{"title":"ART","description":"","products":[{"product_id":"neighbors-by-roe-ethridge","title":"NEIGHBORS by Roe Ethridge","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人アーティスト、ロー・\u003cspan\u003eエス\u003c\/span\u003eリッジ（Roe Ethridge）の作品集。北アメリカでの初個展開催に伴い発行。商業写真、コンセプチュアルなアート写真、個人的な写真の距離や境界を、概して皮肉を含んで笑うように壊して来たエスリッジの15年以上に渡る写真作品を収録している。本書は3つのチャプターによって構成され、第2章においては初期の自費出版から最近の作品にまで及ぶ。またそのセクションを挟むように最初と最後の章では、灰色の家族写真や地方の海岸、七面鳥や豚やヤギなどの家畜の写真を用い、彼の特徴とも言える無表情なスタイルで作られたほぼ理解不可能な作品が並ぶ。ありふれた奇妙さや可笑しさを描き出しながら、あえて読者を酔わせるようなイメージ構成で、エスリッジが進化する様を闇雲に辿る。またイメージの制作と鑑賞の差異に現れてくる異常性への味付けとして、それぞれのジャンルの言葉の比喩も破壊している。エスリッジの活動の途中から彼をキュレートして来たケビン・ムーアによる、「\u003cem\u003eNearest Neighbor\u003c\/em\u003e」(FotoFocus Biennial 2016での展示にも繋がった作品)の解説も収録。このタイトルは、デジタルイメージのサイズを圧縮する機能の名称の1つである「ニアレストネイバー法」に由来。また、本書のタイトル「\u003cem\u003eNeighbours\u003c\/em\u003e（隣人、仲間）」は、自分も含め友人や家族の写真を作品によく取り入れるエスリッジの性質を暗に示しており、それは自身の手による編集や作品のテーマにも現れている。感傷的な写真と商業的な写真の間に生じる違いや特徴を嘲笑いながら、我々の生活の中で生まれるものとそれを互いに繋ぐもの、その両方のイメージの層の中に潜む一見ありふれたものをエスリッジは追求する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/blogs\/articles\/conversation-roe-ethridge-fumi-ishino\" target=\"_blank\"\u003e対談：ロー・エスリッジ（写真家） × ⽯野郁和（写真家）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003eCoinciding with his first solo museum exhibition in North America, \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eNeighbors\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e presents more than 15 years of Roe Ethridge’s photographs, which typically and wryly collapse distinctions between commercial, conceptual and personal uses of photography. Divided into three ‘chapters’, the central section spans the American photographer’s entire oeuvre, from his early self-published projects to his most recent work, bookended by two almost inscrutable series in his signature deadpan style: family snapshots of grey, rural beach scenes, and images of farm animals – turkey, pigs, goats ­– to conclude. Rendering the mundane peculiar, hilarious even, \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eNeighbors\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003ehaphazardly traces the evolution of Ethridge’s attempt to bombard his viewers with a heady mixture of imagery, subverting the stylistic tropes of each genre as it relishes in the oddities of image-making and viewing. \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eIncluded in \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eNeighbors\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e is an essay by Kevin Moore, the curator of Ethridge’s mid-career survey \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eRoe Ethridge: Nearest Neighbor,\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e which leads the 2016 FotoFocus Biennial at the Contemporary Arts Center in Cincinnati, Ohio. The title of the exhibition refers to the photographic term “nearest neighbor”, a type of sampling used when resizing a digital image. Like the title of the book, it also alludes to the personal nature of Ethridge’s work, as he frequently includes his family and friends, as well as himself, as subjects in his images, including his editorial assignments. Flouting distinctions between sentimental and commercial photography, Ethridge's practice explores the ways in which our daily immersion in layers of imagery both mediate and generate meaning in our lives.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/blogs\/articles\/conversation-roe-ethridge-fumi-ishino\" target=\"_blank\"\u003eCONVERSATION：Roe Ethridge（Photographer）x Fumi Ishino（Photographer）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30447110092,"sku":"9781910164723","price":7920.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/170131_10791.jpg?v=1571703833"},{"product_id":"sterne-by-thomas-ruff","title":"STERNE by Thomas Ruff","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eドイツ人フォトグラファー\u003cspan class=\"s1\"\u003e、トーマス・ルフ\u003c\/span\u003e（Thomas Ruff）の作品集。天文学への情熱から自前の機材で夜空の写真を撮ることに挑むも、性能的に自身が思い描く星座のイメージを捉えることが出来なかった作者が、チリ・アンデスにあるヨーロッパ南天天文台（\u003cspan class=\"s1\"\u003eEOS\u003c\/span\u003e）の観測記録用望遠鏡を用いて撮影した作品を収録。現代の科学技術の進歩により、人間の体感できる距離が変化してきていることを表現している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eRuff has always had a fascination with astronomy. His attempt at photographing the night sky failed due to the lack of detail captured in the pictures taken. Ruff's equipment could not render the detail he wanted as well as air and light pollution added to the difficulties of capturing the beautiful constellations. Ruff's solution was to take observation shots from the European Southern Observatory (ESO) based in the Andes in Chile.\u003c\/p\u003e","brand":"MÖREL","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30447876748,"sku":"","price":13200.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_STERNE_THOMAS_RUFF.jpg?v=1571703833"},{"product_id":"buon-fresco-by-tacita-dean-signed","title":"BUON FRESCO by Tacita Dean [SIGNED]","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eベルリンを拠点として活動するイギリス人アーティスト、タシタ・ディーン（Tacita Dean）の作品集。フランチェスコ会の創設者 ”アッシジのフランチェスコ” は、聖人を人間らしくした聖人で、ごく普通の身体と普通の欲望を持つ1人の人間であった。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「フランチェスコは自分の衝動を沈めるために裸で雪の中を転げ回り、今まだウンブリアの丘と森に通っている道々を歩んだ。フランチェスコが懸念していたことは現代的だった。例えば地球への愛情はエコロジーであり、生き物や動物福祉、慈悲心への理解は現代の社会学的であった。また、彼は人間が現実的に目指すことのできる聖人だった。なぜなら彼の人間性、人間らしさは死から免れることの出来ない我々人間の手の届く場所にあったからである。」\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eBuon Fresco\u003c\/em\u003e」(2014) の中で作者は、作家自身と同じ視点で絵画を見るために、マクロレンズを使用してアッシジにあるバシリカ式教会堂に描かれた、ジョットのフレスコ画のディテールを映した。聖フランチェスコが聖人を人間らしくすることと並行して、ジョットは絵画の中で人々を人間らしく描き、そしてそのことはアートの歴史上非常に重要な出来事となった。フレスコ画は遠くから鑑賞できるものであるため、本書は細部の啓示的な視点とジョットのブラシストロークの精巧さを見ることができ、当時の西洋画の規範を予測し得るものでもある。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003eSt Francis of Assisi was the saint who humanised sainthood. He was a man with an ordinary body and ordinary desires. As Tacita Dean writes, 'He rolled naked in the snow to quell his urges and trod the land on paths and roads that are still wending their way through the hills and forests of Umbria today…. His concerns are contemporary: his love of the earth is ecology, his care for its creatures, animal welfare, and his understanding of his fellow humanity is modern-day social science. He is the saint whom mankind can realistically aspire to emulate, because his humanness, his humanity lies just within our mortal reach.' In her work, \u003cem\u003eBuon Fresco\u003c\/em\u003e, 2014, Dean filmed details of Giotto's frescos in the Upper Basilica in Assisi using a macro lens, in order, she said, to have the perspective of the artist himself. Giotto humanised the depiction of people in painting in a parallel way to St Francis's humanising of sainthood, and this moment, when the radical artist depicted the radical saint is an extremely important juncture in the history of art. Frescoes are meant to be seen from a distance, so this book provides a revelatory view of the minutiae and sophistication of Giotto's brushstrokes, which at times anticipates the future canon of mark marking in Western painting.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30448488268,"sku":"","price":18700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160324_4831.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"nature-politics-by-thomas-struth","title":"NATURE \u0026 POLITICS by Thomas Struth","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eドイツ人アーティスト、トーマス・シュトゥルート（Thomas Struth）の作品集。同名の展覧会（2016）に伴い出版され、展示された30作品を含む65作品を収録。1978年から2010年の作品を集約した回顧展以降に作者が撮影した写真で構成されており、近年の作品を最も広範囲に網羅しているといえる一冊。作者は、建築・ポートレート・風景、最近では科学技術研究所など、それぞれ異なる分野においてその場単体のイメージを独自の視点で作り上げるスタイルで知られて、本書では作者にとって今最も重要とされる研究テーマ「テクノロジーと建造的な風景」を表現する為、徹底的に自身の持つ多様な問い、疑問を追求している。物理学研究所や、製薬工場、宇宙ステーション、造船所、核施設、手術室といった、技術産業や科学的な研究が生み出した場所を撮影。特に現代社会において革新的とされている機器や、人類の英知を結集したような建造物を選んでいる。このような被写体を写した作品は、構造的な複雑性の記録を通して革新や実験の美学とは何かを探り、先進的な技術が及ぼす目に見えない支配力や影響力の構造を示唆している。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003eThis catalogue accompanies a museum exhibition of the latest work of German artist, Thomas Struth. The touring show focuses on photographs Struth has made since his last major retrospective, which covered the years 1978–2010. The catalogue comprises 65 works (plus details) and includes all of the 30 works in the exhibition to create the most comprehensive book of Struth’s recent work. Thomas Struth is renowned for his practice of creating singular images, each within strictly segregated subject fields: architecture, portraiture, landscape and, most recently, sites of technological and scientific research. \u003cem\u003eNature \u0026amp; Politics\u003c\/em\u003e explores in depth diverse strands of Struth’s enquiry, whilst also elaborating the interstices between them, to present the most significant current monograph of the artist’s work. In recent years technology and the constructed landscape have become overarching subjects for Struth. Photographing at sites of techno-industrial and scientific research, including physics institutes, pharmaceutical plants, space stations, dockyards, nuclear facilities and operating theatres – he has focused on machines which are some of the transformative instruments of our contemporary world, and edifices of technological production where the heights of human knowledge are enacted, debated and advanced. These works explore the aesthetics of innovation and experimentation through the recording of structural complexities and allude to the hidden structures of control, power and influence exerted by advanced technologies. In the same period, Struth was working on two quite distinct projects. The first was Disneyland, a theme park which was famously constructed by reference to Walt Disney's memories of his trips across Europe, transforming the passive experience of watching and of fantasy into a latent reality in California. Struth was attracted to this ultimate human-crafted environment, where technology has facilitated the materialisation of images from Walt Disney's imagination. The second project was the contested landscape of Israel and Palestine where Struth created a series of images which collapsed his strict subject fields, producing urban landscapes, portraits, landscapes and photographs of technology. Each photograph is a fragment which attempts to grasp the circumscribed reality of a region where coexistence has failed. Struth seeks, in his own words, “to open the doors to what our minds have materialised and transformed into sculpture and to scrutinise what our contemporary world has created in places which are not accessible to most people.” His images penetrate and report on the material spaces of the human imagination, and they are born from an accelerated moment when technology and the image industry have brought physical reality and the imagination closer together.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30448559948,"sku":"9781910164471","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160324_4842.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"spirit-is-a-bone-by-adam-broomberg-oliver-chanarin","title":"SPIRIT IS A BONE by Adam Broomberg \u0026 Oliver Chanarin","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eロンドンを拠点に活動するアーティストデュオ、アダム・ブルームバーグ \u0026amp; オリバー・チャナリン（Adam Broomberg \u0026amp; Oliver Chanarin）の作品集。ロシアのフェミニスト・パンク・ロック集団「プッシー・ライオット」のメンバー、エカテリーナ・サムツェビッチ（Yekaterina Samutsevich）やモスクワ市民らが収められているこの一連のポートレイトは、ロシア政府がモスクワでの公安や国境警備のために開発された最新の顔認識システムによって描き出されたものである。しかし、ここで結果的に出来上がったポートレイトは容易に回転しやすく詳しく精査出来る3Dの複製された顔であり、写真というよりはデジタルライフマスクに類似している。この顔認識システムカメラにおける重要な点は、被写体の同意無しにポートレイトを撮影することを意図して設計されていることで、その構造として、4つのレンズが連動し、被写体自身が撮影されていることに気づいていなくても、表面的にカメラを見ているところからその人の正面写真を生成する。このシステムは地下鉄やスタジアム、コンサートホールなどの混雑した公共の場所での顔認識や、他には普段は写真を撮られることを拒む人々の写真を撮る為に考案された。作者は、現代ロシアにおけるこのポートレイト群を、アウグスト・ザンダー（August Sander）の重要な作品『Citizens of the Twentieth Century』に習い、一連のポートレイト配役を職種に従って分類。しかし、最新技術を駆使しているにも関わらず、これらのポートレイトは解像度がとても低い上に部分的に分解しており、つまりこのカメラはいかに正確に顔の各パーツを認識しそれを3D化出来るかに目標が設定されており、ザンダーのように個々のキャラクターを捉える機能は備えていないことの証明にもなる。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003eThe series of portraits in this book, which include Pussy Riot member Yekaterina Samutsevic and many other Moscow citizens, were created by a machine: a facial recognition system recently developed in Moscow for public security and border control surveillance. The result is more akin to a digital life mask than a photograph; a three-dimensional facsimile of the face that can be easily rotated and closely scrutinised. What is significant about this camera is that it is designed to make portraits without the co-operation of the subject; four lenses operating in tandem to generate a full frontal image of the face, ostensibly looking directly into the camera, even if the subject himself is unaware of being photographed. The system was designed for facial recognition purposes in crowded areas such as subway stations, railroad stations, stadiums, concert halls or other public areas but also for photographing people who would normally resist being photographed. Indeed any subject encountering this type of camera is rendered passive, because no matter which direction he or she looks, the face is always rendered looking forward and stripped bare of shadows, make-up, disguises or even poise. Co-opting this device, Broomberg \u0026amp; Chanarin have constructed their own taxonomy of portraits in contemporary Russia. Echoing August Sander’s seminal work, \u003cem\u003eCitizens of the Twentieth Century\u003c\/em\u003e, Broomberg \u0026amp; Chanarin have made a series of portraits cast according to professions. But their portraits are produced with this new technology, with little if any human interaction. They are low resolution and fragmented. The success of these images is determined by how precisely this machine can identify its subject: the characteristics of the nose, the eyes, the chin, and how these three intersect. Nevertheless they cannot help being portraits of individuals, struggling and often failing to negotiate a civil contract with state power. This book is the result of a series of encounters, interactions and conversations between Broomberg \u0026amp; Chanarin and the photography collections at the Library of Birmingham made possible by a commission from GRAIN and the Library with support from the Arts Council of England. \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30448577356,"sku":"9781910164181","price":7920.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160204_3911.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"shelter-island-by-roe-ethridge","title":"SHELTER ISLAND by Roe Ethridge","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人アーティスト、ロー・エスリッジ（Roe Ethridge）の作品集。本書は作者が家族と共にニューヨークのロングアイランドでひと時の夏を過ごした際に撮影した作品を収録。滞在用に借りた家で、彼らはガレージに残された様々な物や、他の家族によって捨てられたままとなった物を見つける。プラスチック製バットや埃を被ったコーラのボトル、水に浸かり萎れてしまった凧といった色あせていった物達は幼少期の夏を思い出させ、昔のアメリカの情緒を彷彿とさせるライトモチーフとなる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/blogs\/articles\/conversation-roe-ethridge-fumi-ishino\" target=\"_blank\"\u003e対談：ロー・エスリッジ（写真家） × ⽯野郁和（写真家）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/span\u003e\u003cem\u003eShelter Island\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e comprises a body of work made by Roe Ethridge during a summer stay in Long Island, New York. Renting an all-American kit house, Ethridge and his family discovered objects stowed in the garage, things discarded by a different family and from a different moment in time. The faded objects, which are leitmotifs of an Americana of the past, speak of a lifetime of childhood summers: dusty Cola bottles, a plastic bat or fallen kite. In Ethridge’s work, the passage of time, and youth itself, is both acutely personal and stylised, in images that are at once synthetic and spontaneous, laden with familiar photographic tropes which are shown to us askance.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/blogs\/articles\/conversation-roe-ethridge-fumi-ishino\" target=\"_blank\"\u003eCONVERSATION：Roe Ethridge（Photographer）x Fumi Ishino（Photographer）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp class=\"p1\"\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30448614988,"sku":"","price":3300.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160204_3870.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"a-handful-of-dust-by-david-campany","title":"A HANDFUL OF DUST by David Campany [SECOND EDITION]","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eイギリス人のキュレーター、ライター、そしてアーティストでもあるデヴィッド・カンパニー（David Campany）が、2015年にパリの現代写真センター「LE BAL」の5周年記念展としてキュレーションした展覧会「a Handful of Dust - from the Cosmic to the Domestic」の為にLE BALとMACKが共同発行した図録。本展覧会企画に当たり、作者が着想を得たのは、1922年にマルセル・デュシャンの作品「大ガラス」に積もった埃をマン・レイが撮影し、後に「埃の培養」と名付けられた作品。その写真は抽象的であり、写実的であると共 に、アートワークでありドキュメンタリーでもあった。通常、衛生的理由や産業的理由からもその存在が排除の対象となってきた「埃」がモチーフとなっている写真・ビデオ作品を新旧の著名作家及び匿名の新聞掲載写真、ポストカード、雑誌の切り抜きなどから幅広く集め、まとめられている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e主な作品収録作家：マン・レイ（Man Ray）, ジョン・ディボラ（John Divola）, モナ・クーン（Mona Kuhn）, ゲルハルト・リヒター（Gerhard Richter）, ニック・ワプリントン（Nick Waplington）, ジェフ・ウォール（Jeff Wall）など\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003ea Handful of Dust\u003c\/em\u003e is David Campany’s speculative history of the last century, and a visual journey through some of its unlikeliest imagery. Let’s suppose the modern era begins in October of 1922. A little French avant-garde journal publishes a photograph of a sheet of glass covered in dust. The photographer is Man Ray, the glass is by Marcel Duchamp. At first they called it a view from an aeroplane. Then they called it Dust Breeding. It’s abstract, it’s realist. It’s an artwork, it’s a document. It’s revolting and compelling. Cameras must be kept away from dust but they find it highly photogenic. At the same time, a little English journal publishes TS Eliot’s poem \u003cem\u003eThe Waste Land.\u003c\/em\u003e “I will show you fear in a handful of dust.” And what if dust is really the key to the intervening years? Why do we dislike it? Is it cosmic? We are stardust, after all. Is it domestic? Inevitable and unruly, dust is the enemy of the modern order, its repressed other, its nemesis. But it has a story to tell from the other side.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30448879500,"sku":"9781910164969","price":9680.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160112.14_2820.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"the-dailies-by-thomas-demand","title":"THE DAILIES by Thomas Demand","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eベルリンとロサンゼルスを拠点に活動するドイツ人アーティスト、トーマス・デマンド（Thomas Demand）の作品集。作者は普段制作したペーパー・スカルプチャーを写真に収めた後、それを壊すことで知られ、その結果として出来た本シリーズ作品には消費されたものの痕跡や、取り残されたものの姿としての残骸が映されている。作者は旅行や散歩の途中で見たものを作品のベースとし、一見ありふれている様でありながら手が届かない世界を描く。撮影されたカラフルな洗濯バサミはロープの上で踊っている様で、日常と錯覚の中間を漂っている。デマンドの作品は観る者を紙で造られた異世界へと誘う。そのペーパー・スカルプチャーの不完全さが実在する物との不一致を目立たせ、現実と写真の関係を複雑にする。デマンドはこのシリーズを俳句の様だという。集められたシンプルな欠片が熟考を引き起こす。日常的な物がデジャヴのきっかけとなり、普通でありながら新しい美しさに気付かされる。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003eWorking within the parameters of his established technique, Thomas Demand created carefully formed paper and card sculptures, a parallel world which is photographed and then destroyed. \u003cem\u003eThe Dailies\u003c\/em\u003e offers only traces – signs of consumption, or the spectres of things left behind. His creations are based on things he saw and photographs he took while travelling and walking the street. They show a world that is familiar but out of reach, like the dancing coloured pins on a clothesline, suspended somewhere between the overfamiliar and the hallucinatory – as if a chance apparition, glimpsed momentarily, before it vanishes into its habitat. The images lure the viewer into a mirror world, a twin universe made only of paper. But the imperfect models are awash with discrepancies from actual things, and as such, they act as small ruptures that complicate the old indexical bond between a photograph and reality. Demand describes the series as Haiku poetry, simple fragments strung together to inspire reflection; they are the stock of our daily lives, but as they trigger deja vu through performed repetition, they ask us to look again, anew, to find in the repertoire an ordinary but redemptive beauty.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30448966732,"sku":"9781910164402","price":5775.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/151028_2536.jpg?v=1571703834"},{"product_id":"blossom-by-thomas-demand-ben-lerner","title":"BLOSSOM by Thomas Demand \u0026 Ben Lerner","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eドイツ人アーティストのトーマス・デマンド（Thomas Demand）とアメリカ人小説家・詩人のベン・ラーナー（Ben Lerner）の文章で構成されるコラボレーション作品集。紙で丁寧に創られた “Blossom = 桜” のイメージは、2013年5月4日にニューヨークタイムズ紙に掲載された、同年4月に起こったボストンマラソン爆弾テロ事件のタメルラン・ツァルナエフ容疑者の妻、キャサリン・ラッセルの写真に関連している。デマンドの作品は撮影され、壊され、見る人を目の前にある現実とは違った、仮想現実の世界へと引き込み、そこへラーナーの文章を添えることにより、デマンドの写真にまた新たな解釈が提案されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/news.artnet.com\/art-world\/prada-1805898\" target=\"_blank\"\u003e記事：Conceptual Photographer Thomas Demand on Why He Decided to Anonymously Design a Store Window for Every Prada Boutique in the World（artnet news \/ 英語）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003cem\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003eThe texts and images presented here are part of \u003cem\u003eBlossom\u003c\/em\u003e, a collaboration between the artist Thomas Demand and writer Ben Lerner. The images relate to a detail from a photograph of Katherine Russell, widow of Tamerlan Anzorovich Tsarnaev leaving her home in Boston, that first appeared in the New York Times on 4 May 2013. \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eThomas Demand’s work lures the viewer into a reality that is not what it appears to be. Carefully contrived from paper, these imaginary worlds are sculpted, photographed and destroyed. The traces which remain are events in which the protagonist is removed, scenes that are both familiar and out of reach.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/news.artnet.com\/art-world\/prada-1805898\" target=\"_blank\"\u003eArticle: Conceptual Photographer Thomas Demand on Why He Decided to Anonymously Design a Store Window for Every Prada Boutique in the World（artnet news）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30449212684,"sku":"9781907946561","price":15400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150602_1135.jpg?v=1571703835"},{"product_id":"blossom-by-thomas-demand-ben-lerner-signed","title":"BLOSSOM by Thomas Demand \u0026 Ben Lerner [SIGNED]","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eドイツ人アーティストのトーマス・デマンド（Thomas Demand）とアメリカ人小説家・詩人のベン・ラーナー（Ben Lerner）の文章で構成されるコラボレーション作品集。紙で丁寧に創られた “Blossom = 桜” のイメージは、2013年5月4日にニューヨークタイムズ紙に掲載された、同年4月に起こったボストンマラソン爆弾テロ事件のタメルラン・ツァルナエフ容疑者の妻、キャサリン・ラッセルの写真に関連している。デマンドの作品は撮影され、壊され、見る人を目の前にある現実とは違った、仮想現実の世界へと引き込み、そこへラーナーの文章を添えることにより、デマンドの写真にまた新たな解釈が提案されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/news.artnet.com\/art-world\/prada-1805898\" target=\"_blank\"\u003e記事：Conceptual Photographer Thomas Demand on Why He Decided to Anonymously Design a Store Window for Every Prada Boutique in the World（artnet news \/ 英語）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003cem\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/em\u003eThe texts and images presented here are part of \u003cem\u003eBlossom\u003c\/em\u003e, a collaboration between the artist Thomas Demand and writer Ben Lerner. The images relate to a detail from a photograph of Katherine Russell, widow of Tamerlan Anzorovich Tsarnaev leaving her home in Boston, that first appeared in the New York Times on 4 May 2013. Thomas Demand’s work lures the viewer into a reality that is not what it appears to be. Carefully contrived from paper, these imaginary worlds are sculpted, photographed and destroyed. 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No image exists that overcomes this division.\u003c\/em\u003e - Ulrich Loock\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis book brings together sixteen photographs made by Thomas Struth in Israel and the Israeli-occupied West Bank in 2009, 2011 and 2014. Struth continued his practice of creating singular images, each within one of the strictly segregated subject fields he has developed through his career: street photographs, portraits, landscapes and photographs of high technology. Each image carries the enduring complexity and visual distillation of human experience for which Struth is known. Approaching the sheer diversity and quiddity of the inhabited world, he attempts to represent what he has referred to as “a particle of the conflict of the region”, to photograph, fragment by fragment, the conflicted political and social landscape. Ulrich Loock proposes in his essay in the book that this series of images is unified by “strata of antitheses [which] reveal themselves as a matrix running through the work”, as Struth attempts to grasp the circumscribed reality of a region where coexistence has failed, a reality that is inaccessible to photography.  In some ways, this extraordinary body of work is a departure from Struth’s traditional practice: all exposures are related to one single geographical and political reality, as if Struth found every aspect of his photographic vision in one place, and as though Israel and the West Bank were a geographical container for the scope of the human condition.\u003cstrong\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30449881932,"sku":"9781910164129","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150330_4503.jpg?v=1571703835"},{"product_id":"two-frame-films-2006-2012-by-luke-fowler","title":"TWO FRAME FILMS (2006-2012) by Luke Fowler","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003e2012年にターナー賞へノミネートされているイギリス人映像作家、ルーク・ファウラー（Luke Fowler）の作品集。35ミリフィルムのハーフカメラを使用して制作された作品を収録。対のイメージを提示することで撮影によって生じる物事の展開やストーリー性、またそれぞれのイメージの近接さや遠隔さが次々と明らかにされ、鑑賞者に可視終着点へと結びつけようとしている。グラスゴー大学の社会学教授\u003cspan\u003eHarvie Ferguson\u003c\/span\u003eと、作者と多数の共作を発表している日本人作家、角田俊也によるテキストを収録。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003e‘The strength of montage lies in the fact that it involves the spectator’s emotions and reason. The spectator is forced to follow the same creative path that the authors followed when creating the image.’\u003c\/em\u003e - S. Eisenstein, \u003cem\u003eThe Film Sense\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp class=\"p1\"\u003e\u003cem\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003ePrimarily known for his film work, Luke Fowler’s \u003cem\u003eTwo-Frame Films\u003c\/em\u003eexplores the relationship between the artist and the still-image. Fowler uses a half-frame camera whose obsolescent format forces the printing of two images in one standard 35 mm frame. Considered as a whole, the paired images reveal an event unfolding – a meaningful narrative posed by photographic sets, sometimes close in temporal proximity (the blink of time passing, perhaps), while at other times, the intervals are more expansive, challenging the viewer to connect visible terminal points in a satisfying way. Fowler experimented with different film stocks, subjects and framing, and the images are inextricably linked to his filmmaking as evidenced by the elements of montage, colour and reflectivity that permeate the series. In both still and moving image, Fowler considers how an event might be abstracted by the camera apparatus in a subjective ordering of reality that is emphasised by the dialectic between paired images. The photographs are a means of personally testing the ability of the camera to authentically bear witness to an event, and its fallibility as a medium of representation.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30449951180,"sku":"","price":11550.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150303_3703.jpg?v=1571703835"},{"product_id":"sacrifice-your-body-by-roe-ethridge","title":"SACRIFICE YOUR BODY by Roe Ethridge","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人アーティスト、ロー・エスリッジ（Roe Ethridge）の作品集。本書では、作者の母親の故郷であるアメリカ・フロリダ州の大西洋岸に位置する「パームビーチ」での私的なドキュメント写真を中心に、ファッションフォトの不採用作品やシュールリアリズムなコラージュ作品が断片的でありながら独特のストーリー性を感じさせるように構成され、作者が高く評価されるその編集能力が発揮された1冊となっている。NYの出版社「KARMA」を運営するデザインチーム「An Art Service」によるタイトル・デザイン。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/blogs\/articles\/conversation-roe-ethridge-fumi-ishino\" target=\"_blank\"\u003e対談：ロー・エスリッジ（写真家） × ⽯野郁和（写真家）\u003cbr\u003e\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/em\u003eRoe Ethridge’s practice is that of a restless maverick and his constantly evolving visual sensibility has spawned a myriad of copyists in what has become known as ‘the new school of synthetic photography’. In this his latest artist book, Ethridge conflates a rich array of photographic tropes, combining personal documentary images made in western Palm Beach County, his mother’s childhood home, with surreal collage works, and a series discarded from a Chanel fashion shoot. These are interwoven with what appears to be a carefully directed scene depicting a teeth-white Durango SUV sinking into and then being retrieved from a canal. The clash of visual styles, histories and meaning establish a flatline of dissonance underscored by the touchline admonition of the neon title - \u003cem\u003eSACRIFICE YOUR BODY\u003c\/em\u003e. Ethridge's storytelling invokes a sense of discomfit akin to David Lynch’s film-making, a lucid undermining of veracity and morality and the ingrained materiality that underpins American life.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/blogs\/articles\/conversation-roe-ethridge-fumi-ishino\" target=\"_blank\"\u003eCONVERSATION：Roe Ethridge（Photographer）x Fumi Ishino（Photographer）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30450953420,"sku":"9781907946615","price":14300.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_Sacrifice-Your-Body_Roe-Ethridge.jpg?v=1571703836"},{"product_id":"sacrifice-your-body-by-roe-ethridge-signed","title":"SACRIFICE YOUR BODY by Roe Ethridge [SIGNED]","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人アーティスト、ロー・エスリッジ（Roe Ethridge）の作品集。本書では、作者の母親の故郷であるアメリカ・フロリダ州の大西洋岸に位置する「パームビーチ」での私的なドキュメント写真を中心に、ファッションフォトの不採用作品やシュールリアリズムなコラージュ作品が断片的でありながら独特のストーリー性を感じさせるように構成され、作者が高く評価されるその編集能力が発揮された1冊となっている。NYの出版社「KARMA」を運営するデザインチーム「An Art Service」によるタイトル・デザイン。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/blogs\/articles\/conversation-roe-ethridge-fumi-ishino\" target=\"_blank\"\u003e対談：ロー・エスリッジ（写真家） × ⽯野郁和（写真家）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/em\u003eRoe Ethridge’s practice is that of a restless maverick and his constantly evolving visual sensibility has spawned a myriad of copyists in what has become known as ‘the new school of synthetic photography’. In this his latest artist book, Ethridge conflates a rich array of photographic tropes, combining personal documentary images made in western Palm Beach County, his mother’s childhood home, with surreal collage works, and a series discarded from a Chanel fashion shoot. These are interwoven with what appears to be a carefully directed scene depicting a teeth-white Durango SUV sinking into and then being retrieved from a canal. The clash of visual styles, histories and meaning establish a flatline of dissonance underscored by the touchline admonition of the neon title - \u003cem\u003eSACRIFICE YOUR BODY\u003c\/em\u003e. Ethridge's storytelling invokes a sense of discomfit akin to David Lynch’s film-making, a lucid undermining of veracity and morality and the ingrained materiality that underpins American life.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/blogs\/articles\/conversation-roe-ethridge-fumi-ishino\" target=\"_blank\"\u003eCONVERSATION：Roe Ethridge（Photographer）x Fumi Ishino（Photographer）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003cem\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30450992844,"sku":"","price":8800.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_Sacrifice-Your-Body_Roe-Ethridge_c9e6c826-a374-4d3f-94fa-e2dec8cc9e3e.jpg?v=1571703836"},{"product_id":"8-women-by-collier-schorr","title":"8 WOMEN by Collier Schorr","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人フォトグラファー、コリエ・ショア（Collier Schorr）の作品集。「アプロプリエーション（盗用）」という既存のイメージを自作のなかに取り込む技法を用いて、90年代半ばから現在までに撮影してきた自身のファッションフォトを活用し制作された作品を収録。本作を通じて著者（オリジナル）と欲望（サンプリング）の問題に取り組むと共に、女性描写に対する議論に、女性側の視点を導入させた作品となっており、モデルやミュージシャン、アーティストなどパフォーマンスに携わる全ての人の様々なテーマを提議している。Richard Princeによる序文つき。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003eCollier Schorr’s latest book \u003cem\u003e8 Women\u003c\/em\u003e presents work which spans from the mid-nineties to the present. Schorr’s earliest works utilised appropriated adverts from fashion magazines to address issues of authorship and desire; the works introduced a female gaze into the debate about female representation. Appropriation was Schorr’s first medium and in some sense she returns to it, taking her own commissioned fashion images and folding them into a dialogue with other works. The works in \u003cem\u003e8 Women\u003c\/em\u003e propose a variety of subjects, all of whom are involved in performance, be it as artists, models or musicians. Schorr, who has been working in fashion for the last 10 years, created sets that doubled as her studio, teasing out images that could only be made with a subject that could travel between the object of desire and the enforcer of an identity crafted in that very moment. Working between out-takes and manipulations of tear sheets, Schorr questions who the women that desire to be looked at are, as well as what power exists in acknowledging that as a post-feminist position.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30451011148,"sku":"9781907946424","price":9350.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/140407_66308.jpg?v=1571703836"},{"product_id":"a-partial-eclipse-by-martin-boyce","title":"A PARTIAL ECLIPSE by Martin Boyce","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003e2011年ターナー賞受賞アーティストで、スコットランド・グラスゴーを拠点とする彫刻家、マーティン・ボイス（Martin Boyce）の作品集。本作は作者自身によって撮られた写真の中から、タイトル「A Partial Eclipse = 部分日食」をコンセプトに薄暗い色彩のものが集められ、ブックデザイン面でも本紙がグラデーションになっているなど細部までコンセプトに沿った編集が施されている。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003eMartin Boyce is known for his large installation work in sculpture, creating angular replications of the world around him, finding meaning in everyday surroundings and working steel structures into amplifications of these moments in space and time.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e“It's all about landscape, I’m interested in the psychological landscape, the physical landscape, the built environment, the things we pass through everyday and then occasionally catch a glimpse of and maybe see something that has a meaningful resonance.”\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003cem\u003eA Partial Eclipse\u003c\/em\u003e brings together photographs from an on-going private library of images which feeds into Boyce’s work. The images adopt a sombre and darkened palette, as if the light has been stolen from each photograph creating the illusion of a mythical perma-dusk allowing us to see the world as Boyce sees it. Images of trees and foliage permeate the collection, ellipses and perforations reoccur, patterns of cracks, fractures and spider webs repeat and thresholds appear in the form of windows and doorways. Hundreds of photographs were edited down until the shape of a book emerged. The series creates the feeling of stillness and distance between the viewer and photograph. Printed on double sided paper, the photographs reflect blurrily in the coated page opposite it’s matte brother. The book as an object extends the experience of distance through its design, keeping the darkened images enclosed and projected between the folds of paper.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30451560460,"sku":"9781907946325","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/140407_66429.jpg?v=1571703837"},{"product_id":"imitation-of-christ-by-william-e-jones","title":"IMITATION OF CHRIST by William E. Jones","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ・オハイオ出身のアーティスト・映像作家、ウィリアム・ジョーンズ（William E. Jones）がロサンゼルスのハマー美術館で開催された「ハウスゲスト」という展覧会で企画した「キリストの模倣」展に併せて制作された作品集。ルネサンスやバロック版画、ドキュメンタリー写真、ラテンアメリカの現代アートやレアブックなど様々なイメージを用いながら、キリストを革命家に据えることからアートにおける宗教性との関係性などを検証している。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003e“My Jesus was a real person who did not perform miracles and was not resurrected after death. He was a political revolutionary who, in the face of circumstances that appeared hopeless, succeeded revolutionising the spirit.”\u003c\/em\u003e - William E. Jones\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis illustrated essay, by US artist William E. Jones, was born from a collection of images selected from the Hammer Museum archive in LA. Jones unearthed a striking photograph by Pedro Meyer of a wounded guerrilla fighter in Nicaragua during the early 80s. This image became a prism for his selection of a further 45 images from the archive, ranging from Renaissance and Baroque prints to documentary photographs, modern Latin American art and rare books. This hybrid essay, built from both text and image, confronts two conflicting questions: how is it possible to make an image of revolution, and how is it possible to make a religious image? Examining the parallels between images of revolution and religion, Jones explores connections between images inspired by the life of Jesus across history, and documents that are spawned from moments of revolution: the Paris Commune of 1871, Nicaragua's revolution 1979; the writing of Soviet spy Anthony Blunt in 1940. The materials were drawn from the collection of the Grunwald Center for the Graphic Arts at the Hammer Museum and from the Charles E. Young Research Library Department of Special Collections, for the Houseguest series with the Hammer Museum where artists are invited to curate an exhibition based on the museum’s and UCLA’s diverse collection.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30451597196,"sku":"9781907946394","price":7480.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/140407_66324.jpg?v=1571703837"},{"product_id":"le-luxe-by-roe-ethridge-second-edition","title":"LE LUXE by Roe Ethridge [SECOND EDITION]","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eアメリカ人アーティスト、ロー・エスリッジ（Roe Ethridge）の作品集。自身の作品からエディトリアル作品、広告写真、ファウンド・フォト、オンライン上のスクリーンショットなど様々なイメージを現在・過去の関連性も無く、自由自在な独自の編集が施されている。本作のタイトルはフランス語で「ささやかな贅沢」を意味する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/blogs\/articles\/conversation-roe-ethridge-fumi-ishino\" target=\"_blank\"\u003e対談：ロー・エスリッジ（写真家） × ⽯野郁和（写真家）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/em\u003eAmerican artist Roe Ethridge's latest book takes its title from the French \"C'est pas du luxe\", an ironic phrase which alludes to the superfluous nature of luxury whilst proclaiming how essential it is to existence. Such paradoxes are fluently woven through Ethridge's oeuvre and \u003cem\u003eLe Luxe\u003c\/em\u003e encompasses his practice from the past decade, without ever slipping into the moribund gravitas of a retrospective. Plumbing his diverse image inventories, from personal images and magazine commissions to an archive of online screen shots, the book continues his exploration of picture-making that disavows the potential for creating a finished work. Ethridge para-phrases Eggleston when he states that he is \"at war with the finished\" in an era of digital photography straining towards idealisation. The pristine conditions of photography are undermined in the book's design and riff on Henri Matisse's apposite aphorism \"exactitude is not truth\" (Matisse titled two of his paintings \u003cem\u003eLe Luxe\u003c\/em\u003e). Composed in three parts, \u003cem\u003eLe Luxe\u003c\/em\u003e contains an unusual backdrop, the everyday of the artist, who worked from November 2005 to January 2010 on one commission documenting a building in downtown Manhattan on a site adjacent to the World Trade Centre. This narrative offers an uneasy balance to the fissures between analogue and digital and Ethridge's consistent undermining of his own certainties.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/blogs\/articles\/conversation-roe-ethridge-fumi-ishino\" target=\"_blank\"\u003eCONVERSATION：Roe Ethridge（Photographer）x Fumi Ishino（Photographer）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30452233548,"sku":"9781907946080","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/140407_66524.jpg?v=1571703838"},{"product_id":"le-silence-une-fiction-by-cristiano-raimondi-simone-menegoi","title":"LE SILENCE UNE FICTION by Cristiano Raimondi \u0026 Simone Menegoi","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003e2人のキュレーター 、クリスティアーノ・ライモンディ（Cristiano Raimondi）とサイモン・メネゴ（Simone Menegoi）の手によって、アルマンから杉本博司まで総勢25組のアーティストの作品が収められた作品集。現代の社会問題をテーマとする作品達をまるで未来の考古学者や人類学者がまとめているかのような視点で編集、まとめられている。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003eLE SILENCE Une fiction\u003c\/em\u003e gathers a corpus of contemporary works by 25 artists, ranging from Arman’s Accumulations to Hiroshi Sugimoto’s photographs, and together they present a world that is both strange and familiar, what curator Simone Menegoi refers to as “the story of a planet that has become uninhabitable for reasons unknown….” Part scientific experiment, part fictional narrative, the effect of these traces that our civilisation leaves behind is one of a reversal of history, as if the works between the pages, artifacts of our contemporary era, are being observed through the eyes of an archaeologist or anthropologist from the future. The curators Simone Menegoi and Cristiano Raimondi have amassed a collection of prints, glass plates, sculptures, slides, video stills and paintings, that sit within the tradition of the landscape genre yet seen from a particular perspective: the aesthetics of the contemporary Sublime, drawing on the spectacle of environmental disasters and economic collapse. Another prominent group of works is comprised of sculptures and assemblages from artists, active since the 1960’s, who use every day and waste material to create. Work by American artist Michael E. Smith, whose sculptures are made from waste collected in his hometown, the urban desert of Detroit, completes the exhibition as ‘fossils’ of our consumer society.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eArtists: Dove Allouche, Vladimir Arkhipov, Arman, Bartolomeo Bimbi, Maurice Blaussyld, Michel Blazy, Karl Blossfeldt, Brassaï, Peter Buggenhout, Carlos Casas, Romeo Castellucci, Lourdes Castro, Tony Cragg, Daniel Gustav Cramer, Geert Goiris, Jochen Lempert, Yves Marchand \u0026amp; Romain Meffre, Adrien Missika, Linda Fregni Nagler, Walter Pichler, Rudolf Polanszky, Pierre Savatier, Erin Shirreff, Michael E. Smith, Daniel Spoerri, Hiroshi Sugimoto \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30452320332,"sku":"9781907946202","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/140407_66584.jpg?v=1571703838"},{"product_id":"people-in-trouble-laughing-pushed-to-the-ground-by-adam-broomberg-oliver-chanarin","title":"PEOPLE IN TROUBLE LAUGHING PUSHED TO THE GROUND by Adam Broomberg \u0026 Oliver Chanarin","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eロンドンを拠点とするアーティスト・デュオ、 アダム・ブルームバーグ \u0026amp; オリバー・チャナリン（Adam Broomberg \u0026amp; Oliver Chanarin）の作品集。北アイルランド・ベルファストのドネガル・ストリート\u003cspan\u003e23\u003c\/span\u003e番地にある建物の\u003cspan\u003e2\u003c\/span\u003e階の小さな一室を占める「\u003cspan\u003eBelfast Exposed Archive\u003c\/span\u003e」には、北アイルランド紛争を記録した\u003cspan\u003e14,000\u003c\/span\u003e点以上のモノクロのコンタクトシートが保管されている。これらの写真を撮影したのはプロの報道カメラマンや一般市民であり、デモ運動、葬式、テロ行為だけでなく、お茶をしたり、女の子にキスしたり、列車を眺めたりなど当時の暮らしの中の何気ない風景も含まれている。「\u003cspan\u003eBelfast Exposed\u003c\/span\u003e」は、「\u003cspan\u003e The Troubles（\u003c\/span\u003e厄介ごと）」と呼ばれた数十年に及ぶ長い紛争の時代に行われたイギリス政府の軍事行動を記録したイメージの慎重な管理に対する憂慮を受けて、\u003cspan\u003e1983\u003c\/span\u003e年に創設されたストックフォト・ギャラリーである。アーカイブ中のイメージが選択、承認、選出されると、その印として青、赤或いは黄色の丸いシールがコンタクトシートの表面に貼られていた。本書では、これら点の位置によってイメージの見せ方を決めている。丸いシールの下に隠れた部分、言い換えれば、そのイメージが選ばれた瞬間に見えなくなった部分を抜き出して各頁の中央に配置している。記録係が適当に貼ったシールによって、コンタクトシートから切り出され、偶然的に形成されたこれらの断片的なイメージは、本書によって日の目を見るまで保存庫の暗闇の中で長い間静止していた被写体の欲望や苛立ち、途中で断ち切られたコミュニケーションなどの瞬間を今ここに再生し、それぞれが一つの世界として完結している。イメージの至るところに見受けられる跡は、コンタクトシートの表面につけられたものであり、これらの写真が多くの人の手に取られてきたことをほのめかす。その中には、山のように集められた種々様々なイメージに順番をつけ、何度も分類を繰り返してきた歴代の記録係も含まれている。このアーカイブは何年もの間一般公開されており、閲覧者の中には自分のイメージをマーカーやインクで塗りつぶしたり、はさみで切り取ったりするものもいた。何代も続く記録係たち、写真の編集者、法務関係者、アクティビストなどが残してきた痕跡に加えて、こうした非常に個人的な情報の抹殺の跡もありありと見て取ることができる。これらは、匿名の存在のままでいたいという人々の意思の表れである。\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003ePeople in trouble laughing pushed to the ground. Soldiers leaning, pointing, reaching. Woman sweeping. Balloons escaping. Coffin descending. Boys standing. Grieving. Chair balancing. Children smoking. Embracing. Creatures barking. Cars burning. Helicopters hovering. Faces. Human figures. Shapes. Birds. Structures left standing and falling...\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe Belfast Exposed Archive occupies a small room on the first floor at 23 Donegal Street and contains over 14,000 black-and-white contact sheets, documenting the Troubles in Northern Ireland. These are photographs taken by professional photo-journalists and 'civilian' photographers, chronicling protests, funerals and acts of terrorism as well as the more ordinary stuff of life: drinking tea; kissing girls; watching trains. Belfast Exposed was founded in 1983 as a response to concern over the careful control of images depicting British military activity during the Troubles. Whenever an image in this archive was chosen, approved or selected, a blue, red or yellow dot was placed on the surface of the contact sheet as a marker. The position of the dots provided us with a code; a set of instructions for how to frame the photographs in this book. Each of the circular photographs shown on the previous pages reveals the area beneath these circular stickers; the part of each image that has been obscured from view the moment it was selected. Each of these fragments – composed by the random gesture of the archivist - offers up a self-contained universe all of its own; a small moment of desire or frustration or thwarted communication that is re-animated here after many years in darkness. The marks on the surface of the contact strips – across the image itself – allude to the presence of many visitors. These include successive archivists, who have ordered, catalogued and re-catalogued this jumble of images. For many years the archive was also made available to members of the public, and sometimes they would deface their own image with a marker pen, ink or scissors. So, in addition to the marks made by generations of archivists, photo editors, legal aides and activists, the traces of these very personal obliterations are also visible. They are the gestures of those who wished to remain anonymous. \u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30452383948,"sku":"9781907946042","price":7425.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/140407_66566.jpg?v=1571703838"},{"product_id":"the-dailies-by-thomas-demand-1","title":"THE DAILIES by Thomas Demand","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eベルリンとロサンゼルスを拠点に活動するドイツ人アーティスト、トーマス・デマンド（Thomas Demand）の作品集。本書は70年代半ばに建築家Harry Seidlerによって設計されたオーストラリア・シドニーの「Commercial Travellers’ Association」のホテルフロアをモデルに制作された作品を収録。円形建物を16等分した客室施設にインスパイアされた造本で、円状のディスプレイが出来る仕様となっている。公共施設とアーティストを繋ぐ画期的なプロジェクトを行う「Kaldor Art Projects」との共同出版。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003e\"Existing in a state of continual motion, from the hotel room to the road, the life of the travelling salesman, the commercial traveller, is experienced as a perpetual passenger, punctuated by both the shifting of place and the marking of time.\"\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003eIn the mid 1970s, architect Harry Seidler designed a space for the historic Commercial Travellers’ Association in Sydney, Australia. In collaboration with Pier Luigi Nervi, he created a circular building that sprouts up from the street like a radiating flower. For the 25th Kaldor Public Art Project, Thomas Demand’s series \u003cem\u003eThe Dailies\u003c\/em\u003e occupies an entire floor of Seidler’s structure. The floor of sixteen bedrooms, which house \u003cem\u003eThe Dailies\u003c\/em\u003e, extend off a circular corridor creating a labyrinthine effect. Demand’s images sit above the beds in each room, the transient scenes capturing everyday moments and objects, suspended in time like the environment around them. Working within the parameters of his now well-known technique, Demand created carefully formed paper and card sculptures, photographed and then destroyed them. His creations are based on things he saw and photographs he took while travelling and walking the street. Demand describes the series as like Haiku poetry, simple fragments strung together to inspire reflection. \u003cem\u003eThe Dailies\u003c\/em\u003e includes contributions by designer Miuccia Prada and US author Louis Begley. The book, a work of art in itself, expands to a 16-pointed star, its concertina pages unfurling to echo the shape of the CTA building.\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30452419148,"sku":"","price":22275.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/140421_69847_2.jpg?v=1571703838"},{"product_id":"holy-bible-by-adam-broomberg-oliver-chanarin-first-edition-first-printing","title":"HOLY BIBLE by  Adam Broomberg \u0026 Oliver Chanarin [FIRST EDITION, FIRST PRINTING]","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003e「始まりからずっと、彼の出現は大惨事と同義語だった… 災禍こそが彼のやりかたであり、主な支配手段であった。」- Adi Ophir\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e\u003cbr\u003e \u003cbr\u003e ロンドンを拠点とするアーティスト・デュオ、 アダム・ブルームバーグ \u0026amp; オリバー・チャナリン（Adam Broomberg \u0026amp; Oliver Chanarin）の作品集。本書は、ニューヨークの国際写真センター（ICP）が主催する「INFINITY AWARD」書籍部門の2014年グランプリを受賞している。\u003c\/span\u003e暴力、悲惨な出来事、戦争の不合理さを幅広く記録する「\u003cspan\u003eAMC\u003c\/span\u003e（Archive of Modern Conflict）」は、この種の写真資料のコレクションとしては世界最大規模のものだ。作者は、本書制作において「神は災禍を通じて人々にその姿を顕示するものであり、聖書に描かれている力関係は、現代の支配構造のそれと相関するものである」というイスラエル人哲学者、Adi Ophirの哲学の中核となる考え方を指標とし、\u003cspan\u003eAMC\u003c\/span\u003eのアーカイブを探索した。本書デザインは欽定訳聖書の構成と装丁を忠実に模している。原書のテキストに含まれる要素に従ってイメージを選択していくことで、著作者の権利や、紛争の事実として適切な情報を取捨選択する際に使われる暗黙の基準とは何かを問う。ドイツ人劇作家のBertolt Brechtが自らの聖書に書き込んだ注釈やイメージにも触発された本作は、紛争をイメージとして表現する際に使われるクリシェに疑問を投げかける。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003e\"Right from the start, almost every appearance he made was catastrophic… Catastrophe is his means of operation, and his central instrument of governance.\" - \u003c\/em\u003eAdi Ophir\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eViolence, calamity and the absurdity of war are recorded extensively within The Archive of Modern Conflict, the largest photographic collection of its kind in the world. For their most recent work, \u003cem\u003eHoly Bible,\u003c\/em\u003e Adam Broomberg and Oliver Chanarin mined this archive with philosopher Adi Ophir’s central tenet in mind: that God reveals himself predominantly through catastrophe and that power structures within the Bible correlate with those within modern systems of governance. The format of Broomberg and Chanarin’s illustrated Holy Bible mimics both the precise structure and the physical form of the King James Version. By allowing elements of the original text to guide their image selection, the artists explore themes of authorship, and the unspoken criteria used to determine acceptable evidence of conflict. Inspired in part by the annotations and images Bertolt Brecht added to his own personal bible, Broomberg and Chanarin’s publication questions the clichés at play within the visual representation of conflict.\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":30452557964,"sku":"","price":44000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/140421_69787.jpg?v=1571703838"},{"product_id":"hasselblad-award-2016-by-stan-douglas","title":"HASSELBLAD AWARD 2016 by Stan Douglas","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003e2016年のハッセルブラッド・アワードを受賞したカナダ人アーティスト、スタン・ダグラス（\u003cspan\u003eStan Douglas\u003c\/span\u003e）による「Night」（2014-15）、「Corrupt Files」（2013）、「DCTs」（2016）の3つの作品シリーズで構成された作品集。ネオ・ミザンセーヌとも呼ぶべく「Night」では、バンクーバー市内を横切る高架橋の夜景が収められる。その高架道路の真下に位置するストラスコーナという地域では、70年代前半に興った高速道路の建設計画による立ち退きを余儀なくされるまで、半世紀以上にもわたり、貧困層であったアフリカ系カナダ人のコミュニティが存在していた。続くイメージでは、コミュニティが存在していた頃の界隈の景色が3Dモデリングソフトによって再構築されたものを収録。ドローンの視点から視た、家屋の屋根や暗闇に浮かぶ窓の灯りはまぎれもなく人の住む空間として写されるが、その風景に生身の人の姿は見当たらない。本作では、現実と仮想、記憶の境界をあいまいにしながら、歴史の影の部分として多くを語られることがなかった人々の記憶を具体的な形に落とし込む。あらゆる色が無数に連なる縞模様で画面を構成する「Corrupted Files」は、作家の前作である「Disco Angola」や「Midcentury Studio」の製作過程で壊れてしまったデータの蓄積である。その損傷（Corrupted）によって、元々データに記録されていたイメージとは無関係の抽象表現が立ち広がる。 データの損傷により自然発生的に生まれた「Corrupted Files」に対し「DCTs」では、JPEG形式のエンコーディングを反転させる専用のソフトウェアを制作し、写真を撮るという行為に代わりプログラミングコードを「書く」ことでイメージを作り出している。「Night」シリーズがもつナレーショナルな側面や「Corrupted Files」、「DCTs」シリーズによる抽象表現など、本作はメディアとしての写真のあらゆる可能性を探る一方で、それぞれのシリーズでコンピュータ・ソフトウェアを駆使しながら人間と機械の記憶 \/ 記録の関係性を紐解くことを試みている。MoMA写真部門のシニア・キュレーターを勤めるRoxana Marcociと作者による対談の他、コロンビア大学准教授のNoam M. Elcottによる解説を収録。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003e“Often people confuse photography with human vision but they’re very different things”,\u003c\/em\u003e says Stan Douglas, winner of the 2016 Hasselblad Foundation International Award in Photography. “[What] happens to our sense of our selves, our sense of time when so much of our knowledge about the world comes through these mechanical media, these inhuman media?” Attending to such questions, The Hasselblad Award 2016, which presents three series entitled \u003cem\u003eNight \u003c\/em\u003e(2014–15), \u003cem\u003eCorrupt Files\u003c\/em\u003e (2013) and \u003cem\u003eDCTs\u003c\/em\u003e (2016), accompanied by two texts, offer intricate meditations on the function, construction and consumption of contemporary forms of photography. From HD cinematic images to abstract manifestations of data, each series probes the relationship between human and mechanical memory, each employing a particular synthetic process supported, if not entirely constructed, by computer software. In one of the neo-noir mise-en-scènes of \u003cem\u003eNight\u003c\/em\u003e, two single vehicles drive through the darkness over Vancouver’s Georgia Viaduct, their headlights glowing like the road lamps punctuating the panorama. Underneath the flyover in the southwestern corner of Strathcona, lived a predominantly African Canadian community for the better half of the 20th century, until the area was bulldozed in the early 70s to make way for the so-called inner-city freeway. Using 3D modelling software, Douglas reconstructs the neighbourhood from the vantage point of a drone: in \u003cem\u003eHogan’s Alley\u003c\/em\u003e (2014) we see multiple rooftops and luminous windows – an inhabited environment with no people in sight. Clouding the lines between real, imagined and remembered, the series attends to the shadows of history as it materialises the memory of a marginalised community. Contrary to \u003cem\u003eNight\u003c\/em\u003e, \u003cem\u003eCorrupt Files\u003c\/em\u003e and \u003cem\u003eDCTs\u003c\/em\u003e radically depart from the realm of representation. \u003cem\u003eCorrupt Files\u003c\/em\u003e is a collection of digital images composed of densely packed multi-coloured streaks – each streak vying for our attention. Douglas built the series from files that were corrupted in the process of shooting his well-known projects \u003cem\u003eDisco Angola\u003c\/em\u003e and \u003cem\u003eMidcentury Studio\u003c\/em\u003e. \u003cem\u003eDCTs\u003c\/em\u003e, on the other hand, emerged from a rigorous attempt to ‘write’ images using tailor-made software that reverse engineers what happens in a JPEG encoding, producing hypnotic shapes and colours. In his interview with Roxana Marcoci published in the book, the artist places the series in the context of his recent photographic works. Noam M. Elcott’s thorough, art historical analysis of Douglas’ approaches to photography, further offers an illuminating reading of the artist’s practice. Pushing the limits of what we know and understand to be photography, the Hasselblad Foundation recognises Douglas as an artist who has made pioneering achievements in photographic art.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31613782732,"sku":"","price":6600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/170131_10683.jpg?v=1571703838"},{"product_id":"roger-hilton-night-letters-by-timothy-bond","title":"ROGER HILTON - NIGHT LETTERS by Timothy Bond","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e戦後のイギリスにおける抽象画家のパイオニアとして知られるロジャー・ヒルトン(1911–1975)は、現在は「\u003cem\u003eLate Gouaches and Night Letters\u003c\/em\u003e」として知られる作品を、イングランド南西部にあるコンウォール州のウェスト・ペンウィズのコテージで最後の2年を過ごした間に制作した。ベッドにとどまり、病気の一因となったウィスキーと煙草で主に（自分を）維持しながら、不眠症のヒルトンは1,000枚を上回るカラフルなグワッシュ（水彩画）と挿絵入りのメッセージを我慢強い妻のローズに宛てた。時には辛辣で、場合によっては非礼でありながらも、常に強く心に訴え楽しませてくれるこれらの手紙は、ヒルトンの芸術や自身の差し迫った死への思い、また日常の中で感じる苛立ちや喜び、そしてしばしば仲間や同時代のひとたちの論争の的となっている評価を記録している。本書は彼の約300点の「\u003cem\u003eNight Letters and Late Gouaches\u003c\/em\u003e」をフルカラーで再現（再版）し、これまで未公開であった多くのドローイングとグワッシュが収録されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003eRoger Hilton (1911–1975) produced the works now known as the \u003cem\u003eLate Gouaches and Night Letters\u003c\/em\u003e during the final two years of his life at his cottage in Cornwall's West Penwith. Confined to bed and sustained mainly by the whisky and cigarettes that were at least in part the cause of his sickness, the insomniac Hilton created upwards of a thousand colourful gouaches and illustrated messages to his long-suffering wife Rose. Sometimes bitter, occasionally insulting, but always poignant and amusing, the letters record Hilton’s thoughts on art, his own imminent death, the irritations and pleasures of everyday life, and his often controversial assessments of colleagues and contemporaries. This full colour book reproduces nearly 300 of the artist’s \u003cem\u003eNight Letters and Late Gouaches\u003c\/em\u003e, and includes many drawings and gouaches not previously seen in public.\u003c\/p\u003e","brand":"ARCHIVE OF MODERN CONFLICT","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31618684876,"sku":"978-0-9547091-7-4","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160112.14_2950.jpg?v=1571703839"},{"product_id":"holy-bible-by-adam-broomberg-oliver-chanarin-first-edition-second-printing","title":"HOLY BIBLE by Adam Broomberg \u0026 Oliver Chanarin [FIRST EDITION, SECOND PRINTING]","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003e\u003cem\u003e「始まりからずっと、彼の出現は大惨事と同義語だった… 災禍こそが彼のやりかたであり、主な支配手段であった。」- Adi Ophir\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eロンドンを拠点とするアーティスト・デュオ、 アダム・ブルームバーグ \u0026amp; オリバー・チャナリン（Adam Broomberg \u0026amp; Oliver Chanarin）の作品集。本書は、ニューヨークの国際写真センター（ICP）が主催する「INFINITY AWARD」書籍部門の2014年グランプリを受賞している。暴力、悲惨な出来事、戦争の不合理さを幅広く記録する「AMC（Archive of Modern Conflict）」は、この種の写真資料のコレクションとしては世界最大規模のものだ。作者は、本書制作において「神は災禍を通じて人々にその姿を顕示するものであり、聖書に描かれている力関係は、現代の支配構造のそれと相関するものである」というイスラエル人哲学者、Adi Ophirの哲学の中核となる考え方を指標とし、AMCのアーカイブを探索した。本書デザインは欽定訳聖書の構成と装丁を忠実に模している。原書のテキストに含まれる要素に従ってイメージを選択していくことで、著作者の権利や、紛争の事実として適切な情報を取捨選択する際に使われる暗黙の基準とは何かを問う。ドイツ人劇作家のBertolt Brechtが自らの聖書に書き込んだ注釈やイメージにも触発された本作は、紛争をイメージとして表現する際に使われるクリシェに疑問を投げかける。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003e\"Right from the start, almost every appearance he made was catastrophic… Catastrophe is his means of operation, and his central instrument of governance.\" - \u003c\/em\u003eAdi Ophir\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eViolence, calamity and the absurdity of war are recorded extensively within The Archive of Modern Conflict, the largest photographic collection of its kind in the world. For their most recent work, \u003cem\u003eHoly Bible,\u003c\/em\u003e Adam Broomberg and Oliver Chanarin mined this archive with philosopher Adi Ophir’s central tenet in mind: that God reveals himself predominantly through catastrophe and that power structures within the Bible correlate with those within modern systems of governance. The format of Broomberg and Chanarin’s illustrated Holy Bible mimics both the precise structure and the physical form of the King James Version. By allowing elements of the original text to guide their image selection, the artists explore themes of authorship, and the unspoken criteria used to determine acceptable evidence of conflict. Inspired in part by the annotations and images Bertolt Brecht added to his own personal bible, Broomberg and Chanarin’s publication questions the clichés at play within the visual representation of conflict.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31705325004,"sku":"","price":10725.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/140421_69787_051d6afc-811a-4ce1-90f1-68a849be973f.jpg?v=1571703841"},{"product_id":"one-language-traveller-by-fos","title":"ONE LANGUAGE TRAVELLER by FOS","description":"\u003cp\u003eデンマーク人アーティスト、\u003cspan\u003eFOS\u003c\/span\u003eの作品をまとめた一冊。ページが綴じられずにリングでまとまっている独立したページ上にある作品は存在感を増し、各作品がお互いに話しかけているような印象を与える。\u003cspan\u003eFOS\u003c\/span\u003eの初期の作品から最新作まで掲載し、アーティストによる文章と詩も掲載。\u003cspan\u003e2015\u003c\/span\u003e年にデンマークの\u003cspan\u003eKunsthal Charlottenborg\u003c\/span\u003eで行われた\u003cspan\u003eFOS\u003c\/span\u003eの個展に合わせて制作された。 まるで好奇心でいっぱいのキャビネットを見ているような一冊。\u003cspan\u003e \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e\u003cem\u003eOne Language Traveller\u003c\/em\u003e accumulates objects created by Danish artist FOS, as if the book were a cabinet of curiosities. United on the pages of the book, the sculptures speak to each other in a new vocabulary of form. The artist’s book entails both new and earlier work, illustrated in full colour, accompanied by associative texts in the form of lists, statements and a poem written by the artist. It is ring bound, sits in a re ective slipcase and is nished in an array of paper, colours and page sizes. \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eOne Language Traveller was made in the winter of 2015 between London and Copenhagen to coincide with a large solo exhibition in Kunsthal Charlottenborg \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003ein FOS’ native Denmark.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e\u003cem\u003e“The one language traveller is an explorer; maybe he’s the one that found the objects in the book. He moves in and out of different dimensions, areas, scales and cultures, yet he is deciphering what he sees in one language only. This character is a metaphor for how we humans are trying to understand our surroundings. Despite their range \u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e\u003cem\u003eof dimensions, we try to comprehend them all in the same language. We’re not switching our investigations into a sensorial communal language, we still use English or another native tongue. My work explores this lack of a vocabulary that would be needed to explain all dimensions. Our one language is very limited, maybe that is why there is so much that we don’t understand.” -\u003c\/em\u003e FOS (Thomas Poulsen, 1971)\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"IN OTHER WORDS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31739129932,"sku":"978-0-9932238-0-8","price":27500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150810_1727.jpg?v=1571703841"},{"product_id":"dodo-by-adam-broomberg-oliver-chanarin","title":"DODO by Adam Broomberg \u0026 Oliver Chanarin","description":"\u003cp\u003eロンドンを拠点とするアーティスト・デュオ\u003cspan\u003e、 アダム・ブルームバーグ \u0026amp; オリバー・チャナリン\u003c\/span\u003e（Adam Broomberg \u0026amp; Oliver Chanarin）の作品集。本作は、アメリカの映画スタジオ「パラマウント」の物置で発見された映画「\u003cspan\u003e\u003cem\u003eCatch-22\u003c\/em\u003e」\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e(1970\u003c\/span\u003e年\u003cspan\u003e) \u003c\/span\u003eの未公開部分が本プロジェクトの始まりとなっている。\u003cspan\u003e1968\u003c\/span\u003e年に撮影された映画「\u003cspan\u003e\u003cem\u003eCatch-22\u003c\/em\u003e」\u003c\/span\u003eは第二次世界大戦中のイタリアの小国が舞台となっており、その撮影の為のセットがメキシコの海岸沿いに作られ、映画の中では土地開発以前の当時のカリフォルニア湾（コルテス海）と沿岸の原風景が映し出されていた。そこで作者はその映画から今では見ることのできない当時の素朴なメキシコの原風景だけを抽出する形で再編集し、新しくドキュメンタリーを制作。また、当時の映画制作過程で使われていた\u003cspan\u003e18\u003c\/span\u003e機のうちの\u003cspan\u003e1\u003c\/span\u003e機の爆撃機（\u003cspan\u003eB-25\u003c\/span\u003e）がその土地に埋まっているという事実が判明し、現地の考古学者達を巻き込んでチームを作りその爆撃機の発掘活動を行ったところ、そこで彼らが発見したのは全く予想とは違うものであった…。\u003cspan\u003e2014\u003c\/span\u003e年にメキシコ・フーメックス美術館で行われた同タイトルの展覧会のカタログとして発行。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eDodo\u003c\/em\u003e is the catalogue of an exhibition of the same name by artists Adam Broomberg and Oliver Chanarin. The exhibition originated with the discovery of unreleased material from the motion picture \u003cem\u003e\"Catch-22\"\u003c\/em\u003e (1970) in the storerooms of Paramount Picture. Filmed on a coastline in Mexico, which more closely resembled the Sicily of 1944 than the Sicily of 1968 did, these images show the coastal landscape and fauna of the Sea of Cortez at time when it had emerged from its previous isolation but before its subsequent urban development. Broomberg and Chanarin have reedited the material of the film, set in Italy during the Second World War, creating a nature documentary about Mexico in 1968, the traces of a pristine landscape that no longer exists. In the course of research, it was discovered that one of the eighteen airplanes used in the motion picture –the largest fleet of B-25s assembled since World War II– had been buried on location. Together with a team of archeologists from the UNAM, Broomberg and Chanarin organized an expedition to San Carlos, on the outskirts of Guaymas, to dig up the “Mexican plane.” What they found, however, was something else.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITORIAL RM","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31742380236,"sku":"978-8-4151189-2-3","price":8800.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150303_3679.jpg?v=1571703889"},{"product_id":"the-pommel-horse-popo-by-stefan-burger","title":"THE POMMEL HORSE POPO by Stefan Burger","description":"\u003cp\u003eスイス人アーティスト、ステファン・バーガー（Stefan Burger）の初作品集。本作では自身のインスタレーションをドキュメントしたものからスティルライフ、スキャンしたイメージを用いたコラージュまで、独特の奇妙さや質感をもった作品が収められている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAlliterative and palindromic, Stefan Burger’s artist’s book \u003cem\u003eThe Pommel Horse Popo\u003c\/em\u003e brings together two years of ongoing investigation of the co-existence of human, animate entities and insensate things. Burger avails of a wide range of presentation possibilities, as evinced by the different genres of image the book employs. Its pages include quasi-faithful documentation of exhibition installations, still-lives and collages of scanned materials.\u003c\/p\u003e","brand":"KODOJI PRESS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31742634892,"sku":"978-3-0374705-4-1","price":5500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/140414_69114.jpg?v=1571703889"},{"product_id":"club-to-club-by-landon-metz","title":"CLUB TO CLUB by Landon Metz","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、ランドン・メッツ（Landon Metz）の作品集。イタリア・ブレシアのギャラリー「Massimo Minini」やミラノのギャラリー「Francesca Minini」で開催された自身の展覧会の入場券やインスタレーションを、ニューヨークのスタジオで3か月余りに及んで記録したものをまとめた一冊。本書は作家の活動の延長線上にあるものに加え、それらが取り巻く作家の生活も記されている。アメリカ人アーティストChristopher Schreckと作者との対談を4ページに渡って収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOver the course of three months, American artist Landon Metz (b. 1985, American) documented his New York studio, installation and ephemera for solo exhibition\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u0026amp;\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003eat Massimo Minini in Brescia and Francesca Minini in Milan, Italy. The publication serves as an extension of the artists known practice as well as a document of the life that surrounds it. The book contains an 4-paged conversation between Landon Metz and American writer Christopher Schreck.\u003c\/p\u003e","brand":"LIBRARYMAN","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31771968716,"sku":"978-9-1881130-2-3","price":3630.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160725_8089_a1418013-4641-4275-a93e-5a211db49911.jpg?v=1571703890"},{"product_id":"west-street-studio-by-landon-metz","title":"WEST STREET STUDIO by Landon Metz","description":"\u003cp\u003eアメリカ人ペインティング・アーティスト、ランドン・メッツ（Landon Metz）の作品集。個展開催にあたり、その制作過程を記録するよう依頼されたことで撮影されたものが収録され、これらは全てニューヨークに構える自身のスタジオ「\u003cspan\u003eWEST STREET STUDIO\u003c\/span\u003e」で作家自身によって撮影されている。写真作品の他にも作家自身が制作した詩などが収録されており、本来のペインティング作品とは違う形で作家独自の視点が見て取れるものとなっている。アメリカ人アートキュレーターDiego Cortezとの対談を収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn preparing for solo exhibition \u003cem\u003eMichael Jackson Penthouse\u003c\/em\u003e at Retrospective Gallery, American painter Landon Metz (b. 1985, American) was commissioned to portray his work process in his New York based \u003cem\u003eWest Street Studio\u003c\/em\u003e through a camera lens, for two intensive weeks. The limited edition photo-book is unique in its kind as the art form differs from that of the artist's signature. The book contains a 4-paged conversation between Landon Metz and American art curator Diego Cortez, as well as a poem written by the author.\u003c\/p\u003e","brand":"LIBRARYMAN","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31772655308,"sku":"978-9-1862692-9-6","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/150303_3486.jpg?v=1571703890"},{"product_id":"crowd-4-new-haven-by-alex-prager","title":"CROWD #4 (NEW HAVEN) by Alex Prager","description":"\u003cp\u003eロサンゼルスを拠点とするアメリカ人アーティスト、アレックス・プレガー（Alex Prager）の作品集「FACE IN THE CROWD」のパズル。多くの人が集まるシチュエーションの中で、ひとりひとりのモデルのキャンスティングからスタイリング、ヘアメイクに至るまで細かく作家自身がディレクションした “演出写真” で構成されている。群衆の中で際立つ「個人」の存在、同時にその「個人」が交わること無くその群衆を成しているところに見える「孤独感」など、フィクションとノンフィクションの狭間の領域で見る人に様々な感情を引き起こさせる。 \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eFace in the Crowd\u003c\/em\u003e is Alex Prager's most ambitious and complex project to date. Featuring large scale photographs of individuals congested in crowds in public spaces such as movie theaters, airport terminals and beaches. Blurring the line between reality and fiction, these engaging and dynamic compositions present psychological portraits of individuals within a larger group, exploring ideas of both private and public revelation and identity. This limited edition puzzle is drawn from one such work, \u003cem\u003eCrowd #4 (New Haven)\u003c\/em\u003e, broken down into 504 pieces.\u003c\/p\u003e","brand":"SELF PUBLISHING","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31777837132,"sku":"","price":9350.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/140414_68947.jpg?v=1571703892"},{"product_id":"problems-with-decomposition-by-sam-falls-signed","title":"PROBLEMS WITH DECOMPOSITION by Sam Falls [SIGNED]","description":"\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cdiv class=\"main-col\"\u003e\n\u003cdiv class=\"product_description\" itemprop=\"description\"\u003e「ロサンゼルス現代美術館（Museum of Contemporary Art, Los Angeles \/ MOCA）」や「国際写真センター（International Center of Photography \/ ICP）」にも作品が所蔵されているロサンゼルス在住アーティスト、サム・フォールズ（Sam Falls）の作品集。本作では1冊を通じて、果物や野菜といった食物と車のタイヤとの対比をコンセプトに構成されている。写真を軸としながらカラフルなスタンプが重ねられた作品からは、作者の自然や色彩、またデジタルイメージなどに対する探究心を見ることができる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eSam Falls explores the intersection of color, perception, digital imagery and natural processes - and in the case of \u003cem\u003eProblems with Decomposition\u003c\/em\u003e - Sam Falls also brings into context the element of temporal existence. This series consisting of organic matter juxtaposed against car tires takes on all of these concepts. Moving between the photographic image and their subjects imprint via 'stamping' via paints on the print.\u003c\/div\u003e\n\u003cdiv class=\"product_description\" itemprop=\"description\"\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003c\/div\u003e\n\u003c\/div\u003e","brand":"MÖREL","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31849870284,"sku":"978-1907071362","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/140421_69745.jpg?v=1571703893"},{"product_id":"a-collection-of-nine-kippenberger-editions-one-boetti-watch-a-cigarette-and-yellow-by-jonathan-monk","title":"A COLLECTION OF NINE KIPPENBERGER EDITIONS, ONE BOETTI WATCH, A CIGARETTE AND YELLOW by Jonathan Monk","description":"\u003cp\u003eイギリス人アーティスト、ジョナサン・モンク（Jonathan Monk）によるポーカーカード形式の作品。モンク自身がコレクションしているドイツ人現代アーティスト、Martin Kippenbergerとイタリア人コンセプチュアルアーティスト、Alighiero Boettiの作品を使用し、アプロプリエーションの手法でイメージの新しい見せ方を試みている。モンクがそれらのアーティストの作品、小さな彫刻から日用品までを並べ、構成したイメージがカードに印刷されている。コンセプチュアルでミニマルな作品を有したカードで実際に遊ぶことにより、イメージが繰り返され、再解釈されることで、作品の捉え方さらには過去のアートの文脈さえも変化するようなものになっている。\u003c\/p\u003e\n\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eA collection of nine Kippenberger editions, one Boetti watch, a cigarette and yellow\u003c\/em\u003e is a deck of playing cards created by artist Jonathan Monk and published by InOtherWords. In a play on the imprint’s focus on developing collectable objects, Monk appropriates the new InOtherWords publication to showcase a collection of his own: editions and multiples created by artists Martin Kippenberger and Alighiero Boetti. British artist Jonathan Monk is an avid collector of multiples, with a special interest in the work of Martin Kippenberger. A controversial and innovative artist of the 1980s and 90s, Kippenberger is widely regarded as one of the most esteemed German artists of his generation. The faces of the cards show fragments of a composition of collectable objects – ranging from small sculptures to ready-mades – collected and arranged by Monk.\u003c\/p\u003e","brand":"IN OTHER WORDS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32047368268,"sku":"978-0-9932238-1-5","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160112.14_2886.jpg?v=1571703899"},{"product_id":"a-collection-of-nine-kippenberger-editions-one-boetti-watch-a-cigarette-and-yellow-by-jonathan-monk-special-edition-signed","title":"A COLLECTION OF NINE KIPPENBERGER EDITIONS, ONE BOETTI WATCH, A CIGARETTE AND YELLOW by Jonathan Monk [SPECIAL EDITION]","description":"\u003cp\u003eイギリス人アーティスト、ジョナサン・モンク（Jonathan Monk）によるポーカーカード形式の作品。モンク自身がコレクションしているドイツ人現代アーティスト、Martin Kippenbergerとイタリア人コンセプチュアルアーティスト、Alighiero Boettiの作品を使用し、アプロプリエーションの手法でイメージの新しい見せ方を試みている。モンクがそれらのアーティストの作品、小さな彫刻から日用品までを並べ、構成したイメージがカードに印刷されている。コンセプチュアルでミニマルな作品を有したカードで実際に遊ぶことにより、イメージが繰り返され、再解釈されることで、作品の捉え方さらには過去のアートの文脈さえも変化するようなものになっている。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eA collection of nine Kippenberger editions, one Boetti watch, a cigarette and yellow\u003c\/em\u003e is a deck of playing cards created by artist Jonathan Monk and published by InOtherWords. In a play on the imprint’s focus on developing collectable objects, Monk appropriates the new InOtherWords publication to showcase a collection of his own: editions and multiples created by artists Martin Kippenberger and Alighiero Boetti. British artist Jonathan Monk is an avid collector of multiples, with a special interest in the work of Martin Kippenberger. A controversial and innovative artist of the 1980s and 90s, Kippenberger is widely regarded as one of the most esteemed German artists of his generation. The faces of the cards show fragments of a composition of collectable objects – ranging from small sculptures to ready-mades – collected and arranged by Monk.\u003c\/p\u003e","brand":"IN OTHER WORDS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32047438540,"sku":"978-0-9932238-1-5","price":19800.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/160112.14_2886_532d95a0-46a7-4dca-9571-e45abd0916a4.jpg?v=1571703899"},{"product_id":"la-grande-sortie-by-alex-prager","title":"LA GRANDE SORTIE by Alex Prager","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eロサンゼルスを拠点とするアメリカ人アーティスト、アレックス・\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003eプレガー（Alex Prager）の作品集。本書は、映像作品「\u003cem\u003eLa Grande Sortie\u003c\/em\u003e」（2015）\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003eの制作時に撮影された写真作品を元にニューヨークのギャラリー「\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003eLehmann Maupin」で開催された展覧会に併せて出版。「\u003cem\u003eLa Grande Sortie\u003c\/em\u003e」は、パリ・\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003eオペラ座バレエ団からの依頼で制作され、\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003eデジタルプラットフォームで公開された映像作品。\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003eフランス人エトワール（バレエ団ダンサーの最高位）、エミリー・\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003eコゼットが演じるプリマ・バレリーナの物語で、\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003e原因不明の挫折からカムバックしたダンサーの、\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003e舞台に対する恐怖心とオーディエンスの中でエスカレートする無関\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003e心や敵対心を表現している。\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003eコゼットの恐怖は一連のダンスに表れており、\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003e引退したバレエ団のダンサーや講師陣が演じる粗野なオーディエン\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003eスが徐々に客席から舞台に上がり共演する。\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003e幻想的に消え去るラストシーンが象徴するように、\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003e成功の陰に隠れて多くの人が日々葛藤する普遍的な不安を体現。\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003e本作の挿入曲はストラヴィンスキーのバレエ音楽『春の祭典』\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003eをもとに、レディオ・ヘッドのクリエイティブディレクター、\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003eナイジェル・ゴッドリッチが編曲。作者は、\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003e過去の作品で映画的なシーンを演出し作り出す中で、\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003e群衆と個人の間に垣間見える不安や孤独など深い精神的な部分に触\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003eれてきたが、\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003e本作では舞台上のパフォーマーとオーディエンスの二つの視点と、\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003eこの両者間に内在する緊張した関係性で精神面の揺らぎを提示する\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003e。この「二つの視点の移りかわり」、舞台上の「\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003eフィクションとリアリティの二元性」、\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003eそしてその両者の間を行き来しながら、\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003e作者はさらにこの境界を作り出す舞台とオーディエンスとの間にあ\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003eる目に見えない「第4の壁」を壊す。視覚的な芸術における、\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003e作り物（フェイク）\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003eとリアルの概念をいかにして人間が受け入れるかを考えさせる作品\u003c\/span\u003e\u003cwbr\u003e\u003cspan\u003eとなっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003ePublished on the occasion of the exhibition \u003cem\u003e‘La Grande Sortie’\u003c\/em\u003e by Los Angeles-based artist and filmmaker Alex Prager, at Lehmann Maupin, New York, on view from September 7 - October 23, 2016. Velvet-feel hardcover. Includes a fold-out insert, an essay by Anna Stothart, and a behind-the-scenes look at the making of the series. \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eThe photography series featured Prager’s newest film, \u003cem\u003eLa Grande Sortie\u003c\/em\u003e, in its US premiere, along with a new series of photographs shot on location during the film’s production in Paris. In this body of work, the viewer is confronted with the dual perspectives of performer and audience and asked to consider the underlying tension inherent in this relationship. \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eIn her film \u003cem\u003eLa Grande Sortie\u003c\/em\u003e (2015; 10 minutes), commissioned by the Paris Opera Ballet and debuted in September 2015 on its digital platform 3ème Scène, Prager tells the story of a prima ballerina, played by French Étoile (star) dancer Émilie Cozette. The film’s score, sampled from Stravinsky’s “Rite of Spring,” was composed by Radiohead producer Nigel Godrich, with choreography created in collaboration with the Paris Opera Ballet, adapted from Creative Director Benjamin Millipied’s iconic piece, Amoveo. Shot in the renowned Ópera Bastille, the setting is opening night of Cozette’s return to the stage after an unexplained hiatus. The performance is fraught with the dancer’s stage fright and the indifferent and hostile reactions that escalate in the audience. Cozette’s fears manifest in a series of awkward dances, each accompanied by a boorish audience member—played by a mix of retired Paris Opera Ballet dancers and dance teachers—who are magically transported from their seat to the stage. Culminating in a fantastical vanishing act, La Grande Sortie embodies a universal anxiety around performance and success that many people struggle with on a daily basis. \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eThe photography series delved further into the dynamics between artist and viewer through the opposing lens of performer and audience. Given the vantage point of the performer looking out onto the audience, the viewer is forced to be the focus of self-conscious awareness, and must interpret the variety of expressions of the theatergoers that range from boredom and judgment to concentration and enjoyment. An audio recording of ambient theater crowd noise played on a loop further heightens this illusion. As a final unsettling device, mannequins are interspersed among the audience members, creating a surreal and somewhat terrifying juxtaposition between actor and prop. \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eAs Prager oscillates between these shifting points of view and duality of artifice  and reality, she breaks the “fourth wall,” an invisible barrier between the stage and audience, creating a liminal space that invites consideration of how we absorb notions of truth and fiction within visual culture.\u003c\/span\u003e\u003c\/wbr\u003e\u003c\/wbr\u003e\u003c\/wbr\u003e\u003c\/wbr\u003e\u003c\/wbr\u003e\u003c\/wbr\u003e\u003c\/wbr\u003e\u003c\/wbr\u003e\u003c\/wbr\u003e\u003c\/wbr\u003e\u003c\/wbr\u003e\u003c\/wbr\u003e\u003c\/wbr\u003e\u003c\/wbr\u003e\u003c\/wbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"SELF PUBLISHING","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32764691020,"sku":"978-0692763025","price":6600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/la-grande-sortie_01.png?v=1571703902"},{"product_id":"gestalt-by-fos","title":"GESTALT by FOS","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eデンマーク人アーティスト、FOSの作品集。本書には、多様なスタイルで制作をしてきた作者のおよそ12年間分の作品が収録され、物質や空間言語がいかにして我々を社会的存在として定義するかということをテーマにまとめられている。制作物が掲載されたモノグラフとアーティストブックの中間のような作品集である本書は、自身の制作を形にするために集積してきた物質や場所の数々を、ただ記録するだけではなく再解釈し改めて文脈に当てはめ、一つの本質的な流れに乗せている。目録的に作品が並ぶ途中にキュレーターや科学者、理論家による寄稿文が差し込まれたり、随所に現れる折り込みのページや様々な種類の紙、印刷仕様がページネーションの中でアクセントとなっている。本書\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eは2016年から2017年にかけて版元でありデザインスタジオの「OK-RM」が拠点とするロンドンと、作者が拠点とするコペンハーゲンで編集作業が進められ、相互の密接なコラボレーションによって渾身の1冊へと仕上げられた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e\u003cem\u003eGestalt\u003c\/em\u003e is an overview of the diverse artistic practice of Fos, who’s works explore how the language of objects and space define us as social beings. The book sits somewhere between a monograph and an artist book, with 12 years of works collected into an organic flow which document but also re-interpret and re-contextualise the objects and spaces which accumulate to form his practice. The book is made up of an indexed flow of works punctuated by a series of commissioned texts from curators, scientists and theorists. It includes numerous foldout pages and employs an eclectic range of papers and print finishes. \u003cem\u003eGestalt\u003c\/em\u003e was made from early-2016 to mid-2017 between London and Copenhagen and is the result of a close collaboration between the artist and OK-RM.\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"IN OTHER WORDS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":42838473868,"sku":"978-0-9932238-3-9","price":8800.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/170822_2424_2_1.jpg?v=1571703945"},{"product_id":"le-temps-retrouve-cy-twombly-photographe-et-artistes-invites-by-cy-twombly","title":"LE TEMPS RETROUVÉ CY TWOMBLY PHOTOGRAPHE ET ARTISTES INVITÉS  by Cy Twombly","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003e21世紀を代表するヴァージニア州生まれのアメリカ人アーティスト、サイ・トゥオンブリー（Cy Twombly）の作品集。本書は、パリのアートシーンを牽引してきたギャラリスト、イヴォン・ランベール（Yvon Lambert）が、フランス南部アヴィニョンに構える私設美術館「Collection Lambert」で企画し、作者にとっては生前最後の開催となった展覧会「\u003cem\u003eLe temps retrouvé. Cy Twombly photographe et artistes invités\u003c\/em\u003e」の図録。本展覧会は、美術館側からのオファーにより実現した作者の写真作品による回顧展に加え、作者がキュレーションを手がけた別のアーティストの写真展も同時に展開されるという二部構成となり、初めて作者自身の個人的なテイストや興味、関心を反映した展覧会として、作者の作品を新たな考察で読み解くことができる貴重な機会となった。展示されていた作家は、19世紀から20世紀に名を馳せた巨匠の面々が揃い、例えばオーギュスト・ロダン（Auguste Rodin）やピエール・ボナール（Pierre Bonnard）、コンスタンティン・ブランクーシ（Constantin Brancusi）、ジャック＝アンリ・ラルティーグ（Jacques Henri Lartigue）、杉本博司、ダイアン・アーバス（Diane Arbus）、ソル・ルウィット（Sol Lewitt）, エド・ルシェー（Ed Ruscha）, シンディ・シャーマン（Cindy Sherman）、そしてサイ・トゥオンブリーの親友であり故郷のヴァージニアに住むサリー・マン（Sally Mann）らの作品を見ることができた。作品集も同じく2冊組で構成され、展示作品とともに、「Collection Lambert」のディレクター、エリック・メジル（Éric Mézil）や美術史家であり現在はイギリスのナショナル・ポートレート・ギャラリーのディレクターも務めるニコラス・カリナン（Nicholas Cullinan）、小説家のアンヌ＝マリー・ガラ（Anne-Marie Garat）、同じく小説家であり劇作家のドン・デリーロ（Don DeLillo）らが評論を寄稿。タイトルの「\u003cem\u003eCy Twombly photographe et artistes invités\u003c\/em\u003e」は「Cy Twombly photographer and guest artist」を意味する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eCatalogue of the exhibition « \u003cem\u003eLe temps retrouvé. Cy Twombly photographe et artistes invités\u003c\/em\u003e », held at the Collection Lambert in Avignon in 2011. For this exhibition in 2 parts, the museum offered a retrospective of Cy Twombly’s photographs, as well as an exhibition of other artists’ photographs curated by Cy Twombly himself. This is the first time Twombly offers a view into his personal tastes and interests, and provides a great opportunity for a new reading of his own work. Among the list of selected artists, great masters of the 19th and 20th century such as Auguste Rodin, Pierre Bonnard, Constantin Brancusi, Jacques-Henri Lartigue, Hiroshi Sugimoto, Diane Arbus, Sol Lewitt, Ed Ruscha, Cindy Sherman, and Sally Mann who was a friend of Twombly. The 2 volumes catalogue showcases the exhibited works along with critical texts by Éric Mézil, Nicholas Cullinan, Anne-Marie Garat and Don DeLillo.\u003c\/p\u003e","brand":"YVON LAMBERT","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":43401415180,"sku":"978-2742797417","price":18700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/170822_2637.jpg?v=1571703945"},{"product_id":"yvon-lambert-tote-bag-regular-white","title":"YVON LAMBERT TOTE BAG (REGULAR \/ WHITE)","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eフランス・パリの老舗ギャラリー「イヴォン・ランベール（YVON LAMBERT）」のトートバッグ。\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003eOriginal tote bag by YVON LAMBERT.\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"YVON LAMBERT","offers":[{"title":"Default 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CY TWOMBLY BLOOMING, A SCATTERING OF BLOSSOMS AND OTHER THINGS by François Halard [COVER: B]","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003e2007年にフランス・アヴィニョンのギャラリー「Collection Lambert」で開催された\u003cspan\u003eサイ・トゥオンブリー（Cy Twombly）の\u003c\/span\u003e展覧会「Blooming, A Scattering of Blossoms and Other Things」を、フランス人フォトグファーのフランソワ・アラール（\u003cspan\u003eFrançois Halard\u003c\/span\u003e）がポラロイドで撮影したものを元に制作されたポートフォリオセット。2013年にサイ・トゥオンブリーがこの世を去った後、ギャラリーを運営するイヴォン・ランベール（Yvon Lambert）とフランソワが追悼企画として当時撮影したイメージから40点をセレクトし、50部限定で制作。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eLimited boxed edition containing 40 fine art prints of polaroids taken by François Halard of Cy Twombly's exhibition '\u003cem\u003eBlooming, A Scattering of Blossoms and Other Things\u003c\/em\u003e' in Collection Lambert at Avignon in 2007.\u003c\/p\u003e","brand":"YVON LAMBERT","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":159906856972,"sku":"","price":92400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/171017_3940.jpg?v=1571703962"},{"product_id":"40-photographies-de-lexposition-cy-twombly-blooming-a-scattering-of-blossoms-and-other-things-by-francois-halard-cover-a","title":"40 PHOTOGRAPHIES DE L'EXPOSITION CY TWOMBLY BLOOMING, A SCATTERING OF BLOSSOMS AND OTHER THINGS by François Halard [COVER: A]","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003e2007年にフランス・アヴィニョンのギャラリー「Collection Lambert」で開催された\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eサイ・トゥオンブリー（Cy Twombly）の\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e展覧会「Blooming, A Scattering of Blossoms and Other Things」を、フランス人フォトグファーのフランソワ・アラール（\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eFrançois Halard\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e）がポラロイドで撮影したものを元に制作されたポートフォリオセット。2013年にサイ・トゥオンブリーがこの世を去った後、ギャラリーを運営するイヴォン・ランベール（Yvon Lambert）とフランソワが追悼企画として当時撮影したイメージから40点をセレクトし、50部限定で制作。\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003eLimited boxed edition containing 40 fine art prints of polaroids taken by François Halard of Cy Twombly's exhibition '\u003c\/span\u003e\u003cem\u003eBlooming, A Scattering of Blossoms and Other Things\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e' in Collection Lambert at Avignon in 2007.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"YVON LAMBERT","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":160020660236,"sku":"","price":92400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/171017_3954.jpg?v=1571703963"},{"product_id":"wolfgang-tillmans-moderna-museet-stockholm-kunstsammlung-nordrhein-westfalen-dusseldorf-by-wolfgang-tillmans","title":"WOLFGANG TILLMANS by Wolfgang Tillmans","description":"\u003cp\u003e現代美術界で重要な賞の一つである「ターナー賞」を2000年に受賞し、ロンドンとドイツを拠点として活動するドイツ人フォトグラファー、ヴォルフガング・ティルマンス（Wolfgang Tillmans）の作品集。本書は、2012年から2013年にかけてストックホルム近代美術館（スウェーデン）、ノルトライン＝ヴェストファーレン州立美術館（ドイツ）での個展「\u003cem\u003eWolfgang Tillmans\u003c\/em\u003e」開催に伴い刊行。展覧会は約20年分の写真作品が展示され、当時作家にとっては過去最大規模のものであった。本書は、\u003cspan\u003eその展覧会で\u003c\/span\u003eインスタレーションの一部として会場に設置され、来場者にのみ配布されたことから、一般市場では長らく入手が出来なかった貴重な1冊。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eINVENTORY WOLFGANG TILLMANS BOOKS 1995–2025\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e会期：2025年12月10日（水） - 2026年2月1日（日）※月、火曜定休\u003cbr\u003e時間：11:00 - 19:00\u003cbr\u003e開催場所：SKAC (SKWAT KAMEARI ART CENTRE)\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.instagram.com\/p\/DSEIBubAb97\" rel=\"noopener\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eテート美術館 | YBA \u0026amp; BEYOND 世界を変えた90s英国アート\u2028\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e東京展\u003cbr\u003e会期：2026年2月11日（水・祝）- 5月11日（月）\u003cbr\u003e時間：10:00 - 18:00\u003cbr\u003e休館日：火曜日（5\/5は開館）\u003cbr\u003e開催場所：国立新美術館 企画展示室2E\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"font-family: -apple-system, BlinkMacSystemFont, 'San Francisco', 'Segoe UI', Roboto, 'Helvetica Neue', sans-serif; font-size: 0.875rem;\"\u003e京都展\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e会期：2026年6月3日（水）- 9月6日（日）\u003cbr\u003e時間：10:00 - 18:00\u003cbr\u003e休館日：月曜日（月曜日が祝・休日の場合は開館）\u003cbr\u003e開催場所：京都市京セラ美術館\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.ybabeyond.jp\/\" rel=\"noopener\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eGerman photographer, Wolfgang Tillmans produced an artist book especially for his one of the largest exhibition in 2012, at Moderna Museet in Stockholm. The exhibition was Wolfgang Tillmans’ largest exhibition to date and brings nearly two decades of picture-making to a new audience. The book was a part of Tillmans’ installation there and distributed to all visitors to the exhibition.\u003c\/p\u003e","brand":"MODERNA MUSEET, STOCKHOLM \/ KUNSTSAMMLUNG NORDRHEIN-WESTFALEN, DÜSSELDORF","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":161583104012,"sku":"9783941773202","price":10780.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/171017_3893.jpg?v=1571703963"},{"product_id":"the-sound-of-laughter-isnt-necessarily-funny-by-jonathan-monk","title":"THE SOUND OF LAUGHTER ISN'T NECESSARILY FUNNY by Jonathan Monk","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eイギリス人アーティスト、ジョナサン・モンク（Jonathan Monk）による作品。本作は作者の故郷であるイギリス・レスターにあるデ・モントフォート大学にて開催された同名の展覧会に伴い刊行され、カセットテープに小さなブックレットが添えられた形式を採用したユニークな展覧会図録となっている。作者の作品の特徴として、アート史と自伝を行き来して生まれる相互作用が挙げられるが、本作では個人的な要素がより突出している。展覧会では、作者の家族にまつわる3つの「彫刻作品」– グランドピアノ、祖父の持ち物であった2つの柱時計、バラバラになった人形 – が会場に並べられた。展示された作品は機械仕掛けで動くようになっており、一見場当たり的な意味のない動きで時間の経過を示しつつ、ゴシック的な余韻を孕む。そして自動的にピアノが演奏され人形の目がちらつくたびに人間の存在、気配を示唆する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eThe Sound of Laughter Isn't Necessarily Funny\u003c\/em\u003e is a catalogue in the form of a cassette tape by Jonathan Monk published after the show The Sound of Laughter Isn’t Necessarily Funny held in Monk's home town of Leicester. The catalogue comprises a five panel concertina booklet printed in gold and black with jewel case and prison cassette. In Monk's work there is always interplay between art history and autobiography, in this work the personal takes prominence. Jonathan Monk opened his first exhibition in Leicester, the city in which he was brought up, at The Gallery, De Montfort University. \u003cem\u003eThe Sound Of Laughter Isn't Necessarily Funny\u003c\/em\u003e run from 27 January until 11 March 2017. In this exhibition, three sculptures dominated the space – a grand piano, a pair of grandfather clocks and a dismembered doll that had passed through the artist's family. Each of these was mechanically animated and their actions mark the passing of time in seemingly arbitrary ways. All the objects had a gothic resonance to them. Their animation suggested human presence, as the piano played itself and the dolls eyes flicker opened.\u003c\/p\u003e","brand":"IN OTHER WORDS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":1837001310220,"sku":"978-0-9932238-4-6","price":2640.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/180118_5263.jpg?v=1571703964"},{"product_id":"roni-horn-by-emily-wei-rales","title":"RONI HORN by Emily Wei Rales","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、ロニ・ホーン（Roni Horn）の作品集。2017年から2018年にかけてアメリカ・メリーランド州の「グレンストーン美術館（Glenstone Museum）」で開催された大規模個展の開催に伴い、出版社「PRESTEL」と美術館によって共同刊行された2冊組の図録。同美術館の創設者でありチーフキュレーターのエミリー・ウェイ・ラリー（Emily Wei Rales）著。現代アート界を代表する作家の一人であるロニ・ホーンは、自然や生態系、アイデンティティ、風景、言語など多岐にわたる分野を探求し、物体と主題、そして鑑賞者との間に生じる関係性の複雑化を狙いとして様々な素材や文脈を組み合わせた作品を数多く制作。2冊組のうち1冊には、蟻が実際に生活する巣（コロニー）を2枚のガラスパネルで挟んだ「\u003cem\u003eAnt Farm\u003c\/em\u003e」、4トンを超えるピンク色のキューブ型ガラス作品「\u003cem\u003ePink Tons\u003c\/em\u003e」、わずか1ミリの薄さに熱処理加工された純金シートが置かれた「\u003cem\u003eGold Field\u003c\/em\u003e」等、同美術館が所蔵するロニ・ホーン作品が数多く収録されている他、エミリー・ウェイ・ラリーによる本展の解説も掲載。もう1冊には、ロニ・ホーン自身によるテキストに加え、アメリカ人ライターであり映像作家、ヴィジュアルアーティストのゲイリー・インディアナ（Gary Indiana）が寄稿したエッセイ、ルイーズ・ブルジョワが設立した非営利慈善団体「Easton Foundation」のディレクターを務めるジェリー・ゴロヴォイ（Jerry Gorovoy）によるフォトエッセイを収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/blogs\/articles\/review-roni-horn-by-takiko-nishiki\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003eレビュー：錦 多希子（POST ストアマネージャー）\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003ca href=\"https:\/\/imaonline.jp\/articles\/interview\/20211026roni-horn\/\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003e記事：ロニ・ホーンインタヴュー「水の中にあなたを見るとき、あなたの中に水を感じる？」（IMA ONLINE）\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eロニ・ホーン:水の中にあなたを見るとき、あなたの中に水を感じる?\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2021年9月18日（土） - 2022年3月30日（水） 会期中無休\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：9:00-17:00\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：ポーラ美術館 展示室1, 2 遊歩道\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.polamuseum.or.jp\/sp\/roni-horn\/\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA leading figure in contemporary art, Roni Horn addresses wideranging issues such as nature, ecology, identity, landscape, and language. Her sculptures, drawings, photographs, and installations intermingle material and context, aiming to complicate the relationships among object, subject, and viewer. This two-volume catalogue features works such as \u003cem\u003eAnt Farm\u003c\/em\u003e, a living colony of ants sealed between two panes of glass; \u003cem\u003ePink Tons\u003c\/em\u003e, a four-ton cube of casted pink glass; and \u003cem\u003eGold Field\u003c\/em\u003e, a sheet of pure, annealed gold that measures a fraction of a millimeter thick. Also included are an engaging essay by artist Gary Indiana; a photo-essay by Jerry Gorovoy, Director of the Easton Foundation; and a personal statement by the artist.\u003c\/p\u003e","brand":"GLENSTONE \u0026 PRESTEL PUBLISHING","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":1995390779404,"sku":"978-3-7913-5660-0","price":10340.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/180215_6267_2.jpg?v=1571703965"},{"product_id":"war-primer-2-by-adam-broomberg-oliver-chanarin-signed","title":"WAR PRIMER 2 by Adam Broomberg \u0026 Oliver Chanarin [SIGNED]","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eロンドンを拠点とするアーティストデュオ、 アダム・ブルームバーグ \u0026amp; オリバー・チャナリン（Adam Broomberg \u0026amp; Oliver Chanarin）の作品集。2011年に100部限定でMACKより刊行されたハードカバー版を複写したソフトカバー版。本シリーズにて、2013年の「Deutsche Börse Photography Prize」を受賞している。本書は、ドイツの劇作家であり詩人、演出家のベルトルト・ブレヒト（Bertolt Brecht）の名著『\u003cem\u003eKRIEGSFIBEL\u003c\/em\u003e』（1955）の英訳書『\u003cem\u003eWAR PRIMER\u003c\/em\u003e』のアプロプリエーション（※註）版として制作された。第一次、第二次世界大戦の際に使用されていた報道写真と4行詩を1組として各ページにレイアウトした手法をブレヒトは「フォト・エピグラム」と呼び、30年以上もの間断続的に蒐集された。『\u003cem\u003eWAR PRIMER\u003c\/em\u003e』は、戦争へ向けた視覚的かつ叙情的攻撃であり、現代の資本主義における伝道者的存在でもあった。それから時は経ち21世紀、いわゆる「テロへの戦い」が泥沼化する現代で、作者はインターネット上で見つけた近年の紛争に関わる人物や先導者、当事者、記者等が写る画像の中から入念かつ戦略的に数十枚を選び、ブレヒトの『\u003cem\u003eWAR PRIMER\u003c\/em\u003e』の各ページ上に貼り、『\u003cem\u003eWAR PRIMER 2\u003c\/em\u003e』を作った。2つのヴィジュアル・ヒストリーに潜む共通点として挙げられるのは、マスメディアに対する懐疑論の核心を突くという部分であり、無神経に戦争成金を生み出すフォトジャーナリズムへのメッセージ的な役割として警鐘を鳴らしている。小学校の読み書きの教科書を想起させるようなタイトルが意図的に用いられており、視覚的なメッセージを一度解体すべく作中においても鋭い言葉を選んでいることで、よりマニュアル本のような存在感を示している。ブレヒトが参照した報道写真は4行詩ありきで解読される象形文字のようであったが、本作において改めてどのように「読み」「解釈する」かを作者は実証している。爆撃によって焼け出された街や戦地、ヒトラーとその忠実な部下（ヘンチマン）、負傷した兵士や難民 — ブレヒトが選んだ20世紀の画像と核心を突く4行詩。『\u003cem\u003eWAR PRIMER 2\u003c\/em\u003e』では作者の手により、アメリカ同時多発テロ事件やアブグレイブ刑務所における捕虜虐待、サッダーム・フセイン元大統領の死刑執行、ブッシュ大統領（当時）の感謝祭用七面鳥恩赦式などのデジタル画像とスクリーンショットが並置され、ブレヒトの『\u003cem\u003eWAR PRIMER\u003c\/em\u003e』が新たな意味を持つ。2011年の刊行時には、紛争で生まれたマスメディア画像の歴史的、政治的、社会的流布を問いてたが、今や時代は「虚偽報道（フェイクニュース）」へと移り変わり、この作品は歴史を物語るだけでなく歴史そのものを創るべく、イメージの持つ力とは何なのかを追求している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e※註 既存の芸術作品や既製品・広告などを取り込み再構成し、作品に仕立てる技法。「流用」「盗用」とも意味する。\u003cstrong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003eOriginally released in 2011 as a limited edition hardback, this paperback edition is a facsimile of the book which earned Adam Broomberg and Oliver Chanarin the 2013 Deutsche Börse Photography Prize. \u003cem\u003eWar Primer 2\u003c\/em\u003e appropriates the first English-language version of Bertolt Brecht’s remarkable 1955 Kriegsfibel in which Brecht combined press photographs from the World Wars with four-line poems. Compiled intermittently over three decades, Brecht’s book was a visual and lyrical attack on war and its propagandists under modern capitalism. Shifting the critique to contemporary narratives perpetuated by the so-called 'War on Terror', Broomberg and Chanarin strategically overlay the pages of Brecht's \u003cem\u003eWar Primer\u003c\/em\u003e with images culled from the internet and generated by the actors, propagators and reporters of the contemporary conflict. Underlying this junction of two visual histories is a profound skepticism of mass media images. \u003cem\u003eWar Primer\u003c\/em\u003e notably drew attention to the didactic role of photojournalism that served war's callous profiteers. The title deliberately recalled textbooks used to teach primary school children how to read, and the book, which used razor-sharp words to dismantle visual messages, effectively served as a manual, demonstrating how to “read” or “translate” press photographs – images that Brecht referred to as hieroglyphics in need of decoding. In \u003cem\u003eWar Primer 2\u003c\/em\u003e, Brecht's pithy poems and choice of 20th-century images – bombed-out cities and battlefronts, Hitler and his henchmen, and wounded soldiers and refugees, among them – take on new implications when shrewdly juxtaposed with digital images and video screenshots of the Twin Towers attacks, torture in the Abu Ghraib jail, the execution of Saddam Hussain, and George W. Bush proudly offering up a Thanksgiving Day Turkey. When the artists' book was first published it raised pertinent questions concerning the historical, political and social currency of mass-media images generated by conflict. Now, in an age of “fake news”, \u003cem\u003eWar Primer 2\u003c\/em\u003e probes the power of images not only to narrate but also to create history.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MACK","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":2337954496524,"sku":"978-1-912339-14-3","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/180410_7234.png?v=1571703965"},{"product_id":"problems-with-decomposition-by-sam-falls","title":"PROBLEMS WITH DECOMPOSITION by Sam Falls","description":"\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cdiv class=\"main-col\"\u003e\n\u003cdiv itemprop=\"description\" class=\"product_description\"\u003e「ロサンゼルス現代美術館（Museum of Contemporary Art, Los Angeles \/ MOCA）」や「国際写真センター（International Center of Photography \/ ICP）」にも作品が所蔵されているロサンゼルス在住アーティスト、サム・フォールズ（Sam Falls）の作品集。本作では1冊を通じて、果物や野菜といった食物と車のタイヤとの対比をコンセプトに構成されている。写真を軸としながらカラフルなスタンプが重ねられた作品からは、作者の自然や色彩、またデジタルイメージなどに対する探究心を見ることができる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eSam Falls explores the intersection of color, perception, digital imagery and natural processes - and in the case of \u003cem\u003eProblems with Decomposition\u003c\/em\u003e - Sam Falls also brings into context the element of temporal existence. This series consisting of organic matter juxtaposed against car tires takes on all of these concepts. Moving between the photographic image and their subjects imprint via 'stamping' via paints on the print.\u003c\/div\u003e\n\u003cdiv itemprop=\"description\" class=\"product_description\"\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003c\/div\u003e\n\u003c\/div\u003e","brand":"MÖREL","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":12201631809616,"sku":"978-1907071362","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/140421_69745_0e08e90e-503a-46e6-9a66-99d774bec23f.jpg?v=1571703965"},{"product_id":"artists-collections","title":"ARTISTS' COLLECTIONS","description":"\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eパリのアートシーンを牽引してきたギャラリスト、イヴォン・ランベール（Yvon Lambert）がフランス南部アヴィニョンに構える私設美術館「Collection Lambert」で2001年に開催された展覧会「Collections d’artistes」に伴い刊行された図録。美術館のディレクター、エリック・メジル（Éric Mézil）の着想によって実現した展覧会とこの図録は、アートコレクターとしての側面も持つアーティストたちによる選りすぐりのコレクションを含めたインテリアが蒐集されたカタログであり、各アーティストへのインタビューも収録されている。スペイン人画家ミケル・バルセロ（Miquel Barcelo）、フランス人でありアメリカで活動した彫刻家ルイーズ・ブルジョワ（Louise Bourgeois）、フランス人アーティストのダニエル・ビュラン（Daniel Buren）、アメリカ人フォトグラファーのナン・ゴールディン（Nan Goldin）、アメリカ人画家エルズワース・ケリー（Ellsworth Kelly）、リトアニア人映画監督ジョナス・メカス（Jonas Mekas）、アメリカ人画家であり映画監督のジュリアン・シュナーベル（Julian Schnabel）、アメリカ人フォトグラファー、アーティストのAndres Serrano（アンドレス・セラーノ）など錚々たる巨匠らが名を連ねる。パリを拠点とするデザインユニット「Antoine + Manuel」がデザインを手がけ、エリック・メジルや美術史家のパスカル・グリーナー（Pascal Griener）、Gagosian Galleryのディレクターであるイラン・ウィンゲート（Ealan Wingate）らがテキストを寄稿。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eCatalogue published at the occasion of the exhibition held at the Collection Lambert in Avignon in 2001. The exhibition and the catalogue, conceived by Éric Mézil, feature a selection of interiors and interviews with artists as collectors. With contributions by Miquel Barcelo, Louise Bourgeois, Daniel Buren, Nan Goldin, Ellsworth Kelly, Jonas Mekas, Julian Schnabel, Andres Serrano and many more.\u003c\/p\u003e","brand":"YVON LAMBERT","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":12220988751952,"sku":"9782742732968","price":11550.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/180410_7475.jpg?v=1571703966"},{"product_id":"scarf-1971-by-cy-twombly","title":"SCARF '1971' by Cy Twombly","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e21世紀を代表するヴァージニア州生まれのアメリカ人アーティスト、サイ・トゥオンブリー（Cy Twombly）の\u003c\/span\u003eアートワーク \"1971\" をプリントしたシルクカシミアのスカーフ。\u003cspan\u003eパリのアートシーンを牽引してきたギャラリストであり、 サイ・トゥオンブリーをヨーロッパいち早く紹介していたイヴォン・ランベール（Yvon Lambert）による私設美術館「Collection Lambert」による制作。\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePrinted in Italy and are made of cashmere and silk.\u003c\/p\u003e","brand":"YVON LAMBERT","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":12239690104912,"sku":"","price":165000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/170822_3109.jpg?v=1571703966"},{"product_id":"scarf-nymphidia-by-cy-twombly","title":"SCARF 'NYMPHIDIA' by Cy Twombly","description":"\u003cspan\u003e21世紀を代表するヴァージニア州生まれのアメリカ人アーティスト、サイ・トゥオンブリー（Cy Twombly）の\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eアートワーク \"NYMPHIDIA\" をプリントしたシルクカシミアのスカーフ。\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eパリのアートシーンを牽引してきたギャラリストであり、 サイ・トゥオンブリーをヨーロッパいち早く紹介していたイヴォン・ランベール（Yvon Lambert）による私設美術館「Collection Lambert」による制作。\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003ePrinted in Italy and are made of cashmere and silk.\u003c\/span\u003e","brand":"YVON LAMBERT","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":12239697805392,"sku":"","price":71500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/170822_3108.jpg?v=1571703966"},{"product_id":"artist-work-lisson","title":"ARTIST | WORK | LISSON","description":"\u003cp\u003e2017年に創立50周年を迎えた「リッソンギャラリー（Lisson Gallery）」の歴史と功績の記録として制作された、アーカイブブック。オランダ人デザイナー、イルマ・ボーム（Irma Boom）によって手掛けられた本書は、マリーナ・アブラモヴィッチ（Marina Abramović）に始まり、アイ・ウェイウェイ（Ai Weiwei）、ジョン・アコマフラ（John Akomfrah）からフレッド・サンドバック（Fred Sandback）、ローレンス・ウィナー（Lawrence Weiner）まで、同ギャラリーに所属してきたアーティスト達をアルファベット順に掲載。1000ページを超えるボリュームとなる同書には、同ギャラリーで行われてきた150名以上のアーティスト達による500以上に及ぶ展覧会記録と共に、この半世紀で重要とされてきた批評家達が寄せたテキストやレビュー、過去出版物からの抜粋などが添えられる形で収録。これらのアーカイブの中には、リチャード・ディーコン（Richard Deacon）によるスケッチやソル・ルウィット（Sol LeWitt）が手書きで残したカタログレイアウト、更にはカール・アンドレ（Carl Andre）の書いたインスタレーションの指示書にダン・グレアム（Dan Graham）の展覧会メモに加え、アーティスト達がギャラリーの創設者、ニコラス・ログズデイル（Nicholas Logsdail）に宛てたポストカードなど、多種多様な資料も収められており、非常に充実したコレクションが詰まった1冊となっている。表紙には、1970年代から同ギャラリーに所属してきたフランス人アーティスト、ダニエル・ビュレン（Daniel Buren）が特別に制作したアートワークが起用されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eARTIST | WORK | LISSON\u003c\/em\u003e documents the history and legacy of Lisson Gallery over the past 50 years. Under the art direction of famed Dutch designer Irma Boom, the publication features an A-to-Z of every artist who has had a solo exhibition at the gallery: from ABRAMOVIC, AI, AKOMFRAH, ANDRE and ARCANGEL to RYMAN, SANDBACK and WEINER. The gallery’s extensive and unique archive provides the publication with more than 2,000 illustrations gathered from five decades of resources. Running over 1,000 pages, the book provides a double page spread to each artist for each exhibition he or she has had at the gallery – over 500 exhibitions in total. Each artist’s section is accompanied by a short narrative, notable review or previously published extract by many of the finest writers of the last half century including: Stuart Morgan, Okwui Enwezor, Iwona Blazwick, Germano Celant, Chrissie Iles, Lisa Phillips, Roberta Smith, Homi K Bhabha, Tom McCarthy and Robert Storr. Critical texts are placed alongside sketches by artists such as Richard Deacon or hand-drawn layouts for catalogues by Sol LeWitt, as well as installation instructions from Carl Andre or exhibition notes by Dan Graham. The publication also contains images of postcards addressed to the gallery’s founder Nicholas Logsdail over the last 50 years, from artists including Ceal Floyer, Shirazeh Houshiary, Anish Kapoor, On Kawara and Richard Long. As well as a deep collection of textual, archival and visual material, ARTIST | WORK | LISSON includes a number of short essays by Nicholas Logsdail and other members of Lisson Gallery, including Greg Hilty (Curatorial Director), Alex Logsdail (International Director) and Ossian Ward (Head of Content). Since its inception in 1967, Lisson has had a presence on Bell Street near Edgware Road station in London and now encompasses two locations in the area and two in New York. The publication captures a snapshot of the evolving art scenes of these communities over the last half-century, as well as various locations around the world through the gallery’s participation in art fairs, biennales and off-site projects. These contributions, distributed throughout the book, address specific themes relevant to the gallery’s unrivalled longevity and position at the center of international contemporary art. The cover of ARTIST | WORK | LISSON has been specially designed by Daniel Buren, who has been exhibiting at Lisson Gallery since the 1970s.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"LISSON GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":12251829534800,"sku":"9780947830632","price":13200.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/180118_5286.jpg?v=1571703966"}],"url":"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/art.oembed?page=130","provider":"twelvebooks","version":"1.0","type":"link"}