{"title":"AMERICAN ART CATALOGUES","description":"\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eAmerican Art Catalogues is an artist publishing initiative based in New York City.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eServing as testaments to individual bodies of artwork, each project is created in close collaboration with the artists themselves, and approach their subject matter with an archivist’s sensibility, to produce practical objects of reference.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eIn addition to catalogue \u0026amp; edition publishing, American Art Catalogues offers its design and production services to galleries, artists, and institutions.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eAmerican Art Catalogues is located at 56 East 4th Street, and is open by appointment.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/americanartcatalogues.com\/\"\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003ePublisher's website\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003c\/p\u003e","products":[{"product_id":"paintings-by-joe-brainard","title":"PAINTINGS by Joe Brainard","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eアメリカ人アーティスト、ジョー・ブレイナード（Joe Brainard）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cspan class=\"s1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003e「\u003cem\u003e自分の作品に \"by Joe \"とサインしていたのを覚えている\u003c\/em\u003e。」ー\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eジョー・ブレイナード\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e作者はコラージュ、アッサンブラージュ、詩、イラストレーション、ペインティングなど様々なメディアを用いた複合的な活動で知られている。本書では、1966年から1978年までの画家としての作者の活動に焦点を当てた38点の作品を掲載。友人であるアメリカ人アーティストのフェアフィールド・ポーター（Fairfield Porter）と交わした手紙や、同じくアメリカ人アーティストのアレックス・ダ・コルテ（Alex Da Corte）が新たに書き下ろした詩『\u003cem\u003eThe Language of Flowers\u003c\/em\u003e』を収録。 \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eI Remember when I used to sign my paintings “by Joe.”\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003eAmerican Art Catalogues presents Joe Brainard: Paintings. Joe Brainard (1942-1994) was an artist known for his multidisciplinary practice, working in a variety of mediums such as collage, assemblage, poetry, illustration, and painting. This catalogue, which features a collection of 38 works, focuses on Joe as a painter from 1966 to 1978. Supported by letters exchanged with artist and friend Fairfield Porter, and a newly commissioned poem, The Language of Flowers by Alex Da Corte.\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39397228478544,"sku":"","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2104160341.jpg?v=1621158448"},{"product_id":"the-world-the-flesh-and-the-devil-by-marianne-vitale","title":"THE WORLD THE FLESH, AND THE DEVIL by Marianne Vitale [SIGNED]","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eアメリカ人現代アーティスト、マリアンヌ・ヴィターレ（Marianne Vitale）の作品集。第一次世界大戦中にフランスに建設されたアメリカの病院の歴史が作品のテーマとなっている。サヴネ市（\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eSavenay\u003c\/span\u003e）、ペイ・ド・ラ・ロワール地域圏（DRAC Pays de la Loire）の支援のもと、フランスのカルチャーセンター、Mosquito Coast Factoryによって開始、制作された。本プロジェクトは「\u003cem\u003eWorthies\u003c\/em\u003e」（サヴネ市マビレ渓谷ダム付近の常設作品 \/ 2018）、「\u003cem\u003eAmputations\/Resurrections\u003c\/em\u003e」（カンボン市モスキートコースト工場での展示 \/ 2019）、「\u003cem\u003eThe World, the Flesh and the Devil\u003c\/em\u003e」（サヴネ市クーヴン・デ・コルデリエでの展示 \/ 2020）の三部作で構成されたている\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003eThe World, the Flesh and the Devil presents a project developed by the American artist Marianne Vitale around the history of an American hospital built in France during the First World War. This project was initiated and produced by Mosquito Coast Factory, with the support of the city of Savenay, DRAC Pays de la Loire, the Conseil Régional des Pays de la Loire, the Loire-Atlantique Department, and SCI Stergann. It has three parts: \u003cem\u003eWorthies\u003c\/em\u003e, permanent installation near the Mabile Valley dam, Savenay, (2018); \u003cem\u003eAmputations\/Resurrections\u003c\/em\u003e, exhibition at Mosquito Coast Factory, Campbon (2019); \u003cem\u003eThe World, the Flesh and the Devil\u003c\/em\u003e, exhibition at the Couvent des Cordeliers, Savenay, (postponed from March 2020 until further notice).\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39397254135888,"sku":"9781648718946","price":5500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2104160330.jpg?v=1621157509"},{"product_id":"occult-science-by-dylan-solomon-kraus","title":"OCCULT SCIENCE by Dylan Solomon Kraus [SIGNED]","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eアメリカ人アーティスト、ディラン・ソロモン・クラウス（Dylan Solomon Kraus）の作品集。本書は、同年に刊行された2015年から2019年までの作者の作品を纏めた同名の初作品集『\u003cem\u003eOCCULT SCIENCE\u003c\/em\u003e』（絶版）の増補版。ロンドンのアートギャラリー「Mamoth Contemporary」での個展「\u003cem\u003eThat Which Reveals Itself to Those It May Concern\u003c\/em\u003e」に際して300部限定で発行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOut now: the second expanded edition of \u003cem\u003eOccult Science\u003c\/em\u003e by Dylan Solomon Kraus. Published in an edition of 300 on the occasion of his solo show, That Which Reveals Itself to Those It May Concern at Mamoth Contemporary, the expanded edition includes a selection of new works from Kraus.\u003cbr\u003e\u003cspan class=\"s1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39397259247696,"sku":"9781636251226","price":7480.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2104160349.jpg?v=1621158909"},{"product_id":"1969-redux-by-bob-nickas","title":"1969 (REDUX) by Bob Nickas [SIGNED]","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eアメリカ人キュレーターであり評論家の Bob Nickas（ボブ・ニッカス）による作品集。作者が1969年の個展と1991年にニューヨークの「Daniel Newburg Gallery」で開催した展覧会の際にコピー機で制作し、長らく絶版となっていたカタログを再現した1冊。単なる複製ではなく、作者自身が書き下ろした詳細なエッセイに加え、作者のイメージコレクションからオリジナル版には使われなかった素材を収録。限定150部発行、カバーには手作業でスタンプが押されている。最初の69部は著者のサインとシリアルナンバー入り。社会が大きく変化し不安に満ちていた時代に、反対意見の表明は不均衡を正し、世界を再び正常な状態に戻すための手段と考えられていたのかもしれない。1969年で終ったとはいえ、あの激動の10年の余波が突然消えてしまう訳はなかった。より大きな社会という分脈において時代の区切りとは単なる数字上の問題に過ぎない。大みそかのカウントダウンのようなもので、これから起きることへの期待と終わったことへの安堵感、あるいは一見楽観的な雰囲気の中でクライマックスに向けて盛り上がっていったとしても、実際に流れた時間はそれほどでもないのである。1969年12月31日と1970年1月1日の差はほんの数秒。それはどの新年でも同じで、目で見てすぐに分かる変化といえばキッチンの壁にかかっているカレンダーくらいのものである。しかし、少なくとも振り返ってみれば特別な1年だった1969年も、退屈しきった当時の若者にとっては代わり映えのしない1年だった。ザ・ストゥージズのファーストアルバムがリリースされた年をタイトルに掲げたイギー・ポップの「1969」は、政府への不満をスローガンに変えた。物憂げかと思えばキレッキレのギターがノリのいいバンドのグルーヴをかき消し、歌うというよりもつぶやいているような感情の起伏を抑えたボーカルが最後には激しくシャウトし、侮蔑的な音を長々と出して終わる。イギー・ポップらしい破天荒なパンクぶりだ。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e「\u003cem\u003e1969年。アメリカ中にまた新しい年がやってきた。俺にもお前にも、何もすることのない1年が\u003c\/em\u003e」-ザ・ストゥージズ「1969」\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAmerican Art Catalogues is pleased to announce 1969 (redux) by Bob Nickas. This is a facsimile of the long out-of-print xerox catalogue he published on the occasion of his show 1969, at Daniel Newburg Gallery in New York in 1991. More than a facsimile, there is a new in-depth essay by Nickas, and visual material collected at the time that was not used for the original publication. Printed in an edition of 150, with a hand-stamped cover, the first 69 copies will be numbered and signed by the author. Preorders available through our website next week.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eIn a period of seismic disturbance within the society, dissent could be seen as a means to redress imbalance, to put the world right again. Although a decade had come to an end in 1969, its turbulence would not suddenly subside. Against the larger social landscape, time-keeping was no more than a matter of numeration, as with a countdown on New Year’s Eve, its volume rising equally in an expectation for what was to come as in relief for what was jettisoned, or in a buoyant state only seemed to be, for even the distance traveled was not very far. December 31, 1969 and January 1, 1970 were only seconds apart. As with any year’s passing, the immediately noticeable change would be the calendar on the kitchen wall. But 1969, at least in hindsight, wasn’t just any year, although to some in the moment, to bored and disaffected youth, it was. Iggy Pop’s song, “1969,” which definitively dated the release of the first Stooges album, turned disaffection into a rallying cry, the band’s hip-shake groove offset by an alternately languid, razor sharp guitar, and an impassively delivered vocal, more spoken than sung, that ends in a heated snarl, a rude raspberry expelled for good measure—Iggy, a bratty punk to be sure.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eWell it’s 1969 okay \/ All across the USA It’s another year for me and you \/ Another year with nuthin’ to do.\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39397262786640,"sku":"9781649997418","price":5500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2104160357.jpg?v=1621159287"},{"product_id":"sketchbook-mama-by-rita-ackermann","title":"SKETCHBOOK I (FOR MAMA) by Rita Ackermann","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eハンガリー人アーティスト、リタ・アッカーマン（Rita Ackermann）の作品集。本書は作者と出版社の間で共有された完璧な「アーティストブック」を作るというアイデアから制作された。スケッチブックはまずオブジェクトとしてデザインされ、次にプロセスが詰め込まれた。『\u003cem\u003eSketchbook I (For Mama)\u003c\/em\u003e』には、作者の近年のペインティング・シリーズ「\u003cem\u003eMama\u003c\/em\u003e」の基礎となるもので、これらの大規模なペインティングに見られる人物、構図、線が収録されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cstrong data-mce-fragment=\"1\"\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eRita Ackermann \u0026amp; Andro Wekua: Chapter 4\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2021年5月1日（土）- 7月31日（土）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e*会期延長\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：11:00-19:00\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e休廊日：日・月\u003c\/span\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e・\u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e祝\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：ファーガス・マカフリー 東京\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/fergusmccaffrey.com\/exhibition\/rita-ackermann-andro-wekua-chapter-4\/\" data-mce-fragment=\"1\" target=\"_blank\" data-mce-href=\"https:\/\/fergusmccaffrey.com\/exhibition\/rita-ackermann-andro-wekua-chapter-4\/\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eAmerican Art Catalogues presents \u003cem\u003eSketchbook I (For Mama)\u003c\/em\u003e and \u003cem\u003eSketchbook II (A Midsummer Night’s Dream)\u003c\/em\u003e, by Rita Ackermann. Birthed from an objective shared between artist and publisher, the idea of creating the perfect “artist book”, the sketchbooks were designed first as objects, and then filled with process. \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eSketchbook I (For Mama\u003c\/em\u003e), features the foundations for Ackermann’s recent painting series, \u003cem\u003eMama\u003c\/em\u003e. Figures, compositions, and lines found in these large scale paintings can be identified within the spreads of this sketchbook. These two facsimiles are the first in a series of five, with the remaining sketchbooks due out in the coming months.\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39407186706512,"sku":"9781638487913","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2105142847.jpg?v=1621823683"},{"product_id":"sketchbook-ii-a-midsummer-night-s-dream-by-rita-ackermann","title":"SKETCHBOOK II (A MIDSUMMER NIGHT'S DREAM) by Rita Ackermann","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cmeta charset=\"UTF-8\"\u003eハンガリー人アーティスト、リタ・アッカーマン（Rita Ackermann）の作品集。本書は作者と出版社の間で共有された完璧な「アーティストブック」を作るというアイデアから制作された。スケッチブックはまずオブジェクトとしてデザインされ、次にプロセスが詰め込まれた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e『\u003c\/span\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eSketchbook\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003c\/span\u003eII (A Midsummer Night's Dream)\u003c\/em\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e』では、\u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eアメリカ合衆国やドイツで活躍したユダヤ系オーストリア人映画監督、マックス・ラインハルト（\u003c\/span\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eMax Reinhardt\u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e）が1935年に製作した映画「\u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eA Midsummer Night’s Dream\u003c\/em\u003e」からインスピレーションを得ている。2020年の夏に、この象徴的な名作を再演しようという熱烈なアイデアがほんのわずかにあった。最初のページは、映画への直接的な言及、あるいは将来の制作のためのメモとして読めるが、\u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eこのような具体的なアプローチは、次のページではすぐに消えてしまい、イラストの要素は、「\u003c\/span\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eA Midsummer Night’s Dream\u003c\/em\u003e」というタイトルの下で、いつでも、どこでも、何でも、自由に連想できるようになっていった。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e \u003cstrong data-mce-fragment=\"1\"\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eRita Ackermann \u0026amp; Andro Wekua: Chapter 4\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2021年5月1日（土）- 7月31日（土）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e*会期延長\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：11:00-19:00\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e休廊日：日・月\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e・祝\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：ファーガス・マカフリー 東京\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/fergusmccaffrey.com\/exhibition\/rita-ackermann-andro-wekua-chapter-4\/\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003ca href=\"https:\/\/fergusmccaffrey.com\/exhibition\/rita-ackermann-andro-wekua-chapter-4\/\" data-mce-fragment=\"1\" data-mce-href=\"https:\/\/fergusmccaffrey.com\/exhibition\/rita-ackermann-andro-wekua-chapter-4\/\" target=\"_blank\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/a\u003eAmerican Art Catalogues presents \u003cem\u003eSketchbook I (For Mama)\u003c\/em\u003e and \u003cem\u003eSketchbook II (A Midsummer Night’s Dream)\u003c\/em\u003e, by Rita Ackermann. Birthed from an objective shared between artist and publisher, the idea of creating the perfect “artist book”,\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003ethe sketchbooks were designed first as objects, and then filled with process. \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eSketchbook II (A Midsummer Night’s Dream\u003c\/em\u003e), was inspired by Max Reinhardt’s film, \u003cem\u003eA Midsummer Night’s Dream\u003c\/em\u003e from 1935. For a brief moment there were vehement ideas to re-stage the iconic masterpiece during the summer of 2020. As the first pages could almost be read as direct references to the film or notes for future productions, this tangible approach quickly evaporates from the following pages and the illustrative elements gradually fade into free assocaitions to just about anything, anytime, anywhere, under the title “\u003cem\u003eA Midsummer Night’s Dream\u003c\/em\u003e”. These two facsimiles are the first in a series of five, with the remaining sketchbooks due out in the coming months.\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39407197651024,"sku":"9781638487920","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2105142860.jpg?v=1621825627"},{"product_id":"rita-ackermann-tote-bag-by-rita-ackermann","title":"RITA ACKERMANN TOTE BAG by Rita Ackermann","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eハンガリー人アーティスト、リタ・アッカーマン（Rita Ackermann）のトートバッグ。作品集『\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/sketchbook-mama-by-rita-ackermann\"\u003e\u003cem\u003eSKETCHBOOK I (FOR MAMA)\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e』シリーズのアートワークがシルクスクリーンでプリントされている。2021年6月に開催される企画に伴い、ニューヨークに拠点を置く現代美術出版社「アメリカン・アート・カタログ（AMERICAN ART CATALOGUES）」により制作された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eRita Ackermann \u0026amp; Andro Wekua: Chapter 4\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e会期：2021年5月1日（土）- 7月31日（土）\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e*会期延長\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e時間：11:00-19:00\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e休廊日：日・月・祝\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e開催場所：ファーガス・マカフリー 東京\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003ca href=\"https:\/\/fergusmccaffrey.com\/exhibition\/rita-ackermann-andro-wekua-chapter-4\/\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eCotton canvas with artwork from Rita Ackermann's '\u003cem\u003e\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/sketchbook-mama-by-rita-ackermann\"\u003eSKETCHBOOK I (FOR MAMA)\u003c\/a\u003e,\u003c\/em\u003e' produced by AMERICAN ART CATALOGUES.\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39420593012816,"sku":"","price":3850.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/AAC_RITA-BAG_bad428e4-eb5f-42d3-86b5-82d5a508b0fa.jpg?v=1622461019"},{"product_id":"zoe-by-will-sheldon-charlie-fox","title":"ZOE by Will Sheldon, Charlie Fox","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティストのウィル・シェルドン（Will Sheldon）とイギリス人ライターでありアーティストのチャーリー・フォックス（Charlie Fox）による作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e2020年にシェルドンが制作した絵画とドローイング19点とフォックスの書き下ろし短編を収録。アウトサイダーアーティストのヘンリー・ダーガー（Henry Darger）を思わせるシェルドンの想像の世界に着想を得たフォックスは、「蝙蝠の耳と羽、グリッターで輝くかぎ爪」を持つ放火魔 「ゾーイ（ZOE）」 を主人公とするおとぎ話を書き上げた。本作は、熱に浮かされた夏の夢のように、汗を流すことや、恐怖や好奇心をかき立てる存在を受け入れることは良いことだということを思い出させてくれる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe edition features 19 paintings and drawings assembled in 2020 by Sheldon, and a newly commissioned short story by Fox. Fox’s fairytale uses Sheldon’s Darger-esque landscapes and imagery to conjure the tale of our “bat-eared and winged with glitter-encrusted claws” pyromaniac heroine ZOE. Printed in a limited edition of 300, ZOE is a summer fever dream; a reminder that it’s cool to sweat, and to embrace that which frights and excites us.\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39551999901776,"sku":"","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/2109173726.jpg?v=1634697857"},{"product_id":"norwegian-wood-by-brook-hsu","title":"NORWEGIAN WOOD by Brook Hsu","description":"\u003cp\u003e台湾系アメリカ人アーティスト、ブルック・スー（Brook Hsu）の作品集。本書は村上春樹の1987年に刊行された小説「\u003cem\u003eノルウェイの森\u003c\/em\u003e」英語版初版の形式とタイトルを引用している。全3部構成となり、第1部と第2部にあたる2冊では、2013年から2021年の間に制作された94作品の中からセレクトした作品を掘り下げ、その一連の作品を振り返ることでそれぞれが補完しあえるようにデザインされている。3冊目にはキュレーターのアマンダ・シュミット（Amanda Schmitt）によるエッセイ、作家でありキュレーターのアレックス・ジェン（Alex Jen）による詩、そして作者自身によるテキストが収められている。スリップケースに収められた3冊は同時に観られることで、作者の画家としての活動を広く紹介できるだけでなく、過去と未来、愛と喪失、始まりと終わりを体現する役割を果たす。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eNorwegian Wood\u003c\/em\u003e takes its form and title from the first edition English printing of Haruki Murakami’s 1987 novel. Assembled in three parts, Book I and II, designed as companions to one another, are reflections of themselves that survey a selection of 94 works from 2013 to 2021. The third, a booklet that houses a commissioned essay by Amanda Schmitt, a poem from Alex Jen, and a new text by Hsu.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThe three volumes arrive entombed in a stamped slipcase, and are encouraged to be exhumed together, and explored concurrently. \u003cem\u003eNorwegian Wood\u003c\/em\u003e serves not only as an expansive reference of Hsu’s practice (thus far) as a painter, but as an embodiment of past and future; love and loss, a beginning and an end.\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39565913292880,"sku":"","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_b12a7f0f-d770-4bc8-ae46-32951ec0e46f.jpg?v=1641797670"},{"product_id":"slugs-by-rose-salane","title":"SLUGS by Rose Salane","description":"\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan\u003eニューヨークを拠点に活動するアメリカ人アーティスト、ローズ・サレーヌ（Rose Salane）の作品集。「ニューヨーク州都市交通局（New York Metropolitan Transit Authority \/ 通称：MTA）」がオークションで出品した、ニューヨークの通勤客が精算機のシステムを騙すために使う『偽造コイン（＝スラッグ）』を作者が購入し、集めたものをまとめた一冊。作者は、個人やオークション、ネットから入手した物を使ってニューヨークの物語を紡ぐ。\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan\u003e「\u003c\/span\u003e\u003cem\u003e2020年2月11日、アセット・リカバリーのオークションで出品された64,000枚の『スラッグ』が入った17袋を、私が落札したとの連絡をMTAから受けた。アセット・リカバリー事業部によると、これらのスラッグは2017年から2019年の間に貯められたもので、バスの運賃を支払うために通勤客が使用した。偽造コインのコレクションを引き受けてから、反復的なパターンに基づき一握りのコインを篩い分けたときに現れた、『信仰（宗教的な記念品や祈りトークン）』、『場（行き先・記念品・入場時に必要なトークン）』、『チャンス（ゲームセンター、カジノ・トークン）』、『模倣（おもちゃのお金・偽造コイン）』、『空白（電池・座金・金物）』といった５つのカテゴリーに分類した。私は、そのコインの情報をもとに、コインを持っていた通勤客に属する歴史をランダムに書き起こしている。それぞれのコインはこの機関を通りすぎる人々が経験した時間、場所、移動の断片の連続が刻み込まれています。このアーカイブは、世界の中で最も厳しく、多様な連絡窓口の一つである場所を日々行き来し、貢献するニューヨークの通勤者に捧げる。\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e」―ローズ・サレーヌ\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan\u003e“\u003c\/span\u003e\u003cem\u003eOn February 11, 2020 I received notification from the NYC Metropolitan Transit Authority that it had accepted my Asset Recovery Auction bid for seventeen bags containing 64,000 “slug” coins. The MTA’s Asset Recovery Division claimed these slugs had been accumulated during the years 2017-2019 and were used by commuters to pay for bus fares. Since receiving this collection of counterfeit currency, I have organized the slugs into five categories based on the repetitive patterns of Faith, Place, Chance, Imitation and Blank that were present in every sifted handful. The information on the coins has led me to transcribe a random selection of histories, specific to the commuters that held them. Each coin marks a succession of fragments in time, place and movement experienced by individuals as they passed through the system.\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eThis archive is dedicated to those who created it — the commuters of New York City, who on a daily basis circulate in and contribute to one of the most rigorous and diverse contact points in the world.\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e” – Rose Salane\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39697668112464,"sku":"9798885898218","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_e8c23da9-d013-424a-b621-19b2b2448670.jpg?v=1755592109"},{"product_id":"sketchbook-iii-7581-by-rita-ackermann","title":"SKETCHBOOK III (7581) by Rita Ackermann","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eハンガリー人アーティスト、リタ・アッカーマン（Rita Ackermann）の作品集。本シリーズは、作者と出版社の間で共有された完璧な「アーティストブック」を作るというアイデアから制作された。スケッチブックはまずオブジェクトとしてデザインされ、次にプロセスが詰め込まれている。本作は、同作者によるスケッチブックシリーズの第3作。『\u003cem\u003e7581\u003c\/em\u003e』はユダヤ暦（ヘブライ暦）の年を表しており、ユダヤ暦7581年（※註）の新年にあたるタイミングで作者が本書の制作を始めたことを表している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e※註 実際には5781の誤りである可能性が高い\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eSketchbook III (7581), the third installment of Ackermann's sketchbook series. 7581 refers to the Hebrew calendar of the new year, in which Ackermann begun her work on this sketchbook.\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39789777256528,"sku":"9798885898232","price":9900.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_777dd308-6eaa-45c2-aa7b-03987327ae84.jpg?v=1664959363"},{"product_id":"sketchbook-iv-frequencies-double-take-by-rita-ackermann","title":"SKETCHBOOK IV (FREQUENCIES (DOUBLE TAKE)) by Rita Ackermann","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eハンガリー人アーティスト、リタ・アッカーマン（Rita Ackermann）の作品集。本シリーズは、作者と出版社の間で共有された完璧な「アーティストブック」を作るというアイデアから制作された。スケッチブックはまずオブジェクトとしてデザインされ、次にプロセスが詰め込まれている。本作は、同作者によるスケッチブックシリーズの第4作。2020年3月に制作を開始した本作は、のちに作品を再訪・再考したことにより、予期せぬものに対して、最初に反応した直後の遅延反応といった意味を込めて、後で気づく・見直すという意味を持つ『\u003cem\u003eDouble Take\u003c\/em\u003e』というタイトルが付けられた。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eSketchbook IV (Frequencies (Double Take))\u003c\/em\u003e, the fourth installment of Ackermann's sketchbook series. Begun in March of 2020, this sketchbook was revisited, rethought, gaining the title Double Take: a delayed reaction to something unexpected, immediately after one's first reaction.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39789783711824,"sku":"","price":9900.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_ec1f7c87-363d-4667-9ba9-937a92e7c257.jpg?v=1665021573"},{"product_id":"sketchbook-v-twitchy-by-rita-ackermann","title":"SKETCHBOOK V (TWITCHY) by Rita Ackermann","description":"\u003cp data-mce-fragment=\"1\" class=\"p1\"\u003eハンガリー人アーティスト、リタ・アッカーマン（Rita Ackermann）の作品集。本シリーズは、作者と出版社の間で共有された完璧な「アーティストブック」を作るというアイデアから制作された。スケッチブックはまずオブジェクトとしてデザインされ、次にプロセスが詰め込まれている。本作は、スケッチブックシリーズ最終作となる第5作目。作者の長年のコラボレーターであり、友人でもある、アメリカ人映画監督の\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/harmony-korine\"\u003eハーモニー・コリン（Harmony Korine）\u003c\/a\u003eが本作の土台となっているドローイングを制作し、その作品群を作者により再構成している。本書の表紙には、コリン自身が作り上げたキャラクター「\u003cem\u003eTwitchy\u003c\/em\u003e」が描かれている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eSketchbook V (Twitchy)\u003c\/em\u003e, the fifth and final installment of Ackermann's sketchbook series. Long time collaborator and friend of Ackermann's Harmony Korine created a foundation of drawings for Ackermann to rework within the pages of this sketchbook. The cover bears \u003cem\u003eTwitchy\u003c\/em\u003e, a character created by Korine.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39789784203344,"sku":"9798885251273","price":9900.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_57416061-9835-4d59-8b13-30d9109f0674.jpg?v=1664959290"},{"product_id":"rita-ackermann-tote-bag-version-1-by-rita-ackermann","title":"RITA ACKERMANN TOTE BAG: VERSION 1 by Rita Ackermann","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eハンガリー人アーティスト、リタ・アッカーマン（Rita Ackermann）のトートバッグ。ニューヨークに拠点を置く現代美術出版社「アメリカン・アート・カタログ（AMERICAN ART CATALOGUES）」により制作された。作品集『\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/sketchbook-iii-7581-by-rita-ackermann\"\u003e\u003cem\u003eSKETCHBOOK III (7581)\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e』シリーズのアートワークがシルクスクリーンでプリントされている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eFeaturing artwork from \u003cem\u003eSketchbook III (7581)\u003c\/em\u003e. American Art Catalogues handwritten by Rita Ackermann. Limited edition of 100. Printed in New York.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39789784596560,"sku":"","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_b5733f2e-a6f9-4ea6-b8de-410f2763677d.jpg?v=1656563137"},{"product_id":"rita-ackermann-tote-bag-version-2-by-rita-ackermann","title":"RITA ACKERMANN TOTE BAG: VERSION 2 by Rita Ackermann","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eハンガリー人アーティスト、リタ・アッカーマン（Rita Ackermann）のトートバッグ。ニューヨークに拠点を置く現代美術出版社「アメリカン・アート・カタログ（AMERICAN ART CATALOGUES）」により制作された。作品集『\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/sketchbook-iii-7581-by-rita-ackermann\"\u003e\u003cem\u003eSKETCHBOOK III (7581)\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e』シリーズのアートワークがシルクスクリーンでプリントされている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003eFeaturing artwork from \u003cem\u003eSketchbook III (7581)\u003c\/em\u003e. American Art Catalogues handwritten by Rita Ackermann. Limited edition of 100. Printed in New York.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39789784924240,"sku":"","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_c8036576-dee0-4e27-beb7-02f1f341ae24.jpg?v=1656563792"},{"product_id":"rubber-pencil-devil-black-2021-by-alex-da-corte","title":"RUBBER PENCIL DEVIL (BLACK, 2021) by Alex Da Corte","description":"\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eアメリカ人アーティスト、アレックス・ダ・コルテ（Alex Da Corte）の作品集。\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e本書は、2018年に制作された57部作の映像作品「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eRubber Pencil Devil\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」をカタログ化しフリップブックの形で発表する現在も制作中のシリーズ第3作目である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eRubber Pencil Devil\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」は、昔のテレビの映像や20世紀のアニメーション、クィアの象徴や奇抜なアメリカ文化、風俗といった様々な象徴的、文化的な資料からインスピレーションを得た、高度に様式化された2時間40分の映像がループする作品である。人気のよく知られたキャラクターがゆっくりとした身振りで演じる映像は、催眠術のようですらある。これらの登場人物は、日常的なオブジェクトや家庭を象徴するシンボル、そして馴染みある規則で構成された飽和状態の世界に没入している。作者自身も映像内のパフォーマーの一人として演じており、様々な食べ物を模した人形やピンクパンサー、シルベスター・キャット、フレッド・ロジャース、悪魔といったアイコン的なキャラクターに扮している。作者によれば、「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eRubber Pencil Devil\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」は「総合芸術作品（Gesamtkunstwerk）」であり、映像、音楽、建築の要素を組み合わせ、観るものに没入型の体験を与える。前衛的なアーティスト、ポップ歌手、芸能人やマンガキャラクターへの示唆に富んだ作品である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e作者は、消費文化や美術史への深い知識を元にこれらを操り再利用することで、破壊的なユーモアと内省的な精神を持って、人間の欲望や疎外感をテーマとして探究している。知的かつ挑発的な、そして色彩豊かで不条理なファンタジーの世界は、現代における現実を批判的に捉えるだけではなく、規範的とされる権力システムの再構築、そして新しいアイデアと新しい始まりを創造することを試みている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書には、2021年アメリカの「ハーシュホーン博物館（Hirshhorn Museum）」で行われた、作者と同美術館チーフキュレーターを務めるカナダ人美術評論家、キュレーターのステファン・アキン（Stéphane Aquin）による、フランス人アーティストの\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/marcel-duchamp\"\u003eマルセル・デュシャン（Marcel Duchamp）\u003c\/a\u003eに関する対談の様子が収録されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eAlex Da Corte Fresh Hell　アレックス・ダ・コルテ　新鮮な地獄\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e会期：2023年4月29日（土）- 9月18日（月）\u003cbr\u003e休館日：月曜日、5月14日（日）、7月18日（火）※7月17日、9月18日を除く\u003cbr\u003e時間： 10:00-18:00\u003cbr\u003e開催場所：金沢21世紀美術館　展示室7〜12、14\u003cbr\u003e\u003ca rel=\"noopener noreferrer\" href=\"https:\/\/www.kanazawa21.jp\/data_list.php?g=17\u0026amp;d=1809\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\"I Can See the Whole Room . . . and There’s Nobody in It!\" – William Overgard, 1961\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAmerican Art Catalogues presents Rubber Pencil Devil, a new flipbook by Alex Da Corte.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eRubber Pencil Devil is the third in an ongoing series of flipbooks cataloging Da Corte's fifty-seven part film, Rubber Pencil Devil (2018).\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe flipbook features a conversation about Marcel Duchamp between Chief Curator at the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden Stéphane Aquin and Alex Da Corte, held at the Hirshhorn Museum on January 20, 2020.\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39819544658000,"sku":"9781639443185","price":3850.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_2270543a-311a-441e-8ead-f5dd8f49f8d3.jpg?v=1664343218"},{"product_id":"m-street-by-sylvia-snowden","title":"M STREET by Sylvia Snowden","description":"\u003cp\u003eアフリカ系アメリカ人画家、シルヴィア・スノーデン（Sylvia Snowden）の作品集。\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003e本書は、2021年にニューヨークの「フランクリン・パラッシュ・ギャラリー（Franklin Parrasch Gallery）」とロサンゼルスの「パラッシュ・ハイネン・ギャラリー（Parrasch Heijnen Gallery）」で同時開催された展覧会\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003eに伴い刊行された。\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003e\u003cbr\u003e本シリーズは、作者が1970年代後半に移り住んだワシントンのショー地区にある「Mストリート」において、作者が日々の生活の中で身近に感じていた人々のイメージに焦点を当てた作品群である。70年代半ば、ジェントリフィケーションやそれに伴う移住が進む中で、多くが失業や住宅を失うといった一時的な不安定を経験している近所の人々の生活に危機感を覚えた作者は、この人々が持つエネルギーに反応して本作を制作した。1988年、アメリカ人美術評論家のアリス・スーソン（Alice Thorson）は、シカゴを拠点とするアート批評誌『\u003cem\u003eNew Art Examiner\u003c\/em\u003e』に、今では重要なエッセイと見なされている「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003eSylvia Snowden: Engaging Expressionism\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003e」を寄稿した。その中でスーソンは、「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003e描く対象と同一であるという感覚が、作者の作品に類稀な説得力を与える。これほどまでに人間の心を深く覗き込み、そこにある秘密を明らかにすることに優れた画家は、ほとんどいない\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003e」と述べた。作者は、「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003eM Street\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\" data-mce-style=\"font-weight: 400;\"\u003e」の制作にあたり、描く人物の印象や個性に呼応するように描き、その存在そのものを尊重した。被写体の苦悩や生き抜く力の中に見られる純粋な高貴さは、作者の芸術が讃える人間が持った繊細な美しさ、そして力強さを物語る。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e本書には、展覧会で展示された全作品を収録。また、アイルランド人キュレーターのギャビン・デラハンティ（Gavin Delahunty）とヴァンダービルト大学（Vanderbilt University）で助教授を務めるレベッカ・ヴァンディバー（Rebecca VanDiver）が書き下ろしエッセイ、作者とアメリカ人画家のナサニエル・メリー・クイン（Nathaniel Mary Quinn）による対話の様子を収録している。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eSylvia Snowden’s \u003cem\u003eM Street\u003c\/em\u003e series is focused upon images of people she knew from her immediate surroundings in the Shaw neighborhood of Washington, D.C.. In the mid-1970s, in the midst of ongoing gentrification and displacement, Snowden felt the urgency of the lives of people she encountered in her neighborhood – many of whom were transient, unemployed, and\/or unhoused – and she responded to her perceptions of their energies in her work. In 1988, critic Alice Thorson wrote a now-essential essay, titled \u003cem\u003eSylvia Snowden: Engaging Expressionism\u003c\/em\u003e, for \u003cem\u003ethe New Art Examiner\u003c\/em\u003e in which she observed that “\u003cem\u003ea sense of identification with her subjects gives Snowden’s work a rare conviction. Few painters have peered so deeply into the human heart, or proved so adept at divulging its secrets.\u003c\/em\u003e” As Snowden created each of the M Street works, she responded to the impact and individuality of each person she chose to paint, honoring their presence. The dramas of Snowden’s subjects’ struggles, and the sheer grace of their ability to survive and thrive, references the strength of delicate beauty in the human figure that Snowden’s art celebrates.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThe catalogue features a text by curator Gavin Delahunty, a foreword by Franklin Parrasch, an interview with artist Nathaniel Mary Quinn, and an essay by Dr. Rebecca Van Diver.\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39819561566288,"sku":"","price":9900.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_193b4fcc-995f-4b49-98af-ef5be3c1d1a6.jpg?v=1665021831"},{"product_id":"bottle-people-by-marianne-vitale","title":"BOTTLE PEOPLE by Marianne Vitale","description":"\u003cp\u003eアメリカ人現代アーティスト、マリアンヌ・ヴィターレ（Marianne Vitale）の作品集。\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e本書は、2022年に開催されたヴェネチア・ビエンナーレ（Venice Biennale）にて作者が本作を展示したことに\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e伴い出版された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e作者は、橋、線路、貨物列車のエンジン、ダム、工場、廃屋といった、アメリカ産業の発展が産んだ亡霊とも言える素材からモニュメントを制作することで、現代における西洋社会の崩壊を痛烈に批判する。燃やしたり、壊したり、傷つけることで新たに作品を作り出されたこの作品群は、人々が進歩や発展のために放棄したモノや素材を通して自身の歴史を問い正すことを観るものに強要する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e本書は、このインスタレーションに登場する個々の彫刻作品をキャラクターとして扱っている。抽象的に作品が連続して掲載された形式をとっており、観るものが自ら物語を生み出し、これらの作品群に人間味を見出す可能性を与えている。本シリーズ\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eは、リカーの瓶を布で巻き、ブロンズで鋳造するという手法で制作されており、灰の大地から解き放たれた古代微生物の幻獣を表現している。浮遊しているかのように壁から吊り下げられた像は、苦悩、絶望、希望、そして歓喜を描いている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003ePublished on the occasion of the 2022 Venice Biennale, this catalogue surveys the individual characters (sculptures) featured in the installation.\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003ePublished on the occasion of the 59th art exhibition of La Biennale de Venezia, curated by Cecilia Alemani, \u003cem\u003eThe Bottle People\u003c\/em\u003e, a series of liquor bottles swaddled in fabric and cast in bronze, represent a transgressive bestiary of ancient microbial phantasms unleashed from the ashen earth. The catalogue takes an abstracted sequential form, allowing for self-driven narratives, and an opportunity for humanization of the casted bronze figures.\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39819570774096,"sku":"9798885257916","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_83ee2802-bd1b-44c7-b5a8-b9c4955d6eec.jpg?v=1665021979"},{"product_id":"tra-gli-alberi-among-the-trees-by-jonathan-monk","title":"TRA GLI ALBERI (AMONG THE TREES) by Jonathan Monk","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eイギリス人アーティスト、ジョナサン・モンク（Jonathan Monk）の作品集。\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e本書は、作者の作品シリーズ「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eSalvo Trees\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」をまとめた一冊。「サルヴォ」として知られるサルヴァトーレ・マンジオーネ（Salvatore Mangione）（1947年-2015年）はトリノに在住したイタリア人アーティストである。1960年代初期に絵画を描き始め、安価なポートレイト画、風景画、そしてレンブラントやゴッホの贋作を売って生計を立てていた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e本書には、同じようにして、サルヴォが描いた木や風景がさまざまな素材上に作者によって複製されている。本シリーズはA4紙にインクジェットで印刷されたサルヴォの絵から始まり、そこに作者がグワッシュ絵具や水彩絵具を乗せて単純化されたイタリアの風景を描いている。結果として、「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eSalvo Trees\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」は抽象的なフィールドに浮いているように見える。コンセプトの解釈はより広がりを見せ、キャンバスにプリントされたサルヴォの絵画をアクリルでなぞる作品へと繋がった。そしてこの作品群が初めて展示されたのはトリノにあるサルヴォの古いスタジオである。インクジェット印刷を続けるのち、「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eSalvo Trees\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」はファッション誌、広告や家具のカタログに現れ始め、作者はコラージュや現存のイメージの並列を元とする制作を追求していった。雑誌のトーンや被写体が、サルヴォの絵の複写のトーンを決めたと言える。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e作者によると、アーティストとはよく一つのアイディアや制作方法を思いつくと、それに固執しがちであると言う。本書は、ルールに従い、ルールを破るべきであるアーティストという存在の制作に対する信条となるのである。木一本につき印刷物は100ユーロ、キャンバスは500ユーロと、作品には妥当な価格がつけられている。（食事のレシートに作品を複製し、レシートに記載された価格で販売する作者の「\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/one-hundred-meals-between-rome-and-berlin-by-jonathan-monk\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003eレストラン・ドローイング（Restaurant Drawing）\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e」\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eを知っている者にとっては既にお馴染みの値付け方法である）。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e金のなる木はない\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」 – ジョナサン・モンク\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eTra Gli Alberi\u003c\/em\u003e is a compendium of Monk’s \u003cem\u003eSalvo Trees\u003c\/em\u003e series. Salvatore Mangione, known as Salvo (1947 - 2015), was an Italian artist who lived and worked in Turin. In the early 1960s he began painting and supported himself by selling low-priced portraits, landscapes and copies of Rembrandt and Van Gogh.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eMonk’s replication (in a similar fashion) of Salvo’s tree and landscape paintings is observed on a variety of surfaces. The series began with inkjet printed Salvo paintings on A4 paper (the start of the series), and intervening with gouache and watercolor, where Monk paints out the simplified Italian landscape leaving Salvo’s trees floating within an abstract field. Continued expansion of the concept lead to Salvo paintings printed on canvases, and remarked with acrylic (the first presentation of these was in Salvo’s old studio in Torino). Continuing with the inkjet prints, Salvo trees were reproduced on fashion editorials and advertisements, furniture catalogues, Monk further enforces the practice of collage and the juxtaposition of existing images (the tone or subjects of an editorial can dictate the tone of the reproduced Salvo painting).\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e \u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eArtists, according to Monk, tend to get an idea and mode of production and stick with it. \u003cem\u003eTra Gli Alberi\u003c\/em\u003e is a testament to the artists practice of rule following and rule breaking. The works are priced with logic (something not unfamiliar to followers of Monk’s Restaurant Drawings, where artworks are reproduced on meal receipts and sold for the price listed on said receipt); €100 per tree (printed works), €500 per tree (canvases).\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39985852055632,"sku":"","price":10780.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_099a8f80-bd85-4335-845a-f7edac3e9589.jpg?v=1678780637"},{"product_id":"rubber-pencil-devil-white-2021-by-alex-da-corte","title":"RUBBER PENCIL DEVIL (WHITE, 2021) by Alex Da Corte","description":"\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eアメリカ人アーティスト、アレックス・ダ・コルテ（Alex Da Corte）の作品集。\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e本書は、2018年に制作された57部作の映像作品「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eRubber Pencil Devil\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」をカタログ化しフリップブックの形で発表する現在も制作中のシリーズ第2作目である。（第3作目は\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/rubber-pencil-devil-by-alex-da-corte\"\u003eこちら\u003c\/a\u003e）\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eRubber Pencil Devil\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」は、昔のテレビの映像や20世紀のアニメーション、クィアの象徴や奇抜なアメリカ文化、風俗といった様々な象徴的、文化的な資料からインスピレーションを得た、高度に様式化された2時間40分の映像がループする作品である。人気のよく知られたキャラクターがゆっくりとした身振りで演じる映像は、催眠術のようですらある。これらの登場人物は、日常的なオブジェクトや家庭を象徴するシンボル、そして馴染みある規則で構成された飽和状態の世界に没入している。作者自身も映像内のパフォーマーの一人として演じており、様々な食べ物を模した人形やピンクパンサー、シルベスター・キャット、フレッド・ロジャース、悪魔といったアイコン的なキャラクターに扮している。作者によれば、「\u003c\/span\u003e\u003ci\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eRubber Pencil Devil\u003c\/span\u003e\u003c\/i\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e」は「総合芸術作品（Gesamtkunstwerk）」であり、映像、音楽、建築の要素を組み合わせ、観るものに没入型の体験を与える。前衛的なアーティスト、ポップ歌手、芸能人やマンガキャラクターへの示唆に富んだ作品である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e作者は、消費文化や美術史への深い知識を元にこれらを操り再利用することで、破壊的なユーモアと内省的な精神を持って、人間の欲望や疎外感をテーマとして探究している。知的かつ挑発的な、そして色彩豊かで不条理なファンタジーの世界は、現代における現実を批判的に捉えるだけではなく、規範的とされる権力システムの再構築、そして新しいアイデアと新しい始まりを創造することを試みている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書には、2019年7月1日にアメリカの「ホイットニー美術館（\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan\u003eWhitney Museum of American Art\u003c\/span\u003e）」で行われた、作者と同美術館キュレーターを務めるデイビッド・ブレスリン（David Breslin）による、「\u003cem\u003eInteractions of Color\u003c\/em\u003e」と題した対談が収録されている。\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEXHIBITION:\u003c\/strong\u003e\u003cem\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAlex Da Corte Fresh Hell　アレックス・ダ・コルテ　新鮮な地獄\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e会期：2023年4月29日（土）- 9月18日（月）\u003cbr\u003e休館日：月曜日、5月14日（日）、7月18日（火）※7月17日、9月18日を除く\u003cbr\u003e時間： 10:00-18:00\u003cbr\u003e開催場所：金沢21世紀美術館　展示室7〜12、14\u003cbr\u003e\u003ca rel=\"noopener noreferrer\" href=\"https:\/\/www.kanazawa21.jp\/data_list.php?g=17\u0026amp;d=1809\" target=\"_blank\"\u003e詳細\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003e\u003c\/em\u003e※本展は終了いたしました\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eI know there is a rainbow for me to follow\u003c\/em\u003e - Mariah Carey, 1999\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eProduced by American Art Catalogues, Alex Da Corte's new flipbook \u003cem\u003eRubber Pencil Devil\u003c\/em\u003e is the second in an ongoing series of flipbooks cataloguing Da Corte's fifty-seven part film, \u003cem\u003eRubber Pencil Devil\u003c\/em\u003e (2018).\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe flipbook features a conversation titled \u003cem\u003eInteractions of Colour\u003c\/em\u003e, between Director of Curatorial Initiatives at the Whitney Museum of American Art David Breslin and Alex Da Corte, held at the Whitney Museum on July 1st, 2019.\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39988867465296,"sku":"9781636844541","price":3850.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_dab77187-ed3d-46e2-9031-0d3c9f290b14.jpg?v=1670562630"},{"product_id":"occult-science-by-dylan-solomon-kraus-artists-edition","title":"OCCULT SCIENCE by Dylan Solomon Kraus [ARTIST EDITION]","description":"\u003cp class=\"p1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003eアメリカ人アーティスト、ディラン・ソロモン・クラウス（Dylan Solomon Kraus）の作品集。本書は、同年に刊行された2015年から2019年までの作者の作品を纏めた同名の初作品集『\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/products\/occult-science-by-dylan-solomon-kraus\"\u003e\u003cem\u003eOCCULT SCIENCE\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e』（絶版）のアーティスト・エディション版。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e※内容は通常版と同様、サインなし。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe artist's edition of \u003cem\u003eOccult Science\u003c\/em\u003e by Dylan Solomon Kraus. \u003cem\u003eOccult Science\u003c\/em\u003e observes of the artists’ evolution through painting from 2015 to 2019, presented in an anachronic order.\u003cbr\u003e\u003cspan class=\"s1\" data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":39992871682128,"sku":"","price":7480.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/00_df6a21df-adbe-43cc-95d3-431c8700c29c.jpg?v=1670575274"},{"product_id":"window-maker-by-phillip-gabriel","title":"WINDOW MAKER by Phillip Gabriel","description":"\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\n\u003cp\u003eニューヨークを拠点に活動するフィリピン系アメリカ人アーティスト、フィリップ・ガブリエル（Phillip Gabriel）の作品集。本作は、作者にとって初の作品集となる。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003e作者の絵画は、目が覚めたら微かな過去の感覚の軌跡や感情を残してするりと消え去っていく儚い夢のように、刹那的な一瞬を閉じ込めた入れ物となる。不機嫌そうに揺らぐ雲の風景、仮面を被った顔、金属のピンで固定された手足、そんな描写はどこか懐かしく、見たことのあるようなものでありながら、しかしその正体を突き止めることはできない。シンボリックな性質ではなく、その特異な不明瞭さによって選ばれ、まるで天空から摘み取られたようなイメージの欠片たち。それは象徴的な力をもつものではなく、ある特定の区別を行うために選ばれた断片なのである。どこから来たのかという情報は、必ずしも全体の構成に意味を与えるものではない。むしろ、由来という概念はより深い混乱を引き起こす。オリジナルのリファレンスとしてある絵をなぞるため、作者はYouTubeを含む多数のプラットフォームで刈り取った素晴らしき低解像度のスクリーンショットの数々を忠実にレンダリングする。オリジナルもまたコピーであり、不正にアップロードされた圧縮ファイルである可能性が高い。その大元は他のどこかで誰かが制作したコンテンツを収集したものにすぎない。参照画像の解像度を絵具で巧みに再構築することで、作者はデジタルな方法であれ、フィジカルな出版物であれ、そこを通したイメージを拡散、流通する方法を強調している。作者の制作は、イメージが作用しているある種の浮遊世界を示し、「夢や記憶の焦点が合ったり、外れたりしている… これらの絵は出たり消えたりする靄を通して見られる窓やスクリーンのよう」であることを気づかせる。\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003e作者は、既に印刷、配信や共有されているものなど、移動が生じるイメージを扱うが、それは必ずしも非歴史的な視点から制作を行なっているわけではない。作品は1970年代後半から始まった、一般的なメディアのイメージを用いることでそれらを批判し、そのイメージがどう社会に影響を与えているか問うたアプロプリエーション・アーティストを主体としたピクチャー・ジェネレーションに影響を受けている。\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003e美術史家であるダグラス・クリンプ（Douglas Crimp）は1977年のグループ展「ピクチャーズ（Pictures）」とそれに関連するエッセイの中でこのグループのアーティストを定義し、パフォーマーであるジャック・ゴールドスタイン（Jack Goldstein）の作品において「パフォーマンスは絵を『演出』する方法の一つにすぎない」と述べ、その中でも「ある出来事を、『そのような方法』と『そのような距離感』である表現として捉えられるように提示することである」と説明している。\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003e作者は参照画像の解像度に忠実であることで、自身の絵の中でイメージの表現を強調している。また、自身の作品が各イメージの舞台として機能していることをはっきりと表明している。作品構成の代表的な要素を包み込む幅広い色域は、一つのキャンバスに集められた互いに全く異なるイメージと、アーティストと主題の間のコンセプチュアルな距離の取り方を示唆している。黄色やマルーン、ロイヤルブルーなどの色彩は、イメージをまとめるというよりも、作者が自身で選び、表現したさまざまな要素を支える水平な舞台として機能している。\u003c\/em\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e－クリストファー・ルー（Christopher Lew）著『\u003cem\u003eStages\u003c\/em\u003e』より抜粋。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eLike a fleeting dream that escapes the mind upon waking, leaving just a glimmer of feeling or a trace of a past sensation, Phillip Gabriel’s paintings serve as a container for the evanescent. Moody cloudscapes, a masked face, and a limb stabilized by metal pins are familiar yet difficult to pin down, fragments of images plucked from the ether, selected for their specific indistinction rather than symbolic power. These are images that are seemingly agnostic to their sources. Where they come from does not necessarily contribute additional meanings to the overall compositions. In fact, the notion of a source generates further confusion. In keeping to his original reference images, Gabriel faithfully renders the low res glory of the screengrabs he makes from YouTube and other platforms. Here, the original is still a copy—likely a compressed file that has been illicitly uploaded—and the source is merely an aggregator of content created by others elsewhere. By meticulously recreating the resolution of the reference image through paint Gabriel emphasizes the mode in which images are distributed, whether that is by digital means or physical publication. His practice points to a kind of floating world in which images operate, and remind him of how “dreams or memories come in and out of focus, or consciousness… these paintings are like windows or screens, perceived through a haze that comes and go\u003c\/em\u003e.”\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eGabriel works with images on the move—ones that are printed, streamed, or shared—but that does not mean he operates from an ahistorical perspective. His work draws upon the Pictures generation of appropriation artists who, starting in the late 1970s, made use of and critiqued images from the media and how they impacted society. Douglas Crimp, who defined this group of artists through his 1977 group show Pictures and related essay, describes how in Jack Goldstein’s work, “performance becomes just one of a number of ways of ‘staging’ a picture” in which “the presentation of an event in such a manner and at such a distance that it is apprehended as representation”.2 Gabriel emphasizes the representation of images within his paintings by staying faithful to the high or low resolution of his references. He also makes explicit how his own work operates as a stage for pictures. The broad color fields that envelope the representative elements of his compositions suggest a conceptual distancing between the disparate imagery assembled on a single canvas and between the artist and subject matter. The swaths of yellow, maroon, or royal blue, do not so much help tie imagery together, but rather act as a level stage to support the different elements Gabriel has selected and rendered by hand.\u003c\/em\u003e – exerpt from Stages by Christopher Lew\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem\u003eWINDOW MAKER\u003c\/em\u003e is the first monograph published of Gabriel’s work.\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40084140949584,"sku":"9798885898423","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/products\/01_055df38f-d653-4df6-83c6-128e77457180.jpg?v=1678329233"},{"product_id":"the-unobtainable-chamber-by-stanislava-kovalcikova","title":"THE UNOBTAINABLE CHAMBER by Stanislava Kovalčíková","description":"\u003cp\u003eスロバキア人アーティスト、スタニスラヴァ・コヴァルチーコヴァー（Stanislava Kovalčíková）の作品集。過去9ヶ月の間に制作したもののうち、4点のインスタレーション作品を紹介する。研究者であり編集者、批評理論などを専門とするブレア・テイラー（Blair Taylor）によるエッセイと、作者による序文を収録。ラテックス製のスリーブ入り。折り込みポスター付き。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e作者は社会的な規格にとらわれていない人間や動物のキャラクターが住んでいる、夢の中のような奇妙なシナリオを描く。その絵画は、美術史の原則に沿い、しばしばティツィアーノ・ヴェチェッリオ（Tiziano Vecellio）、フランシスコ・デ・ゴヤ（Francisco de Goya）、ポール・ゴーギャン（Paul Gauguin）、フィンセント・ファン・ゴッホ（Vincent van Gogh）、エドゥアール・マネ（Édouard Manet）といった巨匠たちの作品を引用しながら、現代における賛否両論を引き起こすような問題について、現代的な視点と一貫して組み合わせて制作している。\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eAmerican Art Catalogues presents \u003cem\u003eThe Unobtainable Chamber\u003c\/em\u003e by Stanislava Kovalcikova. The catalogue illustrates four installations by the artist from the last nine months, and is accompanied by an essay by Blair Taylor, and a foreword by the artist.\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40416738574416,"sku":null,"price":15400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_350bb8e3-c92f-4bd1-9df9-e854ab1eecc0.jpg?v=1702202912"},{"product_id":"idler-by-arisa-yoshioka","title":"IDLER by Arisa Yoshioka","description":"\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"UTF-8\"\u003e\u003cspan\u003eウランバートル生まれ、日系モンゴル人アーティスト、アリサ・ヨシオカ（Arisa Yoshioka）の作品集。本書は独学で美術を学び、2021年に絵画制作を始めた作者にとって初のモノグラフとなる。\u003c\/span\u003e\u003cmeta charset=\"UTF-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e作者自身による序文も収録。\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan\u003e印象的に残るほどの非凡さと絵画の伝統的な型を踏襲した感性を兼ね備えた作品を数多く制作しており、その手法は西洋絵画のようでもあり、チベット仏画「タンカ」のタペストリーも彷彿とさせる。夢の中のような緩やかさをもち、細部まで描き込まれた自伝的な人物、モノ、場所は、まるで古代のおとぎ話のように我々の目の前でゆっくりと展開していく。\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan\u003e2023年2月から3月にニューヨークの「Pablo's Birthday」で開催されたグループ展覧会「\u003c\/span\u003e\u003ca href=\"https:\/\/pablosbirthday.com\/exhibitions\/70-time-organized-by-ryan-steadman\/\" target=\"_blank\"\u003e\u003cem\u003eTime\u003c\/em\u003e\u003c\/a\u003e\u003cspan\u003e」（\u003c\/span\u003e\u003cmeta charset=\"UTF-8\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eペインター、キュレーターのライアン・ステッドマン（Ryan Steadman）がキュレーションを担当\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e）にも参加している。\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan\u003eAmerican Art Catalogues presents \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eIDLER\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, the first monograph of work by Japanese-Mongolian painter Arisa Yoshioka.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40416738803792,"sku":null,"price":8800.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_1ae170cf-0b2e-4745-9f69-15e53e733b6c.jpg?v=1702203253"},{"product_id":"exhypnosis-by-dylan-solomon-kraus","title":"EXHYPNOSIS by Dylan Solomon Kraus","description":"\u003cp data-mce-fragment=\"1\" class=\"p1\"\u003eアメリカ人アーティスト、ディラン・ソロモン・クラウス（Dylan Solomon Kraus）の作品集。2023年4月から6月までベルリンの「ペレス・プロジェクツ（Peres Projects）」で開催された展示に伴い出版された。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e「\u003cem\u003eExHypnosis\u003c\/em\u003e」とは作者が作り出した言葉であり、概念としては「めざめる」と訳され、作者の絵画に見られる夢のようにおぼろげなシナリオによってさらに強調されている。反復することが重要であり、宇宙的な時計塔や水没都市など繰り返し登場するモチーフが、新洗礼者や薮の中の鳥というデジャヴュの瞬間と舞い踊る。本書は、過去4年間にわたって制作された作者の絵画作品の選集であり、作者の自己とその活動における旅程の記録である。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e「ペレス・プロジェクツ」と共に開催した三度目の個展を通じて、世界をめざめさせるために作者は催眠とその対となるものの概念を探求する。ベルリンでの初展示であり、ちょうど「Berlin Gallery Week」と同時期に開催された本展は社会への警鐘となった。その対象物をトランス状態に置き、取り巻く世界との繋がりを絶たせ、思考させない自動機械に仕立てあげる催眠の概念に対するアンチテーゼである本作は、主体性を呼び覚ますものである。あてもなく人生を歩ませるシステムに、ショックを与えているのだ。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e作者は、「\u003cem\u003eExHypnosis\u003c\/em\u003e」という題名にまで連なる絵画のコレクションの中でこの概念を探った。ハイキングやキャンプをしながら育った作者は、常に地球や星々、自然の環境の精霊との繋がりを感じていた。自身の根底となる明澄な空間として、天体と大地の存在が取り込まれている。ひとつひとつのピースがそれぞれに命を持ち、オーディエンスに向けて強烈なメッセージを送り、それを見る目と深く繋がりあってみせる。この世のものでないようでいながら人間的条件に根付いた作品たちは、注意深く考え、私たちの世界について意義のある会話をなすための場を作り出している。現実空間に置かれた想像上のシンボルたちに眼を向けることで、真実と虚構の間の隔たりに橋が掛けられるのだ。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAmerican Art Catalogues presents \u003cem\u003eExHypnosis\u003c\/em\u003e by Dylan Solomon Kraus, published on the occasion of the exhibition at Peres Projects, Berlin.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eExHypnosis\u003c\/em\u003e, a conjured phrase from Kraus, conceptually translates to \"wake up\", a phrase further enforced by the dreamlike scenarios found within Kraus' paintings. Repetition is important; reoccuring motifs, (the cosmic clocktower, the sunken city) dance with moments of deja vu (the neophyte, a bird in the brush). \u003cem\u003eExHypnosis\u003c\/em\u003e catalogues a selection of paintings from the last four years, documenting a journey in self and practice.\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40416739328080,"sku":null,"price":9900.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_16b5791e-c1d6-49fd-9512-d85b3efb77e2.jpg?v=1702203335"},{"product_id":"drawings-by-will-sheldon","title":"DRAWINGS by Will Sheldon","description":"\u003cp\u003eニューヨーク在住のアメリカ人アーティスト、ウィル・シェルドン（Will Sheldon）の作品集。選り抜かれた43点のドローイング作品に光を当てた一冊。「American Art Catalogues」から出版される作者の二冊目の作品集となる。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e作者は豊かな内なる世界を持つアーテイストであり、タトゥーをはじめ、絵画やデザイン作品からファンタジー的な美学に強く影響を受けてきている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAmerican Art Catalogues presents \u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eDrawings\u003c\/em\u003e by New York artist Will Sheldon. The catalogue illuminates 43 selected drawings, and is Sheldon's second published title with American Art Catalogues.\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40416740606032,"sku":null,"price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_5bcba3a8-9da6-47c1-a75c-4f35e009e29a.jpg?v=1702203461"},{"product_id":"accident-report-by-peter-shear","title":"ACCIDENT REPORT by Peter Shear","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、ピーター・シア（Peter Shear）の作品集。本書は作者にとって初のモノグラフとなる一冊。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e2019年から2022年にかけて制作された130点の絵画作品を美しい図版で収録した167ページの本作品集は、作家と出版社の共同で丁寧に作られた一冊である。年代順に並べられた作品群は、その進化とテーマ、バリエーションの多様さに重きをおいて紹介されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e絵画作品が展開されているページの流れを遮るように収録されているのは、多くのフォロワーを誇る作者自身の「\u003ca href=\"https:\/\/www.instagram.com\/petershear\" data-mce-href=\"https:\/\/www.instagram.com\/petershear\"\u003eインスタグラム\u003c\/a\u003e」アカウントから抜粋した、他のアーティスト達の作品を並べているセクションである。元々の、たまたま投稿した順に並べられたどこにでもあるような「インスタグラム」フィードを反映したグリッド形式の\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eレイアウトは、絵画的なエッセイとしても、ヴィジュアル・アーティストとしてのステートメントとしても機能した分類となっており、自身の作品に影響を与えてきたアーティストたちの作品群に光を当てた形となっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は、2019年に35歳でこの世を去ったカナダ人アーティスト、マシュー・ウォン（王俊傑 \/ Matthew Wong）に捧げた一冊である。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAmerican Art Catalogues is pleased to announce \u003cem\u003eAccident Report\u003c\/em\u003e, the first monograph on American painter Peter Shear.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eDeveloped in close collaboration with the artist, \u003cem\u003eAccident Report\u003c\/em\u003e is a beautifully illustrated 167-page volume collecting 130 paintings created between 2019 and 2022. Work is presented in careful chronological order, foregrounding its evolution, themes and variations.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eInterrupting the unfolding flow of Shear’s paintings are self-contained sections collecting the work of other artists excised from his popular Instagram account.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOrdered as they appeared originally (by happenstance) and presented in grid format echoing the ubiquitous Instagram layout, these groupings function as both pictorial essay and visual artist statement, highlighting the work of others’ that informs and influences his own.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe book is dedicated to the late Matthew Wong.\u003c\/p\u003e\n\u003c!----\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40841107538000,"sku":"9798889929420","price":8250.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_b3e173c6-dab5-4d0e-8865-d3dddd13e389.jpg?v=1722468405"},{"product_id":"tour-by-giangiacomo-rossetti","title":"TOUR by Giangiacomo Rossetti","description":"\u003cp\u003eニューヨークを拠点に活動するイタリア人アーティスト、ジャンジャコモ・ロセッティ（Giangiacomo Rossetti）の初作品集。作者にとって最初のシリーズとなる「\u003cem\u003eTOUR\u003c\/em\u003e」は、アーティスト、友人、ペット、ニューヨークという土地での観察などから生まれた、34のモノタイプ（版画）作品のポートレイトである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本作の原画は、ニューヨークのインディペンデント・プリント・スペース「\u003ca href=\"https:\/\/www.10grandpress.com\/\" rel=\"noopener\" target=\"_blank\"\u003e10 Grand Press\u003c\/a\u003e」にて1年以上かけて制作された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAmerican Art Catalogues presents \u003cem\u003eTOUR\u003c\/em\u003e by Giangiacomo Rossetti.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe first in its' series, \u003cem\u003eTOUR\u003c\/em\u003e documents 34 monotype portraits of artists, friends, pets, and observations within the locale of New York. These monotypes were produced with 10 Grand Press over the last year. This is the artist's first monograph, and first publication with American Art Catalogues. \u003c\/p\u003e\n\u003c!----\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40841107570768,"sku":"9798889929437","price":4180.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_57d7e364-cf20-4bb0-8560-5ec9e6090b4b.jpg?v=1722468368"},{"product_id":"book-bag","title":"AMERICAN ART CATALOGUES BOOK BAG","description":"\u003cp\u003eニューヨークに拠点を置く出版社「AMERICAN ART CATALOGUES」のオーガニック・コットン・トートバッグ。シルクスクリーンプリントで表面に赤いロゴが刷られている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eSilkscreened American Art Catalogues logo\u003c\/p\u003e\n\u003c!----\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40841107767376,"sku":null,"price":3300.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/aactote_01.jpg?v=1724996157"},{"product_id":"david-rappeneau-by-david-rappeneau","title":"DAVID RAPPENEAU by David Rappeneau","description":"\u003cp\u003eフランス人アーティスト、ダヴィッド・ラプノー（David Rappeneau）の作品集。作者にとって初めての作品集となる一冊。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e...そしてダヴィッドの新たな作品集を手に入れた。まだ、夢中だ。まだ取り憑かれている。ジミー（Jimmy）は何年も前に彼の作品を見せてくれた。ブリュッセルだったか、パリだったか？時間を忘れて見た。その後、公園でハイになった。それが最善だったんだと思う。ガーゴイル（※註1）に変な名をつけた。墓地にショッピングバッグを置き、ジミーはベルニーニ（Bernini）について何か言っていた。私は『ミャオ』と言った。そして『ペイトン（Peyton）みたいだけどセクシーだね。』と言った。アニメとポーンハブ（PornHub \/ \u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e※註2）の動画とゴシック様式のイラストが全部一緒になってくっつき合っている。欲しい、大好きだ！シーレ（Schiele）のドローイング（1914年のエゴンの「Standing Woman in Red」だったかな）\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eとダヴィッドの何かを並べて、その上にドージャ・キャット（Doja Cat）の「Agora Hills」をループさせて、「ああ、痛い、痛い！（Ow, it hurts!）」ってキャプションをつける。そんな傷心のムードボードみたいなインスタグラムのストーリーを書こうと思ってたんだ。でも他にやることもないし、もういいか。\u003c\/em\u003e」\u003cbr\u003e- チャーリー・フォックス（Charlie Fox）著『\u003cem\u003eAnd the Infinite Sadness\u003c\/em\u003e』より抜粋。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e※註1 雨樋の機能を持つ怪物などをかたどった彫刻\u003cbr\u003e※註2 カナダ発祥のアダルトサイト\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAmerican Art Catalogues presents the first monograph by artist David Rappeneau.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“.\u003cem\u003e..And I’ve got this new book of David’s drawings. Still ravished, still haunted. Jimmy showed me his work ages and ages ago. Was it in Brussels or in Paris? Lost time. We got high in the park afterwards, which is what we did best. We gave the gargoyles funny names. Left my shopping bags in the graveyard Jimmy said something about Bernini. I said, Miaow. I said, It’s like Peyton but hot, and anime and PornHub vids and Gothic illustrations all making out together. I want, I love!\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eI was just gonna do a heartbroken, mood board-ish Instagram story where I juxtaposed a Schiele drawing with something by David— Egon’s Standing Woman in Red, maybe, from 1914— loop ‘Agora Hills’ by Doja Cat over the top and caption it, ‘Ow, it hurts!’ Like, be all enigmatic like that, but fuck it, I’ve got nothing else to do.\u003c\/em\u003e” \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e- Excerpt from And the Infinite Sadness by Charlie Fox. \u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40926536466512,"sku":"9798893423662","price":17600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_13547473-beed-400d-a55f-cecaaeb7b126.jpg?v=1728436177"},{"product_id":"chamber-music-by-seth-becker","title":"CHAMBER MUSIC by Seth Becker","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、セス・ベッカー（Seth Becker）の作品集。作者にとって初作品集となる本作は、過去8年間に描かれた200点以上の作品を収録した250ページの大作である。進化し続けるその創作活動に密に迫る本作は、既に存在しない作品も数点含まれており、以前の絵画作品を新たな作品に組み立て直すという独自のプロセスが反映されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAmerican Art Catalogues presents\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003eChamber Music\u003c\/em\u003e by Seth Becker.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eChamber Music\u003c\/em\u003e, the artist's first major monograph, is a 250-page volume featuring over 200 paintings from the last eight years. Offering an intimate look into Becker's evolving practice, the book includes several works that no longer exist, reflecting his unique process of reworking earlier paintings into new compositions.\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":40988084076624,"sku":"9798893423723","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_834480c0-43d4-4c3a-b239-ecb25ad6826a.jpg?v=1737155349"},{"product_id":"a-dim-cozy-room-by-shigeo-otake","title":"A DIM COZY ROOM by Shigeo Otake","description":"\u003cp\u003e日本人アーティスト、大竹茂夫の作品集。芸術家であり研究者でもある作者にとって初めての作品集である本作は、不思議な世界観を持つ作者の絵画作品に登場する\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e幻想的な生き物たちを紹介する。その姿は、身体の一部が人の姿を成し、別の部分は菌類の姿をしている。64点の絵画作品に加え、フィールド・リサーチで撮影したカラー写真38点、作者によるエッセイを収録し、40年のキャリアにおける奇妙なヴィジョン、作者の言葉を借りるのであれば「\u003cem\u003e日常と異世界が共存する\u003c\/em\u003e 」ヴィジョンの変遷を明らかにする。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者はこれまでにも不可思議で神話のような人物を描いていた。ある時、何気なく出会った野生の大きなキノコが、長きにわたり菌類学へ心酔させるほど心に火を点けただけでなく、文明の終焉という不穏な図を作者に植え付けた。虫に寄生するキノコである「冬虫夏草」は、「\u003cem\u003e私の想像を遥かに凌駕するほど奇怪な形をしており、すっかり虜にさせられた\u003c\/em\u003e」と作者が書くように、キノコが人間の肉体や精神と融合し、ハイブリッドな意識を持つまったく新しい種を生み出す未来を想像させたのである。めまいを呼ぶようでありながら哀しみをも帯びたその絵画には、頭から触覚のような菌類が生えていたり、髪の毛があるはずの場所にキノコが被されている人々や、奇妙な生き物が参加するパレードや葬儀のシーン、若者が背伸びをする植木鉢などが描かれている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e若き日に学んだイタリアやスペインの中世・ルネサンス期の宗教美術のように、作者の絵画は精密な筆致をもって、作品に神聖なオーラを吹き込むような生き生きとした構図と柔らかくも宝石のような色調で描かれている。ルネサンス期のオランダの画家であるヒエロニムス・ボス（Hieronymus Bosch）が生む狂気じみた奇抜な表現、ピーテル・ブリューゲル（父）（Pieter Bruegel the Elder）の謝肉祭（カーニバル）の風景画からもインスピレーションを受け、作者の遊び心溢れるグロテスクな絵画は、我々の運命や自然界の運命についてひとときの思索を誘うべく、観る者の注意をしっかりと引きつける。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAmerican Art Catalogues presents \u003cem\u003eShigeo Otake: A Dim Cozy Room\u003c\/em\u003e, the first major monograph dedicated to the Japanese artist and research scientist, and to the fantastical creatures—part human, part fungi—who populate his wondrous paintings. Featuring 64 of color plates, 38 color photographs from Otake’s field research, as well as an essay by the artist, this book illuminates the evolution of his eerie visions across his four-decade career—visions in which, to use his words, “the ordinary and the otherworldly coexist.”\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOtake had already been painting strange, near-mythical characters when a casual encounter with a large wild mushroom not only sparked his lifelong devotion to mycology but also seeded in his mind an unsettling picture of the end of civilization. As he writes, it was the parasitic cordyceps, “forms so bizarre that they surpassed the furthest reaches of my imagination and thoroughly captivated me,” that prompted him to imagine a future in which these mushrooms melded with human bodies and minds, creating a brand new species with a hybrid consciousness. His giddy yet mournful paintings feature people whose heads are sprouting tentacular fungi or capped with mushrooms where hair would otherwise be; scenes of both parades and funerals for these weird creatures; and flowerpots from which the new generations grow tall.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eLike the Italian and Spanish Medieval and Renaissance religious art he studied as a young man, Otake’s paintings are rendered with a precise hand and in lively compositions and muted jewel-like palettes that infuse his works with the aura of the sacred. Inspired also by the mad whimsy of Hieronymus Bosch and the carnivalesque landscapes Pieter Bruegel the Elder, Otake’s playful grotesqueries seize the viewer’s attention in order to elicit a moment’s contemplation—regarding our fate and the fate of natural world.\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41023689261136,"sku":"9798893423655","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/1_00556649-d78f-4910-aca4-2057e73eca90.jpg?v=1734683965"},{"product_id":"silkscreened-poster-by-shigeo-otake","title":"SILKSCREENED POSTER by Shigeo Otake","description":"\u003cp\u003e日本人アーティスト、大竹茂夫のポスター。20色のインクを用いたスクリーンプリントで制作されている。2024年11月に「東京都現代美術館」で開催された「TOKYO ART BOOK FAIR 2024」での出展にあわせて、出版社「AMERICAN ART CATALOGUES」が制作した50部限定発行の作品。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ea 20-color silkscreened poster, printed in edition of 50 by Du-Good Press.\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41023689359440,"sku":null,"price":8800.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/poster_f1d5cfe0-2b9a-4a88-9c86-5ba16bbb7c84.jpg?v=1737155500"},{"product_id":"untitled-sketchbook-by-paul-thek","title":"UNTITLED SKETCHBOOK by Paul Thek","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、ポール・テック（Paul Thek）の作品集。作者はドイツとアイルランド人の血も受け継ぐ画家であるが、のちに彫刻やインスタレーション作品でも知られるようになる。1988年にこの世を去ったのち評価はより高まり、2010年には「ホイットニー美術館（Whitney Museum of American Art）」で回顧展が開催されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は、54歳で生涯を閉じたそのあまりに短い生涯で、スケッチし、走り描き、煮詰めたイメージやアイデアが描かれたノートのうち、1969年に使用していたものを再現した一冊である。これまで公開されたことのない31点のドローイングを収録したこの作品集は、自省の念を込めた行為として鏡に向かってスケッチしたと思われる、徹底的に探求した自画像で埋め尽くされている。（「\u003cem\u003e自分ほど私という人間に興味を持った人は他にいない\u003c\/em\u003e」とかつて自身で書いている。）近くのページには、茨の冠をかぶったキリスト像や、そのページに並んで空の灰皿のかたわらに横たわる十字架、コルク栓抜きのような尻尾を生やしたキノコなど、作者のヴィジョンを描いたのだろうか、奇妙な静物画も並ぶ。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e1933年にニューヨークのブルックリンで生まれた作者は、1960年代に初めて注目を集めた。先駆的なインスタレーション、パフォーマンス、そして絵画は、身体と死すべき運命をテーマにしており、後から思うに、1988年に54歳でAIDS（後天性免疫不全症候群）で息を引き取った生涯を、絶えず考え\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eまるで予見していたかのようである。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e私は時々、時間以外には何もないと思うことがある、\u003c\/em\u003e」作者は語る。「\u003cem\u003eあなたが目にするもの、あなたが感じるものは、その瞬間、時間がどのように見えているかということなのだ\u003c\/em\u003e」—— このことこそ、作者の芸術性が現在もこれほど力強くあり続けている理由を説明しているかもしれない。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAmerican Art Catalogues presents Paul Thek: \u003cem\u003eUntitled Sketchbook\u003c\/em\u003e, a facsimile of a notebook from 1969 in which Thek, during his too-brief lifetime, sketched, scribbled, and simmered images and ideas. Featuring thirty-one drawings that have never before been shown publicly, the book is filled with searching self-portraits, likely sketched in a mirror as an act of self-reflection. (“\u003cem\u003eNo one has ever interested me quite as much as myself,\u003c\/em\u003e” he once wrote.) Nearby pages feature images of Christ wearing a crown of thorns alongside strange still lifes: of a crucifix lying next to an empty ashtray, of a mushroom growing what looks like a corkscrew tail, and other of his visions.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eBorn in Brooklyn, New York, in 1933, Thek first gained attention in the 1960s. His pathbreaking installations, performances, and paintings addressed the body and mortality, which feel in hindsight hauntingly prescient of his death in 1988 at the age of fifty-four of AIDS.“\u003cem\u003eI sometimes think that there is nothing but time,\u003c\/em\u003e” he said, “\u003cem\u003ethat what you see and what you feel is what time looks like at that moment\u003c\/em\u003e”—which may explain why his art remains so potent here in the present.\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41162536124496,"sku":"9798893423617","price":9350.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_de22a428-fbd5-4987-9c27-40fbf85345b3.jpg?v=1745980474"},{"product_id":"unhome-by-christopher-culver","title":"UNHOME by Christopher Culver","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、クリストファー・カルバー（Christopher Culver）の作品集。本書は作者にとって初のモノグラフであり、2020年から2024年にかけて描かれた、衰退していく周囲の姿を描いたものである。国内産業の空洞化による余波の真っ只中に置かれたアメリカでの生活を年を追うように描くことで、\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e歴史的なある特定の瞬間を作品で示している。空っぽの映画館や荒れ果てた街並みを抜けていくと、我々は動物、天使、そして亡霊のような存在と遭遇する。この人物たちは、詩人ダンテ・アリギエーリ（Dante Alighieri）の代表作『\u003cem\u003e神曲\u003c\/em\u003e（\u003cem\u003eDivine Comedy\u003c\/em\u003e）』におけるウェルギリウス（Virgil）と似た役割を果たし、この空白の期間へと我々を誘うこともあるだろう。かと思えば、重々しく澱んだものの象徴として立ちはだかることもある。しかし、この錆びついた世界は、取り返しがつかないほどに砕けてしまったわけではない。瓦礫を通して優しさが滲み出ている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eChristopher Culver’s first monograph, \u003cem\u003eUnhome\u003c\/em\u003e, includes drawings from 2020 to 2024 that depict waning environments. The works index a specific historical moment, chronicling American life amidst the aftershocks of deindustrialization. As we traverse empty movie theaters and abandoned cityscapes, we encounter animals, angels, and apparitions. These figures sometimes play a role akin to that of Virgil in Dante’s \u003cem\u003eDivine Comedy\u003c\/em\u003e and guide us through the interregnum. Other times, they stand as solemn totems of stagnation. This rusted world, however, is not irreparably fallen. Tenderness filters through the debris.\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41162573676624,"sku":"9798897049271","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_76823925-55f4-4eac-9ef3-d30abdef7202.jpg?v=1745983640"},{"product_id":"101-drawings-by-michael-simpson","title":"101 DRAWINGS: SELECTED WORKS 1974 - 2024 by Michael Simpson","description":"\u003cp\u003eイギリス人アーティスト、マイケル・シンプソン（Michael Simpson）の作品集。2025年1月から3月にかけてロンドンのギャラリー「Modern Art, Bury Street」で開催された展覧会「\u003cem\u003eDrawing towards Painting: Selected Works 1974 – 2024\u003c\/em\u003e」に伴い刊行された。作者が50年の間に描いた101点のドローイングを厳選し、収録する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003e絵画に向けたドローイング\u003c\/em\u003e」と題された展覧会では、ペインティング作品で広く知られる作者によるドローイングを見せることで、その作品の幅の広さを紹介する。作者にとってドローイングは日々の実践であり、ドローイングで\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e一日を締めくくるのを常としている。カーボン・ペンシル、フレンチ・チョーク、インディアン・インク、グワッシュ、油絵具などの素材を使い、レストランのナプキン、捨てられたボール紙、本のカバーなど、身近なものの面に描く。このような選び方は、ドローイングの実践が本能的な駆動であることを示している。効率的かつスピーディーに描かれたものから、建築図面のようなグラフィック的なものまで、それぞれが特徴を持ち大きく異なる。絵画のモチーフと同様にドローイングでも、殊に懺悔室、ベンチ、梯子など、繰り返し用いられてきた形状の小さなセレクションをこのドローイング集でも見ることができる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「\u003cem\u003eシンプソンはそのキャリアを通じて多くの絵画を壊してきた。特に『Bench Paintings』や、それより前に制作されたシリーズである『The Debris of the Fuck』、『The Burial of the Books』などの作品がそれにあたる。消し去られ、新たなイメージで塗り替えられ、あるいはキャンバスが絵の具で塗り重ねられてこれ以上手を加えられなくなると、キャンバスのフレームから切り離してスクラップにされた。この失われた作品群に残された唯一の証がドローイング、アイデアの亡霊である。ドローイングは死んだ絵画を悼み嘆くための墓標、墓石となっている。また、希望を与えるものもあり、まだ見ぬ絵画の種であり、新芽であり、雛である。ドローイングから絵画になるまでの発芽期間は、『Leper Squints』のように30年以上かかるものもあれば、遡って制作されたものもある。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003cem\u003eドローイングに描かれたイメージの繰り返しは、アスリートが動作を反復して練習したり、音楽家が音階を演奏するのに似ている。筋肉の記憶を組み立て、アイデアを具現化し、その物理性に没頭する。浮いたベンチの角度を変えてみたり、梯子の幅を少し狭くしてみたり、影を濃くしてみたり。イメージを構成するあらゆる要素と、それをどのように組み合わせられるかを微調整して考える。ドローイングは、絵画をスケールアップするための下準備ではなく、問題提起であり、解決策ではないのである。\u003c\/em\u003e」－ デイヴィッド・リズリー（David Risley）本書収録のテキストより抜粋\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAmerican Art Catalogues presents \u003cem\u003e101 Drawings\u003c\/em\u003e: Selected Works 1974 - 2024, co-published by Modern Art \u0026amp; American Art Catalogues. The monograph reviews 101 selected drawings by British artist Michael Simpson.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“\u003cem\u003eThroughout his career Simpson has destroyed many paintings, particularly works from the Bench Paintings and earlier series such as The Debris of the Fuck and The Burial of the Books. They were obliterated, painted over with new images, or, when the canvas became too laden with paint to be reworked any further, cut off the stretcher and scrapped. The only evidence of these lost works are the drawings, ghosts of ideas. Those drawings are now grave markers, tombstones to dead paintings to be grieved over, lamented. Others offer hope, they are seeds, buds, fledglings of paintings yet to be realised. The germination period from drawing to painting could be, as with the Leper Squints, thirty years or more, while others were made retrospectively.\u003cbr\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eThe repetition of the images in the drawings is akin to an athlete practising a movement or a musician playing scales. Building muscle memory, embodying the idea, becoming immersed in its physicality. Trying a different tilt to the angle of a floating bench, a slightly narrower ladder, a darker shadow. Tweaking every element of the constituent parts of the image and how they can be combined. The drawings aren’t preparatory for the paintings to be scaled up from, they are questions, not solutions.\u003c\/em\u003e”\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e– Excerpt from David Risley’s text, published in 101 Drawings: Selected Works 1974 - 2024\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES \u0026 MODERN ART","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41162588061776,"sku":"9798893423600","price":10450.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_cf9fcdf0-cae1-4cb7-8f7e-a4deaf8e988a.jpg?v=1745985524"},{"product_id":"faces-by-sanya-kantarovsky","title":"FACES by Sanya Kantarovsky","description":"\u003cp\u003eニューヨークを拠点に活動するロシア人アーティスト、サーニャ・カンタロフスキー（Sanya Kantarovsky）の作品集。その活動は、時に映像作品と組み合わされるペインティング作品もあれば、アニメーション、彫刻、デザイン、展覧会企画など多岐にわたり、日本での展覧会も数える。本書では、2016年から2025年にかけて、過去9年間に制作された60点の「顔」の絵画作品に焦点を当て考察する。用いた素材は木炭、油彩、パステル、ピグメント（顔料）、水彩、脱色剤など様々であり、そのほとんどが16x12インチ（約406x305mm）、もしくは20x16インチ（508x406mm）\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eの\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eリネンキャンバスに描かれている。アーティストであるブラッドリー・クロンツ（Bradley Kronz）がテキストを寄せる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAmerican Art Catalogues presents \u003cem\u003eFACES\u003c\/em\u003e by Sanya Kantarovsky. The publication surveys 60 ‘face’ paintings, created over the last 9 years, and features a text by Bradley Kronz.\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":41181471244368,"sku":"9798897049240","price":8800.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_654248ad-49b0-4269-8717-2887a829173f.jpg?v=1747620408"},{"product_id":"jamie-welsh-2020-2025-by-jaime-welsh","title":"JAMIE WELSH: 2020 - 2025 by Jaime Welsh","description":"\u003cp\u003eポルトガル人アーティストでフォトグラファー、ハイメ・ウェルシュ（Jaime Welsh）の作品集。本書は、2020年から2025年にかけて制作された写真作品を収録したモノグラフである。作品群は、立ち入りが制限された建築空間や制度的な権力、そして心理的な不安を帯びた空間を主題として展開されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は、「ARCHIVORUM」とフランスのメジェーヴ村で生まれた現代アートプロジェクト「Magic Megève」が協働する芸術コミュニティ兼出版事業「ArchivorumxMegeve」と、ニューヨークを拠点とする出版社でありギャラリー「American Art Catalogues」との継続的な出版プログラムの一環として刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAmerican Art Catalogues and Archivorum xM present \u003cem\u003eJaime Welsh: 2020 – 2025\u003c\/em\u003e. The monograph brings together photographs produced between 2020 and 2025. The works move through architectural interiors marked by restricted access, institutional power, and psychological unease.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe book forms part of ArchivorumxM's ongoing publishing programme dedicated to contemporary artistic practices and artists' publishing.\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUE \u0026 ARCHIVORUM","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":42768105504848,"sku":"9798902715498","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_b087791b-01aa-462e-9fda-cb257802e7b4.jpg?v=1783567606"},{"product_id":"gaboritronaldhamilton-by-anthea-hamilton-delphine-gaborit-lewis-ronald","title":"GABORITRONALDHAMILTON by Anthea Hamilton, Delphine Gaborit, Lewis Ronald","description":"\u003cp\u003e現代美術界で重要な賞の一つである「ターナー賞」へ2016年にノミネートされたイギリス人アーティスト、アンシア・ハミルトン（Anthea Hamilton）、フランス人の振付師でムーブメント・ディレクター、デルフィーヌ・ガボリ（Delphine Gaborit）、ロンドンを拠点に活動するフォトグラファー、ルイス・ロナルド（Lewis Ronald）による作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は、ロンドン、パリ、ブリュッセル、ルッカで行われた複数回のセッションを通じて制作されたアーティストブックである。三者による初の本格的な共同制作であり、それぞれの姓を連ねたタイトルは、企業合併のブランディングを思わせるネーミングをあえて引用したものである。制作にあたって最初に決められたのは、本そのもののフォルムだった。ページ数を抑えたスリムな造本、光沢紙、白いテクスチャー仕上げの表紙を採用し、その表面にはタイトルや著者名は記されていない。代わりに、本はざらざらとした手触りの「シュガーペーパー」と呼ばれる紙で包まれ、その上にはアーティスト、写真家、クリエイティブ・ディレクター、ダンサー、詩人ら参加者（キャスト）の名前がスタンプで印字されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書には、2026年初頭の数か月間に制作された25点の写真を収録しており、アメリカ人詩人であるマリアン・ムーア（Marianne Moore）が約100年前に発表した、カタツムリを題材とする詩「\u003cem\u003eTo A Snail\u003c\/em\u003e」を軸として構成されている。本書に掲載された唯一のテキストであるこの詩は、「抑制」という美学を体現するものであり、密度、圧力、構造、そして凝縮されたかたちへの賛歌ともいえる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eムーアの詩において、形式や言語、さらには身体の動きとしてのスタイルは、張力と制御された解放をあわせ持つ、筋肉のような力強さを獲得する。親密さと分析的な視点をあわせ持つこの詩は、半ば匿名的に捉えられた人物像 ─ 手、背中、足首、唇、脚、臀部、耳、太腿といった身体の断片 ─ や、静物を写した写真群に、「\u003cem\u003e原理についての知識\u003c\/em\u003e（\u003cem\u003ea knowledge of principles\u003c\/em\u003e）」を与えている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e装飾に代わって、本書では「カタツムリと表面」「手と腰」「海と岸辺」といった接触の瞬間が繰り返し示される。そして最後に、この詩は冬眠中のカタツムリを写した一枚の写真によって呼応する。通常、カタツムリは腹足全体で平らな面に密着しているが、この写真では複数のカタツムリが風化した小枝の先端に集まり、ひとつの座標を共有するかのように、凝縮された均衡のうえに静かに身を寄せ合っている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本書は、「ARCHIVORUM」とフランスのメジェーヴ村で生まれた現代アートプロジェクト「Magic Megève」が協働する芸術コミュニティ兼出版事業「ArchivorumxMegeve」と、ニューヨークを拠点とする出版社でありギャラリー「American Art Catalogues」との継続的な出版プログラムの一環として刊行された。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eキャスト一覧：アルフォンス・エクルー・ウワンテゲ（Alphonse Eklou Uwantege）、アンシア・ハミルトン（Anthea Hamilton）、デルフィーヌ・ガボリ（Delphine Gaborit）、エレナ・フランカランチ（Elena Francalanci）、ジョナサン・アンダーソン（Jonathan Anderson）、ユルゲン・テラー（Juergen Teller）、レティシア・バドー・オスマン（Laëtitia Badaut Haussmann）、ルイス・ロナルド（Lewis Ronald）、マリアン・ムーア（Marianne Moore）、ミムズ・ハダッド（Mims Haddad）、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/editions-siegelbaum-tran\"\u003eサラ＝リン・トラン（Sarah-Linh Tran）\u003c\/a\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eGaboritRonaldHamilton\u003c\/em\u003e is an artist’s book made in a series of sittings across London, Paris, Brussels and Lucca. It is the first major collaborative work by Anthea Hamilton, Delphine Gaborit and Lewis Ronald. Titled by a grouping of the trio’s surnames it plays with the branding language of a corporate merger. The form of the book was the first thing established: slim in page count, gloss paper and a white textured cover, its surface withholds author or title, and is instead wrapped in sugar paper stamped with a list of a cast including artists, photographers, creative directors, dancers and poets. Inside, a suite of twenty-five photographs, made in the span of a few months in early 2026, are organised around a 100-year-old poem by Marianne Moore regarding a snail. The only piece of text in the book, Moore’s To A Snail, speaks to an aesthetic of restraint; a love letter to density, pressure, structure and compactness. In Moore’s poem, style – considered formally, linguistically, and choreographically – becomes muscular, capable of both tension and controlled release. Simultaneously intimate and analytical, \u003cem\u003eTo A Snail\u003c\/em\u003e affords “a knowledge of principles” to the photographs’ semi-anonymous portraits – details of hands, spines, ankles, lips, legs, buttocks, ears, and thighs – and still lives. In lieu of adornment, Snail meets surface, hand meets hip, sea meets shore. The poem finally meets its twin by an image of hibernating snails. Where a snail’s ventral foot would typically meet a horizontal surface totally and entirely, here a grouping congregates at the very tip of a weathered twig: poised and condensed upon shared coordinates.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eFeaturing:\u003cbr\u003eAlphonse Eklou Uwantege, Anthea Hamilton, Delphine Gaborit, Elena Francalanci, Jonathan Anderson, Juergen Teller, Laëtitia Badaut Haussmann, Lewis Ronald, Marianne Moore, Mims Haddad, Sarah-Linh Tran\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePoem by Marianne Moore\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUE \u0026 ARCHIVORUM","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":42768146464848,"sku":"9798902715467","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/00_a9b1ceba-ddd1-4fe3-afaa-eabe43698a32.jpg?v=1783570639"},{"product_id":"lionel-wendt-by-lionel-wendt","title":"LIONEL WENDT by Lionel Wendt [NUMBERED]","description":"\u003cp\u003eスリランカ人フォトグラファー、ピアニストであるライオネル・ウェント（Lionel Wendt）の作品集。本書は2026年3月から4月にかけて、ニューヨークを拠点とする出版社でありギャラリーの「American Art Catalogues」で開催された展覧会にあわせて、750部限定で刊行された一冊である。本展は、作者にとってアメリカでの初となる個展であり、コレクターでクリエイティブディレクターのデニス・フリードマン（Dennis Freedman）が25年前にインド・ニューデリーを訪れた際、コレクターであるナリン・トマール（Nalin Tomar）とマヒジット・シン（Mahijit Singh）から収集した写真群を展示した。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eこれまでほとんど公開されることのなかった作品や未発表作品を含む写真群がまとめられている。また、キュレーターのシャナイ・ジャヴェリ（Shanay Jhaveri）とフォトグラファーである\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/tyler-mitchell\"\u003eタイラー・ミッチェル（Tyler Mitchell）\u003c\/a\u003eによるテキストも収録する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e1900年にコロンボで生まれた作者は、現在のスリランカにあたる当時のセイロンにおいて、20世紀前半の文化芸術を牽引した重要な人物である。スリランカ系とヨーロッパ系のルーツをもつ社会的に有力な共同体「バーガー・コミュニティ（Burgher community）」の出身で、マウントラビニアの「セント・トーマス・カレッジ（St. Thomas’ College）」で学び、西洋の知的伝統とセイロン固有の文化的歴史の双方に触れた。1920年代初頭にはイギリスへ渡り、「英国王立音楽院（Royal Academy of Music）」で音楽を学んだ。卓越したコンサート・ピアニストとして、バッハからバルトーク、さらにはジャズまで幅広いレパートリーを演奏した。ロンドンの文化的環境の中で、音楽、文学、美術における前衛的な潮流と出会い、国際的な知的視野を培ったことは、後にスリランカの芸術界で指導者や触媒的存在として活躍する基盤となった。1924年にセイロンへ帰国すると、当初は音楽活動に専念し、それまで島内では演奏されることのなかった作品を紹介したが、その後、次第に写真を主要な表現媒体としていく。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者は国際的な写真表現の動向にも敏感で、その形式的・技術的革新を自身の作品へ積極的に取り入れた。初期には「ローライフレックス（Rolleiflex）」のカメラを用いていたが、やがて携帯性と高い光学性能を備えた「ライカ（Leica）」へ移行し、その特性は作者の美意識と深く呼応した。1933年頃からは自ら暗室でプリント制作を行い、暗室を単なる複製の場ではなく、作品に概念的な介入を加える場として位置づけていた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e臭化銀紙やゼラチン・シルバー・プリントは、繊細な階調表現と触覚的な奥行きを特徴とし、ヌードや風景写真に際立った官能性を与えている。その影響源は、ポール・ストランド（Paul Strand）やエドワード・ウェストン（Edward Weston）に代表されるシャープで精緻な「ストレート・フォトグラフィ」から、\u003ca href=\"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/man-ray\"\u003eマン・レイ（Man Ray）\u003c\/a\u003eの実験的な写真技法にまで及ぶ。写真雑誌を通じて海外の作品に触れながら、フォトグラム、フォトモンタージュ、多重露光、ソラリゼーションなどの技法を吸収・再構成し、ときには複数の手法を一つの作品の中で組み合わせた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者は1944年に、43歳という若さでこの世を去り、その旺盛な探究心に満ちた活動は早すぎる終わりを迎えた。その後、写真アーカイブの多くは失われ、ネガは廃棄され、プリントも散逸したため、その作品は数十年にわたり公の記憶から姿を消すこととなる。しかし後年、その業績はスリランカにおけるモダニズム写真の発展を支えた基礎的な存在として再評価されるようになった。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003ePublished on the occasion of the presentation at American Art Catalogues, this limited-print publication brings together a suite of rarely seen, some never before, photographs by the late Sri-Lankan photographer Lionel Wendt. Featuring two new texts by curator Shanay Jhaveri and artist Tyler Mitchell.\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":42775085842512,"sku":"9798902715542","price":9350.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_9ac4e83c-ea75-4ffc-a1fa-002376f8487c.jpg?v=1783845216"},{"product_id":"the-los-angeles-photographs-by-peter-cain","title":"THE LOS ANGELES PHOTOGRAPHS by Peter Cain","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、ピーター・ケイン（Peter Cain）の作品集。2026年5月から6月にかけてニューヨークを拠点とする出版社でありギャラリーの「American Art Catalogues」で開催された展覧会に伴い刊行された一冊であり、ニューヨークでの個展としては10年ぶりの開催となった。本作は1996年に制作された全98点からなる写真シリーズであり、1997年に37歳の若さでこの世を去った作者が晩年に手がけた最後期の作品群の一つである。本書は、このシリーズの初刊行作品集となる。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e写真はウェスト・ハリウッド、グレンデール、バーバンクで撮影され、当時のロサンゼルスを車で走る感覚を鮮やかに映し出している。名もないミニモール、至るところに点在するガソリンスタンド、風にはためく新規開店のフラッグ、そして遠景に連なる山並み。そうした都市の断片が写し取られている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eそれから約30年が経ち、多くの店舗はすでに姿を消した一方で、当時のまま残る場所もわずかながら存在している。作者は、「セブン-イレブン（7-Eleven）」の看板の足元に丁寧に植えられた多年草や、ガソリンスタンドに掲げられた「SELF（セルフサービス）」という、意図せずどこか物悲しさを帯びた標識など、見過ごされがちな細部に独特のまなざしを向けている。そうした些細な都市の風景が、作者の写真の中では静かな存在感をもって立ち現れている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者は、我々を取り巻く世界を他に類を見ない視点で見つめていたアーティストである。日常のありふれた風景や対象を大胆に変容させることで、その奇妙さや美しさを新たな視点から浮かび上がらせた。1990年代には、異様に変形した自動車を、人の気配のない閉塞的な背景の中に描いた絵画によって広く注目を集める。数々の展覧会やビエンナーレに出品されたそれらの作品は、孤立や孤独、加速する消費社会、そして暴走し始めるテクノロジーへの不安といった、1990年代アメリカ社会を覆っていた時代精神を鋭く映し出していた。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cem\u003eThe Los Angeles Photographs\u003c\/em\u003e, a group of 98 images from 1996, is one of Peter Cain’s final artworks. They are being published for the first time here. Taken across West Hollywood, Glendale, and Burbank, they capture the feeling of driving through LA at that time: anonymous mini malls, gas stations seemingly everywhere, grand opening flags flapping in the wind, a mountain range looming in the distance. Though thirty years have passed and many of these businesses are gone, a handful of locations remain untouched. In the images, Cain seems to fixate on the easily overlooked details like carefully planted perennials underneath a 7-Eleven sign or unintentionally poignant signage at the gas station that says “self.”\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":42776068161616,"sku":"9798902715474","price":6380.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_d5ca16b3-bb36-40de-bab9-415d1d384ac2.jpg?v=1783923341"},{"product_id":"selected-paintings-2016-2026-by-giangiacomo-rossetti","title":"SELECTED PAINTINGS, 2016 - 2026 by Giangiacomo Rossetti","description":"\u003cp\u003eニューヨークを拠点に活動するイタリア人アーティスト、ジャンジャコモ・ロセッティ（Giangiacomo Rossetti）の作品集。本書は作者にとって初の本格的なモノグラフであり、2016年から2026年までの10年間に制作された95点の絵画作品を収録、作者の制作活動の変遷を包括的に紹介している。また、キュレーターのマティルデ・グイデッリ＝グイディ（Matilde Guidelli-Guidi）によるエッセイも掲載する。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eAmerican Art Catalogues presents \u003cem\u003eGiangiacomo Rossetti: Selected Paintings, 2016–2026\u003c\/em\u003e, the first major monograph dedicated to Italian artist Giangiacomo Rossetti. Spanning a decade of the artist’s practice, the publication surveys 95 paintings created between 2016 and 2026, offering a comprehensive overview of Rossetti’s evolving practice. The catalogue also features an essay by curator Matilde Guidelli-Guidi.\u003c\/p\u003e","brand":"AMERICAN ART CATALOGUES","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":42776092606544,"sku":"9798897049165","price":16500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/files\/01_07bbaf4f-d87c-4ec1-81f1-403caa6dc1d3.jpg?v=1783990267"}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1415\/5034\/collections\/aac.jpg?v=1621993702","url":"https:\/\/twelve-books.com\/collections\/american-art-catalogues.oembed?page=3","provider":"twelvebooks","version":"1.0","type":"link"}