{"title":"ART - SPECIAL DISCOUNT 2026","description":"","products":[{"product_id":"artist-work-lisson-poster","title":"ARTIST | WORK | LISSON POSTER","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003e2017年に創立50周年を迎えた「リッソンギャラリー（Lisson Gallery）」のアーカイブブック「\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/artist-work-lisson\"\u003e\u003cem\u003eARTIST | WORK | LISSON\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e」（2017刊）の日本展開を記念し、\u003cspan\u003eLisson Galleryとtwelvebooksで共同制作されたポスター。本書同様、オランダ人デザイナー、イルマ・ボーム（Irma Boom）がデザインを監修し、イルマが製紙会社と共同開発した特殊紙「IBO One」を本書同様に採用。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan style=\"color: #0000ff;\"\u003e※本商品はポスターです。作品集は\u003c\/span\u003e\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/artist-work-lisson\" style=\"color: #0000ff;\"\u003e\u003cspan style=\"color: #0000ff;\"\u003eこちら\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/a\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003eThis is a poster that is originated from a book '\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/artist-work-lisson\"\u003eARTIST | WORK | LISSON\u003c\/a\u003e', designed by Irma Boom. Co-published with Lisson Gallery and twelvebooks for the Japan launch.\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan style=\"color: #0000ff;\"\u003e\u003cstrong\u003eThis is a page for purchasing a poster of \u003cem\u003eARTIST | WORK | LISSON\u003c\/em\u003e. Click \u003c\/strong\u003e\u003cstrong\u003e\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/artist-work-lisson\" style=\"color: #0000ff;\"\u003ehere\u003c\/a\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cstrong\u003e for the book edition.\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"LISSON GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":12251864039504,"sku":"","price":7480.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/180425_7718_02.jpg?v=1571703966"},{"product_id":"sunsets-by-daniela-comani","title":"SUNSETS by Daniela Comani","description":"\u003cp\u003eイタリア人アーティスト、ダニエラ・コマーニ（Daniela Comani）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e写真シリーズ 『OFF』は、メディアに関する認識の余談のようなものである。テレビという常に我々の周りに付きまとってくる『動画再生装置』を綿密に細かい部分まで調べ上げた。しかしそんなテレビも、一度電源をオフにするとまるで死んだように見え、ただの冷んやりした物体となり、同時に視聴者が自分自身の幻想や恐れをそこに投影する画面として機能しだす。イメージが画面から消えたとしてもテレビは依然として暗い画面に部屋や人物を写り込ませてしまい、コンテンツを失わない。作者はアクティブに動いていないテレビを単に撮っているのではない。フラッシュがあたかもビッグバンが起きたかのように暗い画面に当たり、たとえ主役が写り込んでいなくてもそこに新たな光景や考察を生む。作者がシャッターを切った瞬間、一瞬のフラッシュの光がテレビの画面の構造と最も独特な形で混ざり合い、小さなフォーマットに描かれた夕暮れの風景のような新たなイメージと形を作り出す。また、このシリーズはデザインに関するものでもある。作者は、様々な形、サイズ、デザインのテレビが並ぶこの『ミザンセーヌ（舞台装置）』のために、それぞれのテレビが持つ物理的な特異性を引き出すべくブランド名を完全に消した。そしてテレビ群は皆一様に真正面を向いており、まるでたくさんの人が鑑賞者を凝視しているようである。テレビの枠は作品の額のように機能し、機械の本質を示唆している。作者が写し取ったイメージは、プラスチック製のテレビを二次元の画像に変え、それを板紙にマウントすることでまた別の新たな三次元の物質として定着する。それぞれの作品は、無限に複製できる技術的特徴を備えた写真という媒体が連続的に並んでいるにも関わらず、各々違う特徴を持つユニークな存在となっている。\u003c\/em\u003e」- レナータ・スティ（Renata Stih）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eOFF\u003c\/em\u003e, a photographic series by Daniela Comani, is an excursus into perception as it relates to the media. With painstaking precision she probes that ever-present device for the reproduction of moving images, the television set, but in off mode: turned off, TV sets seem dead, they become cold objects – and yet concomitantly they serve as surfaces for viewers to project their own fantasies and fears on. Even when the picture is extinguished, the TV is still not bereft of content, for the dark screen reflects the room and the people and objects in it. Daniela Comani doesn't merely take pictures of inactive TV sets, she shoots them: the flash hits the dark screen like a Big Bang that yields new sights and insights, even as it outshines and obliterates the protagonist’s reflection. At the instant she pulls the trigger, the split-second flash blends with the surface structure of the television sets in the most peculiar ways, producing new images and new shapes in these landscapes with sunset, small format. Daniela Comani's series is also about design: for this minimalistic mise-en-scène of an assortment of TV sets of varying shape, size and design, the artist has painstakingly removed the brand names in order to bring out the physical idiosyncrasies of each different setup. The objects are portrayed from the front, as though they were people gazing out from the picture at the viewer. The housing of each set serves as a picture frame and suggests the machine’s essential nexus to the picture. The photograph turns the plastic TV sets into two-dimensional pictures, which Comani then mounts on paperboard to create a new three-dimensional object. Each picture is unique despite the serial nature of photography with its technical capability of infinite reproduction. (Renata Stih, Berlin 2011)\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":21338382303312,"sku":"978-3-906803-17-3","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/SUNSETS00.jpg?v=1617857872"},{"product_id":"carmen-herrera-by-carmen-herrera","title":"CARMEN HERRERA by Carmen Herrera","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eニューヨークを拠点に活動するキューバ系アメリカ人アーティスト、カルメン・ヘレーラ（Carmen Herrera）の作品集。アーティストとしての生涯をかけて、徹底して抽象的でミニマルな作風を極めてきた。作者のペインティングの本質はくっきりした輪郭と直線にあると思われるかもしれないが、近くで観察してみれば手作業で塗られていることが分かり、果てしない色の広がりに予想を裏切られる。ディプティックやトリプティック（二連あるいは三連の絵画作品）の構造がさりげなく取り入れられた直近の作品を披露した展覧会もまた、大きなキャンバスを見事に仕上げる卓越した手腕を示している。また本書では、ニューヨークにあるスタジオと自宅の写真も見ることができる。収録されているエッセイでアメリカ人キュレーター／美術批評家のロバート・ストー（Robert Storr）はこう記している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e2015年の作品『Alpes』でヘレラは緑と白の三角形を交互に描いた。食いしばった歯のようなパターンが続くと思えば、最後の緑色の『歯』だけが抜け落ちている。このために全体的な連続性は失われ、二枚絵の内側にかろうじて収まっているどこまでも続く白の広がりの中に消えていくのである。\u003c\/em\u003e」\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e様々な芸術運動が起こった1930年代から1940年代にかけて、ハバナ、パリ、ニューヨークに暮らした作者だが、ラテン・アメリカやヨーロッパの構成主義やコンクリート・アート、さらにはモンドリアンの新造形主義やパリのアブストラクション・クレアション運動の流れを汲んだ彼女のスタイルからも、自分自身を芸術史上の特定のグループに属しているとみなしたことがないことは注目に値する。ジェンダーや国籍などの枠に囚われないアーティストであるヘレラが帰属意識を持つとすれば、それは純粋なモダニズムである。また彼女の作品には、芸術活動が盛んであったどの時代よりもむしろ建築の「インターナショナル・スタイル」の精神や土台が反映されているように思われる。本書は、ニューヨークの「 \u003cspan\u003eLisson Gallery\u003c\/span\u003e」で2016年5月3日から6月25日まで開催された展覧会に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eアナザーエナジー展：挑戦しつづける力―世界の女性アーティスト16人\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2021年4月22日（木）- 9月26日（日）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：10:00-22:00 \/ 火曜日のみ -17:00\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：森美術館\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.mori.art.museum\/jp\/exhibitions\/anotherenergy\/index.html\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eHerrera’s work has remained uncompromisingly abstract and minimal throughout her career – although the hard-edge, rectilinear qualities of her paintings are, on closer inspection, belied by their obviously hand-painted expanses of color. This show of recent work also exemplifies Herrera’s mastery of larger scale canvases, including subtle incorporations of diptych and triptych configurations. In an essay written for this catalogue which accompanies the Lisson, New York exhibition (featuring photographs of Herrera’s New York studio and home), the American curator and critic Robert Storr states: ‘\u003cem\u003eIn Alpes (2015) Herrera sets up what promises to be a pattern of green and white triangles alternating like clenched teeth but leaves out the last green ‘tooth’ so that the whole sequence dissolves into an open expanse of white that is barely contained by the outer edge of the diptych.\u003c\/em\u003e’ Given her stylistic connections to Latin American and European Constructivism and Concrete Art, as well as Mondrian’s Neo-Plasticism and the Abstraction-Création movement in Paris, it is telling that Herrera has never identified with any art historical grouping, even though she lived in Havana, Paris and New York in the 1930s and ’40s when many of these artistic associations were being formed. Being neither gender- nor nationality-specific as an artist, Herrera’s only true affiliation is with pure Modernism, perhaps reflecting the ethos and underpinnings of the International Style of architecture as much as any era of art production. Published on the occasion of Carmen Herrera’s show at Lisson Gallery, New York, 3 May – 25 June 2016.\u003c\/p\u003e","brand":"LISSON GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":21338385285200,"sku":"9780947830526","price":7040.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/181015_09917.jpg?v=1571703990"},{"product_id":"the-lasting-one-that-didn-t-last-that-still-lasts-by-hannelore-van-dijck","title":"THE LASTING ONE, THAT DIDN’T LAST, THAT STILL LASTS by Hannelore Van Dijck","description":"\u003cp\u003eベルギー人アーティスト、ハンネロア・ファン・ディク（Hannelore Van Dijck）の作品集。木炭をそのまま直接紙に描く作風で知られる。マイケル・ニューマン（Michael Newman）、ローラ・スタンプス（Laura Stamps）、クリストフ・ファン・ゲレウェイ（Christophe Van Gerrewey）によるテキストを収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eファン・ディクが壁や床、天井をドローイングで完全に覆うことで、新たな『皮膚』がスペースに存在する。その時、通常のサイズの絵に期待されることとは正反対のことが成され、我々の予想を超え困惑させる。壁の特徴が表面化すると、他のものが自動的に隠される。彼女は、空間を『歪ませる』のである。そして自身が見るもの、重要だと考えることを我々に明らかにするような傑作を幾度となく生み続けるだろう。木炭を手にすると、彼女はリズムを掴み、夜通しで何日も書き続けることができる。それは職人技のようなもので、空間に命を吹き込んでいるのである。彼女がそこにいない時でさえそれは存在している。彼女の手は、至る所に存在する。空間に対する彼女自身の独特な認識がそのように共有されることで、我々が考察し、見たことに対峙させるのである。\u003c\/em\u003e」－ \u003cspan\u003eローラ・スタンプス\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eファン・ディクのドローイングは、昼間に描かれたものであろうとなかろうと、日中ではなく夜の作品であると言える。その光は、太陽でなく月なのである。\u003c\/em\u003e」－ マイケル・ニューマン\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eThe lasting one, that didn’t last, that still lasts\u003c\/em\u003e” is an overview of Hannelore Van Dijck’s most recent work. Van Dijck works with charcoal on paper and in situ. With text contributions by Michael Newman, Laura Stamps and Christophe Van Gerrewey.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eWhen Van Dijck brings a new ‘skin’ to a space, by completely covering the walls with a drawing, or sometimes the floor or ceiling, she confounds expectations by doing the very opposite of what might be expected in a regular-sized drawing. As certain properties of the walls come to the fore, others are automatically hidden. She ‘distorts’ space. Time and time again, she will execute a tour de force that allows us to see what she sees, to view what she deems important. When, charcoal in hand, she finds her rhythm, she can draw for days, and long into the night. It is a form of craftsmanship and, with it, she brings the space to life. She is present even when absent. Her hand is, indeed, everywhere. By allowing us to share her unique perception of space, she confronts us with what we think we see.\u003c\/em\u003e” (Laura Stamps)\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eVan Dijck’s drawing is not the work of the day, but rather a nocturnal work, whether carried out during the day or not. Its light is not solar but lunar.\u003c\/em\u003e” (Michael Newman)\u003c\/p\u003e","brand":"ART PAPER EDITIONS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":28968479588432,"sku":"9789490800741","price":7040.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/190613_0395.jpg?v=1571704031"},{"product_id":"sculptures-by-oda-jaune","title":"SCULPTURES by Oda Jaune","description":"\u003cp\u003eブルガリア生まれ、パリを拠点とするアーティスト、オダ・ジョーネ（Oda Jaune）の作品集。作者はこの世のものとは思えない身体を大胆に描写した大規模な作品で知られている。絵画と彫刻の中の身体は、社会的であると同時に生物学的な実体として描かれている。本作は、想像上の身体でできた非常に私的な椅子やスツール、テーブルのシリーズ。何の使い道もない人の形から実用的なものを作り出した。様々な素材と手法が使われているユニークな作品群は彫刻のための試作であり、将来的には各3体がブロンズ鋳造される予定である。また、これらは絵画が空間を占めるようになり彫刻が絵画になるという変身を象徴している。写真集を制作するにあたって、作者はもともと作品に人が座っていたり使っていたりするところを写真に撮り、カタログの中の調度品のように見せることを考えていた。その後、出版と芸術の世界の重鎮であるベーダ・アッカーマン（Beda Achermann）がクリエイティブディレクターとなり、女性のヌードを探求してアート系のファンを獲得したファッションフォトグラファーのカミーユ・ヴィヴィエ（Camille Vivier）を紹介した。これらの彫刻はヴィヴィエの制作にとってインスピレーションを与えるものとなり、ジョーネの彫刻をヴィヴィエは女性モデルが絡むための舞台装置として捉えた。ジョーネとヴィヴィエがスタジオで一緒に作業をするうちに、絶え間なく変化し続ける彫刻の身体と人の身体が固定され、写真の中で一体化していった。互いのジェスチャーが真似され、何度も繰り返され、造形的な形が補足され、完全なものとなった。はっきりした影を作り出すために、ヴィヴィエはしばしば一つの光源を使っている。シュールレアリストの写真を連想させる照明の使い方によって、彫刻とモデルに共通している性質を強調すると同時に、テクスチャーと重みのニュアンスを描き出している。人と彫刻を組み合わせた詩的な世界観の中で、現実のものと想像上のもの、あるいは動いているものと静止しているものといった様々な身体の仕組みと構造がはっきりと表現されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOda Jaune is known for her fearless, large-scale portrayals of fantastical bodies. In both painting and sculpture these bodies are immediate, at once social and biological entities. Jaune has now realised a series of corporeal imaginings, highly personal chairs, stools and tables: use objects from useless human forms. The unique pieces are made in various materials, painted in a variety of media and will ultimately be cast in bronze in an edition of three, though the works seen here are the sculptural prototypes. It is a figurative metamorphosis – her paintings become spatial, her sculptures become paintings. For her artist’s book \u003cem\u003eSculptures\u003c\/em\u003e, Jaune first imagined her objects might be photographed as if they were furnishings in catalogues that would show people sitting on and using them. Then creative director Beda Achermann, a pivotal figure in the world of publishing and art, brought the artist together with photographer Camille Vivier. These sculptures are the objects that now inspire Vivier, a fashion photographer whose explorations of the female nude have equally garnered an art following. Jaune’s sculptures are props for Vivier with which female models interact. As Jaune and Vivier work together in the studio, sculptural bodies in flux and human bodies are fixed, united in a photograph. Gestures are imitated and echoed; plastic forms are complemented and completed. Vivier often employs a single light source to create stark shadows. The illumination, reminiscent of Surrealist photographers, emphasises the qualities shared by sculpture and model, whilst also illustrating nuances of texture and weight. In this combination the mechanics and structures of bodies, whether real or imagined, mobile or static, are poetically made evident.\u003c\/p\u003e","brand":"KODOJI PRESS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":31996438937680,"sku":"978-3-03747-097-8","price":6820.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200331_1152.jpg?v=1586341191"},{"product_id":"painting-2010-2011-by-gerhard-richter","title":"PAINTING 2010-2011 by Gerhard Richter","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eドイツ人画家、ゲルハルト・リヒター（Gerhard Richter）の作品集。パリのギャラリー「Marian Goodman Gallery」で開催された展覧会に伴い刊行された。本作は、作者による2つの抽象絵画シリーズを収録。「\u003cem\u003e千夜一夜物語\u003c\/em\u003e」に影響を受け「\u003cem\u003eIfrit\u003c\/em\u003e」「\u003cem\u003ePerizade\u003c\/em\u003e」など関連性のあるタイトルが付けられている。初期作品では、漆で作ったものをガラスの後ろに置きアルミに取り付けたサイズの小さい14作品で構成される。その後にイメージの制作という観点において偶然性を持つ役割を広く探求した「\u003cem\u003eStrip Paintings\u003c\/em\u003e」シリーズが現れる。ドイツ人美術史家のベンジャミン・H・D・ブクロー（Benjamin H.D. Buchloch）によるエッセイ『\u003cem\u003ePainting Progress, Painting Loss\u003c\/em\u003e』を収録し、現代絵画での位置付けを作者がどのように探るのかを分析する。本書内の作品群は、アルゴリズムやデジタル印刷などの技術を使用したことにより、科学的な不偏とも言える部分に到達しており、視覚芸術という分野について新たな技術の可能性を讃えられ得る。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eゲルハルト・リヒター展\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2022年6月7日（火） - 10月2日（日）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e休館日：月曜日 ※7月18日、9月19日は開館、7月19日（火）、9月20日（火）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：10:00-17:00（金・土曜は10:00-20:00）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：東京国立近代美術館\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/richter.exhibit.jp\/\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2022年10月15日（土） - 2023年1月29日（日）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e休館日：月曜日 ※2023年1月9日は開館、2022年12月28日 - 2023年1月4日は休館\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：10:00-17:30\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：豊田市美術館\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.museum.toyota.aichi.jp\/exhibition\/gr_2022-23\/\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003ePublished on the occasion of the exhibition that took place at Galerie Marian Goodman in Paris, this catalogue includes two abstract series by Gerhard Richter. Drawing inspiration from the book \u003cem\u003e1001 Arabian Nights\u003c\/em\u003e – with titles like \u003cem\u003eIfrit\u003c\/em\u003e and \u003cem\u003ePerizade\u003c\/em\u003e – the first one comprises 14 small format works made of lacquer behind glass and mounted on aluminum. The second are works from Richter's Strip Paintings, a large body of works where the artist explores the role of chance in the creative process. Included in this book is an essay by Benjamin H.D. Buchloh, \u003cem\u003ePainting Progress, Painting Loss\u003c\/em\u003e, that analyzes the way the artist explores the status of contemporary painting. Thanks to the use of techniques like algorithms and digital printing, these works reach an almost scientific impartiality and celebrate the potential of new technologies in the field of visual arts.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MARIAN GOODMAN GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32020732739664,"sku":"0944219187","price":9680.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/190418_13907_aebed4b9-3484-403c-b53e-03bd46934a17.jpg?v=1587618325"},{"product_id":"parallax-symmetry-by-carsten-nicolai","title":"PARALLAX SYMMETRY by Carsten Nicolai","description":"\u003cp\u003eドイツ人アーティストであり音楽家のカールステン・ニコライ (Carsten Nicolai）の作品集。作者はベルリンを拠点とし、1990年代初期からヴィジュアルアート、音楽、自然科学が相互に作用する領域で作品を作り続けてきた。電子音と光によるミニマリズムのインスタレーションやサウンドパフォーマンスを制作し、メディアに形作られた世界のシステムと構造を映し出す宇物理的な現象を提示してきた。アルヴァ・ノト（Alva Noto）という名前で音楽家としても活動し、コンテンポラリー・エレクトロ・ミュージック界を代表する有名アーティストの1人となった。documenta X（1997年）とヴェネツィア・ビエンナーレ（2001、2003年）に参加したことをきっかけに、ヴィジュアルアーティストとしての作品も世界中で展示してきた。 デュッセルドルフのギャラリー「K21」で、このアーティストでありミュージシャンでもある人物に捧げた概説的な展覧会が2019年秋に開催、それと同時に同ギャラリーのある広場では電子音楽のライブコンサートやパフォーマンスが行われた。本書と同タイトルである展覧会「Carsten Nicolai. Prallax Symmetry」は2019年9月28日から2020年1月19日にデュッセルドルフのK21で開催された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eSince the early 1990s, Carsten Nicolai (b. 1965, lives and works in Berlin) has worked along the interface between visual art, music, and the natural sciences. With electronic sound and light material, he generates minimalist installations, sound performances, and presentations of physical phenomenon that reflect upon the systems and structures of a mediatized world.As a musician, Nicolai has become one of the most recognized representatives of contemporary electronic music under the pseudonym Alva Noto. Since his participation in documenta X (1997) and the Venice Biennales of 2001 and 2003, he has exhibited worldwide as a visual artist. Taking place on the piazza of the K21 to accompany Nicolai’s exhibition in the lower level will be a series of electronic live concerts and performances.In autumn, the K21 will be showing a survey exhibition devoted to the artist and musician.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eText by Susanne Gaensheimer, Doris Krystof, Rainer Maria Rilke, Friedrich Kittler, Kathrin Dreckmann, Verena Meis, Linda Walther\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32577760133200,"sku":"978-3-959053-50-1","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/ParallaxSymmetry00.jpg?v=1593010584"},{"product_id":"tacit-knowledge-post-studio-feminism-calarts-1970-1977-by-annette-jael-lehmann","title":"TACIT KNOWLEDGE - Post Studio\/Feminism – CalArts 1970-1977 by Annette Jael Lehmann","description":"\u003cp\u003eドイツ人美術史家であり教授のアンネッテ・ジャエル・レーマン（Annette Jael Lehmann）の作品集。カリフォルニア芸術大学（CalArts）の歴史の最初の10年間を特徴づけた複雑な芸術・教育実践について考察した一冊。アメリカ人アーティストであるジョン・バルデッサリ（John Baldessari）の「ポストスタジオ」学科、アメリカ人アーティストのジュディ・シカゴ（Judy Chicago）とカナダ生まれでアメリカを拠点として活動したアーティストのミリアム・シャピロ（Miriam Schapiro）の「フェミニストアートプログラム」から生まれ発展した、コンセプチュアルでありフェミニズムである戦略に特に重点が置かれている。フェミニストアートプログラムは1970年に始まり、同校で設立後間もない1971年からプログラムが提供されるようになった。CalArtsのポストスタジオ学科とフェミニストプログラムで実践されていた教育の特徴は、認識および（習慣に基づく）身体的な知識が深く絡み合っていることだとされている。このため本書においては、行動の社会的かつ遂行的文脈から得られる知識、すなわち暗黙知が収録されている全ての研究を関連付ける包含的な原則として機能している。短い概論、詳細な事例研究、幅広い文献や写真を雑誌の形式で組み合わせ、初期のCalArtsを形成した概念に様々な角度から大胆にアプローチした実験的な一冊。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eTacit Knowledge\u003c\/em\u003e provides an insight into the complex artistic and educational practices that characterized the first decade of the California Institute of the Arts (CalArts). There is a special focus on the conceptual and feminist strategies developed in and from John Baldessari’s Post Studio class as well as Judy Chicago and Miriam Schapiro’s Feminist Art Program, which was initiated in 1970 and brought to the newly founded art school in 1971. As Post Studio and feminist practices at CalArts are often characterized by the specific entanglement of cognitive and (habitual) bodily forms of knowledge, the idea of tacit knowledge, and thus learning through social and performative contexts of action, functions as an overarching principle linking all the contributions in the book. Combining short introductions with in-depth case studies and a broad range of documental and photographic material, the experimental publication takes the form of a magazine, allowing a diverse and lively approach to the ideas shaping the early years of CalArts. \u003cbr\u003e\u003cbr\u003eText by Kim Albrecht, Lea Becker, Katharina Brandt, Léïla Douliba, Carla Gabriel, Jennifer Gaschler, Pauline Gründing, Verena Kittel, Friederike Krause, Vivien Lambert, Annette Jael Lehmann, Alice Rugai, Jeffrey Schnapp, Anna Sønderup\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32577779826768,"sku":"978-3-959053-41-9","price":5280.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/Tacitknowledge00.jpg?v=1593012888"},{"product_id":"body-in-pieces","title":"BODY IN PIECES","description":"\u003cp\u003eKAI 10 アルテナ・ファンデーション（ドイツ）で2019年2月から5月に開催された展覧会「\u003cem\u003eBODY IN PIECES\u003c\/em\u003e」に伴い刊行された作品集。本展には、人間の体に焦点を当て作品を制作する7人の作家が参加した。人間の体とは表面上の興味関心、内的なニーズ、そして自らが課す多様な要求がからみ合った構造であり、これらを隔てる境界は今では文字通りにも比喩的にも穴だらけになっている。本書は、このテーマを深く掘り下げたエッセイと写真をふんだんに用いて、様々な形式で行われる事実上の身体の断片化と現代における身体が抱える矛盾するリアリティーについて探求する国際的なアーティストたちを紹介する。「一つにまとまったもの」「完全なるもの」という概念を放棄した身体は、規範的なシステムや、性と役割に関する伝統的な考え方から解放させるほど驚くべき破壊のポテンシャルを持つ。本書に登場するアーティスト陣は、現代に生きる私たちが考える「人間であること」の条件が内包する重大な曖昧さに光を当てている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e参加アーティスト：モニカ・ボンヴィチーニ（Monica Bonvicini）、レダ・ブルゴーニュ（Leda Bourgogne）、マリーチェン・ダンツ（Mariechen Danz）、ナディラ・フセイン（Nadira Husain）、イェンス・ペヒョ（Jens Pecho）、リリー・レイノー＝ドゥヴァール（Lili Reynaud-Dewar）、ライアン・トラカートゥン（Ryan Trecartin）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe human body is a structure interwoven with external interests, internal needs, and a wide range of self-imposed demands—its boundaries have now become porous both literally and figuratively. The publication \u003cem\u003eBody in Pieces\u003c\/em\u003e, which accompanies the exhibition of the same name, draws on in-depth essays and extensive spreads of images to showcase seven international artists who trace numerous real fragmentations of the body and its conflicted present-day reality. A body that has abandoned any idea of coherence and wholeness contains the crucial subversive potential to enable a break with normative systems and traditional notions of gender and role. The artists and authors involved in this book are focused on these key ambiguities in our modern conception of what it is to be human.\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32585411133520,"sku":"978-3-959053-12-9","price":4400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/BodyinPieces00.jpg?v=1594902861"},{"product_id":"primal-sound-by-carsten-nicolai","title":"PRIMAL SOUND by Carsten Nicolai","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eドイツ人アーティストであり音楽家のカールステン・ニコライ (Carsten Nicolai）の作品集。『\u003cem\u003eUr-Geräusch（Primal Sound）\u003c\/em\u003e』は1919年に出版された詩人ライナー・マリア・リルケ（Rainer Maria Rilke）のエッセイのタイトルである。作者は2015年にKunstverein Braunschweigで開催した展覧会にこの名をつけた。このエッセイでリルケは、初期の蓄音機であるフォノグラフについて記している。今から140年ほど前の時点で既にフォノグラフは発明されており、レコードプレイヤーに先駆けて登場した、音を再現できる最初の装置だった。この技術革新の類例として、作者は目に見える形で音波を記録・再生する方法を発見した。Kunstverein Braunschweigで展示したインスタレーションでは、女優ジュール・ボウ（Jule Böwe）にリルケの『\u003cem\u003ePrimal Sound\u003c\/em\u003e』を朗読させていた。本作では、ジュール・ボウの声を視覚化した包絡線と印刷した文章を対比させている。インスタレーションの写真は、和装本の内側に「隠しトラック」として目立たないように印刷されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eUr-Geräusch\u003c\/em\u003e”\u003cem\u003e (Primal Sound)\u003c\/em\u003e is the title of an essay by Rainer Maria Rilke, which was published in 1919 and subsequently lent its name to the exhibition by Carsten Nicolai that was mounted last year at the Kunstverein Braunschweig. In the text Rilke wrote about the phonograph, which was invented almost 140 years ago as a precursor of the record player and was the first device capable of reproducing sound. Paralleling this technical innovation, Nicolai finds visual forms for the recording and playback of sound waves. For his installation at the Kunstverein Braunschweig he had Jule Böwe narrate Rilke’s “Primal Sound”. In the artist’s book he contrasts the envelope curve ― the visualized image of her voice ― with the printed text. Pictures of his installations are tucked away as a “hidden track” on the inside of the Japanese binding.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32590127988816,"sku":"978-3-959050-73-9","price":4620.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/PROMALSOUND00.jpg?v=1594912946"},{"product_id":"works-2013-2016-by-kai-schiemenz","title":"WORKS 2013-2016 by Kai Schiemenz","description":"\u003cp\u003eドイツ人アーティスト、カイ・シーメンツ（Kai Schiemenz）の作品集。作者は建築が人に及ぼす影響に興味を持つ。地図や表を使うのではなく、模型として提示された空間の体験を通じた実験によってこれらの影響を説明しようとする。ここでは、作者の彫刻作品が構成主義の影響を受けていることは明らかである。最近の陶器作品シリーズは、ベルリンの地下鉄ネットワークのタイルを生産するタイルメーカーと一緒に制作された。本書に収録されているテキストにおいて、キュレーターのスザンヌ・アルトマン（Susanne Altmann）は「\u003cem\u003eこのプロジェクトでカイ・シーメンツは土をテーマにしました。彼が使うもう一つの素材であるガラスとは違い、今の彫刻界では土は主流ではありませんが、ここ数年のうちに素晴らしい彫刻作品がいくつも出てきました\u003c\/em\u003e」と述べている。作者のインスタレーションの様子およびガラスと陶器の作品を収録した本書は、2016年3月から12月にドイツのStädtische Galerie Wolfsburgで開催された展覧会「\u003cem\u003eGroße und Kleine — Pistazie \/ Malve \/ Koralle （Large and Small: Pistachio \/ Mallow \/ Coral）\u003c\/em\u003e」に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eKai Schiemenz is interested in the effects architecture has on people. He does not provide information about these effects using maps and charts but rather by means of experiments, via the experience of the space presented in model form. The influence of the constructivists on his built sculptures is unmistakeable here. For his current series of ceramics, he worked together with a tile maker, who produces the tiling for the Berlin underground network. “\u003cem\u003eIn this project Kai Schiemenz enters a terrain ― unlike with glass, another material that he works with ― that is not right in the mainstream but has been spectacularly revitalized in recent years by sculptors,\u003c\/em\u003e” writes Susanne Altmann in the catalogue. The publication brings together installation views and glass and ceramic pieces made by the artist. It appears in conjunction with his solo exhibition Große und Kleine ― Pistazie \/ Malve \/ Koralle (Large and Small: Pistachio \/ Mallow \/ Coral) at the Städtische Galerie Wolfsburg (March to December 2016).\u003c\/p\u003e","brand":"SPECTOR BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32638166630480,"sku":"978-3-959050-98-2","price":4180.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/WORKS000.jpg?v=1595185671"},{"product_id":"paintings-by-emil-michael-klein-1","title":"PAINTINGS by Emil Michael Klein","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eスイス人アーティスト、エミル・ミハエル・クライン（Emil Michael Klein）の作品集。2013年から2016年にかけて制作された大型の油画に対し、媒体、フォーマット、サイズを変えて印刷された本という形式に落とし込んだ。自身が選んだ30作の高品質アートプリントを、デザイナーのテオ・シフェリ（Teo Schifferli）が1冊の本にした。キャンバスを異なるアングルで捉えたイメージや、派生、独立してきた作品も収録されている。本書の制作に際し、作者はアーティストブックという特殊なフォーマットの中で印刷と絵画という対照的なプロセスを探求し、融合させた。色で描かれた線とモノクロの面で構成された網の目のような作者の絵は、印刷された作品が持つ整然とした様子や鮮やかな色彩といった効果を思い起こさせる。ここでは、その類似点と2つの表現手段の違い、さらには二つの間を自由に行き来することへの魅力が掘り下げられている。本書は、原画を複製することに付き纏う問題に向き合うことはもちろん、イメージがどのようにして鑑賞され、広まっていくのかについても問いを投げかけている。セリー主義とバリエーションに対する自分なりの考え方と抽象絵画の概念に基づき、作者は作品に短いキャプションしかつけないようにしている。作者の絵は文章、解説、説明を必要としないからである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003ePaintings\u003c\/em\u003e presents a recent series of works by Emil Michael Klein. These large-scale oil paintings on canvas, executed from 2013 to 2016, are transformed here by the medium, format and reduced size of the printed book. Designer Teo Schifferli has brought together the artist’s own selection of 30 high-quality art prints of his paintings, including different takes and angles on those canvases, as well as other stand-alone works by Klein. Emil Michael Klein’s main object here is to explore and intermingle the contrasting processes of printing and painting within the specific format of an artist’s book. The arterial web of colored lines and monochrome color fields in his paintings evokes the formal and chromatic effects of printed artwork. Klein delves into these similarities – as well as differences between the two artistic media – and his ambivalence about switching from one to the other. Besides grappling with the perennial problems involved in turning originals into reproductions, this artist’s book asks how images are viewed and disseminated. Based on his concept of serialism and variation as well as abstract painting, Emil Michael Klein provides only brief captions to the pictures: they need no accompanying text, commentary or explanations.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32656323608656,"sku":"978-3-906803-42-5","price":7920.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/PAINTING00.jpg?v=1617857784"},{"product_id":"marian-goodman-gallery-ny-2005-by-gerhard-richter","title":"2005 by Gerhard Richter","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eドイツ人画家、ゲルハルト・リヒター（Gerhard Richter）の作品集。2005年にニューヨークのギャラリー「Marian Goodman Gallery」で開催された7回目の展覧会に伴い刊行された。2001年から2005年にかけて制作された展示作品には、二つの重要なペインティングシリーズやその他ペインティング作品、そしてドローイング作品のカタログ・レゾネ『\u003cem\u003eGerhard Richter: Drawings 1964-1999\u003c\/em\u003e』の刊行以後、久しぶりの発表となる大型のドローイングが含まれたものとなっている。分子構造の拡大写真をモチーフに白黒の画面が抽象と具象の新たな関係性を探るジリカート・ピクチャー・シリーズ『\u003cem\u003e885-1-- 885-4\u003c\/em\u003e』（2003）から4点が展示された。もうひとつのシリーズ『\u003cem\u003e892-1 -- 892-12\u003c\/em\u003e』（2005）の作品は、大型の抽象画を12点連続させることで、これまでとは異なる絵画の方向性を示した。スイス人キュレーターのディーター・シュワルツ（Dieter Schwartz）によるエッセイ、ドイツ人美術史家のベンジャミン・H・D・ブクロー（Benjamin H.D. Buchloch）によるインタビューを収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eゲルハルト・リヒター展\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2022年6月7日（火） - 10月2日（日）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e休館日：月曜日 ※7月18日、9月19日は開館、7月19日（火）、9月20日（火）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：10:00-17:00（金・土曜は10:00-20:00）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：東京国立近代美術館\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/richter.exhibit.jp\/\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2022年10月15日（土） - 2023年1月29日（日）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e休館日：月曜日 ※2023年1月9日は開館、2022年12月28日 - 2023年1月4日は休館\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：10:00-17:30\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：豊田市美術館\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.museum.toyota.aichi.jp\/exhibition\/gr_2022-23\/\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003ePublished on the occasion of Richter's 7th exhibition at Marian Goodman Gallery, New York in the winter of 2005. The exhibition included works made between 2001 and 2005, including two important cycles of new paintings, as well as individual paintings, and a series of large-format drawings rare in scale and the first of their kind since the appearance of the 1999 catalogue raisonné of the drawings, \u003cem\u003eGerhard Richter: Drawings 1964-1999\u003c\/em\u003e. The two new series of paintings include four Silikat pictures, \"\u003cem\u003e885-1-- 885-4\u003c\/em\u003e\" (2003) whose black and grey planes explore the nexus between abstraction and representation, taking as their point of departure photographically enlarged molecular structures. A separate cycle of works will include a series of twelve paintings from 2005, \"\u003cem\u003e892-1 -- 892-12\u003c\/em\u003e\" (2005), in which the artist's pictorial stratagems are developed within the context of a succession of large-format abstractions. The catalogue includes an essay by Dr. Dieter Schwartz and an essay and interview by Benjamin H.D. Buchloh.\u003c\/p\u003e","brand":"MARIAN GOODMAN GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32774756040784,"sku":"9780944219058","price":7260.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200916_104.jpg?v=1601651254"},{"product_id":"the-strange-moves-that-we-make-by-zon-ito","title":"THE STRANGE MOVES THAT WE MAKE by Zon Ito","description":"\u003cp\u003e日本人美術家、伊藤存の作品集。2018年にタカ・イシイギャラリーで開催された展覧会「\u003cem\u003eThe Strange Moves That We Make\u003c\/em\u003e」のに伴い刊行された。作家の福永信と作者自身によるテキストを収録。（英語･日本語）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e以下プレスリリースより抜粋\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eタカ・イシイギャラリーでは5年ぶり3度目となる本展では新作の刺繍作品など約10点を展示いたします。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eわたしがふらっと立ち上がります。ーホラ、立ち上がったでしょう。これはわたしが立とうと思ったのです。そんなふうな気分で立とうとおもったのです。これは一つの情緒です。\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e立とうと思うと、四百いくつかの筋肉が、同時に統一的に動いて、じっさい立ち上がるという動作を実現します。\u003c\/em\u003e」\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eどうしてこのようなことが出来るのかは全く分かりませんが、分からなくても確かにできるのです。\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eこのほうは日常絶えず経験していることで疑う余地はありません。\u003c\/em\u003e」\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e岡 潔 「\u003cem\u003e情緒と創造\u003c\/em\u003e」講談社31頁 16行目～32頁3行目、32頁8行目～9行目より\u003cbr\u003e \u003cbr\u003e「\u003cem\u003e生まれて初めて立ち上がったときの人は自分が立ち上がったことにおどろいている。\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eそういう顔の表情をしている。\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eそして、このおどろきの動作を繰り返し確認し、情緒をたしかな形にしているのだろう。\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003cem\u003eそれから随分時がすぎて、ふいに人が立ち上がったとき、少しはなれたところに寝転んでいた野良猫がおどろいて立ち上がり、こちらを見る。\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eそのとき人と野良猫はお互いの違う世界を見つめあっている。そのときの野良猫のみているもの。海がこっちにきたりあっちにいったりする。こっちにくるときに濡れないように立ち上がり後ろにさがる。\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eリズムは波とあっている。このときの人がみているもの。\u003c\/em\u003e」\u003cbr\u003e－伊藤 存\u003cbr\u003e \u003cbr\u003e刺繍、鉛筆画、ドローイング・アニメーション、映像や立体作品など、これまで多岐にわたる手法で作品を発表してきた伊藤は、本展のプレスリリースのために数学者岡潔の言葉を引用しています。人間の知覚の外側の世界と人の内なる世界との関係に関心を持つ伊藤は、岡が提唱した、育くまれることで形作られていく人のこころの働き「情緒」についての思考に、その作品制作を通して興味を持ち続けています。近年では、私達の認識の外部に存在する生物、事物、現象に目をむけ、それらと自己との関係を探るプロジェクト「生き物調査」に取り組み、巨大な岩を連想させる一部に刺繍を用いた立体作品や、一筆描きによるドローイングと木の枝とで構成される作品など、独自の表現方法を構築してきました。本展にて発表される、有機的なかたちに描かれた刺繍作品や粘土絵など、伊藤作品のさらなる展開をぜひこの機会にご高覧ください。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eText by Shin Fukunaga and the artist (English and Japanese)\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOfficial Press Release:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eTaka Ishii Gallery is pleased to present “\u003cem\u003eThe Strange Moves That We Make\u003c\/em\u003e”, a solo exhibition of works by Zon Ito, from September 16 to October 15. This will be his third exhibition and first in five years with Taka Ishii Gallery. The exhibition will feature approximately 10 works in various media.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eI stand up casually. See how I’ve stood up? I willed myself to stand up. I thought, I’ll stand up feeling like this. This is a type of emotional spirit. When I think about standing, four hundred and some muscles move simultaneously in unity to actualize the movement of standing up.\u003c\/em\u003e”\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eI don’t know why such a thing is possible, but nevertheless, I can certainly do it. There is no doubt about this as I experience it daily.\u003c\/em\u003e” \u003cbr\u003e\u003cbr\u003eKiyoshi Oka, \u003cem\u003eJōcho to Sōzō\u003c\/em\u003e [emotional spirit and creation] (Tokyo: Kodansha, 2002) pp.31-32\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eWhen standing up for the first time, people are surprised by the fact that they are standing. Their faces express their surprise. They repeat and verify this surprising action to solidify their emotional spirit. \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eAfter a significant amount of time passes, a person stands up on a whim. A stray cat that had been lying down at some distance is startled, stands up, and looks over at the person. At that moment, the person and the cat are looking at each other’s respective and different worlds. What does the stray cat see? The wave moves to and fro. When it comes over here, the person stands up and steps back to avoid getting wet. The rhythm is in sync with the waves. What does the person see in that moment?\u003c\/em\u003e \u003cbr\u003e－Zon Ito\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eZon Ito, who has created works in numerous media including embroidery, pencil drawings, hand-drawn animation, video, and sculpture, has used a quotation from the mathematician Kiyoshi Oka in this press release. Throughout his art practice, Ito, who is interested in the relations between man’s interior and exterior worlds, has been drawn to the Oka’s idea that emotional spirits are formed through nurture. In recent years, Ito has constructed unique methods of expression. He has been carrying out a “survey of living things” to examine the relation between the self and organisms, events, and phenomena that exist outside our recognition, and produced a partially embroidered sculpture, which evokes a giant boulder, and a work composed of branches and a drawing made with a single brush stroke. We sincerely hope you take this opportunity to see the new works included in this exhibition, such as the embroidered drawing on organically formed supports and clay pictures, which indicate a new development in Ito’s work.\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32828068364368,"sku":"","price":2508.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200803_0810.jpg?v=1599849539"},{"product_id":"maria-taniguchi-by-maria-taniguchi","title":"MARIA TANIGUCHI by Maria Taniguchi","description":"\u003cp\u003eフィリピン人アーティスト、マリア・タニグチ（Maria Taniguchi）の作品集。本書は2017年にタカ・イシイギャラリーで開催された個展にに伴い刊行された。キュレーターのスーザン･ギブ（Susan Gibb）によるテキストを収録。（英語･日本語）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e以下プレスリリースより抜粋\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e日本での初個展となる本展では、新作の絵画と彫刻作品を展示いたします。タニグチは、絵画や彫刻、映像、インスタレーションなど多様なメディウムを用いて作品を展開し、社会的・歴史的文脈を踏まえ空間や時間の探求を行なってきました。作家が2008年より継続して制作している、ブリック・ペインティングと呼ばれるレンガの壁を描いたような絵画作品「\u003cem\u003eUntitled\u003c\/em\u003e」シリーズは、無数の矩形のセルから構成され、グラファイトで縁取られたセルの内側はグレーや黒色で塗られています。一つ一つのセルを手作業で仕上げるこの丹念な制作プロセスが、絵画の表面に僅かな変化と複雑なパターンを生み出しています。ブリック・ペインティングは様々なサイズで制作されていますが、その多くは数メートルの規模に及んでおり、作品に建築的要素を与えています。こうして絵画そのものがモニュメンタルな存在として展示空間にたち現れてくるのです。本展ではブリック・ペインティングの大型作品1点と共に、同シリーズの新作である小ぶりの絵画12点を展示します。近年、多くの現代美術作家が「圧縮」という概念に興味を持っており、それは昨今科学者らが成功した水素の金属変換にみられるような有形物に留まらず、データや時間といった無形物の圧縮も含みます。現代社会は情報テクノロジー（IT）に大きく依存しており、それは二進法の電気信号の膨大な蓄積により構成される大容量記録媒体によって成り立つものですが、このシステムは大規模な量子コンピュータの実現によって近い将来、過去のものとなるでしょう。タニグチの絵画はそのシンプルな形態からミニマリズムとの関連性をみることができますが、同時に記録装置をその技術的意味合いにおいて具現化しており、人類の進化の歴史的意味について触れていると言えるでしょう。本展でタニグチは、「ジャワ・プラム」（ムラサキフトモモ）と呼ばれるインド・東南アジア原産の硬い木材から作られた新作の彫刻群も展示します。これらの巨大な彫刻に象られた「I」と「O」の文字は、電子機器のインターフェースの仕組み（インプットとアウトプット）への謎めいた言及です。タニグチはブリック・ペインティングを自らの芸術的実践全体の根幹を成すものとし、その他の作品は同ペインティング作品の反射もしくは屈折だと言います。彫刻の新作も例外ではなく、接触の瞬間をインプット\/アウトプットと捉え、それを一見時代錯誤にみえる木彫と融合させることにより、自身の作品の新たな可能性を探っています。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eText by Susan Gibb (English and Japanese)\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOfficial Press Release:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eTaka Ishii Gallery Tokyo is pleased to present a solo exhibition of works by Maria Taniguchi from April 21 to May 20. The exhibition marks Taniguchi’s first solo presentation in Japan, and will feature new paintings and sculptures. Taniguchi’s works encompass painting, sculpture, video and installation. Her practices investigate space and time along with social and historical contexts. Her series of “Untitled” brick paintings is an ongoing series that had been initiated in 2008. Each painting consists of seemingly countless rectangular cells, each one outlined by hand with graphite and filled with gray and black tones. The painstaking process creates a subtle yet complex pattern on the surface. These paintings develop in various extents, most of them reaching meters in size. The constructive structure embodies architectural elements, resulting in the paintings themselves manifesting as monumental existences within the space. Along with a large brick painting, Taniguchi will present 12 new paintings from the same series, albeit much more compact in scale. These days, artists are seemingly attracted to the idea of “compression.” This concept is not only limited to the compression of tangibles such as scientists who recently succeeded in transforming hydrogen into metal, but also the compression of intangibles such as data or time. Our contemporary society heavily relies on information technology that is now based on data storage devices that consist of an innumerable accumulation of the binary system, a system that soon will be a thing of the past as we approach mass-scale quantum computing. While the paintings’ simplicity in form could possibly be thought of as something related to minimalism, the paintings also serve to embody a device for storage in the technological sense of the term, and subsequently represent a historical meaning of human development. Taniguchi will also show a group of new sculptures made from hardwood called Java Plum native to India and Southeast Asia. These large and architectural sized sculptures depict the letters “I” and “O”, an enigmatic reference to a form of electronic interfacing (input and output). The artist has referred to her brick paintings as the fundamental root of her larger artistic practice, while the other artworks are reflection, or refractions of it. The new sculptures are no exception, representing a search for possibilities by coalescing the moment of contact (input \/ output) and the seeming anachronism of woodcraft.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32828069675088,"sku":"","price":2508.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200803_0833.jpg?v=1599849260"},{"product_id":"ratio-of-distance-by-silke-otto-knapp-florian-pumhosl","title":"RATIO OF DISTANCE by Silke Otto-Knapp, Florian Pumhösl","description":"\u003cp\u003eドイツ人アーティスト、シルケ・オットー・ナップ（Silke Otto-Knapp）とオーストリア人アーティスト、フロリアン・プムフースル（Florian Pumhösl）の作品集。2014年にタカ・イシイギャラリーで開催された展覧会「\u003cem\u003eRatio of Distance\u003c\/em\u003e」に伴い刊行された。美術史家であり評論家のトム・マクドノー（Tom McDonough）によるテキストを収録。（英語、日本語）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e以下プレスリリースより抜粋\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本展は、ロサンゼルスを拠点に活動するシルケ・オットー・ナップ、そしてウィーンを拠点に活動するフロリアン・プムフースルの絵画作品によって構成されます。オットー・ナップとプムフースルは、2008年にケルンのダニエル・ブッフホルツにて個展を同時開催し、その後、2013年にウィーンのシェーンベルク・センターで開催されたグループ展「\u003cem\u003eArt is: New Art\u003c\/em\u003e」にともに参加しました。本展は、彼らの継続的な対話を新たな作品として形にした初めての二人展となります。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eシルケ・オットー・ナップは、舞台デザイン、バレエ、モダンダンスの歴史資料に基づいて、キャンバスに水彩絵具のみで描くという独特の手法で絵画を制作してきました。平坦さと深さの両方を実現する空間を作るために、銀色の水彩絵具とガッシュを用いて階層化されたオットー・ナップの絵画は、風景と身体の空間における関係性、つまり、図と地の複雑な関係性を、ほとんど抽象的な要素に変換することに成功しています。本展では、2014年の夏にカナダのフォーゴ島（ニューファンドランド）にて制作された新作絵画を発表いたします。海に囲まれた、広大な陸地の続く静かなこの島を歴史的なモチーフとしてとらえることに強く興味を抱いたオットー・ナップは、黒色と灰色の水彩絵具を用い、島を正面から見た図と上から見た図が融合されたイメージを描きました。画面の空間は不安定な状態を保ち、鑑賞者は立つ位置によって視点を変えることができます。フロリアン・プムフースルは、アヴァンギャルド・ムーブメント、とりわけそのグラフィックス、タイポグラフィ、建築を参照にしながら、絵画と映像の制作を行っています。プムフースルの大きな関心は、ひとつの文化から別の文化へ、またひとつの媒体から別の媒体へと、モチーフが伝わっていく経緯とそこからあらわれる抽象的な視覚言語です。「抽象絵画を制作することは、再生とインストラクションをともなう映像言語にかかわる行為であると思う。」と作家は述べています。本展では、石膏パネルの上に油彩をスタンプして描いた抽象絵画のシリーズを展示いたします。このシリーズは、世界一周の航海路――海、島、陸、大陸、そして国として私たちが普段識別している、それらの実体の境界線を描く航海図――について言及した作品です。作家はこの航海図を、具体的な位置情報をあらわす地図であると同時に、経路図、指示図、覚書、観相学、それらのすべてにあてはまらないもの、どれもが、同時には成立しないものであると述べています。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eText by Tom McDonough (English and Japanese)\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOfficial Press Release:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eTaka Ishii Gallery is pleased to present an exhibition of works by Silke Otto-Knapp and Florian Pumhösl. The exhibition will feature paintings by Otto-Knapp, who is based in Los Angeles and Pumhösl, who is based in Vienna. Otto-Knapp and Pumhösl had a parallel solo exhibition at Galerie Daniel Buchholz, Cologne in 2008. They also exhibited together at the Arnold Schönberg Center in Vienna in the exhibition “art is: new art” in 2013. This is the first time they are collaborating on a two-person exhibition with new work formalizing their ongoing dialogue. Otto-Knapp has previously produced paintings by exclusively using watercolors on canvas based on historical documentations of stage design, ballet and modern dance. In making her layered paintings, she worked with silver watercolor and gouache to create a space that achieves both flatness and depth. These paintings transformed the relationship of bodies and landscapes in space, and that of figure and ground, into virtually abstract elements. The current exhibition will feature paintings made in the summer of 2014 on Fogo Island, Newfoundland. While spending time there, Otto-Knapp became very interested in the concept of an island, a landmass surrounded by the sea, as a historical motif. Using black and grey watercolor pigments, the artist conflates frontal and aerial views of the island, allowing the pictorial space to remain unstable and the viewer to shift perspectives depending on their position in relation to the painting.\u003cbr\u003eFlorian Pumhösl produces paintings and films, which reference the graphics, typography, and architecture of the avant-garde movements. He is interested in the process of motifs shifting from one culture to another as well as one medium to another and the abstract visual language that this process produces. He explains, “\u003cem\u003eMaking a picture that appears abstract means to act in relation to visual languages associated with reproduction and instruction.\u003c\/em\u003e” The current exhibition will feature a group of abstract paintings produced by stamping plaster panels with oil paints. This series refers to nautical routes used to travel between land masses, which circumscribe the entities we ordinarily identify as sea, island, land, continent, and nation. Pumhösl understands these maps as both describing a specific position and “\u003cem\u003eSimultaneously not being routes, instructions, notations, or physiognomies. None of all these things, none at the same time.\u003c\/em\u003e”\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32828070297680,"sku":"","price":3366.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200803_0762.jpg?v=1599848993"},{"product_id":"tomoharu-murakami-by-tomoharu-murakami","title":"TOMOHARU MURAKAMI by Tomoharu Murakami","description":"\u003cp\u003e日本人作家、村上友晴の作品集。2016年にタカ・イシイギャラリーニューヨークで開催された個展に伴い刊行された。美術評論家の市川政憲によるテキストを収録。（英語、日本語）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e以下プレスリリースより抜粋\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本展では、1960年代初めに日本画家として活動を始め、その後10年余りの長い空白期を経て、再び現代美術家として再出発した村上の1990年代の絵画から10点を展示いたします。終戦直後の東京の国立博物館の裏庭や展示室を子供時代の遊び場にしていた村上は、長谷川等伯の作品に惹かれ、水墨画を学ぼうと東京藝術大学の日本画科に入学しました。ところが、岩絵具を駆使して制作する当時の日本画の新しい表現方法に馴染むことができず、しだいに日本顔料と油絵具を混合した絵具を素材とした黒一色の抽象表現へと傾倒していきました。転換の決定的なきっかけとなったのは、1964年に開催されたグッゲンハイム国際賞展へ招待参加時にアメリカ抽象表現主義の画家たちの絵画の巨大さと堅牢さを目にしたことでした。これに衝撃を受けた村上は、日本画の技法を捨て、大きなキャンバスに黒色の下地を塗って、その上に黒色の絵具を塗り重ね、少しずつ盛り上げて厚い表面を作っていく新しい手法に転換し、自己の理想とする黒色の絵を完成させることに傾注していきました。村上の絵画作品は多くの場合、漆黒や赤色を中心とした色彩で画面全体が覆い尽くされた構成です。キャンバスの作品には木炭の粉末を混ぜて油分を減らした油絵具をナイフでキャンバスに塗り込んでいく手法が用いられています。一方、紙の作品では、本来親和性に乏しいアクリル絵具と油性の絵具が併用され、アクリル絵具は絵筆で、油絵具はナイフで塗ることで、それぞれに重ねられた絵具の微妙な相違が画面に奥行きを与えています。いずれも、時には一点の作品に数年の歳月をかけて制作されることがあります。1979年にカトリック教会の信徒となった村上は、修道院の生活に倣って、深夜に起床し、日の出まで絵画を制作すると、教会へ朝の祈りに行き、食事と昼寝を挟んで夕べの祈りまで制作を続けて就寝する生活を送っています。こうした村上の長い時間をかけた手仕事の積み重ねによって完成する作品においては、自己表現を核心とした近代美術は完全に変容しており、そこに現れてくるものは、神への祈りにも比せられる無私の行為によって触れる「永遠」であり「無心」であり、人間が生涯をかけて到達しようとする崇高な精神性への過程が刻まれているといえるでしょう。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e朝、昼、晩、人間の心のうさ。知覚に獲えることはできないが、確かに在るもの。このような存在を平面のカンヴァスに定着させることが可能か。余分な計らいを捨て、まったく単純に「自然」になりきったその時、逆にすべてを含んだ、深いそのものが現れてくるのではないか。長い時をかけ、毎日の絵具を塗る行為を通して、そのものに触れられることを望んでいる。\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e－村上友晴『美術手帖』1982年2月号\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eText by Masanori Ichikawa (English and Japanese)\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOfficial Press Release:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eTaka Ishii Gallery New York is pleased to present a solo exhibition of works by Tomoharu Murakami. Starting his career as a Nihonga (Japanese painting) painter in the early 1960s, Murakami stopped making work for over 10 years before relaunching his practice as a contemporary artist. This exhibition will feature 10 works made by Murakami in the 1990s. Murakami, who had used the backyard and exhibition rooms of the Tokyo National Museum as his playground as a child in the immediate postwar period, was drawn to Tohaku Hasegawa’s works and entered the Japanese Painting Course at the Tokyo National University of Fine Arts to study ink painting. He was, however, unable to adapt to the then new method in Japanese painting of using mineral pigments. As a result, he increasingly devoted himself to making abstract expressionistic pictures made solely in black paint made of a mixture of Japanese pigments and oil paints. The decisive moment of this transformation occurred when he was invited to participate in and witnessed the enormous scale and solidity of the American abstract expressionist paintings included in the Guggenheim International Award Exhibition held in New York in 1964. Shocked by these works, Murakami abandoned Japanese painting techniques and began employing a new method in which he painted the canvas with a black undercoat and layered more black paint on top of it to gradually build a thick surface. After this shift, he concentrated on completing black paintings that satisfied his ideal. Many of Murakami’s paintings are covered all over with a color palette primarily constituted by jet blacks and reds. His works on canvas are made by mixing charcoal powder into the paint to absorb the oil and using a knife to work the paint onto the support. On the other hand, his works on paper are made with a combination of acrylic and oil paints, which are normally thought to be incompatible. He applies the acrylic paint with a pencil and oil paint with a knife to create finely distinguished layers of paint that give depth to the picture plane. Murakami produces both canvas and paper works over a long period, sometimes taking years to create a single work. Since converting to Catholicism in 1979, Murakami has fashioned his life after that lead in a monastery, waking up late at night, painting till dawn, and going to a church in the morning to pray, and working between meals and a nap until he sleeps. These labor intensive works made over long durations of time are drastically different from modern art based on self-expression. They are instead products of a self-less acts akin to prayer that approach “eternity” and “unselfconsciousness.” These works are marked with a process in which man devotes his life to the attainment of a sublime spirit.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eMorning, noon, night, and despondence: these things that definitely exist cannot be captured with one’s perceptions. Is it possible to fix such existences on a two-dimensional canvas? It might be that when I dispose of unnecessary intentions, and can just simply be “natural,” then it is possible for me to manifest “the profound” that encompasses everything. I hope to touch that “profundity” over a long passage of time, and through my daily act of applying paint to my paintings\u003c\/em\u003e.\u003cbr\u003e– Tomoharu Murakami, Bijutsu Techo, February Issue, 1982\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32828072689744,"sku":"","price":2376.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200803_0818.jpg?v=1599847669"},{"product_id":"martin-kippenberger-by-martin-kippenberger","title":"MARTIN KIPPENBERGER by Martin Kippenberger","description":"\u003cp\u003eドイツ人アーティスト、マーティン・キッペンバーガー（Martin Kippenberger）の作品集。本書は2015年にタカ・イシイギャラリーで開催された個展に伴い刊行された。写真研究者の清水穣によるテキストを収録。（英語、日本語）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e以下プレスリリースより抜粋\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本展は、マーティン・キッペンバーガー財団とギャラリー・ギゼラ・キャピテンの協力による、キッペンバーガーの日本における初めての大規模な個展となります。キッペンバーガーは、1970年代後半から1990年代にかけてのポストモダンを先導した、戦後ドイツで最も影響力のある作家のひとりとしてその名を知られています。美術家、俳優、小説家、音楽家、ダンサー、大酒飲み、旅行者など、多面的な芸術家であろうとした破天荒な生涯と結びつくように、その制作活動もまた、絵画、彫刻、コラージュ、ポスター、写真、パフォーマンス、インスタレーション、書籍など、さまざまなメディアを駆使し、多彩で夥しい数の作品を生み出しました。本展の核を成すのは、1990年代に制作された38点のマルチプル作品、6点のポスター、1点のペインティング、3点のホテル・ドローイングによる大型のインスタレーションです。これまで日本でまとめて作品を見る機会のなかった貴重なキッペンバーガーの作品をご堪能ください。キッペンバーガーは、観客に衝撃を与えて困惑を引き起こすことを自身の戦略としていました。彼はしばしば、その作品において、芸術が持つとされる社会的機能に疑問を呈しています。たとえば1987年に、彼はゲルハルト・リヒターのグレイ・ペインティングを購入し、この絵を天板としたコーヒーテーブルを作って自身の作品として発表しました。極めて大きな波紋を呼んだこの作品を通して彼は、高額な絵画の市場価値を破壊することを目的としたのです。また、本展の展示作品でも用いられたマルチプルという媒体は、「市場でもっとも手に入れやすいリーズナブルな現代美術」として、キッペンバーガーにとって非常に重要でした。彼は公然と、商業的なマルチプル作品とペインティングなどのユニーク作品を平等に扱うことで美術市場に対する皮肉をあらわしました。ポスター作品もまた、彼のユーモア、社会風刺、挑発的なイメージや暗示の巧妙な組み合わせを表現するには最適な媒体でした。本展で展示される「\u003cem\u003eブラック・ラバー・ペインティング\u003c\/em\u003e」(1991年）は、キャンバスの表面がラテックスで覆われた、ほとんど彫刻のアイデアに近い実験的な絵画作品です。画面には、キッペンバーガーの代表作から象徴的なイメージが引用されています。よく知られている酔っぱらった街灯のイメージや、地下鉄のエントランスの扉の作品に使われたLord Jim Loge（1980年代にマーティン・キッペンバーガー、イェルク·シュリック、アルバート・オーレン、そしてヴォルフガング·バウアーによって設立されたアートグループ）のシンボル・マーク、大規模なインスタレーション作品「\u003cem\u003eThe Happy End of Franz Kafka’s “Amerika”\u003c\/em\u003e」（1994年）の一部である椅子のイメージ、そして絵画シリーズ「\u003cem\u003eFred the frog\u003c\/em\u003e」（1988年）からの目玉焼きと親指のイメージが描かれています。ブラック・ラバー・ペインティングは、キッペンバーガーの思考世界と極めて広範囲に及ぶ彼の参照システムを体現する、彼独特の黒色モノクローム・ペインティングととらえることができるでしょう。同じく本展で展示されるマルチプル作品は、キッペンバーガーの作品について知る入り口になるだけでなく、ほかの作家達や現代美術界と彼の関係や、さらには彼の作品自体についてさまざまな解釈の可能性を与えてくれます。これらの作品には、ギュンター・フェルク、ブルース・ナウマン、スーザン・ローゼンバーグ、バーネット・ニューマン、ロバート・ライマン、そしてミニマリズムやその時代の政治思想が参照されており、またそれらには彼独特の制作方法や、現代美術界や仲間との繋がり方、ユーモアのセンス、社会と傲慢への批判、政治的態度に関する発言、混在するハイ・カルチャーとロー・カルチャー、反復という概念など、さまざまな要素を見ることができます。加えて、これら多くの作品には彼自身が反映されています。すべての作品には語るべき物語があり、またそれらは作品のみならず作家の思考をも明らかにするのです。本展は1990年に行われた展覧会を一部「反復」する形式をとります。90年の展覧会の際にキッペンバーガーは、シンプリ―・レッドの「If you don’t know me by now」という曲をサウンドトラックとして使用しました。本展でも再現されるこの曲が観客への挨拶代わりとなり、また作品の展示空間へ誘い、そして皆がキッペンバーガーの宇宙をより深く理解する手助けとなるでしょう。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eText by Minoru Shimizu (English and Japanese)\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOfficial Press Release:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eTaka Ishii Gallery is pleased to present a solo exhibition of works by Martin Kippenberger. This exhibition, made possible in collaboration with the Estate of Martin Kippenberger and Galerie Gisela Capitain, will be the artist’s first major solo exhibition in Japan. Kippenberger was one of the most influential artists to come out of postwar Germany and he played a pivotal role in establishing the postmodernism aesthetic between the late 1970s and 1990s. He was an artist, actor, dancer, heavy drinker, novelist, musician, and traveller. His unique and wild lifestyle was matched by his prolific and varied output, which spanned multiple media including paintings, sculptures, collages, posters, photographs, performances, installations, multiples, and books. The core of the current exhibition will be a large-scale installation, which was produced in the 1990s and comprises 38 multiples, six posters, one painting, and three hotel drawings. The exhibition promises to be a unique opportunity to see Kippenberger’s works, which have thus far not been adequately presented in Japan. Kippenberger used bewilderment and confusion as a strategy to draw in his audience and frequently questioned the social function of art works. For example, in 1987, he purchased a \u003cem\u003eGrey Painting\u003c\/em\u003e from Gerhard Richter, which he proceeded to use as a table top for a coffee table, which he presented as his work “\u003cem\u003eModel Interconti\u003c\/em\u003e”. His aim, to effectively destroy the market value of Richter’s costly painting, shocked viewers. As the most reasonably priced contemporary art works on the market, multiples, which are also featured in this exhibition, were an important medium for Kippenberger, who publicly expressed scepticism for the art market by treating unique works and commercially produced multiples equally. His poster works were an apposite medium for expressing his humour, social critique, and provocative and suggestive images in clever combinations. The painting in our show “\u003cem\u003eUntitled (from the series Black Rubber Paintings)\u003c\/em\u003e”, is part of an experimental series from 1991: The surfaces of the canvases were covered with latex and are reflecting an almost sculptural idea of painting. The work features iconic images from Kippenberger’s oeuvre such as the famous drunken street lamp, the symbol of the Lord Jim Loge also used for his subway entrances, a chair from the large scale installation “\u003cem\u003eThe Happy End of Franz Kafka’s ‘Amerika’\u003c\/em\u003e”(1994) and the image of a fried egg with a thumb from the painting series “\u003cem\u003eFred the Frog\u003c\/em\u003e” (1988). The black rubber painting, which can also be read as the artists own version of a black monochrome painting, perfectly depicts Kippenberger’s universe of ideas and his extremely wide-ranging reference system. The multiples in the show offer many entry points into Kippenberger’s work and add different viewing possibilities, both on Kippenberger’s own work but also regarding his relationships to other artists and the art world in general: There are references to Günther Förg, Bruce Nauman, Susan Rothenberg, Barnett Newman and Robert Ryman or to concepts like Minimalism or political ideas of the time. They show his idiosyncratic way of working, his connectedness with the contemporary art world and colleagues, his sense of humour, his critique of society and hybris, comments on political attitudes, his mix of high and low culture, the idea of repetition in his work. In addition many works include references to himself as a person. There is a story to tell about every work and that story explains the work of the artist and his way of thinking. During the entire show, which is in part a repetition of a historical show from the year 1990, Kippenberger decided that a Simply Red was the accompanying soundtrack for every visitor: the song “If you don’t know me by now” – greets each visitor, luring him into the space to look at the work and then hopefully, possibly, everybody will leave the show with a better understanding of the Kippenberger universe.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32828083634256,"sku":"","price":2970.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200803_0791.jpg?v=1599836634"},{"product_id":"nowhere-now-here-by-shinpei-kusanagi","title":"NOWHERE NOW HERE by Shinpei Kusanagi","description":"\u003cp\u003e日本人作家、クサナギシンペイの作品集。2015年にタカ・イシイギャラリーで開催された展覧会「\u003cem\u003enowhere now here\u003c\/em\u003e」に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e以下プレスリリースより\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eタカ・イシイギャラリーでの個展は2年ぶり3度目、東京での初個展となる本展では、新作約15点のペインティング作品を展示いたします。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e「ねえ、ねえったら、アコスタさん！」わたしは大声で呼んだ。「一緒に行ってもいい？」彼が立ち止まったのがわかった。これもまた実際にみたというよりは感じたのである。茂みはそれほどまでに濃かった。\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e「ああ、かまわんよ。藪の入り口が見つかればだがな」\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e－カルロス・カスタネダ「\u003cem\u003e無限の本質\u003c\/em\u003e」（二見書房、2002年）p301より\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本展では生の綿布や麻布にステイン（にじみ）の手法で描いた作品に加え、木製パネルに植物や風景を緻密に描いた作品を展示いたします。対象物や素材、そして出来事や物事の細部をよく見ること、描き記憶すること、その過程において両作品は相互に影響を与え合ってきました。クサナギ作品の主軸となるステイン技法を用いて描く作品は、描かれた形に境界をつくらず、にじみの特性である偶然性を取り込みながら風景をとらえていきます。具象と抽象の間でキャンバスに描かれる幾層にも重なりあう焦点から立ち上がってくる像や形、建築的な要素と空間は、溶けるような色彩をともなって画面上で動きをもち、見る人の内にある何かと結び、あたかもそれは音楽にふれた時のようにそれぞれの景色を想起させます。クサナギシンペイの最新作をご高覧ください。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOfficial Press Release:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eTaka Ishii Gallery is pleased to announce “\u003cem\u003enowhere now here\u003c\/em\u003e,” a solo exhibition by Shinpei Kusanagi from February 14th to March 14th, 2015. Kusanagi’s third solo exhibition at Taka Ishii Gallery and his first in Tokyo, “\u003cem\u003enowhere now here\u003c\/em\u003e” will feature approximately 15 new works. His last solo exhibition with the gallery was presented two years ago.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e“Hey, hey, Mr. Acosta!” I yelled. “Can I come with you?” I noticed that he had stopped walking; it was again more a feeling than an actual sight because the bush was so thick. “You can certainly come with me if you can find an entry into the bush,” he said.\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e－Carlos Castaneda, “\u003cem\u003eThe Active side of Infinity\u003c\/em\u003e” (Harper, 1998), p.121\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe exhibition includes works made by staining untreated cotton and hemp fabrics as well as wooden panels featuring detailed images of plants and landscapes. The two bodies of works have influenced one another in terms of paying meticulous attention to the details of events and things, and the act of drawing as a means of preserving them in memory. In the stained works, which are central to Kusanagi’s practice, the contours of the painted forms are not clearly defined. He captures landscapes by incorporating the element of chance that is introduced through the staining method. The figures, forms, architectural elements, and space, which are constituted by layers of overlapping imagery that exist between abstraction and representation, remain active on the picture plane with their seemingly melting colors. They connect with something inside viewers to evoke various landscapes, much as the way in which music does in its listeners.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32828086616144,"sku":"","price":1980.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/NOWHERENOWHERE00.jpg?v=1599836141"},{"product_id":"paintings-by-hirofumi-toyama","title":"PAINTINGS by Hirofumi Toyama","description":"\u003cp\u003e日本人作家、登山博文の作品集。キュレーターの拝戸雅彦によるエッセイを収録。（英語、日本語）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eText by Masahiko Haito (English and Japanese)\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32828092612688,"sku":"","price":990.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200803_0753.jpg?v=1600256403"},{"product_id":"echoes-by-yukinori-maeda","title":"ECHOES by Yukinori Maeda","description":"\u003cp\u003e日本人作家、前田征紀の作品集。2011年にタカ・イシイギャラリーで開催された展覧会「\u003cem\u003eECHOES\u003c\/em\u003e」に伴い刊行された。本作は、自身によるコンセプトテキスト、精神史家の西川隆範によるエッセイ、シモン・カステ（Simon Castets）によるインタビューテキストを掲載。これまでの作家活動を振り返る作品群と共に、ヨコハマトリエンナーレ（2011年）に出展した作品、個展「\u003cem\u003eECHOES\u003c\/em\u003e」（2011年）の新作を掲載。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e以下プレスリリースより抜粋\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「ECHOES」と題した大型インスタレーションのアーキテクチャー・プロジェクトを発表いたします。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e根源的な光が放たれ\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eあらゆる霊的存在がその光を反射する\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e光が反射を繰り返しわたしたちに光が届くとき\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e東西南北に光は刻印される\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e－前田征紀\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e前田は、これまでにシャーマニズムやアニミズムといった原始的な表象形態や神秘思想を独自のファクターを使って作品化するにあたり、自身の経験した出来事と日常のイメージを通して構築することを主題として、立体作品、照明、光の波長にリンクする音響装置などを繊細に組み合わせたインスタレーションを発表してきました。これらの作品は鑑賞者が「光」と出会い、「光」が蓄積される神的な空間を現出させる試みと言えます。ヨコハマトリエンナーレ2011「\u003cem\u003eOur Magic Hour‐世界はどこまで知ることができるか？\u003c\/em\u003e」で発表した新作「\u003cem\u003eTHE SEVEN SEASONS\u003c\/em\u003e」では、シュタイナー思想として知られるアントロポゾフィー（人智学）に基づき、人間の進化がたどる7つのプロセスを7つの惑星に対応させた、シンボリックな装置を製作いたしました。2003年の「\u003cem\u003estudy\u003c\/em\u003e」（タカ・イシイギャラリー、東京・清澄）への参加を皮切りに、「\u003cem\u003eMagic village COSMIC WONDER Yukinori Maeda\u003c\/em\u003e」（2005年、MU Art Foundation、アイントホーフェン）、「\u003cem\u003eSpace for Your Future\u003c\/em\u003e」(2007年、東京都現代美術館)、「Mellow Fever」（2008年、galerie des galerie、パリ）、などの国際的なグループ展に参加。2010年には「\u003cem\u003eMOTコレクションPlastic Memories-今を照らす方法\u003c\/em\u003e」（東京都現代美術館）にて光の空間、写真作品、サウンドを組み合わせた光のインスタレーションを発表するなど、国内外で高い評価を得ながら、着実に活動の場を広げています。本展で前田が制作する世界、それはまさしく「\u003cem\u003eECHOES\u003c\/em\u003e」（反射・反響）であり、立体、映像、写真のアスペクトによって構成された新たなインスタレーションを通して、人々を包み込むその根源的な光のプロセスの表現を試みています。前田征紀の最新作を是非この機会にご高覧ください。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eTexts include; concept notes by Yukinori Maeda, essay by cultural historian Ryuhan Nishikawa, and an interview text by Simon Castets (English text, a Japanse translation booklet is available upon request) Alongside a series of images of retrospective works reflecting upon Maeda’s artistic career, includes images of his installation at the Yokohama Triennale (2011), and new works from his solo show, “\u003cem\u003eECHOES\u003c\/em\u003e” (2011).\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOfficial Press Release: \u003cbr\u003e\u003cbr\u003eTaka Ishii Gallery (Kiyosumi, Tokyo) is pleased to announce “\u003cem\u003eECHOES\u003c\/em\u003e”, our second solo exhibition with Yukinori Maeda, on view from November 12 until December 10.\u003cbr\u003eIn 2009, the gallery presented Maeda’s debut, “\u003cem\u003eUNIVERSAL LOVE\u003c\/em\u003e” (Kiyosumi, Tokyo, 2009).\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eA primordial light is released\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eAll spiritual existence will reflect the light\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eAnd when the light reaches us after repeating this reflective process\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eLight is engraved upon the North, East, South and West\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e－Yukinori Maeda\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eMaeda has continued to create work through a unique combination of primitive forms of representation and the mystical thought of shamanism and animism. In his representation of such ideas, Maeda has created installations which attempt to reconstruct experiences and images from his daily life. Through the presentation of installations comprised of sculptural objects, light, and sound systems linked to the wavelength of light, Maeda has endeavored towards the creation of spiritual spaces in which light is accumulated, in turn allowing viewers to encounter the spirit of the light. For his installation exhibited at the Yokohama Triennale 2011 “\u003cem\u003eOur Magic Hour –How much of the world can we know?\u003c\/em\u003e” Maeda presented a new body of work entitled ‘THE SEVEN SEASONS’ based on anthroposophy, a philosophy developed by Rudolf Steiner. The seven planets within the installation in turn linked to the seven processes which in Steiner are believed to lead to the evolution of the human race (or all living things), through a series of symbolic devices. Maeda’s early career as an independent contemporary artist began with his participation in the group exhibition “\u003cem\u003estudy\u003c\/em\u003e” (Taka Ishii Gallery, Kiyosumi, Tokyo, 2003), and has since been followed by his inclusion in international group exhibitions : “\u003cem\u003eMagic Village COSMIC WONDER Yukinori Maeda\u003c\/em\u003e” (MU Art Foundation, Eindhoven, 2005), “\u003cem\u003eSpace for Your Future\u003c\/em\u003e” (Musuem of Contemporary Art Tokyo, 2007), “\u003cem\u003eMellow Fever\u003c\/em\u003e” (galerie des galerie, Paris, 2008). In 2010, Maeda presented a light installation composed of an illuminated space, photographs, and sound as part of the group exhibition, “\u003cem\u003eMOT Collection: Plastic Memories –Illuminating the Now\u003c\/em\u003e” (Museum of Contemporary Art, Tokyo) and has consistently continued to strengthen his international presence while expanding his activity domestically.\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32828101623888,"sku":"","price":3300.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200803_0849.jpg?v=1599834656"},{"product_id":"light-deposit-by-yukinori-maeda","title":"LIGHT DEPOSIT by Yukinori Maeda","description":"\u003cp\u003e日本人作家、前田征紀の作品集。\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32828109684816,"sku":"","price":660.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200803_0742.jpg?v=1600255762"},{"product_id":"picture-of-a-man-by-yuki-kimura","title":"PICTURE OF A MAN by Yuki Kimura","description":"\u003cp\u003e日本人作家、木村友紀の作品集。\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32828112797776,"sku":"","price":330.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/PICTURESOFAMAN00.jpg?v=1600255724"},{"product_id":"you-may-attend-a-party-where-strange-customs-prevail-by-yuki-kimura","title":"YOU MAY ATTEND A PARTY WHERE STRANGE CUSTOMS PREVAIL by Yuki Kimura","description":"\u003cp\u003e日本人作家、木村友紀の作品集。2006年にタカ・イシイギャラリーで開催された展覧会「\u003cem\u003eYOU MAY ATTEND A PARTY WHERE STRANGE CUSTOMS PREVAIL\u003c\/em\u003e」に伴い刊行された。写真研究者の清水穣によるエッセイを収録。（英語、日本語）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e以下プレスリリースより抜粋\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e1971年生まれ、京都を拠点に活動する木村友紀は、写真や映像、立体を使ったインスタレーションなどで国際的な活動を展開し、「第6回イスタンブール・ビエンナーレ」（1999年）を始め、「Slow Tech」(Museum of Contemporary Art, Taipei 2006年)、「Rapt!」(Monash University Museum of Art, Melbourne 2006年)、「IMAGINARY CHUYA／映像としての中也のことば」（山口情報芸術センター 2006年）など、新進のメディア・アーティストをとり上げた多数の展覧会に参加してきました。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eタカ・イシイギャラリーでは4回目の個展となる本展は、新作の写真と立体作品によるインスタレーションを展示致します。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eYOU MAY ATTEND A PARTY WHERE STRANGE CUSTOMS PREVAIL　\u003c\/em\u003e\u003cem\u003eこれは５年ほど前ロスにいたときに中華料理店のフォーチューンクッキーに入っていた言葉だ。\u003c\/em\u003e\u003cem\u003e「あなたは奇妙な習慣が蔓延するパーティーに出席するでしょう」\u003c\/em\u003e\u003cem\u003e占いを信じているわけでもないのだが、このフレーズだけはちょっと変なので気になって捨てられずにずっと持ち続けていた。深読みすると反米的なポリティカルな意味合いも読み取れる。（PREVAILは大統領演説でよく使われる言葉なので）\u003c\/em\u003e\u003cem\u003e旅で撮った風景の写真、道端で拾った用途のわからない白い板、フリーマーケットで買った昔の写真。言葉と同じく、私は出会ったもの達を長い間手元においてただ見て遊ぶ。そうしているうちにどんどん飛躍して広がっていく世界、それらはすこしずつ繋がっていきあるとき急に啓示のように読み解ける。そんな妄想狂のふりをして写真やオブジェを作った。得体のしれない物事、消費されたあとの抜け殻に等しいもの達。それらをつなぎ合わせて出来た新しい世界。インスタレーションそのものがパーティーなのか、あるいは啓示（インビテーション）なのか、得体の知れないことが知れる前の状態、あるいは映画の宣伝のようなもの、その出口と入り口が今回の作品である。\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e－木村友紀\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e現実から切り離されたイメージだけの存在、消費されたオブジェから生まれてくる無数のイメージから、自然に不思議なストーリーが現れてくる。連想ゲームのように惹きつける要素を抽出していくと、日常から離れたところに行ける、架空の時間と場所への抜け道を作ってくれる、木村友紀の作品は、その抜け道を引き寄せる「場所」なのである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eEssay by Minoru Shimizu (English and Japanese)\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOfficial Press Release:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eTaka Ishii Gallery is pleased to announce our solo exhibition with Kyoto based artist Yuki Kimura, “\u003cem\u003eYOU MAY ATTEND A PARTY WHERE STRANGE CUSTOMS PREVAIL.\u003c\/em\u003e” Kimura works in installation which consists of the multiple media of found-photographs as well as photos she took, video and sculpture. She has been included in numerous international museum exhibitions focused on promising emerging media artists; 6th International　Istanbul Biennial, Istanbul (1999), Slow Tech, Museum of Contemporary Art,Taipei (2006), Rapt!, Monash University Museum of Art, Melbourne (2006), IMAGINARY CHUYA, Yamaguchi Center for Arts and Media (2006). The gallery will exhibit new installation works with photographs and sculpture for our 4th solo exhibition with the artist.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eYOU MAY ATTEND A PARTY WHERE STRANGE CUSTOMS PREVAIL    This is the text written on the slip in a fortune cookie at a Chinese restaurant five years ago when I was in LA. This does not mean that I believe in fortune-telling, but I could not throw it away and kept having it only by reason that the phrase was a bit strange for me. I could overinterpret it as a sense of anti-American policy. (Because PREVAIL is a word often used in the presidential address.) Landscape photographs taken during a trip, old photographs I bought at a flea market, white boards I picked up on the street whose function is unknown to me. I nothing but look and play with such objects collected by my hand for a long time. Meanwhile, the imaginary worlds which fleet and spread more and more, gradually link to each other and suddenly I figure it out at a certain time as if I had a revelation. I made objects and photographs out of such a feeling of paranoia. Unknown, strange matters, things equal to empty shells devoid of their contents, the new world created by connecting them. Is the installation itself a party, or a revelation(invitation)? My work is an entrance and an exit to a state of being before knowing mystifying matters, or like film publicity.\u003c\/em\u003e －Yuki Kimura\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA mysterious story comes to one’s mind unconsciously from innumerable images that arise from consumed, overused objects, being meant just an “image” separated from the reality. Extracting the elements which attract us like an associative game, we will reach an unrealistic world. Kimura makes a loophole to an imaginary place and time. Kimura’s work is a “magnetic field” which draws the loophole.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32828116009040,"sku":"","price":1650.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200803_0769.jpg?v=1599833282"},{"product_id":"the-moon-the-woods-and-the-snail-under-the-fern-by-kyoko-murase","title":"THE MOON, THE WOODS AND THE SNAIL UNDER THE FERN by Kyoko Murase","description":"\u003cp\u003e日本人作家、村瀬恭子の作品集。2006年にタカ・イシイギャラリーで開催された展覧会「\u003cem\u003eThe Moon, the Woods and the Snail under the Fern\u003c\/em\u003e」に伴い刊行された。森美術館館長でありキュレーターの片岡真実によるエッセイを収録。（日本語・英語）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e以下プレスリリースより抜粋\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eそこは少し湿っていて、幽霊が出そうな場所で、\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e迷子にならないようにパンくずをちぎったほうがいい？\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e静けさがしのびよるその道は、\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e青い色に染まって、時々、とても心地良く\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eすいすいと泳ぐように歩いていける。\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eけれども、ところどころ針のような枝が延びていて\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eやわらかい皮膚を傷つける事もあるので\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eときどききゅっと身体を丸くする。\u003c\/em\u003e \u003cbr\u003e－村瀬 恭子\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e国立デュッセルドルフ芸術アカデミー在籍時の1990年より、村瀬はドイツを活動の拠点として制作を続けてきました。これまでに、2001年「\u003cem\u003eスタンダード\u003c\/em\u003e」（直島コンテンポラリーアートミュージアム）、2002年「\u003cem\u003eMOTアニュアル 2002 – フィクション？絵画がひらく世界 -\u003c\/em\u003e」（東京都現代美術館）、2003年「girls don’t cry」（パルコミュージアム）、2004年「\u003cem\u003e六本木クロッシング\u003c\/em\u003e」（森美術館）、「\u003cem\u003eタイム・オブ・マイ・ライフ\u003c\/em\u003e」（東京オペラシティアートギャラリー）など、新進作家を取り上げた企画展に多数参加してまいりました。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e村瀬恭子の絵画には、水の中を漂っているような、風に身を任せているような少女が登場する。長い髪が印象的な彼女たちは、あたかも水や風の精がその身体のおかれた環境と同化するかのように、あるいは絵具が水に溶け出すように、逆さまになったり横たわったり、画面上を自由に運動する。少女は、水や空気を全身で体感しているようだ。村瀬の作品の心地よさは、その思い切りのよいブラッシュストロークに拠るところもあるだろう。油彩や水彩といった素材、作品のサイズにかかわらずイメージの透明感や浮遊感は共通しており、ダイナミックな構図による画面の完成度には安定感がある。\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e– 片岡真実「\u003cem\u003e六本木クロッシング\u003c\/em\u003e」展カタログ（森美術館、2004）より引用\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e村瀬の文章はまるで一編の詩のように、私たちをどこか見知らぬ場所へいざなう。その世界の音に耳を傾けると、いろいろな音が聴こえてくる。さらに、村瀬の絵を目の前にしてその力強い筆の軌跡を追いかけていくと、自然と体全体が動き出してしまうような錯覚すら覚えてしまう。村瀬の絵の特徴と言える「透明感」や「浮遊感」は、私たちの体に潜在する原始的な体験を呼びおこすようである。\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eEssay by Mami Kataoka (English and Japanese)\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32828116467792,"sku":"","price":2310.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200803_0652.jpg?v=1600255479"},{"product_id":"naoto-kawahara-by-naoto-kawahara","title":"NAOTO KAWAHARA by Naoto Kawahara","description":"\u003cp\u003e日本人作家、川原直人の作品集。\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32829946101840,"sku":"","price":2200.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/NAOTOKAWAHARA00.jpg?v=1600255411"},{"product_id":"nobuya-hoki-drawings-by-nobuya-hoki","title":"NOBUYA HOKI DRAWINGS by Nobuya Hoki","description":"\u003cp\u003e日本人作家、法貴信也の作品集。写真研究者である清水穣によるエッセイを収録。（英語、日本語）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eEssay by Minoru Shimizu (English and Japanese)\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32829948330064,"sku":"","price":2970.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200803_0778.jpg?v=1600253497"},{"product_id":"different-girls-by-amy-adler","title":"DIFFERENT GIRLS by Amy Adler","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、エイミー・アドラー（Amy Adler）の作品集。「\u003cem\u003eDifferent Girls\u003c\/em\u003e」シリーズより抜粋、チバクローム・プリントによって制作された12作品を収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eA publication featuring Adler's \"\u003cem\u003eDifferent Girls\u003c\/em\u003e\" series, a collection of 12 cibachrome prints.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32829954981968,"sku":"","price":990.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200803_0694.jpg?v=1600253386"},{"product_id":"metallic-sleep-by-doug-aitken","title":"METALLIC SLEEP by Doug Aitken","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、ダグ・エイケン（Doug Aitken）の作品集。タカイシイ・ギャラリーで開催された個展に伴い刊行された。\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32829957668944,"sku":"","price":4620.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200803_0553.jpg?v=1600253210"},{"product_id":"taka-ishii-gallery-25th-anniversary-catalogue-survived","title":"TAKA ISHII GALLERY 25TH  ANNIVERSARY CATALOGUE - SURVIVED!","description":"\u003cp\u003e開廊25周年を記念し、タカ・イシイギャラリー3会場で開催されたギャラリーアーティスト37名によるグループ展「Survived!」に伴い刊行された作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e以下プレスリリースより抜粋：\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eとても厳しい時代をアーティストやスタッフと共に歩んで今日に至りました。四半世紀経ちましたがまだまだ長い旅の途中です。これからもアーティストのサポートを続け、将来歴史に残るような展覧会を数多く開催できればと思っております。引き続きご支援ご指導いただければ幸いです。\u003c\/em\u003e」－石井孝之（タカ・イシイギャラリー ディレクター）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e80年代にロサンゼルスでファインアートを学ぶ傍ら、プライベート・ディーラーとして活動していた石井は、同時代の美術動向を紹介する場として、1994年6月25日に東京・大塚にタカ・イシイギャラリーを開廊します。第1回目の展覧会、ラリー・クラーク「\u003cem\u003eタルサ\/ティーンエイジ・ラスト\/フォトコラージュ\/ビデオ\u003c\/em\u003e」展は大きな反響を呼び、同展をきっかけに荒木経惟と邂逅。1994年の初個展「\u003cem\u003e濹汁綺譚と陰毛礼讃\u003c\/em\u003e」以来、荒木の個展は今年で27回を数えます。また、1995年の森山大道初個展に合わせて刊行した写真集『\u003cem\u003eImitation\u003c\/em\u003e』は、ギャラリーが出版事業を手掛ける契機となり、現在その刊行部数は50タイトルを超えるまでに至りました。その後90年代後半にはジャック・ピアソン、クリストファー・ウールら海外作家の個展をいち早く開催し、2000年には当時まだ珍しかった映像作品を展示（ダグ・エイケン個展）するなど、タカ・イシイギャラリーは独自の審美眼と国際的な視座で、国内・国外、キャリアやメディウムなど様々な作家とともに、多彩なプログラムを四半世紀にわたり展開してきました。25周年を記念する本展では、当企画展に向けて制作された37名の作家の新作や未発表作品を中心に展覧いたします。ギャラリーの歩みの一端をご高覧ください。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e参加作家：\u003cbr\u003eレオノール・アントゥネス、荒川医、荒木経惟、トーマス・デマンド、エルムグリーン＆ドラッグセット、ルーク・ファウラー、マリオ・ガルシア・トレス、五木田智央、花代、畠山直哉、法貴信也、石田尚志、伊藤存、サーニャ・カンタロフスキー、川原直人、アネット・ケルム、木村友紀、クサナギシンペイ、桑山忠明、ショーン・ランダース、前田征紀、ヘレン・ミラ、森山大道、村上華子、村瀬恭子、野口里佳、ウィリアム・J・オブライエン、シルケ・オットー・ナップ、スターリング・ルビー、杉浦邦恵、鈴木理策、武田陽介、竹村京、マリア・タニグチ、登山博文、クリストファー・ウール、ケリス・ウィン・エヴァンス\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOfficial Press Release:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn commemoration of its 25th anniversary, Taka Ishii Gallery will present “Survived!”, a group exhibition featuring works by 37 gallery artists.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\"We’ve traversed arduous times with our artists and staff to arrive at the current moment. It’s already been 25 years, but we’re still in the middle of a long journey. We will continue to support our artists and we hope to organize many more historically significant exhibitions. We thank you for your continued support.\" –\u003c\/em\u003eTaka Ishii\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIshii studied fine art in Los Angeles in the 1980s while also working as a private art dealer. On June 25, 1994, he opened Taka Ishii Gallery in Otsuka, Tokyo, to establish a place for introducing contemporary art trends. The gallery’s first exhibition, Larry Clark’s “\u003cem\u003eTulsa, Teenage Lust, Photo Collage, and Video\u003c\/em\u003e” received an enormous response and became the catalyst for the gallery meeting Nobuyoshi Araki. Since his first solo exhibition with the gallery “\u003cem\u003eObscene Photographs: Marvellous Tales of Black Ink and In Praise of Public Hair\u003c\/em\u003e” held in 1994, the gallery has presented 27 solo exhibitions of Araki’s work. In 1995, the gallery published Imitation in conjunction with Daido Moriyama’s first solo exhibition at the gallery, launching its publishing business. The gallery has now published over 50 titles. In the latter half of the 1990s, the gallery was the first to introduce the works of foreign artists such as Jack Pierson and Christopher Wool in Japan. In 2000, it presented a solo exhibition by Doug Aitken comprising a video piece, which was still rare at the time. From a unique and international perspective, Taka Ishii Gallery has organized, for a quarter century, a diverse exhibition program featuring artists working in varied media and at different stages in their careers. This exhibition, which commemorates its 25th anniversary will feature new and never before seen works by 37 artists. We hope you will join us to celebrate and experience the gallery’s history.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eParticipating artists:\u003cbr\u003eLeonor Antunes, Ei Arakawa, Nobuyoshi Araki, Thomas Demand, Elmgreen \u0026amp; Dragset, Luke Fowler, Mario García Torres, Tomoo Gokita, Hanayo, Naoya Hatakeyama, Nobuya Hoki, Takashi Ishida, Zon Ito, Sanya Kantarovsky, Naoto Kawahara, Annette Kelm, Yuki Kimura, Shinpei Kusanagi, Tadaaki Kuwayama, Sean Landers, Yukinori Maeda, Helen Mirra, Daido Moriyama, Hanako Murakami, Kyoko Murase, Noguchi Rika, William J. O’Brien, Silke Otto-Knapp, Sterling Ruby, Kunié Sugiura, Risaku Suzuki, Yosuke Takeda, Kei Takemura, Maria Taniguchi, Hirofumi Toyama, Christopher Wool, Cerith Wyn Evans\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32830290165840,"sku":"","price":16500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200803_0711.jpg?v=1599830535"},{"product_id":"the-museum-of-mistakes-by-pierre-leguillon","title":"THE MUSEUM OF MISTAKES by Pierre Leguillon","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eフランス人アーティスト、ピエール・ルギヨン（Pierre Leguillon）の作品集。「\u003cem\u003e間違いだらけの美術館（MUSÉE DES ERREURS \/ THE MUSEUM OF MISTAKES）\u003c\/em\u003e」に収蔵された、多岐にわたる作品群を紹介した初めての一冊。2013年に作者がベルギー、ブリュッセルで始めたこの美術館は、街にやって来ては去っていく巡回サーカスのように、現実の美術館を巡回している。展覧会が開催されていない時は、作者の自宅、主にキッチンの食器棚に保管されている。ほとんどがシリーズものであり、物としての価値がほとんどない素材、例えば絵葉書、レコードスリーブ、大小のポスター、布、陶器、民芸品、子供の絵など種々雑多なもので作られている。本書には、巡回展で飾るにはあまりにも小さかったり、壊れやすかったり、取るに足らないと判断されてきた作品に加え、このコレクションの様々な側面を示す日常的な街角の写真も含まれている。今の時代、実質的価値も美的価値もないヴィジュアルカルチャーがソーシャルメディアやインターネットで共有され、キャプションがなかったり、間違ったキャプションがついていることも当たり前となっている。その中でこの作品は、サインがあるものもないものも全てがありとあらゆる権利の主張を不可能にしている。この作品たちを絶えず並べ替え再編成することによって、ありきたりの解釈を再検討し、近頃はどの美術館でも提供されている文化的「プレタポルテ」のようなものをユーモアたっぷりに転覆させることを示唆している。パトリシア・ファルギエール（Patricia Falguières）とモラッド・モンタザミ（Morad Montazami）のエッセイは、美術館の伝統と文化的流用という現象を背景に「\u003cem\u003eMUSÉE DES ERREURS \/ THE MUSEUM OF MISTAKES\u003c\/em\u003e」を読み解いている。また、作品につけられたフリースタイルのキャプションはキャリー・ピルト（Carrie Pilto）によるもの。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis is the first book to present a wide selection of works from the \u003cem\u003eMusée des Erreurs\u003c\/em\u003e, or \u003cem\u003eMuseum of Mistakes\u003c\/em\u003e. Founded in Brussels in 2013 by Pierre Leguillon, the Musée des Erreurs is a traveling exhibition that encamps for a time in the halls of brick-and-mortar museums—like a traveling circus that comes to town—and then moves on. The rest of the time, the collection is stored in the artist's studio apartment, mainly in his kitchen cupboards. Most of the items are serially manufactured and of negligible material value: postcards, record sleeves, posters large and small, pieces of fabric, ceramics, folk art, children's drawings, and other miscellany. This book also includes items deemed too small, fragile or insignificant to take on tour in the past, as well as the artist's own photographs of everyday street scenes that shed some light on various facets of the collection. Whether signed or anonymous, these artifacts defy any claims of authoritativeness in an age in which visual culture is shared on social media and all over the web, with no distinctions in substantive or aesthetic value, often with no captions and, all too frequently, with erroneous attributions. For Leguillon, the constant sorting and reshuffling of the items in the collection helps us revisit conventional interpretations and subvert, with an ample dose of humor, the sort of cultural “prêt-à-porter” so many museums serve us up nowadays. Essays by Patricia Falguières and Morad Montazami situate the Musée des Erreurs in the tradition of art museums and the phenomenon of cultural appropriation. And Carrie Pilto contributes freestyle captions commenting on the featured items.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32882925699152,"sku":"978-3-906803-94-4","price":9570.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/TheMuseumofMistakes_PierreLeguillon00.jpg?v=1617857455"},{"product_id":"settembre-septiembre-by-gerhard-richter","title":"SETTEMBRE \/ SEPTIEMBRE: UN DIPINTO DI STORIA by Gerhard Richter [ITALIAN EDITION]","description":"\u003cp\u003eドイツ人画家、ゲルハルト・リヒター（Gerhard Richter）の作品集。「\u003cem\u003eSEPTEMBER\u003c\/em\u003e」は2001年に起きたアメリカ同時多発テロ事件 – 9.11 に応じ、2005年に作者が制作した作品である。本書はアメリカ人学者兼キュレーターのロバート・ストー（Robert Storr）が現代世界史の中で最も重要な出来事を、たった一つの小さな抽象的な描写でアーティストが描く意味を問う。作者のクリエーションに対しての学識ある分析に加え、ストーの論文は第二次世界大戦中の爆撃を描いたものから西ドイツのテロリスト、ドイツ赤軍を描いた物議を醸した作品「\u003cem\u003eOctober 18,1977\u003c\/em\u003e」（1988）と、作者のテロ、殺人、暴力と戦争をテーマとした全作品に洞察に満ちた研究を用いて表面化する。2009年に「\u003cem\u003eSEPTEMBER\u003c\/em\u003e」はニューヨーク近代美術館（MoMA）へ作品を寄贈。貢献することの価値を作るには、一線で活躍するアーティストによる偉大な作品を理解する必要がある。本書はどのように極めて重要なペインティングとその解釈が現在の世界の深刻な問題の複雑さを捉えることができるのかを論証する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は、2011年に「TATE PUBLISHING」より刊行された英語版、ドイツ語版を「HENI PUBLICHING」がイタリア語、スペイン語で刊行したうちの、イタリア語版。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eゲルハルト・リヒター展\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2022年6月7日（火） - 10月2日（日）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e休館日：月曜日 ※7月18日、9月19日は開館、7月19日（火）、9月20日（火）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：10:00-17:00（金・土曜は10:00-20:00）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：東京国立近代美術館\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/richter.exhibit.jp\/\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2022年10月15日（土） - 2023年1月29日（日）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e休館日：月曜日 ※2023年1月9日は開館、2022年12月28日 - 2023年1月4日は休館\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：10:00-17:30\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：豊田市美術館\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.museum.toyota.aichi.jp\/exhibition\/gr_2022-23\/\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eIn these publications, eminent American scholar and curator Robert Storr offers an authoritative consideration of September, Richter’s 2005 painting made in response to the attacks on the World Trade Center of 11 September 2001, asking “\u003cem\u003ewhat is the meaning of a single, small, almost abstract depiction of one of the most consequential occurrences in recent world history?\u003c\/em\u003e” Opening with a vivid personal account of being in New York that day and paying particular attention to the role of the media, Storr deftly explores the geo-political context of the attacks, capturing the effects of the atrocity on a deeply human level while navigating the complex web of political, social, religious and cultural factors that it embodied and the discourse it has provoked.\u003c\/p\u003e","brand":"HENI PUBLISHING","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32908337021008,"sku":"978-0-9564041-3-8","price":3850.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/200916_146.jpg?v=1601629228"},{"product_id":"tokyo-private-by-harold-ancart","title":"TOKYO PRIVATE (UN ROMAN PHOTO) by Harold Ancart","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eベルギー人アーティスト、ハロルド・アンカート（Harold Ancart）の作品集。2018年、作者は日本とタイを旅し、その道中を記録、日本製の紙に印刷した。本書はパーソナルエッセイと、友人との旅の最中に作者の周囲で起きたことから派生した断片的なアイディアを緩く結んだものである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e私は飛び立とうとしている。彼女のことが恋しくなってしまうことが、この旅において最高の一節なのだろうと感じている。世界を旅する間に誰かを切望する気持ちに勝るものはない。あの感情は夜になるとあなたを眠らせ、朝にはあなたを起こさせる。切望とは最も美しい感情だ。特に、あなたが思っているその人がその感情を分かち合っている保証が無い場合。残されたものは希望だけ。自分を信じる中での希望。頭を冷やして。今あるものに感謝し、切望する人に感謝し、そして飛び立つ。\u003c\/em\u003e」ーハロルド・アンカート\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn 2018, Harold Ancart (b.1980, Brussels, Belgium) traveled across Japan and Thailand, journaling along the way. Tokyo Private (Un Roman Photo) consists of loosely connected personal essays and fragmented ideas that respond to the author’s surroundings while on the trip with his friend. Printed in a limited run of 800 copies, on Japanese paper with several production finishes. Published by Zolo Press in 2019.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eI am about to fly out. I have the feeling that the best part of my trip is going to be missing her. There is nothing like longing for someone while traveling the world. That feeling puts you to sleep at night and wakes you up in the morning. Longing is the most beautiful feeling. Especially, when there is no guarantee that the person you’re thinking of is sharing the sentiment. All that is left to you is hope. Hope in your own faith. Keep your head cold. Be thankful for what is given, thankful to have someone to long for, and fly.\u003c\/em\u003e” - Harold Ancart\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"ZOLO PRESS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":32995902750800,"sku":"9788409115570","price":6600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/TOKYOPRIVATE00.jpg?v=1604677506"},{"product_id":"iro-miede-by-bosco-sodi","title":"IRO MIEDE by Bosco Sodi","description":"\u003cp\u003eニューヨーク、バルセロナ、ベルリン、メキシコを拠点に活動するアーティスト、ボスコ・ソーディ（Bosco Sodi）の作品集。2012年にタカ・イシイギャラリー京都で開催された展覧会「\u003cem\u003e色見えで\u003c\/em\u003e」に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e以下プレスリリースより抜粋\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e1970年にメキシコで生まれたソーディは、ブロンクス美術館（2010年、ニューヨーク）やペースギャラリー（2011年、ニューヨーク）で個展を開催するなど国際的に活躍しています。本展では、ソーディの代表作として知られる有機素材を用いたペインティング作品6点を展示いたします。今回の展覧会に寄せて、ソーディは小野小町の和歌とアーサー・ウェイリーによるその訳詞を引用し、次のように述べています。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e色見えで A thing which fades\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e移ろふものは With no outward sign–\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e世の中の Is the flower\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e人のこころの Of the heart of man\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e花にぞありける In this world !\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e小野小町 Onono Komachi （アーサー・ウェイリー訳）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e本展において、私はサクラの花を生命のはかなさの象徴としてとらえ、サクラが思い起こさせるいずれは死を迎える我々の運命、そしてそこから生じる慈愛の心を提示したいと思います。\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e今回の薄いピンク色の一連のペインティング作品に、私は感光性の顔料を用いました。月日が経つにつれこの顔料の色は次第に薄まり、最終的には完全な白になります。こうしてサクラの花を生の象徴に昇華させ、私は「一生における時間は、無駄にするにはあまりにも短い」という深い真実を強調したいのです。\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eボスコ・ソーディ\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e人知の及ばない自然、つまり有機素材に多大な関心を持つソーディは、おがくず、木材パルプ、天然繊維などの素材と純度の高い顔料、接着剤や水などを混ぜ合わせ、まるでこの素材と対話をするかのように、水平に置いたキャンバスの上に素手で制作を行います。作品は数日間に及ぶ身体的な制作方法と、ソーディ自身も予測できない有機素材の変化によって形作られていきます。素材が乾燥していく過程において、大小のひび割れが生じ、テクスチャーと色が変化を遂げ、ソーディ作品固有の空間が現れます。顔料は表面だけではなく素材に浸透し混ざり合うことで、有機素材つまり自然が内在する生命感あふれるエネルギーは具体化し、作品は圧倒的な存在感を放ちます。ボスコ・ソーディの最新作を是非この機会にご高覧ください。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOfficial Press Release:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eTaka Ishii Gallery Kyoto is pleased to present “Iro Miede”, an exhibition of new works by Bosco Sodi, an internationally-exhibiting artist based in New York, Barcelona, Berlin, and Mexico. Born in Mexico in 1970, Sodi has had solo exhibitions at the Bronx Museum of the Arts (New York, 2010) and The Pace Gallery (New York, 2011). “Iro Miede” features six paintings made using organic materials in Sodi’s signature style. The artist has provided the following text and waka poem by Onono Komachi, translated by Arthur Waley, for the exhibition.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e【Iro Miede】\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eIro miede A thing which fades\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eUtsurou mono wa With no outward sign–\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eYo no naka no Is the flower\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eIs the flower Of the heart of man\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eHana ni zo arikeru In this world!\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOno No Komachi Translated by Arthur Waley\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eIn this show, I want to approach the cherry blossom as a symbol of life’s physical transience and to show how the sakura reminds us of our humanity and mortality.\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eIn this series of white\/pink paintings, I use a light-sensitive pink pigment which will become white through the years; allowing for the paintings’ final transformation to be completely white. In this way, I highlight the blossom’s symbol for life. In the end, I want to emphasize a profound truth: that life is too short to squander.\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eBosco Sodi\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eSodi has a strong interest in non-artificial organic materials and mixes sawdust, wood pulp, and natural fibers with unadulterated pigments, glue, and water and works with them using his bare hands on horizontally positioned canvases. He views the production process as an exchange with the materials; his paintings are produced through a combination of several days of physical work and organic and unpredictable changes in the material itself. The artist mixes pigments into the material instead of applying them to the surface of his works to give form to the vibrant energy that resides within organic matter and nature. As the material dries out, they crack and create changes in color and texture. The resulting works exude a singular atmosphere and overwhelming presence.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":33207900405840,"sku":"","price":1320.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/IROMIEDE00.jpg?v=1613637649"},{"product_id":"jesture-by-jade-fadojutimi","title":"JESTURE by Jadé Fadojutimi","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eイギリス人アーティスト、ジャデ・ファドジュティミ（Jadé Fadojutimi）の作品集。2020年秋に「Pippy Houldsworth Gallery」で開催された自身2度目の個展に伴い刊行。本書タイトル「\u003cem\u003eJesture\u003c\/em\u003e」という単語には、そこはかとない不条理さが付き纏う。またこの感覚は、COVID-19 によるロックダウン下の強制的な自己隔離生活による日常リズムの乱れにも通じるものがある。作者は、芸術を通じてアイデンティティとその流動的な性質について繰り返し問い質し、快楽、欲望、選択の概念の理解が自意識にとっていかに重要かを表現している。映画、アニメ、ゲームのサウンドトラックを聴くと強烈な記憶が蘇り、初めてそれらを体験したその瞬間に引き戻されると作者はいう。これに対する反応として、作者は鮮やかな色彩をキャンバスに展開する。作者が自分を理解する際に役立ってきたこの様々な影響は統合され、エネルギーと感情が爆発しているような大判のアクションペインティングに姿を変える。こうしてできた複雑な構図を作者は「環境」と呼ぶ。それは完全に抽象的でも象徴的でもない。重なり合う油彩の層の上から作者は最近使い始めたオイルパステルで線を描く。新しい画材を取り入れたことで配色や構図と奥行をより柔軟にコントロールし、ドローイングの即興性をキャンバスに活かせるようになったという。本書に収められたエッセイ『\u003cem\u003eFrom Life - Thoughts on the paintings of Jadé Fadojutimi\u003c\/em\u003e』において、現代アート誌『\u003cem\u003eFrieze\u003c\/em\u003e』のライター／編集長のジェニファー・ヒギー（\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eJennifer Higgie\u003c\/span\u003e）は次のように評する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eこの絵画の中には、混沌として壮麗な世界が暗示として存在する。『芸術とは何か』の説明ではなく、迸るエネルギー、きらめく色、ゆらめく光、反応、そして誰かが続きを言ってくれることを期待して放たれた言葉である。人と同じく人間が描く絵も、瞬きするほどの短い時間のうちに雰囲気をがらりと変えることができる\u003c\/em\u003e」\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本作は、ロンドンを拠点とする「\u003cem\u003eA Practice for Everyday Life\u003c\/em\u003e」がデザインを手掛け、「Pippy Houldsworth Gallery」と「Anomie Publishing」による共同出版という形で刊行された、作者にとって初めての作品集である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eJadé Fadojutimi “This land escapes me and continues to grow”\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2022年12月23日（金） - 2023年1月28日（土） 日曜・月曜定休\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：12:00-19:00\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：SKWAT\/twelvebooks\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/mailchi.mp\/twelve-books\/jad-fadojutimi-this-land-escapes-me-and-continues-to-grow-khhsgdy779\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eJadé Fadojutimi: J\u003cem\u003eesture\u003c\/em\u003e is a publication produced by Pippy Houldsworth Gallery to accompany the second solo exhibition at the gallery of new paintings by London-based artist Jadé Fadojutimi, presented in autumn 2020. The word ‘Jesture’ in the title of the exhibition and publication evokes a sense of the absurd, responding to the disruption of daily rhythms arising from forced isolation during lockdown. Central to Fadojutimi’s practice is a repeated questioning of identity, its fluid nature and howthe understanding of notions of pleasure, desire and choice are integral to a sense of self. Powerful memories, experienced whilst listening to film, animation and video game soundtracks, transport Fadojutimi to the first time she encountered them, eliciting a response that is experienced through intense colour. The synthesis of these various influences, through which Fadojutimi understands her sense of self, is transformed into large-scale gestural paintings charged with energy and emotion. Described by Fadojutimi as ‘environments’, these complex compositions, neither wholly abstract nor figurative, are built up with layers of oil paint, interrupted by the more linear mark-making made possible by her recent adoption of oil pastels. The introduction of new materials into her painting has enabled Fadojutimi to think more broadly about palette, composition and depth, while translating the spontaneity of her drawing on to the canvas.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eIn her essay for the publication, ‘\u003cem\u003eFrom Life – Thoughts on the paintings of Jadé Fadojutimi’\u003c\/em\u003e, writer and editorat- large of \u003cem\u003efrieze\u003c\/em\u003e magazine Jennifer Higgie writes: \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e‘\u003cem\u003eIn these paintings, the world, in all of its chaotic glory, exists as an intimation. Art is not an explanation: it’s a shot of energy, a flash of colour; a shimmer, a reaction, a line thrown out to see who might pick it up. Pictures are made by people and, like people, their tone can switch direction in the blink of an eye.\u003c\/em\u003e’ \u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis, the artist’s first published book, designed by A Practice for Everyday Life, has been co-published by Pippy Houldsworth Gallery and Anomie Publishing.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"PIPPY HOULDSWORTH GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39266773368912,"sku":"9781910221297","price":4400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/JESTURE00.jpg?v=1615859979"},{"product_id":"estructuras-by-carmen-herrera","title":"ESTRUCTURAS by Carmen Herrera","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eニューヨークを拠点に活動するキューバ系アメリカ人アーティスト、カルメン・ヘレーラ（Carmen Herrera）の作品集。作者の彫刻シリーズ「\u003cem\u003eEstructura\u003c\/em\u003e」がまとめた決定版。新作に加え、貴重なアーカイブ資料やスケッチ、図面、展覧会のインスタレーションの写真、未公開のドローイングや、作者の直近の巡回回顧展のキュレーター、ダナ・ミラー（Dana Miller）のエッセイを収録。 鮮やかな色彩の抽象画を三次元に拡張した「\u003cem\u003eEstructuras\u003c\/em\u003e」を初めて深く掘り下げた一冊となっており、作者は周囲の壁を構図の一部として取り込んだ1つの環境として思い描いた。本シリーズは「彫刻になることを切望した」ペインティングがベースとなっており、作者が強くこだわる平面性とペインティング作品が見せる二次元性から見ると、それを壊す作品群とも言える。不規則な形の彫刻は作者の作品では唯一の単色だが、彫刻や壁にかけられた作品の隙間から見える壁の白が第2の色だと作者は語る。1969年から本シリーズのスケッチや準備、制作が始められたが、カール・アンドレ（Carl Andre）、ドナルド・ジャッド（Donald Judd）、バーネット・ニューマン（Barnett Newman）など、ミニマリズムを掲げた主要な彫刻家たちがその手法を探求し始めたのと同時期に当たる。一緒に作品を作っていた大工がこの世を去ったために、その2年後に作品を放棄している。ドローイングから生まれた形が絵画や彫刻へと変化し、作者の描くくっきりとした正確無比な輪郭が形あるものとして姿を現したこの作品群は、自身のキャリアの中でも重要な瞬間を示している。 本書は2018年9月から10月にニューヨークの「Lisson Gallery」で開催されたシリーズ最新作を含む展覧会「\u003ca href=\"https:\/\/www.lissongallery.com\/exhibitions\/carmen-herrera-81cee529-0106-43d8-b364-dc9b3fb3306c\" target=\"_blank\" data-mce-href=\"https:\/\/www.lissongallery.com\/exhibitions\/carmen-herrera-81cee529-0106-43d8-b364-dc9b3fb3306c\"\u003e\u003cem\u003eCarmen Herrera: Estructuras\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e」、2019年7月から11月までニューヨークのシティホール・パーク（市庁舎公園）で開催された、ニューヨークのアート支援団体「Public Art Fund」が企画した作者にとって初の屋外彫刻展「\u003ca href=\"https:\/\/www.publicartfund.org\/exhibitions\/view\/carmen-herrera-estructuras-monumentales\/\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003eEstructuras Monumentales\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e」に伴い刊行、両展示のようすが収録されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eアナザーエナジー展：挑戦しつづける力―世界の女性アーティスト16人\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2021年4月22日（木）- 9月26日（日）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：10:00-22:00 \/ 火曜日のみ -17:00\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：森美術館\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.mori.art.museum\/jp\/exhibitions\/anotherenergy\/index.html\" data-mce-href=\"https:\/\/www.mori.art.museum\/jp\/exhibitions\/anotherenergy\/index.html\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eThis comprehensive publication chronicles a major body of work by New York-based Cuban-American artist Carmen Herrera. Featuring an essay by Dana Miller, art historian and curator of the 2016-2017 travelling retrospective on Herrera’s work, Lines of Sight, as well as rare archival material, sketches and never before published drawing — it marks the first time the Estructuras have been explored in depth. \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eBased on paintings really \"crying out to become sculpture\" the Estructuras represent a rare break in Herrera's insistent planarity and the two dimensionality of her paintings. The artist began the sketches and preparations for her Estructuras (Structures) in the late 1960s, around the same time that key Minimalism sculptors including Carl Andre, Donald Judd and Barnett Newman were early in their exploration of the medium. Of the shift Herrera has noted: “It became clear to me that the linear elements in my work required a hard surface to integrate structurally the “hard edges”.”\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThis fully-illustraged pubication includes a comprehensive section of these forms, including floor and wall-based renditions, as well as reproductions of Herrera's newest exploration of these works on monumental scale. In additon to documentation of the 2018 exhibition of new Estructuras at Lisson Gallery in New York, the book includes installation photography of Estructuras Monumentales, the first major exhibition of outdoor sculptures by Herrera, organised by Public Art Fund and on view at City Hall Park in New York City from July – November 2019. \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"LISSON GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39304643641424,"sku":"9780947830731","price":7150.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/ESTRUCTURAS00.jpg?v=1619143507"},{"product_id":"we-want-to-look-up-at-the-sun-but-could-the-sun-be-looking-down-on-us-by-rudy-guedj-olivier-goethals","title":"WE WANT TO LOOK UP AT THE SUN, BUT COULD THE SUN BE LOOKING DOWN ON US? by Rudy Guedj \u0026 Olivier Goethals","description":"\u003cp\u003eオランダを拠点に活動するデザイナー、イラストレーターの\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eルディ・ゲージュ\u003c\/span\u003e（Rudy Guedj）と、建築家、アーティストの\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eオリヴィエ・ゲータル\u003c\/span\u003e（Olivier Goethals）による作品集。第22回「ミラノトリエンナーレ2019」にオランダが出展した「\u003cem\u003eI See That I See What You Don’t See\u003c\/em\u003e」は、人間、動物、風景と暗闇の関係性を重層的で多次元的なイメージとして提示した。世界でも有数の眠らない国オランダは、真っ暗闇になることがほとんどなく、このことがそこに暮らす全ての生き物の健康や行動に影響を与えている。この展覧会は、森林、パノラマ、広場で構成された万華鏡のような風景に見る者を誘い、そこではデザイナー、アーティスト、研究者たちが光に晒され過ぎていることや暗闇の意味を探求していた。自然の均衡が崩れたことに多大な貢献をしたデザインだが、使いようによっては暗闇と人との関係を修復することもできる。 「\u003cem\u003eI See That I See What You Don’t See\u003c\/em\u003e」の背景美術は、\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eこの2人\u003c\/span\u003eのコラボレーションから生まれた。展覧会の設計と建物は、他の役者が語る物語の入れ物に過ぎないと考えられがちである。しかし2人は、空間とグラフィックという2つのデザインの作り出すレイヤーがどのようにして展覧会の軸となる物語の弧（narrative arc）を支え、これに反応できるかを明らかにしようと試みた。 本書は、建築と設計に共通する構造的な性質だけなく、この2つの行為に備わっているはずの声を明るみに出している。2人のデザイナーは、もはや存在しない空間についての味気ない記録として本を使うのではなく、本を通じて自分たちの方法論に遡るための時間軸を示唆している。本書は、展覧会のデザインの前後と最中に制作された素材を使って、2人の創造のプロセスの不完全な概要を作り出そうとしている。このコラボレーションを通じて2人が発見した建築とデザインの間に存在する数多くの空隙にも光が当てられている。『\u003cem\u003eWe want to look up at the Sun, but could the Sun be looking down on us?\u003c\/em\u003e』は、展覧会のデザインのために、またはこれに着想を得て制作された作品のハイブリッドな解釈となっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eI See That I See What You Don’t See\u003c\/em\u003e (dutch contribution to the XXII Triennale di Milano in 2019) presented a layered, multidimensional image of the relationship that humans, animals, and landscapes maintain with darkness. In the Netherlands – one of the most illuminated countries in the world – it is seldom dark, in turn influencing the well-being and behaviour of all living organisms. In the form of a kaleidoscopic landscape composed of a forest, a panorama, and a forum, the exhibition took visitors into a world where designers, artists, and researchers investigated the meaning of overexposure and darkness. Design has made a significant contribution to the disturbance of the natural balance, but it may also be used to restore our relationship with darkness. The scenography of \u003cem\u003eI See That I See What You Don’t See\u003c\/em\u003e was the result of a collaboration between architect Olivier Goethals and graphic designer Rudy Guedj. The design and architecture of an exhibition is often considered to be the mere container for a story told by other actors, however Goethals and Guedj set out to explore how both the spatial and graphic design layers could support, as well as respond to, the main narrative arc of the show. This publication reveals the voices that these practices can potentially have in addition to their inherent structural nature. Rather than using a book as the lifeless documentation of a space that doesn’t exist anymore, the designers suggest a timeline to trace back their methodology. Revealing material created prior to, during, and after the design of the exhibition, this publication seeks to generate an incomplete overview of the creative process they followed. Highlighting at times the porosity between both practices during their collaboration, \u003cem\u003eWe want to look up at the Sun, but could the Sun be looking down on us?\u003c\/em\u003e is a hybrid translation of the work created for, as well as from, the designs for the exhibition.\u003c\/p\u003e","brand":"BUILDING FICTIONS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39304655994960,"sku":"9789082771237","price":4620.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/lookingdownonus00.jpg?v=1616482646"},{"product_id":"elad-lassry-by-elad-lassry","title":"ELAD LASSRY (2012) by Elad Lassry","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eイスラエル人アーティスト、エラッド・ラスリー（Elad Lassry）の作品集。\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan\u003e2012年にラットホールギャラリーで開催された展覧会「\u003cem\u003eElad Lassry\u003c\/em\u003e」に伴い刊行された。\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan\u003e以下プレスリリースより抜粋\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eラットホールギャラリーでは、2012年5月26日より7月29日まで、エラッド・ラスリーの新作による展覧会を開催いたします。写真、16mmフィルム、立体によるインスタレーションが展開される本展は、ラスリーの日本初の展覧会です。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eエラッド・ラスリーは1977年、テルアビブに生まれ、ロサンジェルスを拠点に活動している作家です。彼の写真作品やフィルム作品は、広告写真のように魅力的でありながら、どこか離隔した印象を与えます。彼自身の歴史やフォーマリズムに対する問題意識のもと、現代の視覚文化における「イメージ」の在り方に対する問いと探究が試みられています。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e写真作品は、人物や動物、日常的なオブジェなどをモチーフとし、けばけばしい色の地を背景にすることにより、モチーフが本来のコンテクストから引き離されています。また、どの写真作品も一般的な雑誌サイズに限定して制作されており、フレームはすべて、各作品の鮮やかな基調色に塗り覆われ、写真イメージと一体化しています。広告やヴィンテージ雑誌、絵本、映画のスチル写真といったものを基に、画面構成や色の選択が厳密にコントロールされて制作された写真作品は、既製のイメージを用いたコラージュとも、アナログとデジタルの間を戯れる新たなステージド・フォトとも、フレームと一体となってオブジェ化したイメージとも受け取ることができます。ラスリー自身が「苛立たしい映像nervous pictures」と名指すこれらの作品は、「知覚を狂わせ、視覚情報を受け取る際の、あるいは世界を知るうえでの、安定をどこか揺るがすもの」です。派手な色彩、あるいは多重露光やぶれによってその揺らぎは増幅され、見る者の視線は決して落ち着くことができません。ラスリーは、これらの作品が、そのイメージ性あるいは物性、はたまたその両方の、いずこにあるのかという問題を提起し、映像を経験する際の物質／非物質性について問うています。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eイメージと物の関係や、ある文化的な参照項を持つイメージの受容に対する関心は、フィルム作品や立体作品にも見ることができます。本展に出品される16mmフィルム作品Untitled (Passacaglia)は、革新的なコレオグラファーであるドリス・ハンフリーのコレオグラフィーPassacaglia（1938）に基づいたテレビ・ドキュメンタリーに想を得ています。このドキュメンタリーは、ロベール・ドローネーのペインティングTall Portuguese Women（1916）が掛けられた壁面の前で踊るニューヨーク・シティ・バレエ団を撮影したものですが、ラスリーの作品は、コレオグラフィーや舞台、脚本へ言及しているわけではありません。構成主義映画を想起させるカメラのアングルや動き、抽象とも具象ともつかない曖昧さ、平面と奥行きの間を行き来する画面、これらはすべて「見る」という行為自体に対する問いを提起しています。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eラスリーはまた、本展の立体作品のひとつとして、フレームを示唆する、木製のベッドを模した作品を制作しています。ベッドと呼ぶには小さいその作品は、4つの十字架の飾りを持ち、緑色の塗料に覆われています。機能性や象徴性、あるいは絵画性にも還元しきれないこの作品もまた、写真作品やフィルム作品と同様に、作品の在処を問うものです。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eイメージと物との間の緊張関係を生み出すことでジャンルを超えた問いを立ち上げるラスリーの作品は、クンストハレ・チューリッヒやホイットニー美術館での個展や、昨年では第54回ヴェネチアビエンナーレなどで、国際的に注目を集めています。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cspan style=\"color: rgb(43, 0, 255);\"\u003e\u003cstrong\u003e※本書はデッドストック書籍のため、経年劣化による変色やダメージがございます。あらかじめご了承ください。\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOfficial Press Release:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eRat Hole Gallery is pleased to present a solo exhibition of new work by Elad Lassry. On view from May 26 until July 29, the exhibition features an installation of photography, 16mm film, \u003cbr\u003eand sculpture, and is the first time for the artist’s work to be shown in Japan.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eElad Lassry, who was born in 1977 in Tel Aviv and currently lives and works in Los Angeles, is known for his visually seductive yet detached, complex photographs and films that investigate the use of images in our visual culture, along with their inherent layers of histories and formalisms. By creating compositions and images that are simultaneously familiar and alien, both ever present and elusive, Lassry’s work explores current possibilities for the engagement with pictures and challenges the viewer with physical and perceptual paradoxes.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eLassry’s photographs reference a diversity of genres such as still life compositions, photocollages, studio portraits of friends and celebrities, and involve a broad range of image-making processes. The subjects in his works, which also canvas a wide range of everyday objects, people, animals, and landscapes, are placed within saturated fields of color and removed from their original context and history. Drawing on source material such as advertising, vintage picture magazines, illustrated books, and film archives, the resulting photographs are collages of pre-existing images or newly staged studio photographs in which the artist plays with the relationship between analog and digital methods of producing images. Lassry creates what he describes as a “nervous picture”- one that, according to the artist, “makes your faculties fail, when your comfort about having visual information or knowing the world is somehow shaken.” Further complicated by Lassry’s use of layered exposures, blurs, and harsh colors, the images slide between stillness and movement, and the viewer’s eye is never fixed. Lassry’s photographic works are made so that their dimensions never exceed the size of a magazine page, and the frames, which are painted with richly saturated colors that derive from the dominant hues in the photographs, also play a fundamental role. By allowing the viewer to consider the photographs as physical objects, Lassry raises the issue of whether the work’s existence is image-based or object-based, or whether it can be both, and opens up broader conceptual questions about the interaction between the tangible and cognitive experiences of a picture.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe relationship between image and object and the exploration of issues concerning the circulation and history of images within a set of cultural references extends into Lassry’s film and sculpture as well. His film Untitled (Passacaglia), which will be shown with a 16mm projector in the exhibition, is based on inspiration from a 1966 documentary made for public television centered on the 1938 choreography Passacaglia by revolutionary modern dance choreographer Doris Humphrey, and features penetrating images of New York City Ballet dancers against a set displaying a well-known painting by Robert Delaunay Tall Portuguese Women (1916). No attempt is made to provide insight into dance choreography, a painting, a stage set or a story. Rather, Lassry’s use of the camera’s position and movements which draw upon the legacy of Structuralist film, the indistinct space between abstraction and figuration, and the combination of flatness and depth, all serve to examine the process of seeing and the relationship between the seeing subject and the seen object. \u003cbr\u003e\u003cbr\u003eFor one of the sculptures that will be presented in the exhibition, Lassry has constructed a work resembling a small bed made from wood suggestive of the frame that often characterizes the artist’s photographs. Adorned with four crosses, the work simultaneously temps and denies a host of symbolic and functional interpretations, once again incorporating perceptual paradoxes that are seen in his photography and film work. Constantly shifting between original and found material, Lassry fosters a dialogue across photography, film, and sculpture, creating tension between an image and its physicality in space.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eLassry’s work was featured in ILLUMInations, the International Pavillion at the 54th Venice Biennale last year and he was also recently nominated for the prestigious Deutsche Börse Photography Prize. Lassry has also exhibited extensively in major international institutions including solo exhibitions at Kunsthalle Zurich, Switzerland; The Whitney Museum of American Art, New York; the Contemporary Art Museum, St. Louis; and Tramway, Glascow. \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan style=\"color: rgb(43, 0, 255);\"\u003e\u003cstrong\u003e※Please note that there is visible damage and discoloration due to age.\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"RAT HOLE GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39351689576528,"sku":"","price":5500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2011251851.jpg?v=1621313181"},{"product_id":"farewell-horse-by-roe-ethridge","title":"FAREWELL HORSE by Roe Ethridge","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eアメリカ人アーティスト、ロー・エスリッジ（Roe Ethridge）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan style=\"color: rgb(43, 0, 255);\"\u003e\u003cstrong\u003e※本書はデッドストック書籍のため、経年劣化による変色やダメージがございます。あらかじめご了承ください。\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan class=\"s1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"RAT HOLE GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39351695409232,"sku":"","price":3300.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2010151662.jpg?v=1621314400"},{"product_id":"mouth-wave-by-victoria-morton","title":"MOUTH WAVE by Victoria Morton","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eスコットランド人アーティスト、ヴィクトリア・モートン（Victoria Morton）の作品集。2014年にラットホールギャラリーで開催された展覧会「\u003cem\u003eMouth Wave\u003c\/em\u003e」に伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e近年は一年の三分の一をイタリアで過ごし、ファッションブランドETROとのコラボレーションも話題になっています。一見カラフルな抽象画に見える作品ですが、モートン自身はフォークロールや逸話、また物語に関心を持ち、一つ一つのペインティングに何かしら具体的な空気感を作り出したいと考えています。つまりそれは私たち見るものが作品に入り込み、そこを舞台に作品の一部のような気持ちになり、あるいはその空気の中で主人公にさえなる時間を提供してくれるのです。美しいだけではなく、見ているうちにベールの先のものが見えてくるような不可思議な世界がモートンならではのリアリズムと言えます。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e以下プレスリリースより抜粋\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eラットホールギャラリーでは2014年2月14日（金）より5月25日（日）まで、グラスゴー（スコットランド）を拠点に活動する作家、ヴィクトリア・モートンの個展を開催いたします。大型の新作ペインティングとアッサンブラージュの立体作品で構成される本展は、日本で初めて彼女の作品を目にすることができる機会となります。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e1971年、グラスゴー生まれのヴィクトリア・モートンは、絵画というジャンルにおける視覚的・空間的な可能性の拡張、そして観者に及ぼす心理的作用のあり方を探究し続けている作家です。彼女のペインティングは、その緻密な細部や厚みのある筆触、水彩画のような油彩の扱い方から、抽象絵画でありながら、歴史や音楽、日常生活などが反映されて描かれたキャンバスには、身体などの具象的な要素を見てとることができます。鮮やかで繊細な輝きを放つ色彩のレイヤーと、運動・反復・断片化といった方法とを組み合わせる彼女のペインティングは、心理や感情を隠喩的に観者の中に呼び起こします。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e立体作品では、例えば楽器、衣服、梯子であれば、「鳴らす」「着る」「上る」というように、パフォーマンスの次元を喚起するオブジェが用いられる点に特徴があります。異なるオブジェが絡まり合ったアッサンブラージュは、個々のオブジェ同士がある連続性をもつものとして捉えられており、オブジェの複雑な絡まりが観者の視線のなかで統合されることを求める点では、ある種のリアリズムがそこで創出されていると言えます。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「複雑なイメージを生み出したり崩したりといった、精神的なエクササイズへの欲求に加えて、身体的な衝動が私を制作へと駆り立てている」とモートンは言います。制作過程における作品の変化に加えて、制作時における行きつ戻りつの時間感覚までもが織り込まれた彼女の作品からは、私たちの日々の生活の中で現れては消えてゆく、心理や意識・無意識的な振舞いが示唆されているのです。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eヴィクトリア・モートンは世界各地で展覧会を開催するほか、パフォーマンス集団Elizabeth Goの一員としての共同制作や、バンドMuscles of Joyで実験音楽の演奏なども行なっています。Glasgow School of Artで1993年に絵画文学士号、1995年には修士号を取得し、現在はグラスゴーとフォッソンブローネ（イタリア）で制作を行なっています。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan style=\"color: rgb(43, 0, 255);\"\u003e\u003cstrong\u003e※本書はデッドストック書籍のため、経年劣化による変色やダメージがございます。あらかじめご了承ください。\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOfficial Press Release:\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eRat Hole Gallery is pleased to present a solo exhibition of Glasgow-based artist Victoria Morton on view from February 14 until May 25, 2014. The exhibition will present an installation of paintings and sculptural works and marks the first time for the artist’s work to be shown in Japan.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eBorn in 1971 in Glasgow, Scotland, Victoria Morton is known for her intricate paintings that combine multiple layers of vivid colors and delicate luminosity, together with movement, repetition, and fragmentation, to metaphorically evoke mental, emotional, and moral states. Appearing as abstract compositions with densely detailed, watercolor-like layers of oil and thick brushstrokes, her paintings also reveal traces of representation and figuration, reflecting personal narratives as well as a diverse range of influences from musical composition, historical dialogues, and everyday life. Through her work, Morton explores a continuous unfolding of visual and spatial possibilities within the genre of painting and how it operates psychologically on the viewer. \u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe artist also incorporates sculpture, sound, photography, and video to create installations that further expand the space of painting and draw parallels upon interdependent physical and cognitive relationships. Objects used by Morton in her sculptural assemblages, which include for example a musical instrument, a piece of clothing, or a ladder, serve to create an environment for the paintings while adding a dimension of performance. This complex web of different elements, which all feed into each other and represent a continuation of the same process, creates a kind realism that places the viewer as the protagonist. For her installation at Rat Hole Gallery, two new large-scale paintings and two sculptural assemblages, Swinging Sleeves For An Unmarried Woman (2011), comprised of objects including cymbals and an antique Italian bed head, and Kimono (2011), which integrates an element of sound, will be shown in the gallery space. \u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAccording to the artist, “the impulse to make comes from bodily drive as well as the desire to pursue the mental exercise of creating, disrupting, and reforming complex images.” Building a sense of time into her work, as well as a process of change and coming into being, Morton’s explorations of dissolution and materialization are suggestive of psychological situations and the conscious and unconscious gestures that take place in our day-to-day lives. \u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn addition to exhibiting internationally, Morton has made collaborative work as a member of the performance and installation group Elizabeth Go and plays in the band Muscles of Joy. She graduated with a BA in painting from the Glasgow School of Art in 1993, followed by and MFA in 1995, and lives and works in Glasgow and Fossombrone, Italy.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan style=\"color: rgb(43, 0, 255);\"\u003e\u003cstrong\u003e※Please note that there is visible damage and discoloration due to age.\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"s1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"RAT HOLE GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39352303845456,"sku":"9784907354190","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2011251891.jpg?v=1621313259"},{"product_id":"lines-of-sight-by-carmen-herrera","title":"LINES OF SIGHT by Carmen Herrera","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eニューヨークを拠点に活動するキューバ系アメリカ人アーティスト、カルメン・ヘレーラ（Carmen Herrera）の作品集。作者の人生と作品を紹介している一冊。1915年にキューバで生まれ、70年以上に渡って絵を描き続けた作者は、近年になってようやく国際的な高い評価と注目を浴びるようになった。ハバナ、パリ、ニューヨークで活躍した作者の1948年から78年までの初期の作品が初めてまとめられている。キューバ時代の初期の習作、戦後パリで開催された抽象主義美術の展覧会「サロン・デ・レアリテ・ヌーベル」に参加した時のこと、ニューヨークで生み出した画期的な作品などを取り上げ、ラテンアメリカの前衛芸術という広範な文脈の中で作者の作品を読み解いた幾つものエッセイを同時収録。その内の1つでダナ・ミラー（Dana Miller）は、ハードエッジ絵画を代表的とするスタイルを見出し、磨き上げていった1950年代から1970年代のニューヨーク時代の作品について考察した。この物語をさらに豊かなものとしているのが、作者所蔵の個人的な家族写真である。自身の人生とアーティストとしてのキャリア全体を概観する年代記にも、実生活を垣間見ることができる写真が添えられている。80点以上の作品をカラーで紹介した本書は、これまでの作者の作品集の中でも最も充実した内容を誇る。寄稿者は、ニューヨークのホイットニー美術館リチャード・デ・マルティーニ・ファミリー・キュレーター兼コレクションディレクターであるダナ・ミラー、美術史家でソルボンヌ（パリ第4）大学名誉教授、元グルノーブル美術館館長、元パリ・オルセー美術館館長でもあるセルジュ・ルモワンヌ（Serge Lemoine）、キューバのハバナを拠点に活動するキュレーター、評論家、美術史家、作家であるジェラルド・モスケラ（Gerardo Mosquera）、ニューヨーク大学美術研究所および美術史学科のヘレン・グールド・シェパード教授のエドワード・J・サリバン（Edward J. Sullivan）、ニューヨークを拠点に活動するインディペンデント・キュレーター、評論家であるモニカ・エスピネル（Mónica Espinel）。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eアナザーエナジー展：挑戦しつづける力―世界の女性アーティスト16人\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2021年4月22日（木）- 2022年1月16日（日）\u003cbr\u003e※会期延長いたしました\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：10:00-22:00 \/ 火曜日のみ -17:00\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：森美術館\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.mori.art.museum\/jp\/exhibitions\/anotherenergy\/index.html\" data-mce-href=\"https:\/\/www.mori.art.museum\/jp\/exhibitions\/anotherenergy\/index.html\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eAn overdue evaluation of the life and work of a prolific and significant contemporary artist. Cuban-born artist Carmen Herrera (b. 1915) has painted for more than seven decades, though it is only in recent years that acclaim for her work has catapulted the artist to international prominence. This handsome volume offers the first sustained examination of her early career from 1948–78, which spans the art worlds of Havana, Paris, and New York. Essays consider the artist’s early studies in Cuba, her involvement with the Salon des Réalités Nouvelles in post-war Paris, and her groundbreaking New York output, as well as situate her work in the context of a broader Latin American avant-garde art. An essay by Dana Miller considers Herrera’s New York work of the 1950s through the 1970s, when Herrera was arriving at and perfecting her signature style of hard edge abstraction. Personal family photographs from Herrera’s archive enrich the narrative, and a chronology addressing the entirety of her life and career features additional documentary images. Over 80 works are illustrated as color plates, making this book the most extensive representation of Herrera’s work to date.\u003cbr\u003eDana Miller is Richard DeMartini Family Curator and Director of the Collection at the Whitney Museum of American Art, New York. Serge Lemoine is an art historian and professor emeritus at the Paris IV–Sorbonne University and the former director of the Musée de Grenoble and former president of the Musée d’Orsay in Paris. Gerardo Mosquera is a curator, critic, art historian, and writer based in Havana, Cuba. Edward J. Sullivan is Helen Gould Sheppard Professor of Art History at the Institute of Fine Arts and the Department of Art History, New York University. Mónica Espinel is an independent curator and critic based in New York.\u003c\/p\u003e","brand":"WHITNEY MUSEUM OF AMERICAN ART","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39353290391632,"sku":"9780300221862","price":10450.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2104160245.jpg?v=1619321365"},{"product_id":"an-educational-archive-of-2863-slides-by-frido-troost","title":"AN EDUCATIONAL ARCHIVE OF 2863 SLIDES by Frido Troost","description":"\u003cp\u003eオランダ人美術史家、フリード・トロースト（Frido Troost）の作品集。作者がオランダの著名な美術大学「ヘリット・リートフェルト・アカデミー（Gerrit Rietveld Academie）」で教鞭を執っていた時に講義で使用したスライドを全て収録。作者はありとあらゆる種類の写真を集めるコレクターの先駆けであった。作者の店「インスティテュート・フォー・コンクリート・マター（Institute for Concrete Matter）」ではダゲレオタイプ（銀板写真）から鶏卵紙プリント、ステレオ写真（立体写真）から家族アルバムまで、様々なタイプの写真が展示されていた。絵画、広告、ポルノ、芸術作品、ポートレイトなど、本書に収められているイメージは出所も多種多様である。様々な写真が織りなすこの新しいコレクションには、作者の連想的な物の見方が現れている。講義と同様の形式で、1ページには9枚のスライドを配置。ヒエラルキーのない見せ方によってイメージの間のつながりを自由に見出すことができる。写真史の大きな部分を網羅した型破りなコレクションと言える一冊。イギリス人のキュレーター、ライター、そしてアーティストでもあるデヴィッド・カンパニー（David Campany）によるテキストを収録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis publication is composed of all the slides Frido Troost (1960-2013) used for his classes at the Gerrit Rietveld Academie. Troost, art historian by trade, was a pioneer in collecting photography of all sorts. In his store ‘Institute for Concrete Matter’ many types of photography were represented, varying from da-guerreotypes to albumin prints, stereo photos to family albums. The images in this book come from all kinds of sources: paintings, advertisements, erotica, art objects, portraits, etc. They form a new collection that represents Frido Troosts associative way of looking. The slides are presented in blocks of nine, in the same construct as Frido Troost gave his classes, a non-hierarchal set up that invites the viewer to link the images freely. A controversial mix that covers a big part of the history of photography.\u003c\/p\u003e","brand":"ART PAPER EDITIONS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39374959214672,"sku":"9789493146396","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/AnEducationalArchive00.jpg?v=1620266704"},{"product_id":"dark-uncles-by-klaas-rommelaere","title":"DARK UNCLES by Klaas Rommelaere","description":"\u003cp\u003eベルギー人アーティスト、クラース・ロムレーラ（Klaas Rommelaere）の作品集。仮面、骸骨、蝶々、ティーン向けテレビ番組…作者は、日常生活、インターネット、映画など、ありとあらゆるところからイメージを収集し、タペストリーや旗などのテキスタイルアート、何百ものイメージが詰め込まれたアッサンブラージュを作る。地元の映画館の会員であり、制作をしていない時は一日中ワイドスクリーンの前にいるという。作者の作品は、展示ケースが並べられた博物館の回廊が相応しい、どこかの民族の伝統的なタペストリーを思わせる。この印象は、集められた素材が主に無数の色と素材を使ったテキスタイルであることから来ている。かつてベルギーの都市ヘントでファッションを学び、デザイナーのヘンリック・ヴィブスコフ（Henrik Vibskov）とラフ・シモンズ（Raf Simons）の下でインターンとして働いた作者だが、ファッション業界は合わなかったようである。本書はベルギー、コルトレイク市にある現代アートのプラットフォーム「Be-Part」の協賛のもと刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eMasks, skulls, butterflies and teen TV. The tapestries, flags, and other textile artworks of Klaas Rommelaere are assemblages of hundreds of images packed together. These images come from everywhere: daily life, the internet and the movies – Rommelaere has membership of his local cinema and you’ll find him in front of the wide screen the entire day if he’s not working. Rommelaere’s oeuvre reminds us of traditional ethnic tapestries that are more likely to be found in the cabinet-filled corridors of a museum. He earns this description largely because of the myriad of colours and the medium: textile. Rommelaere graduated as a fashion student in the Belgian city of Ghent and did internships at Henrik Vibskov and Raf Simons. Yet the fashion business didn’t seem right for him. With the support of Be-Part, Kortrijk.\u003c\/p\u003e","brand":"ART PAPER EDITIONS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39374964097104,"sku":"9789493146556","price":6820.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/dark.jpg?v=1620369479"},{"product_id":"that-would-have-been-wonderful-by-andro-wekua","title":"THAT WOULD HAVE BEEN WONDERFUL by Andro Wekua","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eドイツを拠点とするジョージア人アーティスト、アンドロ・ウェクア（Andro Wekua）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e作者の故郷であるグルジア共和国（ジョージア国）のソチュミは、かつてはソビエト連邦の官僚たちの牧歌的な保養地だった。祖母の家、黒海、共産主義のプロパガンダ、埠頭に停泊中の巨大な貨物船、過去の政治的混乱の痕跡などが残るこの地は、今日では廃墟と化しているがその空虚さの中に記憶が充満している。作者はこの個人的および政治的な歴史の断片を用い、雰囲気ある絵画、コラージュ、彫刻を制作している。それは、東と西、過去と現在、悪夢とノスタルジアの間にある不毛地帯である。意図的に過去を再構築することはせず、自分の好みに合うように過去を美化し、変形させ、解釈している。その結果、必然的に矛盾が生じる。うわべのノスタルジアは、写真を自身の過去への言及とともに、あの頃の遠い理想社会へと変えてしまうのだ。\u003c\/em\u003e」ー ジャンニ・ジェッツァー（\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eGianni Jetzer \/ キュレーター、批評家\u003c\/span\u003e）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cstrong data-mce-fragment=\"1\"\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eRita Ackermann \u0026amp; Andro Wekua: Chapter 4\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2021年5月1日（土）- 7月31日（土）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e*会期延長\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：11:00-19:00\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e休廊日：日・月\u003c\/span\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e・\u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e祝\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：ファーガス・マカフリー 東京\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/fergusmccaffrey.com\/exhibition\/rita-ackermann-andro-wekua-chapter-4\/\" data-mce-fragment=\"1\" data-mce-href=\"https:\/\/fergusmccaffrey.com\/exhibition\/rita-ackermann-andro-wekua-chapter-4\/\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003e”\u003cem\u003eAndro Wekua’s hometown, Sochumi in the Republic of Georgia, used to be an idyllic holiday resort for Soviet functionaries. Today it is a zone of exclusion, empty and yet replete with memories: the house of his grandmother, the Black Sea, communist propaganda, a monumental freighter at the docks, traces of the political turmoil of the past. Wekua uses these fragments of personal and political history to create atmospheric paintings, collages, sculptures, traces of his post-cold war search of things past. They are images from a no man’s land between East and West, past und present, nightmare and nostalgia. The artist deliberately refrains from reconstructing the past—instead he aestheticizes, transfigures and interprets it to accommodate his own taste. The consequence is an inevitable contradiction. A nostalgia varnish turns Wekua’s pictures into the remote ideal of non-accelerated society with manifest references to his own past.\u003c\/em\u003e” ーGianni Jetzer\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39394044510288,"sku":"9783905509588","price":8580.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/thatwouldhavebeenwonderful00_33684130-9d80-436d-95c9-f83c5e07c682.jpg?v=1626325435"},{"product_id":"the-world-the-flesh-and-the-devil-by-marianne-vitale","title":"THE WORLD THE FLESH, AND THE DEVIL by Marianne Vitale [SIGNED]","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eアメリカ人現代アーティスト、マリアンヌ・ヴィターレ（Marianne Vitale）の作品集。第一次世界大戦中にフランスに建設されたアメリカの病院の歴史が作品のテーマとなっている。サヴネ市（\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eSavenay\u003c\/span\u003e）、ペイ・ド・ラ・ロワール地域圏（DRAC Pays de la Loire）の支援のもと、フランスのカルチャーセンター、Mosquito Coast Factoryによって開始、制作された。本プロジェクトは「\u003cem\u003eWorthies\u003c\/em\u003e」（サヴネ市マビレ渓谷ダム付近の常設作品 \/ 2018）、「\u003cem\u003eAmputations\/Resurrections\u003c\/em\u003e」（カンボン市モスキートコースト工場での展示 \/ 2019）、「\u003cem\u003eThe World, the Flesh and the Devil\u003c\/em\u003e」（サヴネ市クーヴン・デ・コルデリエでの展示 \/ 2020）の三部作で構成されたている\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003eThe World, the Flesh and the Devil presents a project developed by the American artist Marianne Vitale around the history of an American hospital built in France during the First World War. This project was initiated and produced by Mosquito Coast Factory, with the support of the city of Savenay, DRAC Pays de la Loire, the Conseil Régional des Pays de la Loire, the Loire-Atlantique Department, and SCI Stergann. It has three parts: \u003cem\u003eWorthies\u003c\/em\u003e, permanent installation near the Mabile Valley dam, Savenay, (2018); \u003cem\u003eAmputations\/Resurrections\u003c\/em\u003e, exhibition at Mosquito Coast Factory, Campbon (2019); \u003cem\u003eThe World, the Flesh and the Devil\u003c\/em\u003e, exhibition at the Couvent des Cordeliers, Savenay, (postponed from March 2020 until further notice).\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39397254135888,"sku":"9781648718946","price":5500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2104160330.jpg?v=1621157509"},{"product_id":"sketchbook-mama-by-rita-ackermann","title":"SKETCHBOOK I (FOR MAMA) by Rita Ackermann","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eハンガリー人アーティスト、リタ・アッカーマン（Rita Ackermann）の作品集。本書は作者と出版社の間で共有された完璧な「アーティストブック」を作るというアイデアから制作された。スケッチブックはまずオブジェクトとしてデザインされ、次にプロセスが詰め込まれた。『\u003cem\u003eSketchbook I (For Mama)\u003c\/em\u003e』には、作者の近年のペインティング・シリーズ「\u003cem\u003eMama\u003c\/em\u003e」の基礎となるもので、これらの大規模なペインティングに見られる人物、構図、線が収録されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cstrong data-mce-fragment=\"1\"\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eRita Ackermann \u0026amp; Andro Wekua: Chapter 4\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2021年5月1日（土）- 7月31日（土）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e*会期延長\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：11:00-19:00\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e休廊日：日・月\u003c\/span\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e・\u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e祝\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：ファーガス・マカフリー 東京\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/fergusmccaffrey.com\/exhibition\/rita-ackermann-andro-wekua-chapter-4\/\" data-mce-fragment=\"1\" target=\"_blank\" data-mce-href=\"https:\/\/fergusmccaffrey.com\/exhibition\/rita-ackermann-andro-wekua-chapter-4\/\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eAmerican Art Catalogues presents \u003cem\u003eSketchbook I (For Mama)\u003c\/em\u003e and \u003cem\u003eSketchbook II (A Midsummer Night’s Dream)\u003c\/em\u003e, by Rita Ackermann. Birthed from an objective shared between artist and publisher, the idea of creating the perfect “artist book”, the sketchbooks were designed first as objects, and then filled with process. \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eSketchbook I (For Mama\u003c\/em\u003e), features the foundations for Ackermann’s recent painting series, \u003cem\u003eMama\u003c\/em\u003e. Figures, compositions, and lines found in these large scale paintings can be identified within the spreads of this sketchbook. These two facsimiles are the first in a series of five, with the remaining sketchbooks due out in the coming months.\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39407186706512,"sku":"9781638487913","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2105142847.jpg?v=1621823683"},{"product_id":"sketchbook-ii-a-midsummer-night-s-dream-by-rita-ackermann","title":"SKETCHBOOK II (A MIDSUMMER NIGHT'S DREAM) by Rita Ackermann","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cmeta charset=\"UTF-8\"\u003eハンガリー人アーティスト、リタ・アッカーマン（Rita Ackermann）の作品集。本書は作者と出版社の間で共有された完璧な「アーティストブック」を作るというアイデアから制作された。スケッチブックはまずオブジェクトとしてデザインされ、次にプロセスが詰め込まれた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e『\u003c\/span\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eSketchbook\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003c\/span\u003eII (A Midsummer Night's Dream)\u003c\/em\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e』では、\u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eアメリカ合衆国やドイツで活躍したユダヤ系オーストリア人映画監督、マックス・ラインハルト（\u003c\/span\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eMax Reinhardt\u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e）が1935年に製作した映画「\u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eA Midsummer Night’s Dream\u003c\/em\u003e」からインスピレーションを得ている。2020年の夏に、この象徴的な名作を再演しようという熱烈なアイデアがほんのわずかにあった。最初のページは、映画への直接的な言及、あるいは将来の制作のためのメモとして読めるが、\u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eこのような具体的なアプローチは、次のページではすぐに消えてしまい、イラストの要素は、「\u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eA Midsummer Night’s Dream\u003c\/em\u003e」というタイトルの下で、いつでも、どこでも、何でも、自由に連想できるようになっていった。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e \u003cstrong data-mce-fragment=\"1\"\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eRita Ackermann \u0026amp; Andro Wekua: Chapter 4\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2021年5月1日（土）- 7月31日（土）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e*会期延長\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：11:00-19:00\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e休廊日：日・月\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e・祝\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：ファーガス・マカフリー 東京\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/fergusmccaffrey.com\/exhibition\/rita-ackermann-andro-wekua-chapter-4\/\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003ca href=\"https:\/\/fergusmccaffrey.com\/exhibition\/rita-ackermann-andro-wekua-chapter-4\/\" data-mce-fragment=\"1\" data-mce-href=\"https:\/\/fergusmccaffrey.com\/exhibition\/rita-ackermann-andro-wekua-chapter-4\/\" target=\"_blank\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/a\u003eAmerican Art Catalogues presents \u003cem\u003eSketchbook I (For Mama)\u003c\/em\u003e and \u003cem\u003eSketchbook II (A Midsummer Night’s Dream)\u003c\/em\u003e, by Rita Ackermann. Birthed from an objective shared between artist and publisher, the idea of creating the perfect “artist book”,\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003ethe sketchbooks were designed first as objects, and then filled with process. \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eSketchbook II (A Midsummer Night’s Dream\u003c\/em\u003e), was inspired by Max Reinhardt’s film, \u003cem\u003eA Midsummer Night’s Dream\u003c\/em\u003e from 1935. For a brief moment there were vehement ideas to re-stage the iconic masterpiece during the summer of 2020. As the first pages could almost be read as direct references to the film or notes for future productions, this tangible approach quickly evaporates from the following pages and the illustrative elements gradually fade into free assocaitions to just about anything, anytime, anywhere, under the title “\u003cem\u003eA Midsummer Night’s Dream\u003c\/em\u003e”. These two facsimiles are the first in a series of five, with the remaining sketchbooks due out in the coming months.\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39407197651024,"sku":"9781638487920","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2105142860.jpg?v=1621825627"},{"product_id":"paintings-1996-2001-by-gerhard-richter","title":"PAINTINGS 1996–2001 by Gerhard Richter","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eドイツ人画家、ゲルハルト・リヒター（Gerhard Richter）の作品集。2001年9月から10月にかけて「Marian Goodman Gallery New York」で開催された展覧会「\u003cem\u003eNew Paintings, 1996-2001\u003c\/em\u003e」に伴い刊行された。ドイツ、クレーフェルトの「Kaiser Wilhelm Museum」で開催された展覧会『Gerhard Richter: Bilder 1999』での作品も一部収録。1996年から現在までに制作された抽象画やリアリズム作品約57点を収録。美術史家ベンジャミン・ブクロー（Benjamin Buchloh）によるテキストも掲載。英語版。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eゲルハルト・リヒター展\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2022年6月7日（火） - 10月2日（日）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e休館日：月曜日 ※7月18日、9月19日は開館、7月19日（火）、9月20日（火）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：10:00-17:00（金・土曜は10:00-20:00）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：東京国立近代美術館\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/richter.exhibit.jp\/\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2022年10月15日（土） - 2023年1月29日（日）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e休館日：月曜日 ※2023年1月9日は開館、2022年12月28日 - 2023年1月4日は休館\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：10:00-17:30\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：豊田市美術館\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.museum.toyota.aichi.jp\/exhibition\/gr_2022-23\/\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eThis new body of work includes abstract and realist works made between 1996 and the present. New paintings will be in the book, including a selection of works from his recent exhibition at the Kaiser Wilhelm Museum in Krefeld, Germany, Gerhard Richter: Bilder 1999. A catalogue, reproducing approximately fifty-seven new works in color, with a text by art historian Benjamin Buchloh, will be published on the occasion of this special exhibition. This will be the most recent show of Richter's work in the United States since his last solo exhibition at Marian Goodman in 1996.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"MARIAN GOODMAN GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39416517230672,"sku":"9780944219140","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_dc81baef-5db9-4eba-b261-124788a3dda6.jpg?v=1653618437"},{"product_id":"moo-by-tomoo-gokita","title":"MOO by Tomoo Gokita","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003e日本人アーティスト、五木田智央の作品集。2020年8月から9月にかけて「TAKA ISHII GALLERY（complex665）」で開催された展覧会「\u003cem\u003eMOO\u003c\/em\u003e」に伴い刊行された展覧会図録。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は、作者が同展に て発表したキャンバスにアクリル絵の具とパステルで多様な画題が描かれたペインティング作品と、展示風景にて構成されている。自らの技術やスタイルにとどまることなく、常に新たな領域へと挑戦し表現の幅を広げる作者のさらなる進化を窺い取ることができる1 冊。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e展覧会プレスリリースより：\u003cbr\u003eタカ・イシイギャラリーでは3年ぶり5度目となる本展では、国内では初めて、カラーのペインティング作品を発表いたします。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e五木田は作品集『\u003cem\u003eランジェリー・レスリング\u003c\/em\u003e』（2000年）を発表以降、木炭やインクで描いたドローイングや白黒のグワッシュで描いたペインティング作品などで多くの鑑賞者を魅了してきました。海外においても活躍の場を広げ高い評価を獲得しながらも、自らの技術やスタイルにとどまることなく、常に新たな領域へと挑戦し表現の幅を広げています。モノクロームの作品に加え、これまでに青色の単色で描いた作品、ステンシルを用いた作品、コラージュや立体作品など、豊かな視覚言語によって多くの作品を生み出してきました。本年に入ってからはカラーの作品を本格的に制作し、3月にイタリアで開催された個展は、カラー作品のみで構成された初めての展覧会となりました。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e本展「\u003cem\u003eMOO\u003c\/em\u003e」ではキャンバスにカラーのアクリル絵の具とパステルで制作した最新作のペインティング作品を発表いたします。五木田はこれまで、海外の古い雑誌や印刷物、写真などからインスピレーションを得て作品を制作してきました。今回発表する作品は、これまでと異なり参照元が存在せず、自らの記憶にあるイメージやこれまで描いてきた経験の蓄積、あるいは偶発的に生まれた形など様々な要因が交錯し合い、其々の絵画が現在の形に辿り着いています。柔らかな色調と独自のカラーパレットを用いて多様な画題が描かれた作品は、自由に軽やかな表現と豊かなテクスチャーを備え、作家のさらなる進化を窺い取ることができます。制作プロセスやマテリアルの変化によって、作品があらたな段階へと華麗に結実していく様は、同時に揺るぎなく作品の根底に存在する五木田の絵画の本質をいっそう際立たせ、見る者に印象強く語りかけます。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/funpalace.jp\/features\/4\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\"\u003e記事：Features | Tomoo Gokita: MOO\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/funpalace.jp\/features\/4\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\"\u003e五木田智央 × 鈴木聖  対談インタビュー（Fun Palace）\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e（Japanese \u0026amp; English text）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThis book features the exhibition “\u003cem\u003eMOO\u003c\/em\u003e” held in August 2020 at Taka Ishii Gallery, including Gokita’s works made in color with acrylics and pastels to address a variety of subjects as well as installation views. This introduces his style and technique which continues to evolve as he perennially pushes his practice in new directions.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003efrom Exhibition Press Release:\u003cbr\u003eTaka Ishii Gallery is pleased to present “\u003cem\u003eMOO\u003c\/em\u003e”, an exhibition of works by Tomoo Gokita from Aug 28 to Sep 26. This exhibition marks Gokita’s fifth solo presentation with Taka Ishii Gallery since his previous showing three years ago, and features, for the first time in Japan, new color paintings exclusively.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eSince the 2000 publication of his first book Lingerie Wrestling, Tomoo Gokita has won many fans with his acclaimed drawings and black and white gouache paintings. Gokita has also exhibited his works abroad to strong accolade. His style and technique continue to evolve as he perennially pushes his practice in new directions. Although he is best known for his black and white works, he has in fact employed a rich array of visual vocabulary to produce a variety of pieces including series of blue paintings, stenciled works, collages, and sculptures. From the start of 2020, Gokita has been making color paintings; his solo exhibition held in Italy in March consisted exclusively of color works.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThe exhibition “\u003cem\u003eMOO\u003c\/em\u003e” will feature Gokita’s latest works made in color on canvas with acrylics and pastels. In the past, Gokita’s works were inspired by old foreign magazines, photographs, and other printed matter. The latest works featured in this exhibition have no reference. Their imagery is based instead on crossings between the artist’s experience and memory and forms created by chance. In these new pieces, Gokita uses a soft tone and unique palette to address a variety of subjects. The paintings combine seemingly effortless expression and rich textures to suggest an evolutionary step in the artist’s oeuvre. The fruitful transformations that Gokita gracefully achieves by altering material and process also highlight the unwavering essence of his practice. We sincerely hope that you will take this opportunity to view Gokita’s very impressive latest series of works.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"TAKA ISHII GALLERY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39443780763728,"sku":"","price":5500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/moo_01.jpg?v=1625039205"},{"product_id":"5-poltergeist-ii-drawings-1983-1985-by-h-r-giger","title":"5 – POLTERGEIST II: DRAWINGS 1983-1985 by H.R.Giger","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eスイス人アーティスト、H・R・ギーガー（H. R. Giger）の作品集。作者が映画『\u003cem\u003eポルターガイスト2\u003c\/em\u003e』（1986, ブライアン・ギブソン（Brian Gibson）監督）に関わっていた際のスケッチブックを複製した一作。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者は、映画『\u003cem\u003eエイリアン\u003c\/em\u003e』（1979, リドリー・スコット（Ridley Scott）監督）にてクリーチャーデザインを手がけたことにより、ハリウッドでのオカルト的ホラー作品やSF作品において確固たる地位を築き上げた。その当時の日記を複製、書籍化した『\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/products\/alien-diaries-by-h-r-giger\" data-mce-href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/products\/alien-diaries-by-h-r-giger\"\u003eALIEN DIARIES\u003c\/a\u003e\u003c\/em\u003e』（2013 \/ 初版, EDITION PATRICK FREY）でもその詳細を見ることができる。その後、『\u003cem\u003eポルターガイスト2\u003c\/em\u003e』で幽霊のデザインを担当。ロンドン近郊の映画スタジオ「シェパートン・スタジオ（Shepperton Studios）」で制作した『\u003cem\u003eエイリアン\u003c\/em\u003e』とは異なり、チューリッヒから遠隔で携わり、マーク・ヴィクター（Mark Victor）とマイケル・グレイス（Michael Grais）の脚本をベースにエアブラシで描き上げた「クリーチャー」をエアメールでロサンゼルスまで送ることで進行された。しかし、現場に作者が不在であることに加え、監督やスタジオとの誤解や行き違い、制作予算の不足により、最初に設定画として描かれていたミステリアスな暗さや、クリーチャーが変形していく可塑性が削がれ、セルロイド上でフラットなものとなって仕上がり、いかにも作りものらしいB級映画に出てくる安っぽいモンスターになってしまった。作者が出したサイケデリックなスケッチでは、ミミズのような幽霊がグロテスクなドワーフ（小人）に変化し、ギリシア神話のゴルゴンが魂を貪り喰ったような「The Great Beast」と名付けられた怪物へと変身していくようすが描かれていた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は、オリジナルのスケッチブックと同じサイズで作られ、表紙から背表紙、中身も現物を複写して忠実にそのまま再現されている。背に書かれたタイトル「ポルターガイスト」の綴りは誤っているが、作者がスペルを間違えてスケッチブックに書いてしまった状態をそのまま採用。135点のドローイングに加え、ブライアン・ギブソン監督に向けた疑問や提案が書かれた手紙の下書きが収録されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThanks to his work on the iconic creature for the film \u003cem\u003eAlien\u003c\/em\u003e (Ridley Scott, 1979)—a detailed account of which is given in his \u003ca href=\"https:\/\/www.twelve-books.com\/products\/alien-diaries-by-h-r-giger\"\u003e\u003cem\u003eAlien Diaries\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e (2013, first edition, Edition Patrick Frey)—H. R. Giger was firmly established in Hollywood’s supernatural horror and science fiction genres. Giger went on to design all the ghosts for \u003cem\u003ePoltergeist II: The Other Side\u003c\/em\u003e (Brian Gibson, 1986). Unlike his work on Alien on the set at Shepperton Studios in England, Giger collaborated on the movie remotely from Zürich, basing his creatures on Michael Grais and Mark Victor’s screenplay and airmailing the airbrushed designs to Los Angeles. Due to his absence as well as misunderstandings with the director and the studio and a meager production budget, the dark inscrutability and amorphous plasticity of Giger’s initial shape-shifting sketches ended up falling flat on celluloid, coming to resemble cheap-looking monsters in a campy B-movie. Giger’s in some cases psychedelic sketches were designed as sequences showing the metamorphosis of a worm-like ghost into a grotesque dwarf that ultimately morphs into a soul-devouring Gorgon-like monster called “The Great Beast”. \u003cem\u003ePoltergeist II—Skizzen 1983–1985\u003c\/em\u003e is a facsimile edition of Giger’s original sketchbook, containing 135 of his remarkable drawings as well as drafts of letters expressing doubts and suggestions to director Brian Gibson.\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION PATRICK FREY","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39447032561744,"sku":"9783907236208","price":16170.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/poltergeist-ansicht_dc119d92-fc4e-418b-a05d-6dc18f1941ad.jpg?v=1626325952"}],"url":"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/art-special-discount-2026.oembed?page=7","provider":"twelvebooks","version":"1.0","type":"link"}