history of portraiture and representation, with a particular focus on black subjects.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"TATE PUBLISHING","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39620921720912,"sku":"9781849767040","price":7150.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_ee5ccbf0-6128-436e-9c9c-ea74f00c09f1.jpg?v=1672032539"},{"product_id":"good-hope-by-carla-liesching","title":"GOOD HOPE by Carla Liesching","description":"\u003cp\u003e南アフリカ出身のアーティスト、カーラ・リーシング（Carla Liesching）の作品集。作者はこの作品において、大航海時代の頂点ともいえる歴史的な場所であり、現在は反植民地運動の中心地でもある自身の生まれ故郷・南アフリカの「喜望峰（Cape of Good Hope）」周辺の庭園や建造物を巡る断片を用いた視覚的・言語的アッサンブラージュを構築した。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e自分たちにとっての「発見の時代」（大航海時代）を謳歌していたポルトガル人は、香辛料貿易の航路の中間地点に位置しているこの岬を、莫大な富をもたらす航路を開拓できるいう大きな期待を込めて「\u003cmeta charset=\"UTF-8\"\u003e\u003cspan\u003e喜望峰\u003c\/span\u003e」と名付けた。ほどなくしてこの地に長い航海の中継地点が作られ、東から西へと向かう富の流れが確立された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eドキュメンタリー調の散文、私的なエッセイ、ファウンドフォトに加え、アパルトヘイト時代の貿易雑誌、観光パンフレット、「ナショナルジオグラフィック」や「ライフ」などの雑誌から、現代の新聞や家族アルバムなどの様々な資料を集め、それを重ね合わせて作られた本作は、現在の白人至上主義的な入植者の植民地主義を詳細かつ批判的に検証する一方で、見る、発見する、集める、分類する、保存する、名づける、知る、言語化する、という行為そのものに関わる倫理と政治を探求している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e写真と私的な散文で綴られる重層的・断片的な物語…このいつまでも終わらない残虐性と不平等の物語は、結局のところ今の時代について多くを語っているのである\u003c\/em\u003e」– British Journal of Photography\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e構造と人間の関係性、中でも地理的な物語におけるイデオロギーの変化とをテーマにした作品\u003c\/em\u003e」– Mail \u0026amp; Guardian\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eA layered and fragmented narrative made up of both photographs and personal prose ... ultimately it is very much about the present, in all its continued brutality and inequity\u003c\/em\u003e.”\u003cbr\u003e– British Journal of Photography\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003e[Liesching’s] work examines human relationships to structure, in particular ideological shifts in geographic narratives\u003c\/em\u003e.” \u003cbr\u003e– Mail \u0026amp; Guardian\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn \u003cem\u003eGood Hope\u003c\/em\u003e, Carla Liesching constructs a fragmented visual and textual assemblage that orbits around the gardens and grounds at the Cape of Good Hope in South Africa — a historic location at the height of Empire, now an epicenter for anti-colonial resistance movements, and also the place of the artist’s birth. Named by the Portuguese in their ‘Age of Discovery’, the Cape’s position at the mid-point along the ‘Spice Route’ was viewed with great optimism for its potential to open up a valuable maritime passageway. The ‘refreshment station’ later established there set into motion flows of capital from ‘east’ to ‘west’. Good Hope brings together cumulative layers of documentary prose, personal essay, and found photographic material, along with sources ranging from apartheid-era trade journals, tourist pamphlets, and National Geographic and Life magazines, to contemporary newspapers and family albums. It offers both an intimate and critical examination of White supremacist settler-colonialism in the present, and a questioning of the ethics and politics involved in the very acts of looking, discovering, collecting, codifying, preserving, naming, knowing, and putting to language.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39643363115088,"sku":"9781913620424","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/0_385ef6ee-6cfe-4cd1-8e3c-902494ac7913.jpg?v=1643783455"},{"product_id":"history-of-painting-by-kerry-james-marshall","title":"HISTORY OF PAINTING by Kerry James Marshall","description":"\u003cp\u003eアフリカ系アメリカ人アーティスト、ケリー・ジェームズ・マーシャル（Kerry James Marshall）の作品集。2018年にロンドンの「David Zwirner」で開催された展覧会に伴い刊行された。存命のアメリカ人画家の中でも重要な1人である作者が手がけたこれまでにない新作を掲載している。本作において作者は、具象的な作品と非具象な作品の両側面に視野を広げつつ、美術史、人種、ジェンダーを明確に扱っている。同時に、美術作品が世界で、またアート市場でどのように受け取られるかを我々に再考させている。オークションカタログの複製や抽象画、日常風景など、作者は絵画作品自体の主題を行き来しながらも、そこには歴史や支配的な白人の築いてきたものに対する批判が存在することを示唆している。\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e加えて、アメリカ人作家、フォトグラファー、美術史家であるテジュ・コール（Teju Cole）と美術批評家であり編集者のハル・フォスター（Hal Foster）によるエッセイは、作者の卓越した視点や、「\u003cem\u003eUntitled (Underpainting)\u003c\/em\u003e 」（2018年）のような複雑に層を重ねたような作品、その芸術哲学を読み解くための鍵となる。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eKerry James Marshall is one of America’s greatest living painters. \u003cem\u003eHistory of Painting\u003c\/em\u003e presents a groundbreaking body of new work that engages with the history of the medium itself.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eIn \u003cem\u003eHistory of Painting\u003c\/em\u003e, the artist has widened his scope to include both figurative and nonfigurative works that deal explicitly with art history, race, and gender, as well as force us to reexamine how artworks are received in the world and in the art market. In the paintings in this book, Marshall’s critique of history and of dominant white narratives is present, even as the subjects of the paintings move between reproductions of auction catalogues, abstract works, and scenes of everyday life.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eEssays by Teju Cole and Hal Foster help readers navigate the artist’s masterful vision, decoding complexly layered works such as \u003cem\u003eUntitled (Underpainting)\u003c\/em\u003e (2018) and Marshall’s own artistic philosophy. This catalogue is published on the occasion of Marshall’s eponymous exhibition at David Zwirner, London, in 2018.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"DAVID ZWIRNER BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39655760461904,"sku":"9781644230152","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_5a7af536-97ab-4fd9-98c1-316d6ef4b350.jpg?v=1645164585"},{"product_id":"debris-field-notes-for-a-poem-on-the-third-world-soleil-negre-by-glenn-ligon","title":"DEBRIS FIELD \/ NOTES FOR A POEM ON THE THIRD WORLD \/ SOLEIL NEGRE by Glenn Ligon","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、グレン・ライゴン（Glenn Ligon）の作品集。フランス・パリのギャラリー「Galerie Chantal Crousel」では初となる展覧会に伴い刊行された。言語、人種、ジェンダーに関する作者のインスピレーションにより制作された一連のネオン、シルクスクリーン作品、素描、またアメリカ人小説家のガートルード・スタイン（Gertrude Stein）の「\u003cem\u003e三人の女\u003c\/em\u003e」から着想を得たドローイング作品10点、作家であり映像アーティスト、活動家であるグレッグ・ボードウィッツ（Gregg Bordowitz）の「\u003cem\u003eDebris Field\u003c\/em\u003e」から7篇の詩を収録する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eガートルード・スタインや、ジャン・ジュネ（Jean Genet）といった様々な文学作品に依拠しながら、作者のアプローチは「言葉」に明らかな密度と重みを与え、今日の米国の社会問題を芸術的に読み解く鍵ともいえる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eガートルード・スタイン、イタリア人映画監督であり、脚本家、評論家、思想家のピエル・パオロ・パソリーニのテキスト（Pier Paolo Pasolini）、グレッグ・ボードウィッツの詩、プリンストン大学とニューヨーク大学で教鞭をとり、キュレーター、作家であるサラ・ナダル＝メルシオ（Sara Nadal-Melsio）のエッセイも収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eCatalogue of the American artist's exhibition at Galerie Chantal Crousel: the publication presents a series of new works (neon, painting, drawing) inspired by texts by Gertrude Stein and Pier Paolo Pasolini, and by the artist's reflections on language, race and gender. The book includes poems by writer, artist and Act Up activist Gregg Bordowitz, and an essay by teacher and writer Sara Nadal-Melsio.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThe publication presents a series of new works by Glenn Ligon, including two figurative neon lights and eleven silkscreen paintings. It also features ten drawings inspired by Gertrude Stein's Three Lives and seven poems from Debris Field, composed by writer, artist and Act Up activist Gregg Bordowitz. Ligon's emblematic and historical work provides an artistic reading on today's social issues in the United States. This new catalogue includes an essay by writer Sara Nadal-Melsio, teacher at Princeton University and NYU and a specialist in questions of intersections between art, philosophy and politics, in militant cinema and in Marxist aesthetics.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"IS-LAND ÉDITION","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39661452525648,"sku":"9791097544034","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_1ee1d2ac-1a92-4231-b45e-d76d501a7f1f.jpg?v=1651304361"},{"product_id":"zanele-muholi-exhibition-book-by-zanele-muholi","title":"ZANELE MUHOLI EXHIBITION BOOK by Zanele Muholi","description":"\u003cp\u003e南アフリカ共和国を拠点とするアーティスト、活動家であるザネレ・ムホリ（Zanele Muholi）の作品集。2020年にロンドンの「テート・モダン（Tate Modern）」で開催された展覧会に伴い刊行された。作者は2000年代前半に、被害者意識や逸脱を超えた黒人のレズビアン、ゲイ、バイセクシャル、トランス、クィア、インターセックスの生活を思い描き写した作品で脚光を浴びるようになった。一貫してヘテロ、家父長制的な観念や表現に挑み、その\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e被写体は、\u003c\/span\u003e偏見や不寛容、時に暴力に直面しながらも勇気を持って生きる美しく自信に満ちた一個人として描かれている。作者のキャリアは、親密な雰囲気を纏った写真のシリーズから始まり、強烈なセルフポートレイトによって確かなものとなった。\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本書には過去20年の間に制作してきたシリーズに加え、未発表作品や最新作、6つのエッセイ、用語集や年表が収録されている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eCreated to accompany one of the most exciting exhibitions of 2020, this stunning paperback catalogue presents the full breadth of Muholi’s photographic and activist practice.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eRichly illustrated, it includes images from the key series Muholi has produced over the past twenty years, as well as never-before-published and recent works. The exhibition book also features six newly commissioned essays exploring their work, as well as a full glossary and chronology.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eBorn in South Africa, Zanele Muholi came to prominence in the early 2000s with photographs that sought to envision black lesbian, gay, bisexual, trans, queer and intersex lives beyond deviance or victimhood. Muholi’s work challenges hetero-patriarchal ideologies and representations, presenting the participants in their photographs as confident and beautiful individuals bravely existing in the face of prejudice, intolerance and, frequently, violence. While Muholi’s intimate photographs of others launched their international career, their intense self-portraits solidified it.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"TATE PUBLISHING","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39674856374352,"sku":"9781849766821","price":7150.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_3502539a-028d-47cb-9872-4500bff512d2.jpg?v=1652169408"},{"product_id":"one-picture-book-two-21-africa-gems-and-jewels-by-carrie-mae-weems","title":"ONE PICTURE BOOK TWO #21: AFRICA: GEMS AND JEWELS by Carrie Mae Weems","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、キャリー・メイ・ウィームズ（Carrie Mae Weems）の作品集。アメリカの出版社「\u003ca rel=\"noopener noreferrer\" href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/nazraeli-press\" target=\"_blank\"\u003eNAZRAELI PRESS\u003c\/a\u003e」が手がけるプリント付き作品集シリーズ『\u003ca rel=\"noopener noreferrer\" href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/all\/one-picture-book-two\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003eONE PICTURE BOOK TWO\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e』の第21巻。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e全100タイトルをもって完結した『\u003ca rel=\"noopener noreferrer\" href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/all\/one-picture-book\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003eONE PICTURE BOOK\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e』のアップグレード版である本シリーズ『\u003cem\u003eONE PICTURE BOOK TWO\u003c\/em\u003e』は、装丁、サイズともにリニューアル。各タイトル500部限定発行、約127x178mm（約5x7インチ）のサイン入りプリントが付属し、前作と同様100タイトルで完結予定。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“I\u003cem\u003en the earlier 90s after traveling throughout the Sea Islands on the Southeast Coast on the United States, I decided that it was time to go home, back to Africa. There was something that I needed to know about the nature of myself. In love with customs, beliefs and material cultural, I made many pictures, but only a few of handful of people. The portraits for Africa: Gems and Jewels are that handful.\u003c\/em\u003e” — Carrie Mae Weems\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eCarrie Mae Weems is one of the most influential contemporary American artists living today. Her work investigates race, family relationships, cultural identity, sexism, class, political systems, and the consequences of power. Weems is represented in public and private collections around the world, including the Metropolitan Museum of Art, New York; the Museum of Fine Arts, Houston; the Museum of Modern Art, New York; Tate Modern, London; Whitney Museum of American Art, New York; National Gallery of Canada; and Museum of Contemporary Art, Los Angeles.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca rel=\"noopener noreferrer\" href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/all\/one-picture-book-two\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003eOne Picture Book Two\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e: an upgraded, upscaled follow-up to NAZRAELI PRESS' much-loved \u003ca rel=\"noopener noreferrer\" href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/all\/one-picture-book\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003eOne Picture Book\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e series of artists’ books. Each title is limited to 500 numbered copies, and includes a removable, signed, original print measuring approximately 5x7 inches. The books are slightly larger than those in the original series, with a fresh design and upgraded materials.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"NAZRAELI PRESS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39677037117520,"sku":"9781590055465","price":41800.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_73b502f1-03fb-47c8-ae0d-967ddce36cd4.jpg?v=1647066711"},{"product_id":"white-shoes-by-nona-faustine","title":"WHITE SHOES by Nona Faustine","description":"\u003cp\u003eアメリカ人フォトグラファー、ビジュアルアーティストであるノナ・ファスティン（Nona Faustine）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eかつての奴隷貿易に関わる中心的な場所であるが、今では大部分がぼやかされ認知されていないニューヨーク周辺を舞台に撮ったセルフポートレート作品で構成されている。奴隷の競売場、奴隷が眠る埋葬地、農場、奴隷船が停泊していた沿岸地域を訪れ、そこで作者自身が白いハイヒールのみ身に付けたヌードの状態でポーズを取り、撮影を行った。歴史がありありと目に見える場所で自身を記録することで、本作が名前も記憶も失われたままそこに眠る人々と結びつき、導く者・受け入れる者としての役割を果たす。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e静寂でありながら反骨心に満ちたこの自己表現を通じ、作者は征服・骨相学・疑似科学で形成されてしまった黒人の描写史に応える。複雑さを纏う大判のイメージは、奴隷が写る銀板写真（ダゲレオタイプ）と学者によって依頼され撮影された写真をはじめとした資料を参照しながら制作されている。一方、ヌードの姿は、大胆な自己主張でありながら弱さを表現しつつ、西洋美術における黒人と女性のヌードが残した「遺産」を覆している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本作品で一貫して表されているのは、タイトルでもありお守りのような存在である「白い靴」が、過去に、そして未だに白人を優勢だとする文化に有色人種が適応するよう多くのことを要求されていることを示唆している。歴史的かつ推論的でありながら、本作は見えているものと見えていないもの、見せていることと隠されていることの間にある関係性に立ち向かう。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e詩人、パフォーマンス アーティスト、俳優であり、活動家、教育者でもあるパメラ・スニード（Pamela Sneed）、作家であり詩人、脚本家のジェシカ・ラネイ（Jessica Lanay）、美術評論家のセフ・ロドニー（Seph Rodney）によるテキストとラネイによる作者へのインタビューを収録。\u003cspan style=\"color: #2b00ff;\" data-mce-style=\"color: #2b00ff;\"\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eWhite Shoes\u003c\/em\u003e is a collection of self-portraits taken in locations around New York that were central to the city’s once pivotal – and now largely obscured and unacknowledged – involvement in the slave trade. Nona Faustine depicts herself at the sites of slave auctions, burial grounds, slave-owning farms, and the coastal locations where slave ships docked, posing nude apart from a pair of white high-heeled shoes. Documenting herself in places where history becomes tangible, Faustine acts as a conduit or receptor, in solidarity with people whose names and memories have been lost but are embedded in the land.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThrough quiet but defiant self-representation, Faustine responds to a history of depiction of Black people that is shaped by subjugation, phrenology, and pseudo-science. Her complex large-format images refer and respond to a range of sources including daguerrotypes of slaves and photographs commissioned by naturalists, while her nudity — expressive of fearless self-possession as well as vulnerability – subverts the legacy of Black and female nudes in Western art. Running throughout the images, the talismanic white shoes that give the series its name suggest the many adaptations to dominant White culture that were and are still demanded of people of colour.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eAt once historical and speculative, White Shoes confronts the relationship between the visible and invisible, between what is displayed and what is kept from view.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39684731109456,"sku":"9781913620516","price":14300.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/WhiteShoes_01.jpg?v=1647503123"},{"product_id":"book-of-hours-by-kara-walker","title":"BOOK OF HOURS by Kara Walker","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、カラ・ウォーカー（Kara Walker）の作品集。作者の作品群は、性、暴力、被虐に取り憑かれた歴史的物語を切り絵のシルエットで表現し、国内外で高い評価を得ている。2020年から2021年の Covid-19 パンデミックの間、作者は『時祷書』と呼ばれる中世に書かれた祈祷書のスタイルに基づいてドローイング集のシリーズを制作した。謎めいたこれらのイメージ群は、聖書や神話に由来する場面や、歴史的な暴力のイメージ、又、最近の政治的争いを示唆するなど、さまざま時代を横断しているように見える。極めて個人的な性質は、現代の政治的瞬間を理解する手段として、過去と現在の交差点に対する作者の反応を捉えている。ポスター付き。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOver the course of 202-2021, during the pandemic, Kara Walker has produced series of drawings in the style of a medieval 'Book of Hours'. Enigmatic images appear to traverse a range of time periods, from scenes of biblical and mythological origins, to images of historical violence, to others that suggest more recent political strife. The highly personal nature of these images capture Walker's own response to the intersection of past and present as a way to understand our contemporary political moment. The book comes with a poster.\u003c\/p\u003e","brand":"ROMA PUBLICATIONS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39697672077392,"sku":"9789464460070","price":10450.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_c91fd32b-d306-401a-a267-c98158163b3d.jpg?v=1658199304"},{"product_id":"faith-ringgold-by-faith-ringgold","title":"FAITH RINGGOLD by Faith Ringgold","description":"\u003cp\u003eアフリカ系アメリカ人アーティスト、フェイス・リングゴールド（Faith Ringgold）の作品集。ロンドンの「サーペンタイン・ギャラリー（Serpentine Galleries）」が企画し、2020年にスウェーデンの現代美術館「ビルド・ムセアット（Bildmuseet）」、2021年にメリーランド州ポトマックの「グレンストーン美術館\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e（Glenstone Museum）\u003c\/span\u003e」で開催された巡回展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eアーティスト、作家、活動家である作者は、ストーリー\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eキルト\u003c\/span\u003eやアフリカ系アメリカ人の生活を描いた絵画、フェミニスト運動や公民権運動を通じ、アイデンティティや男女の平等性の認識を探り、壊してきた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本展では、1960年代から現在に至るまでの絵画、\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eストーリー\u003c\/span\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eキルト\u003c\/span\u003e、政治ポスターのシリーズに焦点を当てている。本書は「グレンストーン美術館」で展覧会が開催された際に拡大版として刊行され、作品のほか、作家であり学者のミシェル・ウォレス（Michele Wallace）が寄稿したエッセイのほか、作者へのインタビューなどを収録。キュレーターのハンス・ウルリッヒ・オブリスト（Hans Ulrich Obrist）によるインタビューでは、ハーレムでの暮らしや1960年代公民権運動、インスピレーション源、ストーリーテリングと言論の自由を行使することに対する情熱について語る。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis catalog is published for her international traveling exhibition organized by the Serpentine, London, which traveled to Bildmuseet, Sweden, in 2020 and opens at Glenstone Museum, Potomac, Maryland, in 2021. Focusing on several series of paintings, story quilts and political posters from the 1960s to today, the book includes two texts by Michele Wallace that interweave Ringgold’s biography with the chronology of works in the exhibition. In an extensive interview, Hans Ulrich Obrist and Ringgold discuss her life in Harlem, the civil rights movement of the 1960s, her inspirations and her passion for storytelling and exercising her freedom of speech. The book also documents the expanded scope of the exhibition at the Glenstone Museum, which includes key examples of Ringgold’s soft sculpture and rare experiments with pure abstraction.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"WALTHER KÖNIG","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39718793183312,"sku":"9780999802960","price":7480.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_df6fb087-8733-4f16-a55e-825509f641dc.jpg?v=1653359360"}],"url":"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/black-culture.oembed?page=6","provider":"twelvebooks","version":"1.0","type":"link"}